Nick Moran Trio • The Messenger

Nick Moran is a guitarist with an extraordinary touch and compositional sensibility. This project reveals Nick’s terrific understanding of melody and harmony, and more so, how to explore all of the colors of sound in the organ trio. Together with sidemen Ed Withrington on organ and Andy Watson on drums the band develops some very original contemporary themes and motifs.

This exciting set features nine original tunes by Moran that demonstrate a broad range of styles, from the down-home funkiness of Papa George to the lyrical introspection of Indigo City. The title track offers a contemporary sound coupled with a driving hard-bop swing section. On the high-energy Sensory Awakening, the trio burns with finesse. The Secret Life begins mysteriously, evoking a 60’s-era spy thriller soundtrack that eventually eases into a gentle mid-tempo bossa. The crackling drum intro to That Greasy Stuff sets off the in-the-pocket groove of this funky, 18-bar minor blues. Everyone takes sizzling solos here. The Black Rose is utterly poetic, driven by Watson’s beautiful mallet work. Like many tunes on this CD, Perfect Moment is a mix of the modern and the classic: the spacious opening pushes the boundaries of the classic organ trio sound both aurally and harmonically before settling into a samba groove. The CD closes with the rock-tinged Shorter Steps, a tribute to the compositions of Wayne Shorter which also recalls Pat Martino’s Joyous Lake-period. Moran’s sound here is unlike anything else on the CD, betraying his rock roots and his way of incorporating them into a jazz setting.

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Nick Moran es un guitarrista con un toque extraordinario y sensibilidad compositiva. Este proyecto revela la magnífica comprensión de Nick de la melodía y la armonía, y más aún, cómo explorar todos los colores del sonido en el trío de órgano. Junto con los sidemen Ed Withrington en el órgano y Andy Watson en la batería, la banda desarrolla algunos temas y motivos contemporáneos muy originales.

Este emocionante set incluye nueve melodías originales de Moran que demuestran una amplia gama de estilos, desde el funkiness down-home de Papa George hasta la introspección lírica de la Ciudad Índigo. La pista del título ofrece un sonido contemporáneo junto con una sección de swing de hard-bop de conducción. En el Despertar Sensorial de alta energía, el trío arde de finura. The Secret Life comienza misteriosamente, evocando una banda sonora de un thriller de espías de la era de los 60's que eventualmente se convierte en una suave bossa de medio tiempo. La chispeante introducción al tambor de That Greasy Stuff pone en marcha el ritmo en el bolsillo de este funky blues menor de 18 compases. Aquí todo el mundo toma solos chispeantes. La Rosa Negra es absolutamente poética, impulsada por el hermoso trabajo en mazo de Watson. Como muchos de los temas de este CD, Perfect Moment es una mezcla de lo moderno y lo clásico: la espaciosa apertura traspasa los límites del sonido del trío de órgano clásico, tanto desde el punto de vista fonético como armónico, antes de acomodarse en un ritmo de samba. El CD se cierra con Shorter Steps, un tributo a las composiciones de Wayne Shorter, que también recuerda el periodo del Lago de la Alegría de Pat Martino. El sonido de Moran aquí es diferente a cualquier otra cosa en el CD, traicionando sus raíces de rock y su manera de incorporarlas a un ambiente de jazz.

Restless • Why Don't You Just Rock

english info ...

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Restless fue formado en 1978 por Mark Harman (genio de la guitarra y cantante principal, además de compositor), Paul Harman (el hermano) en contrabajo, y Ben Cooper (batería y percusión). El nombre de la banda viene de una canción de Carl Perkins.

En 1981 sacan el EP «Restless», en una edición limitada de 400 ejemplares. Luego de publicar ‘Why Don’t You Just Rock!’, la banda estuvo tocando en el circuito habitual del rock ‘n roll por todo Inglaterra. Pero Restless tocaba con su propio estilo y fueron, sin duda, una de las más influyentes bandas del Neo-Rockabilly británico.

Jeff Bayly reemplazó a Paul en 1984 y Restless copó los Charts independientes de Gran Bretaña con «Mr. Blues».

En 1986 Restless optó por una segunda guitarra, y así se sumó al grupo Mick Malone.

Luego de la partida de Bayly y Cooper, Restless quiso disolverse. Pero la incorporación del ex-Frenzy/ ex-Sharks Steve Whitehouse (contrabajo) los volvió a la ruta. En 1989 Rob Tyler, uno de los más conocidos bateristas de rockabilly, también se unió a su compañero Mark Harman.

En 1998 Restless tocó su «último» show en Londres sólo para volver en 2002 con la formación original, que se había dividido en 1984.

 

Fernando Rusconi Hammond Organ Trio • Lost In Time

Revista veintitres 2012
Es el mayor referente del organo Hammond en la Argentina.

Pagina 12, 2010
“Lost in time” cuarto disco del organista considerado entre los 10 mejores discos del año 2010

La Nación 2011
Propone una música que no tiene edad ni lugar en el tiempo; sino que esta viva y se mueve…
Rusconi, es para quién no lo sepa, el nombre del Hammond en la Argentina desde hace unos años.

Club del disco 2010
“Lost in time” es el cuarto disco de Fernando Rusconi Hammond Organ Trío, que consagra a Rusconi como principal referente del órgano hammond en la escena musical de Argentina. En “Lost in time” se consolida un sonido que logra una fina mixtura de sonido tradicional y contemporáneo (…)

Revista RollingStone, 2010
El organista y compositor Fernando Rusconi se confirma como el émulo argentino de Jimmy Smith. Hard bop de proyección sideral, funk y soul, para musicalizar una de espías ambientada en los años 60 (…)

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The album Lost in time is a great gift of sound level international, as it could have been done anywhere in the United States, but no this is Argentina, and its title reflects this idea to propose a music that knows no age or place time ; it is alive and moves ...
Rusconi, is who does not know the name of Hammond in Argentina for the last few years ; is the largest collector of these instruments, and a leading interpreter, knower of all its bells and possibilities.
This fourth and final album presented to complete the combo of this interesting instrumentalist and prolific composer, has just been published . And it appears as directly with the label jazz & funk. But the music does not stop with that. More danceable night if wants ; with a lot of groove . In this case the accompanying trio format: Timothy Cid in battery coming from the rock, and played with the band The Balls, Axel Krygier, and swing groups .
Same school for guitarist Ryan Anderson, born in USA ( ... )
If you drooling with things like Medeski Martin & Wood, why not give the right keyboardist Rusconi, guitarist and drummer Ryan Anderson Timothy Cid? This album is a journey hung sometimes flasher and energy at times before, but always attractive, especially with the opening of " Under a superstition," the power of " The grosso " pulse and soul of "I to you. " Elegant and refined, with the right amount of virtuosity and blood drive, one of those records that conquer the heart almost immediately ( ... )

facebook.com/fernandorusconiorgantrio ...

Bud Freeman & Bucky Pizzarelli • Bucky & Bud

 

Guitarist Bucky Pizzarelli and tenor saxophonist Bud Freeman teamed up for this delightful set of swing standards, also including one basic original ("Blues for Tenor"). In addition to four quintet numbers with pianist Hank Jones, bassist Bob Haggart and drummer Ronnie Traxler, there are six duets between the co-leaders that are consistently memorable. Highlights of the date include "Tea for Two," "At Sundown," "You Took Advantage of Me" and "Dinah." Despite the 20-year difference in their ages (Bud was 69 while Bucky was 49), the two masterful musicians had no difficulty communicating throughout the classic LP, one of the finest put out by Bob Thiele's Flying Dutchman label and long overdue to be reissued on CD..
https://www.allmusic.com/album/buck-and-bud-mw0000882185?1656528870845

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El guitarrista Bucky Pizzarelli y el saxofonista tenor Bud Freeman se asociaron para este delicioso conjunto de estándares de swing, que también incluye un original básico ("Blues for Tenor"). Además de cuatro números de quinteto con el pianista Hank Jones, el bajista Bob Haggart y el baterista Ronnie Traxler, hay seis dúos entre los colíderes que son siempre memorables. Lo más destacado de la fecha es "Tea for Two", "At Sundown", "You Took Advantage of Me" y "Dinah". A pesar de la diferencia de 20 años en sus edades (Bud tenía 69 años mientras que Bucky tenía 49), los dos magistrales músicos no tuvieron ninguna dificultad para comunicarse a lo largo del clásico LP, uno de los mejores publicados por el sello Flying Dutchman de Bob Thiele y que debería haber sido reeditado en CD hace mucho tiempo...
https://www.allmusic.com/album/buck-and-bud-mw0000882185?1656528870845

Duke Jordan • Wait and See

 

Recorded at the same Copenhagen session that resulted in "Tivoli One" and "Tivoli Two," this trio set -- reissued on CD with two additional selections -- features pianist Duke Jordan, bassist Wilbur Little and drummer Dannie Richmond on seven Jordan originals (including his famous "Jordu"), "Misty" and "Out of Nowhere." Another excellent bop-oriented Duke Jordan session, one of many for SteepleChase.

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Grabado en la misma sesión de Copenhague que dio lugar a "Tivoli One" y "Tivoli Two", este conjunto de trío -reeditado en CD con dos selecciones adicionales- presenta al pianista Duke Jordan, al bajista Wilbur Little y al baterista Dannie Richmond en siete originales de Jordan (incluyendo su famoso "Jordu"), "Misty" y "Out of Nowhere". Otra excelente sesión de Duke Jordan orientada al bop, una de las muchas para SteepleChase.

McCoy Tyner • Extensions

 

mccoytyner.com ...

Cookin' On 3 Burners • Blind Bet

 Artist Biography by Rob Wacey

Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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 Biografía del artista por Rob Wacey
Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.

https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

www.cookinon3burners.com ...

 

 

Freddie Redd Quartet With Jackie McLean ‎• The Music From ''The Connection''

Review By EDDIE BECTON

December 2, 2005

Curtis Mayfield is often remembered for penning the popular theme "Freddie's Dead." The irony of this title echoes sentiments of out-of-the-loop jazzers who thought iconic Blue Note pianist Freddie Redd made the passage. Redd, the lyrical comrade of Horace Silver and disciple of Bud Powell, is still very much alive and well, performing more regularly in Los Angeles.

The Music from The Connection reflects the turmoil, redemption, and salvation of its characters. The Connection was actually a 1959 play, and the members of the band—Redd, Jackie McLean (alto saxophone), Michael Mattos (bass), and Larry Ritchie (drums)—were cast in it as themselves. Redd astutely suggested that band members play themselves so as to increase their notoriety and recognition.

This disc is valuable not only for its significance as the original score to its namesake play, but also for Redd's ability to musically capture a turbulent social climate. The sensibility and musical articulation are outstanding. And once again, Redd demonstrates his own voice along with giants he's influenced and vice versa. One of the most talented pianists of the hard bop era, Redd is still very much alive and his music always will be.

https://www.allaboutjazz.com/the-music-from-the-connection-freddie-redd-blue-note-records-review-by-eddie-becton.php

Artist Biography by Scott Yanow

A classic bop pianist and a composer of haunting melodies, Freddie Redd has had an episodic career, with high points followed by periods in which he maintained a low profile. After a period in the Army (1946-1949), Redd worked with drummer Johnny Mills and then in New York played with Tiny Grimes (with whom he recorded), Cootie Williams, Oscar Pettiford, and the Jive Bombers. Redd, who appeared with both jazz and early R&B groups, recorded his debut as a leader for Prestige in 1955 (reissued in the OJC series), appeared on dates led by Gene Ammons and Art Farmer, and toured Sweden in 1956 with Ernestine Anderson and Rolf Ericson, cutting an obscure trio set in Sweden for the Metronome label. When he returned to the U.S., Redd settled for a time in San Francisco, where he worked as the house pianist at Bop City and recorded for Riverside. He found his greatest fame when he wrote the music for the play The Connection. He acted and played in the landmark show in New York, London, and Paris, was in the film, and recorded the music for Blue Note, the first of his three sessions for the label (all of which were reissued in a Mosaic limited-edition box set containing either two CDs or three LPs). Unfortunately, there were no encore writing assignments, and Redd soon moved to Europe, where he performed regularly but became quite obscure in the U.S. In 1974 he moved to Los Angeles, but despite worthy sessions for Interplay (1977), Uptown (1985), Triloka (1988), and Milestone (1990), Freddie Redd has remained an underrated great, still playing into his eighties during the 21st century without gaining the level of recognition he most certainly deserves.

https://www.allmusic.com/artist/freddie-redd-mn0000798777/biography

 

Note: Freddie Redd passed away in 2021.

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Reseña de EDDIE BECTON
2 de diciembre de 2005

Curtis Mayfield es a menudo recordado por haber escrito el popular tema "Freddie's Dead". La ironía de este título se hace eco de los sentimientos de los jazzistas fuera de onda que pensaban que el icónico pianista de Blue Note Freddie Redd había hecho el pasaje. Redd, camarada lírico de Horace Silver y discípulo de Bud Powell, sigue muy vivo y actuando con más regularidad en Los Ángeles.

La música de The Connection refleja la agitación, la redención y la salvación de sus personajes. The Connection fue en realidad una obra de teatro de 1959, y los miembros de la banda -Redd, Jackie McLean (saxo alto), Michael Mattos (bajo) y Larry Ritchie (batería)- actuaron en ella como ellos mismos. Redd sugirió astutamente que los miembros de la banda se interpretaran a sí mismos para aumentar su notoriedad y reconocimiento.

Este disco es valioso no sólo por su importancia como partitura original de su obra homónima, sino también por la capacidad de Redd para captar musicalmente un clima social turbulento. La sensibilidad y la articulación musical son extraordinarias. Y una vez más, Redd demuestra su propia voz junto con la de los gigantes a los que ha influido y viceversa. Uno de los pianistas con más talento de la era del hard bop, Redd sigue muy vivo y su música siempre lo estará.
https://www.allaboutjazz.com/the-music-from-the-connection-freddie-redd-blue-note-records-review-by-eddie-becton.php


Biografía del artista por Scott Yanow
Pianista de bop clásico y compositor de melodías inquietantes, Freddie Redd ha tenido una carrera episódica, con puntos álgidos seguidos de períodos en los que mantuvo un perfil bajo. Tras un periodo en el ejército (1946-1949), Redd trabajó con el baterista Johnny Mills y luego en Nueva York tocó con Tiny Grimes (con quien grabó), Cootie Williams, Oscar Pettiford y los Jive Bombers. Redd, que apareció tanto en grupos de jazz como de R&B, grabó su debut como líder para Prestige en 1955 (reeditado en la serie OJC), apareció en fechas dirigidas por Gene Ammons y Art Farmer, y realizó una gira por Suecia en 1956 con Ernestine Anderson y Rolf Ericson, grabando un oscuro conjunto de trío en Suecia para el sello Metronome. Cuando regresó a los Estados Unidos, Redd se estableció durante un tiempo en San Francisco, donde trabajó como pianista de la casa en Bop City y grabó para Riverside. Encontró su mayor fama cuando escribió la música para la obra de teatro The Connection. Actuó y tocó en el emblemático espectáculo en Nueva York, Londres y París, participó en la película y grabó la música para Blue Note, la primera de sus tres sesiones para el sello (todas ellas reeditadas en una caja de edición limitada de Mosaic que contiene dos CD o tres LP). En 1974 se trasladó a Los Ángeles, pero a pesar de las valiosas sesiones para Interplay (1977), Uptown (1985), Triloka (1988) y Milestone (1990), Freddie Redd sigue siendo un gran músico infravalorado, que sigue tocando a sus ochenta años en el siglo XXI sin obtener el nivel de reconocimiento que sin duda merece.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-redd-mn0000798777/biography

Nota: Freddie Redd falleció en 2021.

The Jazz Crusaders • Lookin' Ahead

Reseña de Scott Yanow

La segunda grabación de los Jazz Crusaders destaca por la introducción de "The Young Rabbits" de Wayne Henderson, el más conocido de los siete grupos originales que se interpretan en este LP junto con "Song of India" y "Tonight" de Leonard Bernstein. La primera línea de trombones de tenor creada por Wilton Felder y Henderson, junto con el toque funky y swinging del pianista Joe Sample, el baterista Stix Hooper y el bajista Jimmy Bond en este set difícil de encontrar, hicieron que el grupo fuera reconocible al instante y sorprendentemente popular desde el principio.

The Crusaders, llamados originalmente The Jazz Crusaders. es un grupo norteamericano de soul jazz, jazz fusión y funk, creado en 1961 y que han editado más de 40 álbumes.

El grupo "The Jazz Crusaders" fue formado por el trombonista Wayne Henderson, el saxofonista Wilton Felder, el teclista Joe Sample y el baterista Stix Hooper, a los que se unieron el guitarrista Roy Gaines y el contrabajista Jimmy Bond, en 1961,1 aunque ya con anterioridad habían trabajado juntos, llegando a grabar un par de singles, bajo el nombre de "The Nite Hawks". Todos ellos eran originarios de Houston (Texas), aunque residían en California, siendo muy activos en la escena de jazz de la Costa Oeste. Su primer disco se llamó The Freedom Sound y fue publicado por el sello Pacific Jazz, que sería su compañía hasta 1969. El estilo del grupo, en esta época, oscilaba alrededor del funky jazz.

Época de mayor éxito.

En 1971, al escorarse su música hacía el r&b y el pop, mofidicaron su nombre eliminando la palabra "jazz" y adoptando un estilo más cercano al funk, incorporando a la banda al guitarrista Larry Carlton y al bajista Robert Popwell. La nueva tendencia crossover de la banda, hizo que sus discos comenzaran a aparecer en las listas de ventas de Billboard, consiguiendo su mayor éxito con el álbum "Street life" (1979), que consiguió alcanzar el nº 36 en el Billboard Hot 100, y su single entró en el Top 10 de R&B. Durante su época de mayor éxito, The Crusaders trabajaron como músicos de respaldo a un gran número de artistas, como Marvin Gaye, Steely Dan, Donald Fagen o Joni Mitchell.

En 1975, Henderson dejó la banda para proseguir su carrera como músico y como productor discográfico. Más tarde, 1983, Hooper también abandonó al grupo. Estos cambios modificaron la línea musical de la banda, que acabó por desaparecer a comienzos de la década de 1990. Sin embargo, en 1995, Wayne Henderson, junto a Wilton Felder y Larry Carlton, rehizo la banda para grabar una serie de discos, bajo el nombre nuevamente de "Jazz Crusaders", aunque con poca relación musical con el grupo original. La banda vuelve a deshacerse a comienzos de la década de 2000.

En 2003, serán Joe Sample y Stix Hooper, junto con Felder, quienes revivan al grupo para grabar un disco, en el que intervienen como guitarristas Eric Clapton y Ray Parker, bajo el nombre de "The Crusaders". La banda no publica más discos, pero en 2010 se produce una reunión de Sample, Felder y Henderson (sin Hooper), para realizar una gira. Wiki

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Review by Scott Yanow

The Jazz Crusaders' second recording is most notable for the introduction of Wayne Henderson's "The Young Rabbits," the best-known of the seven group originals which are performed on this LP along with "Song of India" and Leonard Bernstein's "Tonight." The tenor-trombone frontline created by Wilton Felder and Henderson, along with the funky yet swinging playing of pianist Joe Sample, drummer Stix Hooper and bassist Jimmy Bond on this hard-to-find set made the group instantly recognizable and surprisingly popular from the start.

The Crusaders were an American music group popular in the early 1970s known for their amalgamated jazz, pop, and soul sound. Since 1961, forty albums have been credited to the group (some live and compilations), 19 of which were recorded under the name "The Jazz Crusaders" (1961–1970).

In 1960, following the demise of a few short-lived Houston-based groups called The Swingsters and the Nite Hawks, Joe Sample (piano), Stix Hooper (drums), Wilton Felder (saxophone), and Wayne Henderson (trombone), relocated to Los Angeles, CA. After changing their name to "The Jazz Crusaders," the group signed with Pacific Jazz Records, where they would remain throughout the 1960s. Employing a two-manned front-line horn section (trombone and tenor saxophone), the group's sound was rooted in hard bop, with an emphasis on R&B and soul.

The group shortened their name to "The Crusaders" in 1971, and adopted a jazz-funk style.They also incorporated the electric bass and electric guitar into their music. Bass guitarist Robert "Pops" Popwell and guitarist Larry Carlton joined the band, and featured on the group's albums throughout most of the 1970s. With this new style came increased crossover appeal, and the group's recordings started to appear on the Billboard pop charts. The height of the group's commercial success came with 1979's Street Life, with Randy Crawford as featured singer, which peaked at No. 18 on the pop album charts and the title track from the album made the Top 10 on the R&B chart and No. 36 on Billboard′s Hot 100 chart.

In 1975, following the release of their 28th album (their ninth as The Crusaders), Henderson left the group to pursue a full-time career as a producer. His departure created a void, permanently changing the character of the group. Another founding member, Hooper, left the group in 1983, thus signaling the end to the group's most popular period. Three more albums were recorded in the mid-1980s; however by the 1990s, The Crusaders, for the most part, had disbanded, with a comprehensive discography behind them.

The Crusaders performing at Knebworth Park, UK, as part of the Capitol Radio Jazz Festival, 1982

In 1991, The Crusaders (with Sample and Felder the only original members present) released Healing the Wounds. The album peaked at No. 1 on the Top Contemporary Jazz chart and No. 174 on the Billboard 200. The group did not release any more albums during the decade, as Sample focused on a solo career.

Henderson, who had left the group in 1975, revived the "Jazz Crusaders" moniker (despite Sample's objections) for 1995's Happy Again. The lineup for Happy Again included founding member Wilton Felder and former Crusaders guitarist Larry Carlton. The new Jazz Crusaders released a series of recordings in the late 1990s, but the music bore little resemblance to the acoustic, hard bop style of the original group, instead emphasizing synthesizers, sampling, electronics, and drum machines in the style of smooth jazz, rap music, or contemporary R&B.

In 2003, founding members Sample, Felder and Hooper revived The Crusaders and released Rural Renewal. Ray Parker Jr. and Eric Clapton played guitar on the album. That same year, the Henderson-led Jazz Crusaders released Soul Axess.

In April 2010, Joe Sample announced a reunion tour with Wayne Henderson and Wilton Felder (but not Stix Hooper) - the first reunion of these founding members of the Jazz Crusaders since 1974. Henderson died on April 5, 2014. Joe Sample died in Houston on September 12, 2014. Felder died on September 27, 2015.  Wiki

Eric Alexander Quartet • Gentle Ballads VI

 

Artist Biography

Boasting a warm, finely burnished tone and a robust melodic and harmonic imagination, tenor saxophonist Eric Alexander has been exploring new musical worlds from the outset. He started out on piano as a six-year-old, took up clarinet at nine, switched to alto sax when he was 12, and converted to tenor when jazz became his obsession during his one year at the University of Indiana, Bloomington (1986-87). At William Paterson College in New Jersey he advanced his studies under the tutelage of Harold Mabern, Joe Lovano, Rufus Reid, and others. "The people I listened to in college are still the cats that are influencing me today," says Alexander. "Monk, Dizzy, Sonny Stitt, Clifford Brown, Sonny Rollins, Jackie McLean, Joe Henderson--the legacy left by Bird and all the bebop pioneers, that language and that feel, that's the bread and butter of everything I do. George Coleman remains a big influence because of his very hip harmonic approach, and I'm still listening all the time to Coltrane because I feel that even in the wildest moments of his mid- to late-Sixties solos I can find these little kernels of melodic information and find ways to employ them in my own playing."

During the 1990s, after placing second behind Joshua Redman in the 1991 Thelonious Monk International Saxophone Competition, Alexander threw himself into the whirlwind life of a professional jazz musician. He played with organ trios on the South Side of Chicago, made his recording debut in 1991 with Charles Earland on Muse Records, and cut his first album as leader in 1992 (Straight Up for Delmark). More recordings followed for numerous labels, including Milestone and others, leading to 1997's Man with a Horn; the 1998 collaborative quartet session with George Mraz, John Hicks, and Idris Muhammad, Solid!; and, that same year, the first recording by One For All, Alexander's ongoing band with Jim Rotondi, Steve Davis, Joe Farnsworth, Peter Washington, and Dave Hazeltine.

Eric has appeared in many capacities on record, including leader, sideman, producer as well as composing a number of the tunes he records. By now, Alexander has lost count of how many albums feature his playing; he guesses 80 or 90. While he has garnered critical acclaim from every corner, what has mattered most has been to establish his own voice within the illustrious bop-based jazz tradition.

In 2004, Eric signed an exclusive contract with the New York-based independent jazz label, HighNote Records where he has amassed a considerable discography of critically-acclaimed recordings. Most recent among them is “Chicago Fire” HCD 7262, “The Real Thing” with Pat Martino HCD 7278 and “Second Impression” HCD 7296.  Eric’s most recent HighNote release, “Song of No Regrets,”(HCD 7311) was featured in Downbeat’s “Hot Box”.  He is currently working on a new recording project which will see commercial release in mid-2019.

Eric continues to tour the world over to capacity audiences. Using NYC as his home base he can regularly be seen in the city’s most prestigious jazz clubs.

https://www.ericalexanderjazz.com/bio

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Biografía del artista

El saxofonista tenor Eric Alexander, con un tono cálido y finamente pulido y una imaginación melódica y armónica robusta, ha estado explorando nuevos mundos musicales desde el principio. Comenzó a tocar el piano a los seis años, comenzó a tocar el clarinete a los nueve, cambió al saxo alto a los doce y se convirtió al tenor cuando el jazz se convirtió en su obsesión durante su primer año en la Universidad de Indiana, Bloomington (1986-87). En el William Paterson College de Nueva Jersey avanzó sus estudios bajo la tutela de Harold Mabern, Joe Lovano, Rufus Reid y otros. "Las personas a las que escuché en la universidad siguen siendo los gatos que me influyen hoy en día", dice Alexander. "Monk, Dizzy, Sonny Stitt, Clifford Brown, Sonny Rollins, Jackie McLean, Joe Henderson, el legado dejado por Bird y todos los pioneros del bebop, ese lenguaje y esa sensación, es el pan de cada cosa que hago. George Coleman sigue siendo una gran influencia debido a su enfoque armónico de cadera, y sigo escuchando a Coltrane todo el tiempo porque siento que incluso en los momentos más salvajes de sus solos de mediados a finales de los años sesenta puedo encontrar estos pequeños núcleos de información melódica y encontrar maneras de emplearlos en mi propia interpretación".

Durante la década de 1990, después de quedar segundo detrás de Joshua Redman en el Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk de 1991, Alexander se lanzó al torbellino de la vida de un músico profesional de jazz. Tocó con tríos de órgano en el South Side de Chicago, hizo su debut discográfico en 1991 con Charles Earland en Muse Records, y grabó su primer álbum como líder en 1992 (Straight Up for Delmark). Siguieron más grabaciones para numerosos sellos discográficos, entre ellos Milestone y otros, que condujeron a Man with a Horn de 1997; la sesión de cuarteto colaborativo de 1998 con George Mraz, John Hicks, e Idris Muhammad, Solid! y, ese mismo año, la primera grabación de One For All, la banda de Alexander con Jim Rotondi, Steve Davis, Joe Farnsworth, Peter Washington, y Dave Hazeltine.

Eric ha aparecido en muchos puestos en los discos, incluyendo el de líder, ayudante, productor y compositor, además de componer varias de las canciones que graba. A estas alturas, Alexander ya ha perdido la cuenta de cuántos álbumes incluye su música; adivina 80 o 90. Aunque ha cosechado elogios de la crítica de todos los rincones, lo que más ha importado ha sido establecer su propia voz dentro de la ilustre tradición del jazz basada en el bop.

En 2004, Eric firmó un contrato exclusivo con el sello independiente de jazz HighNote Records, con sede en Nueva York, donde ha acumulado una considerable discografía de grabaciones aclamadas por la crítica. El más reciente es "Chicago Fire" HCD 7262, "The Real Thing" con Pat Martino HCD 7278 y "Second Impression" HCD 7296.  El más reciente lanzamiento de Eric en HighNote, "Song of No Regrets" (HCD 7311) fue presentado en "Hot Box" de Downbeat.  Actualmente está trabajando en un nuevo proyecto de grabación que saldrá a la venta a mediados de 2019.

Eric sigue haciendo giras por todo el mundo con un público muy numeroso. Usando la ciudad de Nueva York como su base de operaciones, puede ser visto regularmente en los clubes de jazz más prestigiosos de la ciudad.

https://www.ericalexanderjazz.com/bio

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Eric Alexander Quartet • Gentle Ballads I

Review by Ken Dryden

In addition to being one of the top tenor saxophonists of his generation, Eric Alexander has developed quite a following in Japan, as evidenced by his series of recordings for the Venus label. These 2004 sessions with pianist Mike LeDonne, bassist John Webber, and drummer Joe Farnsworth are much in the mold of John Coltrane's Ballads album of the early '60s. His rich, big-toned tenor is rhapsodic as he explores a number of timeless ballads, though more than a few have pretty much fallen out of favor among jazz musicians in the 21st century. Particularly welcome are his explorations of two gems by the late jazz pianist Mal Waldron, while the leader's "Gently" fits in perfectly with the more established pieces. Earle Hagen's "Harlem Nocturne" is played in two separate versions, the first being a bit laid-back, the latter at a brisk tempo with LeDonne adding an enticing vamp. The bluesy treatment of "Stormy Weather" is strangely credited to Duke Ellington, while Alexander's shimmering take of Billy Strayhorn's gorgeous "Chelsea Bridge" is an obvious highlight.

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Traducción Automática:
Revisión por Ken Dryden

Además de ser uno de los saxofonistas más importantes de su generación, Eric Alexander ha desarrollado muchos seguidores en Japón, como lo demuestra su serie de grabaciones para el sello Venus. Estas sesiones de 2004 con el pianista Mike LeDonne, el bajista John Webber y el baterista Joe Farnsworth están en el molde del álbum Ballads de John Coltrane de principios de los sesenta. Su tenor rico y de gran tono es rapsódico, ya que explora una serie de baladas atemporales, aunque más de unos pocos han perdido el favor entre los músicos de jazz en el siglo XXI. Particularmente bienvenidas son sus exploraciones de dos gemas del difunto pianista de jazz Mal Waldron, mientras que el líder "Gentilmente" encaja perfectamente con las piezas más establecidas. El "Harlem Nocturne" de Earle Hagen se juega en dos versiones separadas, la primera es un poco relajada, la última a un ritmo rápido con LeDonne agregando un vampiro seductor. El tratamiento de blues del "Clima tempestuoso" se atribuye de manera extraña a Duke Ellington, mientras que la brillante toma de Alexander del hermoso "Puente de Chelsea" de Billy Strayhorn es un destaque evidente.

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Eric Alexander Quartet • Gentle Ballads II

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Eric Alexander Quartet • Gentle Ballads III

Artist Biography

Boasting a warm, finely burnished tone and a robust melodic and harmonic imagination, tenor saxophonist Eric Alexander has been exploring new musical worlds from the outset. He started out on piano as a six-year-old, took up clarinet at nine, switched to alto sax when he was 12, and converted to tenor when jazz became his obsession during his one year at the University of Indiana, Bloomington (1986-87). At William Paterson College in New Jersey he advanced his studies under the tutelage of Harold Mabern, Joe Lovano, Rufus Reid, and others. "The people I listened to in college are still the cats that are influencing me today," says Alexander. "Monk, Dizzy, Sonny Stitt, Clifford Brown, Sonny Rollins, Jackie McLean, Joe Henderson--the legacy left by Bird and all the bebop pioneers, that language and that feel, that's the bread and butter of everything I do. George Coleman remains a big influence because of his very hip harmonic approach, and I'm still listening all the time to Coltrane because I feel that even in the wildest moments of his mid- to late-Sixties solos I can find these little kernels of melodic information and find ways to employ them in my own playing."

During the 1990s, after placing second behind Joshua Redman in the 1991 Thelonious Monk International Saxophone Competition, Alexander threw himself into the whirlwind life of a professional jazz musician. He played with organ trios on the South Side of Chicago, made his recording debut in 1991 with Charles Earland on Muse Records, and cut his first album as leader in 1992 (Straight Up for Delmark). More recordings followed for numerous labels, including Milestone and others, leading to 1997's Man with a Horn; the 1998 collaborative quartet session with George Mraz, John Hicks, and Idris Muhammad, Solid!; and, that same year, the first recording by One For All, Alexander's ongoing band with Jim Rotondi, Steve Davis, Joe Farnsworth, Peter Washington, and Dave Hazeltine.

Eric has appeared in many capacities on record, including leader, sideman, producer as well as composing a number of the tunes he records. By now, Alexander has lost count of how many albums feature his playing; he guesses 80 or 90. While he has garnered critical acclaim from every corner, what has mattered most has been to establish his own voice within the illustrious bop-based jazz tradition.

In 2004, Eric signed an exclusive contract with the New York-based independent jazz label, HighNote Records where he has amassed a considerable discography of critically-acclaimed recordings. Most recent among them is “Chicago Fire” HCD 7262, “The Real Thing” with Pat Martino HCD 7278 and “Second Impression” HCD 7296.  Eric’s most recent HighNote release, “Song of No Regrets,”(HCD 7311) was featured in Downbeat’s “Hot Box”.  He is currently working on a new recording project which will see commercial release in mid-2019.

Eric continues to tour the world over to capacity audiences. Using NYC as his home base he can regularly be seen in the city’s most prestigious jazz clubs.

https://www.ericalexanderjazz.com/bio

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Biografía del artista

El saxofonista tenor Eric Alexander, con un tono cálido y finamente pulido y una imaginación melódica y armónica robusta, ha estado explorando nuevos mundos musicales desde el principio. Comenzó a tocar el piano a los seis años, comenzó a tocar el clarinete a los nueve, cambió al saxo alto a los doce y se convirtió al tenor cuando el jazz se convirtió en su obsesión durante su primer año en la Universidad de Indiana, Bloomington (1986-87). En el William Paterson College de Nueva Jersey avanzó sus estudios bajo la tutela de Harold Mabern, Joe Lovano, Rufus Reid y otros. "Las personas a las que escuché en la universidad siguen siendo los gatos que me influyen hoy en día", dice Alexander. "Monk, Dizzy, Sonny Stitt, Clifford Brown, Sonny Rollins, Jackie McLean, Joe Henderson, el legado dejado por Bird y todos los pioneros del bebop, ese lenguaje y esa sensación, es el pan de cada cosa que hago. George Coleman sigue siendo una gran influencia debido a su enfoque armónico de cadera, y sigo escuchando a Coltrane todo el tiempo porque siento que incluso en los momentos más salvajes de sus solos de mediados a finales de los años sesenta puedo encontrar estos pequeños núcleos de información melódica y encontrar maneras de emplearlos en mi propia interpretación".

Durante la década de 1990, después de quedar segundo detrás de Joshua Redman en el Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk de 1991, Alexander se lanzó al torbellino de la vida de un músico profesional de jazz. Tocó con tríos de órgano en el South Side de Chicago, hizo su debut discográfico en 1991 con Charles Earland en Muse Records, y grabó su primer álbum como líder en 1992 (Straight Up for Delmark). Siguieron más grabaciones para numerosos sellos discográficos, entre ellos Milestone y otros, que condujeron a Man with a Horn de 1997; la sesión de cuarteto colaborativo de 1998 con George Mraz, John Hicks, e Idris Muhammad, Solid! y, ese mismo año, la primera grabación de One For All, la banda de Alexander con Jim Rotondi, Steve Davis, Joe Farnsworth, Peter Washington, y Dave Hazeltine.

Eric ha aparecido en muchos puestos en los discos, incluyendo el de líder, ayudante, productor y compositor, además de componer varias de las canciones que graba. A estas alturas, Alexander ya ha perdido la cuenta de cuántos álbumes incluye su música; adivina 80 o 90. Aunque ha cosechado elogios de la crítica de todos los rincones, lo que más ha importado ha sido establecer su propia voz dentro de la ilustre tradición del jazz basada en el bop.

En 2004, Eric firmó un contrato exclusivo con el sello independiente de jazz HighNote Records, con sede en Nueva York, donde ha acumulado una considerable discografía de grabaciones aclamadas por la crítica. El más reciente es "Chicago Fire" HCD 7262, "The Real Thing" con Pat Martino HCD 7278 y "Second Impression" HCD 7296.  El más reciente lanzamiento de Eric en HighNote, "Song of No Regrets" (HCD 7311) fue presentado en "Hot Box" de Downbeat.  Actualmente está trabajando en un nuevo proyecto de grabación que saldrá a la venta a mediados de 2019.

Eric sigue haciendo giras por todo el mundo con un público muy numeroso. Usando la ciudad de Nueva York como su base de operaciones, puede ser visto regularmente en los clubes de jazz más prestigiosos de la ciudad.

https://www.ericalexanderjazz.com/bio

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Eric Alexander Quartet • Gentle Ballads IV

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Eric Alexander Quartet • Gentle Ballads V

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Ehud Asherie • Lockout

 

Review
by Stewart Mason  
Israeli-born, New York-based post-bop pianist Ehud Asherie makes his debut as a leader with the unflashy small-combo set Lockout. Leading a solos-discouraged rhythm section (bassist Joel Forbes and drummer Phil Stewart) alongside a front line of trumpeter Ryan Kisor and tenor Grant Stewart (with whose quartet the young pianist got his first major exposure) on a set evenly split between originals and standards, Asherie generally keeps the tempos fleet and the spotlight moving. Asherie, Stewart, and Kisor all get their showcases, Stewart's most impressive workout coming on a briskly paced run through Dizzy Gillespie's "Shaw 'Nuff" that's so speedy that the leader himself nearly falls apart at one point on his solo. But Asherie isn't afraid of lyricism, either, as evinced by his lovely, Tommy Flanagan-like solo intro to a reflective take on Irving Berlin's "Isn't This a Lovely Day?" Though Lockout is a completely straightforward set that rarely strays out of its comfort zone, that's not a fault on its part: this music's melodic invention and rhythmic ease are the result of its players' well-earned confidence, which makes Lockout a low-key gem.
https://www.allmusic.com/album/lockout-mw0000782764

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Reseña
por Stewart Mason  
El pianista post-bop Ehud Asherie, nacido en Israel y afincado en Nueva York, debuta como líder con el poco llamativo conjunto de pequeños combos Lockout. Al frente de una sección rítmica que no hace solos (el bajista Joel Forbes y el baterista Phil Stewart) junto con el trompetista Ryan Kisor y el tenor Grant Stewart (con cuyo cuarteto el joven pianista tuvo su primera exposición importante) en un conjunto dividido por igual entre originales y estándares, Asherie generalmente mantiene los tempos rápidos y el protagonismo. Asherie, Stewart y Kisor se lucen, y el ejercicio más impresionante de Stewart se produce en una carrera de ritmo rápido a través de "Shaw 'Nuff" de Dizzy Gillespie que es tan rápida que el propio líder casi se desmorona en un momento de su solo. Pero a Asherie tampoco le asusta el lirismo, como demuestra su encantadora introducción al solo, al estilo de Tommy Flanagan, en una versión reflexiva de "Isn't This a Lovely Day" de Irving Berlin. Aunque Lockout es un conjunto completamente directo que rara vez se aleja de su zona de confort, eso no es un fallo por su parte: la invención melódica y la facilidad rítmica de esta música son el resultado de la bien ganada confianza de sus músicos, lo que hace de Lockout una joya de bajo perfil.
https://www.allmusic.com/album/lockout-mw0000782764

 

ehudpiano.com ...
 
 

McCoy Tyner • Asante

 

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Cory Weeds-Bill Coon • With Benefits

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Charlie Apicella & Iron City • Groove Machine

 

Charlie Apicella & Iron City are a torch bearer of the classic guitar/organ sound and Groove Machine is a return to form for the New York guitarist's catchy, swinging original compositions.
Straight out of the classic 1960s hard bop era and showcasing the band's deep interplay, the 3rd recording by Apicella, organist Radam Schwartz, saxophonist Gene Ghee, and drummer Alan Korzin, is packed with burning solos, Charlie's tight arrangements, and an unrelenting groove that defines the character of Iron City. Special guests include Freddie Hendrix on trumpet, Mayra Casales on congas and violinist Amy Bateman.
As a player, Apicella immediately brings to mind Grant Green. He's funky, he's bluesy, and he's not afraid to get dirty at times. Apicella and band have that perfect jazz rapport that allows them to be tight as hell and play off each other beautifully." - Vintage Guitar Magazine.

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Charlie Apicella & Iron City son portadores de la antorcha del sonido clásico de guitarra y órgano, y Groove Machine es un retorno a la forma de las pegadizas y oscilantes composiciones originales del guitarrista neoyorquino.
Directamente de la era clásica del hard bop de los 60 y mostrando la profunda interacción de la banda, la tercera grabación de Apicella, el organista Radam Schwartz, el saxofonista Gene Ghee y el baterista Alan Korzin, está repleta de ardientes solos, los ajustados arreglos de Charlie y un implacable groove que define el carácter de Iron City. Entre los invitados especiales se encuentran Freddie Hendrix a la trompeta, Mayra Casales a las congas y la violinista Amy Bateman.
Como músico, Apicella recuerda inmediatamente a Grant Green. Es funky, es bluesy y no tiene miedo de ensuciarse a veces. Apicella y la banda tienen esa perfecta compenetración jazzística que les permite estar muy unidos y tocar el uno con el otro maravillosamente". - Revista Vintage Guitar.

 
www.ironcity.nyc ...

 Colaborador / Contributor:  Mich58

 

Yusef Lateef • Lost In Sound

Review by Stephen Thomas Erlewine

Despite its questionable origins, Lost in Sound is an enjoyable early '60s session from Yusef Lateef that captures the multi-instrumentalist as he was beginning to break free from hard-bop and explore more adventurous avenues. It's not nearly as focused or strong as the major-label sessions he led during the early '80s, but dedicated collectors will find much to treasure and explore here.

https://www.allmusic.com/album/lost-in-sound-mw0000032416

 Yusef Lateef was born William Emanuel Huddleston in Chattanooga, Tennessee on October 9th, 1920. At the age of 5 he moved with his family to Detroit. Growing up in Detroit he came in contact and forged friendships with many a giant of jazz such as Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers, and Donald Byrd. By the time he graduated from high school he was a proficient tenor saxophonist. He started soon after graduation playing professionally and touring with different swing orchestras among them those of Hot Lips Page, Roy Eldridge and Lucky Millender. In 1949 he joined Dizzy Gillespie’s orchestra (using the stage name William Evans), and stayed with them for one year. In 1950 he returned to Detroit and to enrolled in the Wayne State University’s Music Department and studying composition and flute. During his tenure at Wayne State he converted to Islam and changed his name to Yusef Lateef. He stayed in Detroit until 1960 and during this decade he led his own quintet for a while, recorded his first album as a leader for the Savoy label, Stable Mates, and furthered his musical education by studying oboe with Ronald Odemark of the Detroit Symphony Orchestra.

In 1960 he returned to New York and enrolled in the Manhattan School of Music to further his studies in flute and music education. Over the next 10 years he recorded several records as a leader and played on many more under other musicians’ leadership, toured with Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie and Babatunde Olatunji and obtained a BA in music and a MA in music education. Among the highlights of his recording career from this decade are Eastern Sounds, Live at Pep’s and The Golden Flute. One can already hear on these records the incorporation of different eastern musical influences into the more straight-ahead jazz idiom. These albums also are one of the first places one can hear Dr Lateef play different reed instruments including the bassoon, bamboo flute, shanai, shofar, argol, sarewa, and taiwan koto. During the 70s he taught courses in autophysiopsychic music (which comes from one’s spiritual, physical and emotional self) at the music theory department in the Manhattan School of Music. From 1972 till 1976, he was an associate professor of music at the Borough of Manhattan Community College.

In 1975 he was awarded a Ph.D. in Education from University of Massachusetts in Amherst, MA and he continues to be a professor there. Suite 16 or Blues Suite, Dr. Lateef’s first work for large orchestra, premiered in 1969 at the Georgia Symphony Orchestra in Augusta and it was performed in 1970 by the Detroit Symphony Orchestra at the Meadowbrook Music Festival, and recorded by the WDR Orchestra in Cologne. The NDR Radio Orchestra of Hamburg commissioned him to compose the tone poem “Lalit,” in 1974. He also recorded his Symphony No.1 with the same orchestra later that year. He has toured the world with his ensembles and other musicians performing in concert halls and music festivals.

The recorded highlight of this stage of his career is Autophysiopsychic. In the 80s Dr. Lateef spent 4 years at the Center for Nigerian Cultural Studies at Ahmadu Bello University in Zaria, Nigeria researching the Fulani flute. In 1987 he won a Grammy for Yusef Lateef’s Little Symphony.

In 1992 he established his own label YAL. In 1993 Yusef Lateef’ composed his most ambitious work to date, The African American Epic Suite, a four-movement work for quintet and orchestra dedicated to 400 years of African American history. It premiered with the WDR orchestra and later was also performed by the Atlanta Symphony Orchestra and by the Detroit Symphony Orchestra. Among his lesser known accomplishments are 3 works of fiction; A Night in the Garden of Love and two collections of short stories, Spheres and Rain Shapes.

Yusef Lateef died at his home in Shutesbury, Massachusetts in December 2013; he was 93 years old.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine

A pesar de sus cuestionables orígenes, Lost in Sound es una agradable sesión de principios de los'60 de Yusef Lateef que captura al multi-instrumentista cuando comenzaba a liberarse del hard-bop y a explorar avenidas más aventureras. No es tan enfocado o fuerte como las sesiones de las grandes marcas que dirigió a principios de los 80, pero los coleccionistas dedicados encontrarán mucho que atesorar y explorar aquí.

https://www.allmusic.com/album/lost-in-sound-mw0000032416

 Yusef Lateef nació como William Emanuel Huddleston en Chattanooga, Tennessee el 9 de octubre de 1920. A la edad de 5 años se mudó con su familia a Detroit. Al crecer en Detroit, entró en contacto y forjó amistades con muchos gigantes del jazz como Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers y Donald Byrd. Para cuando se graduó de la escuela secundaria era un saxofonista tenor competente. Comenzó poco después de su graduación tocando profesionalmente y de gira con diferentes orquestas de swing, entre ellas las de Hot Lips Page, Roy Eldridge y Lucky Millender. En 1949 se unió a la orquesta de Dizzy Gillespie (con el nombre artístico de William Evans), y permaneció con ellos durante un año. En 1950 regresó a Detroit y se matriculó en el Departamento de Música de la Universidad Estatal de Wayne, donde estudió composición y flauta. Durante su permanencia en el Estado de Wayne se convirtió al Islam y cambió su nombre a Yusef Lateef. Permaneció en Detroit hasta 1960 y durante esta década dirigió su propio quinteto por un tiempo, grabó su primer álbum como líder del sello Savoy, Stable Mates, y amplió su educación musical estudiando oboe con Ronald Odemark de la Orquesta Sinfónica de Detroit.

En 1960 regresó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Música de Manhattan para continuar sus estudios de flauta y educación musical. Durante los siguientes 10 años grabó varios discos como líder y tocó en muchos más bajo el liderazgo de otros músicos, realizó giras con Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Babatunde Olatunji y obtuvo un BA en música y un MA en educación musical. Entre los aspectos más destacados de su carrera discográfica de esta década se encuentran Eastern Sounds, Live at Pep's y The Golden Flute. Ya se puede escuchar en estos discos la incorporación de diferentes influencias musicales orientales en el lenguaje más directo del jazz. Estos álbumes también son uno de los primeros lugares donde se puede escuchar al Dr. Lateef tocar diferentes instrumentos de caña, incluyendo el fagot, la flauta de bambú, el shanai, el shofar, el argol, el sarewa y el taiwan koto. Durante los años 70 impartió cursos de música autofísica (que proviene del propio yo espiritual, físico y emocional) en el departamento de teoría musical de la Manhattan School of Music. De 1972 a 1976, fue profesor asociado de música en el Borough of Manhattan Community College.

En 1975 obtuvo un doctorado en Educación de la Universidad de Massachusetts en Amherst, MA y continúa siendo profesor allí. Suite 16 o Blues Suite, el primer trabajo del Dr. Lateef para grandes orquestas, se estrenó en 1969 en la Georgia Symphony Orchestra de Augusta y fue interpretada en 1970 por la Detroit Symphony Orchestra en el Meadowbrook Music Festival, y grabada por la WDR Orchestra de Colonia. La Orquesta de la Radio NDR de Hamburgo le encargó en 1974 la composición del poema tonal "Lalit". También grabó su Sinfonía No. 1 con la misma orquesta ese mismo año. Ha dado la vuelta al mundo con sus conjuntos y otros músicos actuando en salas de conciertos y festivales de música.

El punto culminante registrado de esta etapa de su carrera es Autophysiopsychic. En los años 80, el Dr. Lateef pasó 4 años en el Centro de Estudios Culturales Nigerianos de la Universidad Ahmadu Bello en Zaria, Nigeria, investigando la flauta Pël. En 1987 ganó un Grammy por la Pequeña Sinfonía de Yusef Lateef.

En 1992 fundó su propio sello YAL. En 1993 Yusef Lateef' compuso su obra más ambiciosa hasta la fecha, The African American Epic Suite, una obra de cuatro movimientos para quinteto y orquesta dedicada a 400 años de historia afroamericana. Se estrenó con la orquesta WDR y más tarde también fue interpretada por la Atlanta Symphony Orchestra y por la Detroit Symphony Orchestra. Entre sus logros menos conocidos se encuentran 3 obras de ficción; Una Noche en el Jardín del Amor y dos colecciones de cuentos, Esferas y Formas de la Lluvia.

Yusef Lateef murió en su casa de Shutesbury, Massachusetts, en diciembre de 2013; tenía 93 años.

Ray Spiegel Ensemble • Raga Jazz

Album Notes:

Raga Jazz, the latest release by the Ray Spiegel Ensemble on the Simla House label, connects Indian classical, devotional, and folk melodies and rhythms with Jazz and Latin bass and drums in the unique style Ray has forged with the ensemble's first release, Sum and Kali. Ragas on the Indian slide guitar and sarangi sing beautiful melodies over carefully crafted grooves, with John Benitez' bass and Tani Tabbal's drums locked in sync with Ray's tabla. Barun Kumar Pal (slide guitar) provides soaring and beautiful melodies and solos, while complimented by the incredible Sarangi (bowed string instrument known in India as the "voice of 100 colors" ) played by master Ramesh Misra. Stan Scott plays the acoustic 6 string guitar on several tracks and also the harmonium, the acoustic keyboard of India.

About:

Ray Spiegel is a disciple of the late Tabla Master Ustad Alla Rakha since 1975, specializing in the Punjab Gharana (style) of Tabla playing. He has also benefited from the intensive training and guidance he has received from Ustad Zakir Hussain from 1973 to 1980. Ray began his formal training at the Ali Akbar College of Music in San Rafael, CA under Sri Shankar Ghosh in 1970. He studied with Sri B.S. Ramanna, (a disciple of Sheik Dawoodkhan of Hydrabad) in New Delhi in 1971 and 1972.

He studied vibraphone and jazz theory with master musician Bobby Hutcherson from 1972-74 in San Francisco. He has performed in the U.S. and India as both accompanist and soloist, appearing with such well-known musicians and vocalists such as: Ustad Alla Rakha, Ustad Sultan Khan (Sarangi), Ustad Aashish Khan (Sarode), Pandit Buddhadev Das Gupta (Sarode), Pandit Vidyadhar Vyas (Vocalist), Pandit Manilal Nag (Sitar), Pandit Ragunath Seth (Bansuri flute) and Pandit Barun Kumar Pal (Hindustani Guitar).

Spiegel also plays a variety of musical instruments such as Indian folk drums, Vibraphone, marimba, and assorted western and Asian percussion. He is head of Simla House, Inc. an independent CD label.

Ray Spiegel Bio

Ray spent his formative years in the San Francisco Bay area, where he was associated with musicians such as Ustad Zakir Hussain, Ustad Alla Rakha, Bobby Hutcherson, and at the Ali Akbar College of Music, studying tabla and playing in the Diga Rhythm Band (with Mickey Hart and Zakir Hussain), and various small combos.

Ray has received prestigious grant awards from the National Endowment for the Arts, and the American Institute for Indian Studies (Smithsonian Institute) to further his study of Tabla.

Ray has given lecture-demonstrations and master classes as well as performing at Julliard, Harvard, Dartmouth, Colgate, Amherst, Bennington, the New School of NYC, Simon’s Rock College of Bard, Univ. of Northern Illinois (Dekalb), Univ. of Michigan, Lawrence University (Appleton, WI) and has taught Tabla at Weslyan University (Middletown, CT) for several years.

Outside the realm of traditional Indian Classical Music, Ray leads his group, the Ray Spiegel Ensemble, who play an original blend of Raga and Rhythm centered music, composes and records film and television soundtracks, and performs with many various artists. Performance and recording credits include: The Grateful Dead, Patty Smyth, Diga Rhythm Band, Zakir Hussain and the Rhythm Experience, Robert Bly, Najma, Bhagavan Das, Gabrielle Roth, Shankar, Bon Jovi, Paul Winter, Danilo Perez, Noirin Ni Riain, Mike Diamond of the Beastie Boys, and Bill Cosby television productions.

http://rayspiegelmusic.com/about-ray/

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Notas del álbum:

Raga Jazz, el último lanzamiento del Ray Spiegel Ensemble con el sello Simla House, conecta melodías y ritmos clásicos, devocionales y folclóricos de la India con el jazz y el bajo y la batería latinos en el estilo único que Ray ha forjado con el primer lanzamiento del ensamble, Sum y Kali. Ragas en la guitarra deslizante india y sarangi cantan hermosas melodías sobre ritmos cuidadosamente elaborados, con el bajo de John Benitez y la batería de Tani Tabbal en sintonía con la tabla de Ray. Barun Kumar Pal (guitarra de diapositivas) ofrece melodías y solos hermosos y elevados, mientras que el increíble Sarangi (instrumento de cuerda arqueada conocido en la India como la "voz de los 100 colores") tocado por el maestro Ramesh Misra. Stan Scott toca la guitarra acústica de 6 cuerdas en varias pistas y también el armonio, el teclado acústico de la India.

Acerca de Ray:

Ray Spiegel es discípulo del difunto Maestro de Tabla Ustad Alla Rakha desde 1975, especializándose en el Punjab Gharana (estilo) de juego de Tabla. También se ha beneficiado de la intensa formación y orientación que ha recibido de Ustad Zakir Hussain desde 1973 hasta 1980. Ray comenzó su entrenamiento formal en el Ali Akbar College of Music en San Rafael, CA bajo la dirección de Sri Shankar Ghosh en 1970. Estudió con Sri B.S. Ramanna, (discípulo del jeque Dawoodkhan de Hydrabad) en Nueva Delhi en 1971 y 1972.

Estudió vibráfono y teoría del jazz con el maestro Bobby Hutcherson de 1972 a 1974 en San Francisco. Ha actuado en los Estados Unidos e India como acompañante y solista, apareciendo con músicos y vocalistas tan conocidos como él: Ustad Alla Rakha, Ustad Sultan Khan (Sarangi), Ustad Aashish Khan (Sarode), Pandit Buddhadev Das Gupta (Sarode), Pandit Vidyadhar Vyas (Vocalista), Pandit Manilal Nag (Sitar), Pandit Ragunath Seth (flauta Bansuri) y Pandit Barun Kumar Pal (Guitarra Hindustani).

Spiegel también toca una variedad de instrumentos musicales como tambores folklóricos indios, vibráfono, marimba y percusión occidental y asiática. Es director de Simla House, Inc., un sello discográfico independiente.

Biografía de Ray Spiegel

Ray pasó sus años de formación en el área de la Bahía de San Francisco, donde estuvo asociado con músicos como Ustad Zakir Hussain, Ustad Alla Rakha, Bobby Hutcherson, y en el Ali Akbar College of Music, estudiando tabla y tocando en la Diga Rhythm Band (con Mickey Hart y Zakir Hussain), y varios combos pequeños.

Ray ha recibido prestigiosas becas del National Endowment for the Arts y del American Institute for Indian Studies (Smithsonian Institute) para continuar su estudio de Tabla.

Ray ha dado conferencias-demostraciones y clases magistrales, además de actuar en Julliard, Harvard, Dartmouth, Colgate, Amherst, Bennington, la New School of NYC, Simon's Rock College of Bard, Univ. of Northern Illinois (Dekalb), Univ. of Michigan, Lawrence University (Appleton, WI) y ha impartido clases en la Tabla de la Weslyan University (Middletown, CT) durante varios años.

Fuera del ámbito de la música clásica tradicional de la India, Ray dirige su grupo, el Ray Spiegel Ensemble, que toca una mezcla original de música centrada en el Raga y el Ritmo, compone y graba bandas sonoras de cine y televisión, y actúa con muchos artistas diversos. Los créditos de interpretación y grabación incluyen: The Grateful Dead, Patty Smyth, Diga Rhythm Band, Zakir Hussain and the Rhythm Experience, Robert Bly, Najma, Bhagavan Das, Gabrielle Roth, Shankar, Bon Jovi, Paul Winter, Danilo Pérez, Noirin Ni Riain, Mike Diamond of the Beastie Boys y Bill Cosby.