Sunday, December 31, 2023
Arnett Cobb • The Wild Man From Texas
One
of the classic Texas Tenors, there was always excitement elicited by
Cobb’s uninhibited, blasting style which earned him the label “Wild Man
of the Tenor Sax.”
Arnette Cleophus Cobbs, was born on August 10,
1918, in Houston, Texas. He was taught piano by his grandmother and
went on to study violin before taking up tenor saxophone in the Wheatley
High School band. When he was fifteen he joined Louisiana band leader
Frank Davis’s band and performed in the Houston area and throughout
Louisiana during the summer. He worked with trumpeter Chester Boone for
two years and left to become a founding member of the Milton Larkin
Orchestra in 1936.
Cobb worked with Larkin for six years and,
with members Eddie Vinson, Cedric Haywood, Wild Bill Davis, Illinois
Jacquet, and others, made the band one of the most successful
territorial bands from Texas. The band became a regular at venues
including the Apollo Theatre in Harlem and boxer Joe Louis's Rhumboogie
Club in Chicago.
Originator of the “open prairie” tone and
“southern preacher” style, Cobb continually turned down offers from many
national bands including Jimmy Lunceford, Count Basie, and Lionel
Hampton. However, with his mother’s approval, and Gladys Hampton’s offer
to Elizabeth (Cobb’s wife), in 1942 Arnett took the lead saxophone
chair in Hampton’s band, replacing Illinois Jacquet, who had gotten the
position as Arnett’s substitute (from an original 1941 offer to Cobb).
Jacquet had held his position with Hampton on the condition that he
switch from alto to tenor and “play like Cobb.” With Cobb as the
featured soloist, Hampton re- recorded his theme song, “Flying Home [No.
2]. He was a major asset to the Hampton band for five years as co-
writer, writer, reed-section arranger, lead saxophone, featured soloist,
and talent scout. Gladys Hampton and Elizabeth Cobb helped manage the
band, and Cobb’s mother did the tailoring.
Cobb left Hampton in
1947, formed his own combo, and was immediately signed by Ben Bartz of
Universal Attractions for management and booking. Under Ben’s direction,
Cobb toured extensively through 1949, while recording such hits as
“Dutch Kitchen Bounce” ( Princeton University’s theme song), “Big Red's
Groove,” “Go Red Go,” and “Big League Blues” for the Apollo label. He
had begun some of his most influential years in American music history
with his showmanship (bar walking and circular breathing techniques) and
style (predecessor of Texas “swing” blues).
Between 1950 and
1956, Cobb produced a string of hits including “Jumpin’ the Blues,” “Lil
Sonny,” “The Shy One,” and “Smooth Sailing” (Ella Fitzgerald’s
signature scat) on the Columbia label; “Night,” “Light Like That” and
“Flying Home Mambo” on the Atlantic label; and other popular tunes for
these and other labels. His combos and support became a career-building
platform for Red Garland (playing with Miles Davis), George Rhodes
(Sammy Davis Jr.’s music director), George Duvivier (bassist), Dinah
Washington, comedian Redd Foxx, Jackie Wilson, Arthur Prysock, and many
others. Arnett scouted James Brown, positioned him as his opening act,
and took him to New York to sign with agent Ben Bartz at Universal.
In
1956 a car accident interrupted his national prominence. Against
doctors’ advice, a year later he was back performing and touring coast
to coast, although from this time on he could not walk without crutches.
Cobb was living in New Jersey at the time, but the long, cold, damp,
northeastern winter made working too strenuous, so in 1959 he moved back
to Houston permanently. He managed the Club Ebony, organized regional
orchestras for touring acts (Sammy Davis, Sarah Vaughn, Ella Fitzgerald,
Ray Charles and others), and devoted a lot of time to nurturing young
talent. Major recording R&B, soul, and jazz artists of the day
called on him constantly for arrangements, band personnel, and gigs.
Cobb
restricted his touring to Texas from 1959 to 1973, but proceeded with a
recording schedule that had continued from 1957 for the Prestige label.
He recorded extensively with VeeJay, Prestige, Muse, Black and Blue,
BeeHive, Progressive, Soul Note, MCA, and the Fantasy labels between
1957 and 1988. Cobb began an international touring schedule in 1973 with
his daughter as his personal manager. He toured consistently, in the
U.S., Europe, and Japan, with the Lionel Hampton All-stars, as a member
of the renowned Texas Tenors, as a featured soloist, and, from 1985 to
1989, with his own ensemble, Texas Jazz and Blues featuring Jewel Brown.
Cobb
was a prolific showman, writer, stylist, arranger, and tenor saxophone
technician. His saxophone technique and music style directly influenced
Illinois Jacquet, Gene Ammons, Johnny Griffin, Red Prysock, Houston
Person, Sonny Stitt, Stanley Turrentine, King Curtis, Eddie “Lockjaw”
Davis, Rahsaan Roland Kirk, and a generation of musicians in jazz,
swing, R&B, soul, and funk music.
Cobb received a Grammy
nomination in 1979 for best jazz instrumental performance “Live at
Sandy’s,” (Muse). He shared a Grammy with B. B. King in 1984 for best
traditional blues performance “Blues n’ Jazz,” MCA. In 1986 he founded
the Jazz Heritage Society of Texas, which established the Texas Jazz
Archives at the Houston Public Library.
Arnett Cobb died in Houston on March 24, 1989.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/arnett-cobb
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Arnette Cleophus Cobbs, nació el 10 de agosto de 1918 en Houston, Texas. Su abuela le enseñó a tocar el piano y pasó a estudiar violín antes de dedicarse al saxo tenor en la banda del instituto Wheatley. A los quince años se unió a la banda del líder de la banda de Luisiana, Frank Davis, y actuó en el área de Houston y en toda Luisiana durante el verano. Trabajó con el trompetista Chester Boone durante dos años y lo dejó para convertirse en miembro fundador de la Orquesta de Milton Larkin en 1936.
Cobb trabajó con Larkin durante seis años y, con los miembros Eddie Vinson, Cedric Haywood, Wild Bill Davis, Illinois Jacquet y otros, convirtió la banda en una de las más exitosas de Texas. La banda se convirtió en un habitual de locales como el Apollo Theatre de Harlem y el Rhumboogie Club del boxeador Joe Louis en Chicago.
Originador del tono de "pradera abierta" y del estilo de "predicador sureño", Cobb rechazó continuamente ofertas de muchas bandas nacionales, como Jimmy Lunceford, Count Basie y Lionel Hampton. Sin embargo, con la aprobación de su madre, y la oferta de Gladys Hampton a Elizabeth (esposa de Cobb), en 1942 Arnett ocupó la silla de saxofón principal en la banda de Hampton, sustituyendo a Illinois Jacquet, que había conseguido el puesto como sustituto de Arnett (de una oferta original de 1941 a Cobb). Jacquet había mantenido su puesto con Hampton con la condición de que cambiara de alto a tenor y "tocara como Cobb". Con Cobb como solista principal, Hampton volvió a grabar su tema "Flying Home [nº 2]". Durante cinco años fue un activo importante para la banda de Hampton como coautor, escritor, arreglista de la sección de cañas, saxofón principal, solista destacado y buscador de talentos. Gladys Hampton y Elizabeth Cobb ayudaron a gestionar la banda, y la madre de Cobb se encargó de la confección.
Cobb dejó a Hampton en 1947, formó su propio grupo y fue contratado inmediatamente por Ben Bartz, de Universal Attractions, para la gestión y contratación. Bajo la dirección de Ben, Cobb realizó numerosas giras hasta 1949, a la vez que grababa éxitos como "Dutch Kitchen Bounce" (el tema de la Universidad de Princeton), "Big Red's Groove", "Go Red Go" y "Big League Blues" para el sello Apollo. Sus años más influyentes en la historia de la música estadounidense fueron los de su espectáculo (técnicas de marcha en barra y respiración circular) y su estilo (predecesor del blues "swing" de Texas).
Entre 1950 y 1956, Cobb produjo una serie de éxitos como "Jumpin' the Blues", "Lil Sonny", "The Shy One" y "Smooth Sailing" (el scat característico de Ella Fitzgerald) para el sello Columbia; "Night", "Light Like That" y "Flying Home Mambo" para el sello Atlantic; y otros temas populares para estos y otros sellos. Sus combos y su apoyo se convirtieron en una plataforma de construcción de carreras para Red Garland (que tocaba con Miles Davis), George Rhodes (director musical de Sammy Davis Jr.), George Duvivier (bajista), Dinah Washington, el cómico Redd Foxx, Jackie Wilson, Arthur Prysock y muchos otros. Arnett localizó a James Brown, lo situó como telonero y lo llevó a Nueva York para que firmara con el agente Ben Bartz de Universal.
En 1956, un accidente de coche interrumpió su protagonismo nacional. En contra de la opinión de los médicos, un año después volvió a actuar y a hacer giras de costa a costa, aunque a partir de ese momento no podía caminar sin muletas. Cobb vivía entonces en Nueva Jersey, pero el largo, frío y húmedo invierno del noreste hacía que trabajar fuera demasiado agotador, así que en 1959 se trasladó de nuevo a Houston de forma permanente. Dirigió el Club Ebony, organizó orquestas regionales para las giras (Sammy Davis, Sarah Vaughn, Ella Fitzgerald, Ray Charles y otros) y dedicó mucho tiempo a cultivar jóvenes talentos. Los principales artistas de R&B, soul y jazz de la época le pedían constantemente arreglos, personal de banda y actuaciones.
Cobb limitó sus giras a Texas de 1959 a 1973, pero continuó con un programa de grabación que había continuado desde 1957 para el sello Prestige. Entre 1957 y 1988, grabó extensamente con los sellos VeeJay, Prestige, Muse, Black and Blue, BeeHive, Progressive, Soul Note, MCA y Fantasy. Cobb comenzó un programa de giras internacionales en 1973 con su hija como representante personal. Realizó constantes giras por Estados Unidos, Europa y Japón con los Lionel Hampton All-stars, como miembro de los famosos Texas Tenors, como solista y, de 1985 a 1989, con su propio conjunto, Texas Jazz and Blues, con Jewel Brown.
Cobb fue un prolífico showman, escritor, estilista, arreglista y técnico del saxofón tenor. Su técnica de saxofón y su estilo musical influyeron directamente en Illinois Jacquet, Gene Ammons, Johnny Griffin, Red Prysock, Houston Person, Sonny Stitt, Stanley Turrentine, King Curtis, Eddie "Lockjaw" Davis, Rahsaan Roland Kirk y una generación de músicos de jazz, swing, R&B, soul y funk.
Cobb recibió una nominación al Grammy en 1979 por la mejor interpretación instrumental de jazz "Live at Sandy's", (Muse). Compartió un Grammy con B. B. King en 1984 por la mejor interpretación de blues tradicional "Blues n' Jazz", MCA. En 1986 fundó la Jazz Heritage Society of Texas, que estableció los Archivos de Jazz de Texas en la Biblioteca Pública de Houston.
Arnett Cobb murió en Houston el 24 de marzo de 1989.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/arnett-cobb
Saturday, December 30, 2023
Archie Shepp • Fire Music
He grew up in Philadelphia, studied piano and saxophone and attended high school in Germantown; he went to college, became involved with theatre, met writers and poets, among them, Leroy Jones and wrote: «The Communist», an allegorical play about the situation of black Americans. In the late fifties, Archie Shepp also met the most radical musicians of the time: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... his political consciousness found an expression in plays and theatrical productions which barely allowed him to make a living. In the beginning sixties he met Cecil Taylor and did two recordings with him which were determining.
In 1962 he signed his first record with Bill Dixon as co-leader. During the following year, he created the New York Contemporary Five with John Tchichai, made four records for Fontana, Storyville and Savoy and travelled to Europe with this group. Starting in August 1964, he worked with Impulse and made 17 records among which, Four For Trane, Fire Music, and Mama Too Tight, some of the classics of Free Music. His collaboration with John Coltrane materialized further with Ascension in 1965, a real turning point in Avant- Garde music. His militancy was evidenced by his participation in the creation of the Composers Guild with Paul and Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd and Cecil Taylor.
In July 1969 he went for the first time to Africa for the Pan African Festival in Algiers where many black American militants were living. On this occasion he recorded Live for Byg the first of six albums in the Actual series. In 1969 he began teaching Ethnomusicology at the University of Amherst, Massachusetts; at the same time he continued to travel around the world while continuing to express his identity as an African American musician.
The dictionary of Jazz (Robert Laffont, Bouquins) defines him in the following way: «A first rate artist and intellectual, Archie Shepp has been at the head of the Avant-Garde Free Jazz movement and has been able to join the mainstream of Jazz, while remaining true to his esthetic. He has developed a true poli-instrumentality: an alto player, he also plays soprano since 1969, piano since 1975 and more recently occasionally sings blues and standards.»
He populates his musical world with themes and stylistic elements provided by the greatest voices of jazz: from Ellington to Monk and Mingus, from Parker to Siver and Taylor. His technical and emotional capacity enables him to integrate the varied elements inherited by the Masters of Tenor from Webster to Coltrane into his own playing but according to his very own combination: the wild raspiness of his attacks, his massive sound sculpted by a vibrato mastered in all ranges, his phrases carried to breathlessness, his abrupt level changes, the intensity of his tempos but also the velvety tenderness woven into a ballad. His play consistently deepens the spirit of the two faces of the original black American music: blues and spirituals. His work with classics and with his own compositions (Bessie Smith’s Black Water Blues or Mama Rose) contributes to maintaining alive the power of strangeness of these two musics in relationship to European music and expresses itself in a unique mix of wounded violence and age-old nostalgia.
The scope of his work which registered in the eighties a certain urgency (at the cost of a few discrepancies) is a witness to the fact that in 1988 Archie Shepp was with Sonny Rollins one of the best interpreters in the babelian history of jazz.
With his freedom loving sensitivity Archie Shepp has made an inestimable contribution to the gathering, the publicizing and the inventing of jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/
Creció en Filadelfia, estudió piano y saxofón y asistió a la escuela secundaria en Germantown; fue a la universidad, se involucró con el teatro, conoció escritores y poetas, entre ellos, Leroy Jones y escribió: "El comunista", una obra alegórica sobre la situación de los afroamericanos. A finales de los cincuenta, Archie Shepp también conoció a los músicos más radicales de la época: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... su conciencia política encontró expresión en obras de teatro y producciones teatrales que apenas le permitían ganarse la vida. A principios de los sesenta conoció a Cecil Taylor e hizo dos grabaciones con él que fueron determinantes.
En 1962 firmó su primer disco con Bill Dixon como colíder. Durante el año siguiente, creó The New York Contemporary Five con John Tchichai, grabó cuatro discos para Fontana, Storyville y Savoy y viajó a Europa con este grupo. A partir de agosto de 1964, trabajó con Impulse y realizó 17 discos entre los que destacan, Cuatro para Trane, Fire Music y Mama Too Tight, algunos de los clásicos de la Música Gratuita. Su colaboración con John Coltrane se materializó aún más con Ascension en 1965, un verdadero punto de inflexión en la música de Vanguardia. Su militancia quedó evidenciada por su participación en la creación del Gremio de Compositores junto a Paul y Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd y Cecil Taylor.
En julio de 1969 fue por primera vez a África para el Festival Panafricano en Argel, donde vivían muchos militantes afroamericanos. En esta ocasión grabó en directo para Byg el primero de los seis álbumes de la actual serie. En 1969 comenzó a enseñar Etnomusicología en la Universidad de Amherst, Massachusetts; al mismo tiempo continuó viajando por el mundo mientras continuaba expresando su identidad como músico afroamericano.
El diccionario de Jazz (Robert Laffont, Bouquins) lo define de la siguiente manera: "Un artista e intelectual de primer nivel, Archie Shepp ha estado a la cabeza del movimiento vanguardista del Free Jazz y ha sido capaz de unirse a la corriente principal del Jazz, sin dejar de ser fiel a su estética. Ha desarrollado una verdadera poliinstrumentalidad: contralto, también toca soprano desde 1969, piano desde 1975 y, más recientemente, canta ocasionalmente blues y standards.»
Puebla su mundo musical con temas y elementos estilísticos proporcionados por las mejores voces del jazz: desde Ellington hasta Monk y Mingus, desde Parker hasta Siver y Taylor. Su capacidad técnica y emocional le permite integrar los variados elementos heredados por los Maestros del Tenor desde Webster hasta Coltrane en su propia interpretación pero según su propia combinación: la aspereza salvaje de sus ataques, su sonido masivo esculpido por un vibrato dominado en todos los rangos, sus frases llevadas a la falta de aliento, sus cambios bruscos de nivel, la intensidad de sus tempos pero también la ternura aterciopelada entretejida en una balada. Su interpretación profundiza constantemente el espíritu de las dos caras de la música afroamericana original: blues y espirituales. Su trabajo con clásicos y con composiciones propias (Bessie Smith's Black Water Blues o Mama Rose) contribuye a mantener vivo el poder de extrañeza de estas dos músicas en relación con la música europea y se expresa en una mezcla única de violencia herida y nostalgia milenaria.
El alcance de su obra que registró en los ochenta cierta urgencia (a costa de algunas discrepancias) atestigua que en 1988 Archie Shepp era junto a Sonny Rollins uno de los mejores intérpretes de la historia babélica del jazz.
Con su sensibilidad amante de la libertad, Archie Shepp ha hecho una contribución inestimable a la reunión, la difusión y la invención del jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/
Jack Dejohnette's Directions • New Rags
In a career that spans five decades and includes collaborations with some of the most iconic figures in modern jazz, NEA and Grammy winner Jack DeJohnette has established an unchallenged reputation as one of the greatest drummers in the history of the genre. The list of creative associations throughout his career is lengthy and diverse: John Coltrane, Miles Davis, Ornette Coleman, Sonny Rollins, Thelonious Monk, Bill Evans, Stan Getz, Keith Jarrett, Chet Baker, George Benson, Stanley Turrentine, Herbie Hancock, Dave Holland, Joe Henderson, Freddy Hubbard, Betty Carter and so many more. Along the way, he has developed a versatility that allows room for hard bop, R&B, world music, avant-garde, and just about every other style to emerge in the past half-century.
https://www.jackdejohnette.com/discover
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En una carrera que abarca cinco décadas e incluye colaboraciones con algunas de las figuras más emblemáticas del jazz moderno, el ganador del NEA y Grammy Jack DeJohnette se ha forjado una reputación indiscutible como uno de los mejores bateristas de la historia del género. La lista de asociaciones creativas a lo largo de su carrera es larga y diversa: John Coltrane, Miles Davis, Ornette Coleman, Sonny Rollins, Thelonious Monk, Bill Evans, Stan Getz, Keith Jarrett, Chet Baker, George Benson, Stanley Turrentine, Herbie Hancock, Dave Holland, Joe Henderson, Freddy Hubbard, Betty Carter y muchos más. En el camino, ha desarrollado una versatilidad que deja espacio para el hard bop, el R&B, la música del mundo, la vanguardia y casi todos los demás estilos que surgieron en el último medio siglo.
https://www.jackdejohnette.com/discover
Joshua Redman • Blues for Pat
In 2000, Redman was named Artistic Director for the Spring Season of the non-profit jazz-presenting organization SFJAZZ. Redman and SFJAZZ Executive Director Randall Kline had an idea that The New York Times called a “eureka moment”; the creation of the SFJAZZ Collective, an ensemble distinguished both by the creativity of its members and a unique primary emphasis on composition. Inaugurated in 2004, the eight-piece band consists of a multi-generational cast of accomplished musicians. The Collective’s repertoire features both commissioned works and new arrangements of the work of great modern jazz composers. In March 2007, Redman announced that he was taking a hiatus from both the SFJAZZ Artistic Directorship and the SFJAZZ Collective in order to focus on new projects.
Starting in late 2009, Joshua will be performing with a new collaborative band called James Farm featuring pianist Aaron Parks, bassist Matt Penman, and drummer Eric Harland. The band infuses traditional acoustic jazz quartet instrumentation with a progressive attitude and modern sound, creating music that is rhythmically and technically complex and at the same time harmonically rich, melodically satisfying, and emotionally compelling.
En 1991, Redman se graduó de Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa con una licenciatura en Estudios Sociales. Ya había sido aceptado por la Facultad de Derecho de Yale, pero postergó la entrada por lo que creía que solo iba a ser un año. Algunos de sus amigos (exalumnos del Berklee College of Music a quienes Joshua había conocido mientras estaba en Boston) se habían mudado recientemente a Brooklyn y estaban buscando otro compañero de casa que los ayudara con el alquiler. Redman aceptó su invitación para mudarse y casi de inmediato se encontró inmerso en la escena del jazz de Nueva York. Comenzó a tocar y tocar regularmente con algunos de los principales músicos de jazz de su generación: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy y Mark Turner (por nombrar solo algunos). En noviembre de ese año, cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman fue nombrado ganador del prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk. Este fue solo uno de los aspectos más destacados de un año en el que Redman comenzó a hacer giras y grabar con maestros del jazz como su padre, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian y Clark Terry. Para Joshua, este fue un período de tremendo crecimiento, experiencia invaluable e inspiración infinita.
Ahora totalmente comprometido con una vida en la música, Redman firmó rápidamente con Warner Bros.Records y lanzó su primer álbum homónimo en la primavera de 1993, que posteriormente le valió a Redman su primera nominación al Grammy. Ese otoño vio el lanzamiento de Wish, donde Joshua se unió al elenco estelar de Pat Metheny, Charlie Haden y Billy Higgins. Realizó numerosas giras con Metheny durante la segunda mitad de ese año. Su siguiente grabación, MoodSwing, fue lanzada en 1994, y presentó su primera banda permanente, que incluía a otros tres jóvenes músicos que se han convertido en algunos de los artistas más importantes e influyentes del jazz moderno: el pianista Brad Mehldau, el bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade. Una edición posterior de este conjunto incluyó al guitarrista Peter Bernstein, el pianista Peter Martin, el bajista Chris Thomas y Blade. A lo largo de una serie de grabaciones célebres que incluyeron Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove y Timeless Tales (for Changing Times), Redman se estableció como uno de los líderes de banda más consistentes y exitosos de la música, y agregó saxofones soprano y alto a su arsenal instrumental. El segundo cuarteto aclamado de Joshua, con el pianista Aaron Goldberg, el bajista Reuben Rogers y el baterista Gregory Hutchinson, se formó en 1998 e hizo su debut grabado en el álbum Beyond de 2000. La interacción dinámica y la relación poco común de este grupo inspiraron a Redman a escribir y grabar su primera composición de formato largo, Passage of Time, que se lanzó en 2001.
Un año después, Redman comenzó a canalizar su sensibilidad jazzística a través de una nueva instrumentación y formó Elastic Band, un trío flexible, electrificado y basado en el groove construido en una colaboración continua con el tecladista Sam Yahel y el baterista Brian Blade. La banda debutó en los lanzamientos de 2002 yaya3 y Elastic. El baterista Jeff Ballard comenzó a tocar regularmente con Elastic Band más tarde ese año, y él (junto con Blade y Yahel) desempeñó un papel central en su próxima grabación, Momentum, nominada al Grammy, que se lanzó en 2005 para inaugurar la afiliación de Redman con Nonesuch Records, y contó con una alineación diversa y emocionante de invitados especiales.
En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico de la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro SFJAZZ, que presenta jazz. Redman y el director ejecutivo de SFJAZZ, Randall Kline, tuvieron una idea que The New York Times llamó un "momento eureka" ; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consta de un elenco multigeneracional de músicos consumados. El repertorio del Colectivo presenta tanto obras encargadas como nuevos arreglos de la obra de grandes compositores de jazz moderno. En marzo de 2007, Redman anunció que se tomaría un descanso tanto de la Dirección Artística de SFJAZZ como del Colectivo SFJAZZ para concentrarse en nuevos proyectos.
Al mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados muy especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua continúa explorando el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépidos como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, Redman extiende literal y figurativamente la forma del enfoque de trío; en la más audaz de estas melodías, se presenta con toda la formación en un ambiente de doble trío.
A partir de finales de 2009, Joshua se presentará con una nueva banda colaborativa llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde la instrumentación tradicional de cuarteto de jazz acústico con una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo armónicamente rica, melódicamente satisfactoria y emocionalmente convincente.
Además de sus propios proyectos, Redman ha grabado y actuado con músicos como Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, BB. King, La Orquesta de Jazz del Lincoln Center, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, Los Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, la Orquesta de Jazz de Trondheim, Mark Turner, McCoy Tyner, McGee de Umphrey, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder y Sam Yahel. Joshua Redman ha sido nominado a 2 Grammys y ha obtenido los máximos honores en las encuestas de críticos y lectores de DownBeat, Jazz Times, Village Voice y Rolling Stone. Escribió e interpretó la música de la última película de Louis Malle, Vania on 42nd Street, y se ve y se escucha en la película de Robert Altman Kansas City.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/
Esbjörn Svensson Trio • e.s.t. Viaticum + e.s.t. Live In Berlin
Esbjörn Svensson (1964 – 2008) Swedish Musician, Composer and Founder of e.s.t Esbjörn Svensson Trio.
Esbjörn
Svensson is one of the most well known and successful Swedish musicians
of all time. His music and the way he played the piano can be described
as energetic, experimental and innovative. It has its roots in jazz
music but with influences from both classical music and pop/rock.
Esbjörn
was born in Skultuna 1964. His mother played classical music on the
piano and his father listened to all the great jazz musicians on the
radio and gramophone and Esbjörn himself listened to Radio Luxembourg to
hear the latest pop and rock.
After playing in different
constellations of swedish jazz groups Esbjörn wanted to explore his own
music and started e.s.t Esbjörn Svensson Trio together with his
childhood friend Magnus Öström, drums and Dan Berglund, base.
1993
e.s.t released their first album “When Everyone has Gone”, but it was
with the album “From Gagarin’s Point of View ” in 1999 that they made
their international breakthrough.
Touring almost 100 days a year
created a great audience both in Europe and the rest of the world. To
play live, meet the audience, and create music moments was the impulsion
to be on tour and with their non boundary music they found their way to
many non-jazz listeners around the world.
e.s.t recorded eleven
studio albums and three live albums before Esbjörn died in an accident
in June 2008. At this time e.s.t was one of Europe’s most successful
Jazz trios with a career spanning over 15 years and the first ever
European band to be featured on the front cover of US jazz bible
Downbeat.
https://esbjornsvensson.se/esbjorn-svensson/
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Esbjörn Svensson (1964 - 2008) Músico sueco, compositor y fundador del trío e.s.t Esbjörn Svensson.
Esbjörn
Svensson es uno de los músicos suecos más conocidos y exitosos de todos
los tiempos. Su música y su forma de tocar el piano pueden describirse
como enérgicas, experimentales e innovadoras. Tiene sus raíces en la
música jazz, pero con influencias tanto de la música clásica como del
pop/rock.
Esbjörn nació en Skultuna en 1964. Su madre tocaba
música clásica al piano y su padre escuchaba a todos los grandes músicos
de jazz en la radio y el gramófono, y el propio Esbjörn escuchaba Radio
Luxemburgo para oír lo último en pop y rock.
Después de tocar en
diferentes constelaciones de grupos de jazz suecos, Esbjörn quiso
explorar su propia música y fundó e.s.t Esbjörn Svensson Trio junto con
su amigo de la infancia Magnus Öström, batería, y Dan Berglund, base.
En
1993, e.s.t publicó su primer álbum, "When Everyone has Gone", pero fue
con el álbum "From Gagarin's Point of View ", en 1999, cuando dieron el
salto internacional.
Las giras de casi 100 días al año crearon
un gran público tanto en Europa como en el resto del mundo. Tocar en
directo, encontrarse con el público y crear momentos musicales fue el
impulso que les impulsó a salir de gira y, con su música sin fronteras,
se abrieron camino entre muchos oyentes no aficionados al jazz de todo
el mundo.
e.s.t grabó once álbumes de estudio y tres en directo
antes de que Esbjörn falleciera en un accidente en junio de 2008. En
aquel momento, e.s.t era uno de los tríos de jazz de más éxito de
Europa, con una carrera de más de 15 años, y el primer grupo europeo en
aparecer en la portada de la biblia del jazz estadounidense Downbeat.
https://esbjornsvensson.se/esbjorn-svensson/
Scott Henderson • Vibe Station
Guitarist Scott Henderson is one of a select few artists who raised jazz fusion from the embers in the 80s, namely with the band, Tribal Tech. Indeed, this unit proffered a much needed uplift via a far-reaching perspective and armed with a torrential improvisational credo on numerous fronts. Since then, the guitarist has performed with other high-flying units but as a solo artist, he often kicks out the jazz rock, fusion and blues rock jams within the power trio format. Henderson's searing wizardry is vividly perceptible on Vibe Station, as he often converses with himself by modulating distortion-based tones on his electric guitar and by creating a polychromatic aural feast with variable currents and intensity levels.
Henderson wreaks havoc on his guitar amid howling bottleneck notes, multihued chord voicings and ungodly hype-mode licks atop the rhythm section's slamming grooves and agile progressions. He often harmonizes with bassist Travis Carlton and during a variety of movements the trio summons an Armageddon with supple and heightening choruses within the prog-metal domain.
The title track "Vibe Station," is centered on jazz and funk motifs, countered by the leader's gravelly phrasings, blazing runs and shock-therapy type cadenzas. Henderson uses an electric sitar or perhaps some electronics-based sampling process on the humming and buzzing jazz fusion fest "Manic Carpet," abetted by his fervent call and response dialogue with drummer Alan Hertz during the bridge. And the jazz influences resurface with a Thelonious Monk-like primary theme and prickly bop lines on "The Covered Head," as the band surges into a lofty and tempestuous improv segment, revved up by Henderson's caustic shadings, weeping breakouts and supersonic single note riffs.
"Dew Wot?" is another piece where the tide shifts and momentum builds upon a twirling and shuffling cadence, seguing into a hot n' nasty blues rock foray, contrasted with knotty time signatures, used as a passageway into an interminable abyss. Ultimately, Vibe Station should be deemed essential listening for Henderson's legion of admirers, along with curious students and others not thoroughly acquainted with his formidable legacy.
Glenn Astarita By Glenn Astarita
June 10, 2015
https://www.allaboutjazz.com/vibe-station-scott-henderson-self-produced-review-by-glenn-astarita
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El guitarrista Scott Henderson es uno de los pocos artistas selectos que resucitaron el jazz fusión en los años 80, concretamente con la banda Tribal Tech. De hecho, esta unidad ofreció una elevación muy necesaria a través de una perspectiva de gran alcance y armada con un credo de improvisación torrencial en numerosos frentes. Desde entonces, el guitarrista ha actuado con otras unidades de alto vuelo, pero como artista en solitario, suele dar rienda suelta al jazz rock, la fusión y el blues rock dentro del formato de power trío. La aguda magia de Henderson es vívidamente perceptible en Vibe Station, ya que a menudo conversa consigo mismo modulando los tonos basados en la distorsión de su guitarra eléctrica y creando un festín auditivo policromático con corrientes y niveles de intensidad variables.
Henderson hace estragos con su guitarra entre aullantes notas de cuello de botella, voicings de acordes multicolores e impiadosos licks en modo hype sobre los slamming grooves y ágiles progresiones de la sección rítmica. A menudo armoniza con el bajista Travis Carlton y durante una variedad de movimientos el trío convoca un Armagedón con coros flexibles y elevados dentro del dominio del prog-metal.
El tema que da título al disco, "Vibe Station", se centra en motivos de jazz y funk, contrarrestados por los fraseos roncos del líder, las ejecuciones abrasadoras y las cadencias de tipo terapia de choque. Henderson utiliza un sitar eléctrico o tal vez algún proceso de muestreo basado en la electrónica en el zumbido y el festival de fusión de jazz "Manic Carpet", apoyado por su ferviente diálogo de llamada y respuesta con el batería Alan Hertz durante el puente. Y las influencias del jazz resurgen con un tema principal al estilo de Thelonious Monk y líneas de bop espinosas en "The Covered Head", cuando la banda se lanza a un segmento de improvisación elevado y tempestuoso, acelerado por los matices cáusticos de Henderson, los breakouts llorosos y los riffs supersónicos de una sola nota.
"Dew Wot?" es otra pieza en la que la marea cambia y el impulso se construye sobre una cadencia giratoria y arrastrada, que desemboca en una incursión de blues rock ardiente y desagradable, contrastada con signos de tiempo nudosos, utilizados como pasadizo hacia un abismo interminable. En definitiva, Vibe Station debería considerarse una escucha esencial para la legión de admiradores de Henderson, junto con los estudiantes curiosos y otras personas que no conocen a fondo su formidable legado.
Glenn Astarita Por Glenn Astarita
10 de junio de 2015
https://www.allaboutjazz.com/vibe-station-scott-henderson-self-produced-review-by-glenn-astarita
www.scotthenderson.net ...
Georges Arvanitas • Orgue Hammond
He began life as a child of Greek immigrants from Constantinople. At the age of four he began studying piano and initially trained as a classical pianist, switching to jazz some time in his teens. His influences included Bud Powell and Bill Evans. In the late '50s, he featured on albums by Art Farmer and Louis Hayes, and played with Dexter Gordon and Johnny Griffin. He also worked with Yusef Lateef.
Comenzó su vida como hijo de inmigrantes griegos procedentes de Constantinopla. A los cuatro años comenzó a estudiar piano y se formó inicialmente como pianista clásico, para pasar al jazz en su adolescencia. Entre sus influencias estaban Bud Powell y Bill Evans. A finales de los años 50, participó en álbumes de Art Farmer y Louis Hayes, y tocó con Dexter Gordon y Johnny Griffin. También trabajó con Yusef Lateef.
Joe Pass • What's New
Bobby Hutcherson • Oblique
Biography
Big Joe Williams & J.D. Short • Stavin’ Chain Blues
Biography by Barry Lee Pearson
Beryl Booker • Chronological Classics 1953-1954
Big Boss Man • Winner
Un sucio órgano Hammond, un sintetizador mono y unos bongos, junto a la clásica línea de guitarra-bajo-batería, bastaron a Big Boss Man para que la revista Loaded los catalogara como la banda de mejor directo de las Islas Británicas. Eso fue al principio de su carrera y desde entonces no han variado su infalible fórmula. Junto a Bouzida, conocido como Mr. Bongolian, Scott “Mad Man” Milsom al bajo, Trevor Harding a la guitarra y Nick “Bones” Nicholls a la batería, despliegan un incendiario directo que ponen a bailar a todo aquel afortunado que disfrute de sus directos. Mientras mantengan esa actitud profesional y entrega a la causa, jamás les faltarán rincones en los que manifestar su poderío bailongo. Ese es el secreto que los ha llevado por medio mundo. Si quieres menear tus preciosas caderas este es tu disco.
Big Boss Man were formed in 1998 in London, England. Consisting of Nasser Bouzida a.k.a. “The Bongolian” on organs, percussion and vocals, Scott Milsom on bass guitar, Trevor Harding on electric guitar and Desmond Rogers on drums.
Complete info ...
Billy Wooten • The Wooden Glass
Ara Malikian • Sarasate
In 1998, during one of Ara Malikian’s tours in Spain, destiny made that the virtuoso violinist Malikian met Fernando Egozcue and his captivating music. Since then many things have happened, many shared music, many concerts and a natural understanding which is today the expression of the same feeling, deep and mature.
Pat Martino • Starbright
Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100
Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.
Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".
En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.
Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang
. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."
Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.
Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.
Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.
Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.
En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.
Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
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