Biography by Bruce Eder
Johnny Rivers is a unique figure in the history of rock music. On the most obvious level, he was a rock star of the 1960s and a true rarity as a white American singer/guitarist who made a name for himself as a straight-ahead rock & roller during the middle of that decade. Just as important behind the scenes, his recordings and their success led to the launching, directly and indirectly, of at least three record labels and a dozen other careers whose influence extended into the 1970s, 1980s, and beyond.
Rivers was very much a kindred spirit to figures like Buddy Holly and Ronnie Hawkins, with all of the verve and spirit of members of that first wave of rock & rollers. He had the misfortune of having been born a little too late to catch that wave, however, and took until the middle of the next decade to find his audience. Born John Henry Ramistella on November 7, 1942, in New York, his family moved to Baton Rouge, LA, in 1948, and it was there that his musical sensibilities were shaped. His father, who played the mandolin and guitar, introduced him to the guitar at an early age, and he proved a natural on the instrument.
Meanwhile, Ramistella also began absorbing the R&B sounds that were starting to turn up on the airwaves at the dawn of the 1950s. Additionally, he got to see performers like Fats Domino and Jimmy Reed in person, and by the time he entered his teens, he was immersed in rhythm & blues. He was also good enough to start playing guitar in local groups and at age 13, he formed his own band, the Spades, playing New Orleans-flavored R&B and rock & roll, especially Fats Domino, Larry Williams, and Little Richard. Ramistella made his recording debut leading the Spades in 1956 with the song "Hey Little Girl," issued on the Suede label.
In 1957, he went to New York and wangled a meeting with Alan Freed, who was then the most influential disc jockey in the country. This led to a change of name, at Freed's suggestion, to the less ethnic, more American-mythic Johnny Rivers (which may also have been influenced by the fact that Elvis Presley had portrayed a character named "Deke Rivers" in the movie Loving You that same year), and to a series of single releases under his new name. Johnny Rivers' official recording debut took place with an original song, "Baby Come Back," on George Goldner's Gone Records label in 1958, arranged by renowned songwriter Otis Blackwell. Neither this number -- which sounds a lot like Elvis Presley's version of Blackwell's "Don't Be Cruel" -- nor any of Rivers' other early singles, recorded for Guyden, Cub, Era, or Chancellor, was successful. He made his living largely performing with the Spades and cutting demos of songs for Hill & Range, primarily in Elvis Presley's style.
It was as a composer that Rivers experienced his first taste of success off of the stage, when a chance meeting with guitarist James Burton led to one of his songs, "I'll Make Believe," finding its way to Ricky Nelson and ending up on the album More Songs by Ricky. By 1961, he was 18 years old and a veteran performer with six years' professional performing under his belt and relatively little to show for it except the experience; even a lot of the established figures in the business who'd tried to give him various breaks over the years, including Alan Freed and George Goldner, had fallen on hard times by then. He moved to Los Angeles and began aiming for a career as a songwriter and producer.
Fate played its hand in 1963, however, when a friend who ran a restaurant in Los Angeles appealed to Rivers for help when his house band, a jazz group, suddenly quit. He reluctantly agreed to perform for a few nights in a stripped-down version of his rock & roll act, with just his electric guitar and a drummer, Eddie Rubin. That was when lightning struck -- it turned out that audiences at the restaurant liked the way he sang and played, and soon the crowds were growing and his performing stint turned into an open-ended engagement. Bassist Joe Osborn was hired to join the combo and fill out the sound and suddenly seeing Johnny Rivers was becoming the thing to do.
It was at those gigs that Rivers hooked up with a songwriter and music producer named Lou Adler, a business associate of Herb Alpert who'd previously worked with Jan & Dean and who was planning to start his own record company. Rivers took on Adler as his manager and also got a contract, starting in mid-January of 1964, to play at a new club opening in Los Angeles called the Whisky a Go-Go. This was where Rivers' act and reputation exploded, resulting in turn-away crowds -- his act was so rousing and the chemistry between Rivers, his music, and the audience was so strong, that Adler decided to try and record him live at the club, and to do that, he and Rivers had to borrow the money to rent the necessary equipment.
At the time, there were other artists playing this kind of basic, danceable rock & roll, mostly in club settings, in and around Los Angeles. The most notable among them was probably Bobby Fuller, although the Standells were making something of a noise as well. In early 1964, however, none of those acts had broken nationally or even locally. Rivers got there first and, in many ways, paved the way for performers like Fuller, once he got heard.
The tape of Rivers' performance was rejected by every record company in Los Angeles until Adler got to Liberty Records. Liberty had been founded by Al Bennett in the mid-'50s and although it had enjoyed huge success with pop singer Julie London, Liberty was also more of a youth-oriented label than most other L.A. record companies at that time. Bennett didn't believe that Rivers' tape was anything special, but he was convinced by one of his executives, Bob Skaff, to release an album from the tape on the Imperial Records label, which Bennett had purchased a few months earlier.
Johnny Rivers at the Whisky a Go-Go, released in May of 1964, was a hit from day one, its sales boosted by the accompanying single, a powerful version of Chuck Berry's "Memphis," which got to number two on the charts. The magnitude of Rivers' accomplishment shouldn't be underestimated -- since early 1964, the American charts had been dominated almost exclusively by British rock acts, with American artists picking up the scraps that were leftover, and then along came this new white kid from Baton Rouge, playing '50s-style rock & roll and R&B like he means it (and he did). The sales of the debut album were stunning for their time, rising to number 12 in a 45-week chart run on the strength of the single. In response, another live performance was released as Here We a Go-Go Again in late August of 1964. In the interim, his debut single was followed by Rivers' version of "Maybelline," which got to number 12.
Ironically, at around this same time, previously established performers like Dion were being ignored doing their own singles of Chuck Berry's music and even Berry himself was having trouble reaching the charts with any regularity. Part of the secret of Rivers' success was his stripped-down sound, guitar, bass, and drums, to which he and Adler only added piano a little later and which didn't get much more elaborate for two years. Dion, possibly because of all of his success prior to the British Invasion, and Berry, perhaps for the same reason and also his legal troubles (and resulting two-year absence from music ending in 1964), had trouble finding acceptance during this period, while Rivers was embraced by radio stations and listeners alike. Listening to his work, it seems almost a mid-'60s descendant of rockabilly music, with more flexibility in his range and singing.
Rivers' next few singles, with the exceptions of "Mountain of Love" and "Seventh Son" -- which made the Top Five and Top Ten, respectively -- didn't do quite as well, but all performed very respectably. As important as his singles were in keeping him on the radio and before the public, his albums during this period were extraordinary. Rivers proved himself exceptionally prolific and versatile, releasing seven more albums through the end of 1967. Most of these were recorded live at the Whisky a Go-Go, which remained his home base for many years and his favorite concert venue. And all of the albums after his debut were carefully calculated -- the performances displayed great spontaneity and rate among the best pure rock & roll documents of their era, but Rivers and Adler were also careful to choose songs that all translated well on vinyl.
He ranged freely between classic songs by Jerry Lee Lewis and Little Richard and then-current hits and album cuts by the Beatles and the Rolling Stones and even covers of Sam Cooke material. Other albums made room for electric versions of folk and blues numbers and his versions of '60s soul material and all of these albums sold very well by the standards of the day, climbing into the Top 50 and occasionally much higher.
For Rivers' studio recordings, Adler assembled a core band of top talent, drummer Hal Blaine, pianist Larry Knechtel, and Joe Osborn on bass, who together went on to become one of the top studio bands in Los Angeles, backing the Mamas & the Papas, Scott McKenzie, and other Adler-produced acts as well as playing on many of the records of the Carpenters, among many others.
It was out of the success of Rivers' Liberty recordings that Adler was able to found Dunhill Productions, initially as a management, production, and publishing company, which soon after became Dunhill Records, one the most successful independent labels of the mid-'60s, with artists including Barry McGuire, the Mamas & the Papas, and the Grassroots. Within two years of its founding, Adler had sold the new company to ABC Records for millions of dollars, which allowed him to form Ode Records, which, in turn, became the home of Carole King.
Meanwhile, Rivers kept generating new hits, including one totally unexpected soundtrack success. In late 1964, the CBS network scheduled an hour-long British television espionage series called Danger Man, starring Patrick McGoohan. Rechristening it Secret Agent in America, the network and the British producers sought out a new theme song. Adler and Rivers decided to try and deliver one, written by the composer-producer team of P.F. Sloan and Steve Barri. Rivers recorded it for the opening credits of the show, running scarcely a minute, which went on the air in the spring of 1965. That was the last anyone involved thought of it -- the song ran less than a minute, after all -- until Liberty began getting requests for "Secret Agent Man" from radio stations and asked for a single, which required new verses. "Secret Agent Man" became a number three single in America in mid-1966 and, for years, was one of those basic songs -- alongside standards by Chuck Berry, Buddy Holly et al. -- by which aspiring guitarists learned to play. The song is the most familiar in Rivers' output, partly thanks to its fairly regular revival on radio and occasional runs of the series, and something of a pop-culture touchstone (indeed, in 1984-1985, the all-gay gender-balanced New York-based rock band Lowlife used it as one highlight of their shows, playing a hard-rocking version of it as a commentary on the AIDS crisis -- if you listen to the lyrics carefully, it works).
Rivers' commercial career peaked in 1966 with a further Top 20 single of "(I Washed My Hands in) Muddy Water" and his number one hit, "Poor Side of Town," which was also unusual as an original song. Although he'd aspired to a career as a songwriter early in the 1960s and had seen some success in that field, once his career at Liberty took off, Rivers quickly recognized at his shows that his own songs didn't go over as well as his covers of others' songs. "Poor Side of Town" was the exception and also one of his very few singles of this period to have a very produced sound, a ballad, featuring overdubbed strings and a chorus. That decision was Rivers' own, against the advice of Adler and his record label, who didn't think the public would appreciate a change in his basic sound -- instead, it was a breakthrough and marked a change in his approach to music.
That same year, Rivers heard a demo of a song called "By the Time I Get to Phoenix," written by a little-known songwriter named Jimmy Webb, and was impressed enough to put it on his Changes album in a gorgeous pop-soul rendition. An advance copy of the album, brought to Capitol Records, got the song placed with singer/guitarist Glen Campbell, who recorded a version very similar to Rivers' and enjoyed a huge hit with it and, in the process, put Webb on the map as a composer. In 1966, Rivers also formed his own label, Soul City, to which he signed a soul quartet that took the name the Fifth Dimension -- they, in turn, began a string of successes (initially with Jimmy Webb as composer and arranger) that would carry them and the company into the early/mid-'70s as regular denizens in the upper reaches of the charts.
Rivers enjoyed a number three hit with his slow, intense version of "Baby I Need Your Lovin'" in early 1967 and a number ten hit with "The Tracks of My Tears" that spring. He and Adler also played a central role in helping to organize the Monterey Pop Festival, where he was one of the featured performers, though Rivers is usually overlooked in favor of flashier participants such as Jimi Hendrix, the Who, and Janis Joplin.
By this time, rock & roll had evolved into rock and Rivers ran the risk of seeming increasingly out of step, musically and in terms of his image. His sound had evolved from its basic guitar-bass-drums configuration into more elaborate, though fairly restrained, productions, in which his voice was featured in an honest, white soul mode. He took steps to keep his music in touch with the current charts -- the Realization album featured Rivers in a slightly more sophisticated soulful vein, covering songs like "A Whiter Shade of Pale" and "Summer Rain," which became a number 14 hit in 1968.
Cutting edge musicians by then were looking and sounding a lot shaggier than they had in 1964, however, and Rivers' commercial appeal gradually slackened through 1969. Somehow, he couldn't catch a break in those days, and while his music and image did change -- Rivers let his hair grow longer and grew a beard -- he seemed on the wrong end of the music world, even in his strategy of covering good songs by other composers. He inadvertently went head to head with James Taylor with his version of the latter's "Fire and Rain" which got out first, but stalled when Warner Bros. got Taylor's own recording out as a single.
He soldiered on, returning to his Lousiana roots with a version of the old Frankie Ford hit "Sea Cruise" in 1971, which heralded his number six single "Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu," part of his highly acclaimed L.A. Reggae album. He charted yet again in 1973 with "Blue Suede Shoes," a killer rendition of the Carl Perkins classic that made it to the lower reaches of the Top 40. Rivers left United Artists (which had absorbed Liberty Records) in 1973 and spent the next two years bouncing between Atlantic and Epic Records, cutting a new version of the Beach Boys' "Help Me Rhonda" with Brian Wilson singing backup for the latter label. Rivers enjoyed his last chart hit to date in 1977 with "Swayin' to the Music," which got to the number ten spot nationally on his own Soul City label.
By 1983, he had ceased recording, following the release of Not a Through Street, but Rivers never ceased concertizing, performing regularly on several continents into the 1990s and beyond. The early 1990s saw the release of Rhino Records' Anthology, 1964-1977, presenting many of the highlights of Rivers' '60s and '70s output and Capitol reissued four of his middle/late-'60s albums in a series of two-on-one CDs. In 1998, Rivers himself returned to recording for the first time in 15 years with Last Train to Memphis. That same year, the British BGO label began undertaking the re-release of his classic '60s and early '70s albums in England.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-rivers-mn0000203639#biography
Johnny Rivers is a unique figure in the history of rock music. On the most obvious level, he was a rock star of the 1960s and a true rarity as a white American singer/guitarist who made a name for himself as a straight-ahead rock & roller during the middle of that decade. Just as important behind the scenes, his recordings and their success led to the launching, directly and indirectly, of at least three record labels and a dozen other careers whose influence extended into the 1970s, 1980s, and beyond.
Rivers was very much a kindred spirit to figures like Buddy Holly and Ronnie Hawkins, with all of the verve and spirit of members of that first wave of rock & rollers. He had the misfortune of having been born a little too late to catch that wave, however, and took until the middle of the next decade to find his audience. Born John Henry Ramistella on November 7, 1942, in New York, his family moved to Baton Rouge, LA, in 1948, and it was there that his musical sensibilities were shaped. His father, who played the mandolin and guitar, introduced him to the guitar at an early age, and he proved a natural on the instrument.
Meanwhile, Ramistella also began absorbing the R&B sounds that were starting to turn up on the airwaves at the dawn of the 1950s. Additionally, he got to see performers like Fats Domino and Jimmy Reed in person, and by the time he entered his teens, he was immersed in rhythm & blues. He was also good enough to start playing guitar in local groups and at age 13, he formed his own band, the Spades, playing New Orleans-flavored R&B and rock & roll, especially Fats Domino, Larry Williams, and Little Richard. Ramistella made his recording debut leading the Spades in 1956 with the song "Hey Little Girl," issued on the Suede label.
In 1957, he went to New York and wangled a meeting with Alan Freed, who was then the most influential disc jockey in the country. This led to a change of name, at Freed's suggestion, to the less ethnic, more American-mythic Johnny Rivers (which may also have been influenced by the fact that Elvis Presley had portrayed a character named "Deke Rivers" in the movie Loving You that same year), and to a series of single releases under his new name. Johnny Rivers' official recording debut took place with an original song, "Baby Come Back," on George Goldner's Gone Records label in 1958, arranged by renowned songwriter Otis Blackwell. Neither this number -- which sounds a lot like Elvis Presley's version of Blackwell's "Don't Be Cruel" -- nor any of Rivers' other early singles, recorded for Guyden, Cub, Era, or Chancellor, was successful. He made his living largely performing with the Spades and cutting demos of songs for Hill & Range, primarily in Elvis Presley's style.
It was as a composer that Rivers experienced his first taste of success off of the stage, when a chance meeting with guitarist James Burton led to one of his songs, "I'll Make Believe," finding its way to Ricky Nelson and ending up on the album More Songs by Ricky. By 1961, he was 18 years old and a veteran performer with six years' professional performing under his belt and relatively little to show for it except the experience; even a lot of the established figures in the business who'd tried to give him various breaks over the years, including Alan Freed and George Goldner, had fallen on hard times by then. He moved to Los Angeles and began aiming for a career as a songwriter and producer.
Fate played its hand in 1963, however, when a friend who ran a restaurant in Los Angeles appealed to Rivers for help when his house band, a jazz group, suddenly quit. He reluctantly agreed to perform for a few nights in a stripped-down version of his rock & roll act, with just his electric guitar and a drummer, Eddie Rubin. That was when lightning struck -- it turned out that audiences at the restaurant liked the way he sang and played, and soon the crowds were growing and his performing stint turned into an open-ended engagement. Bassist Joe Osborn was hired to join the combo and fill out the sound and suddenly seeing Johnny Rivers was becoming the thing to do.
It was at those gigs that Rivers hooked up with a songwriter and music producer named Lou Adler, a business associate of Herb Alpert who'd previously worked with Jan & Dean and who was planning to start his own record company. Rivers took on Adler as his manager and also got a contract, starting in mid-January of 1964, to play at a new club opening in Los Angeles called the Whisky a Go-Go. This was where Rivers' act and reputation exploded, resulting in turn-away crowds -- his act was so rousing and the chemistry between Rivers, his music, and the audience was so strong, that Adler decided to try and record him live at the club, and to do that, he and Rivers had to borrow the money to rent the necessary equipment.
At the time, there were other artists playing this kind of basic, danceable rock & roll, mostly in club settings, in and around Los Angeles. The most notable among them was probably Bobby Fuller, although the Standells were making something of a noise as well. In early 1964, however, none of those acts had broken nationally or even locally. Rivers got there first and, in many ways, paved the way for performers like Fuller, once he got heard.
The tape of Rivers' performance was rejected by every record company in Los Angeles until Adler got to Liberty Records. Liberty had been founded by Al Bennett in the mid-'50s and although it had enjoyed huge success with pop singer Julie London, Liberty was also more of a youth-oriented label than most other L.A. record companies at that time. Bennett didn't believe that Rivers' tape was anything special, but he was convinced by one of his executives, Bob Skaff, to release an album from the tape on the Imperial Records label, which Bennett had purchased a few months earlier.
Johnny Rivers at the Whisky a Go-Go, released in May of 1964, was a hit from day one, its sales boosted by the accompanying single, a powerful version of Chuck Berry's "Memphis," which got to number two on the charts. The magnitude of Rivers' accomplishment shouldn't be underestimated -- since early 1964, the American charts had been dominated almost exclusively by British rock acts, with American artists picking up the scraps that were leftover, and then along came this new white kid from Baton Rouge, playing '50s-style rock & roll and R&B like he means it (and he did). The sales of the debut album were stunning for their time, rising to number 12 in a 45-week chart run on the strength of the single. In response, another live performance was released as Here We a Go-Go Again in late August of 1964. In the interim, his debut single was followed by Rivers' version of "Maybelline," which got to number 12.
Ironically, at around this same time, previously established performers like Dion were being ignored doing their own singles of Chuck Berry's music and even Berry himself was having trouble reaching the charts with any regularity. Part of the secret of Rivers' success was his stripped-down sound, guitar, bass, and drums, to which he and Adler only added piano a little later and which didn't get much more elaborate for two years. Dion, possibly because of all of his success prior to the British Invasion, and Berry, perhaps for the same reason and also his legal troubles (and resulting two-year absence from music ending in 1964), had trouble finding acceptance during this period, while Rivers was embraced by radio stations and listeners alike. Listening to his work, it seems almost a mid-'60s descendant of rockabilly music, with more flexibility in his range and singing.
Rivers' next few singles, with the exceptions of "Mountain of Love" and "Seventh Son" -- which made the Top Five and Top Ten, respectively -- didn't do quite as well, but all performed very respectably. As important as his singles were in keeping him on the radio and before the public, his albums during this period were extraordinary. Rivers proved himself exceptionally prolific and versatile, releasing seven more albums through the end of 1967. Most of these were recorded live at the Whisky a Go-Go, which remained his home base for many years and his favorite concert venue. And all of the albums after his debut were carefully calculated -- the performances displayed great spontaneity and rate among the best pure rock & roll documents of their era, but Rivers and Adler were also careful to choose songs that all translated well on vinyl.
He ranged freely between classic songs by Jerry Lee Lewis and Little Richard and then-current hits and album cuts by the Beatles and the Rolling Stones and even covers of Sam Cooke material. Other albums made room for electric versions of folk and blues numbers and his versions of '60s soul material and all of these albums sold very well by the standards of the day, climbing into the Top 50 and occasionally much higher.
For Rivers' studio recordings, Adler assembled a core band of top talent, drummer Hal Blaine, pianist Larry Knechtel, and Joe Osborn on bass, who together went on to become one of the top studio bands in Los Angeles, backing the Mamas & the Papas, Scott McKenzie, and other Adler-produced acts as well as playing on many of the records of the Carpenters, among many others.
It was out of the success of Rivers' Liberty recordings that Adler was able to found Dunhill Productions, initially as a management, production, and publishing company, which soon after became Dunhill Records, one the most successful independent labels of the mid-'60s, with artists including Barry McGuire, the Mamas & the Papas, and the Grassroots. Within two years of its founding, Adler had sold the new company to ABC Records for millions of dollars, which allowed him to form Ode Records, which, in turn, became the home of Carole King.
Meanwhile, Rivers kept generating new hits, including one totally unexpected soundtrack success. In late 1964, the CBS network scheduled an hour-long British television espionage series called Danger Man, starring Patrick McGoohan. Rechristening it Secret Agent in America, the network and the British producers sought out a new theme song. Adler and Rivers decided to try and deliver one, written by the composer-producer team of P.F. Sloan and Steve Barri. Rivers recorded it for the opening credits of the show, running scarcely a minute, which went on the air in the spring of 1965. That was the last anyone involved thought of it -- the song ran less than a minute, after all -- until Liberty began getting requests for "Secret Agent Man" from radio stations and asked for a single, which required new verses. "Secret Agent Man" became a number three single in America in mid-1966 and, for years, was one of those basic songs -- alongside standards by Chuck Berry, Buddy Holly et al. -- by which aspiring guitarists learned to play. The song is the most familiar in Rivers' output, partly thanks to its fairly regular revival on radio and occasional runs of the series, and something of a pop-culture touchstone (indeed, in 1984-1985, the all-gay gender-balanced New York-based rock band Lowlife used it as one highlight of their shows, playing a hard-rocking version of it as a commentary on the AIDS crisis -- if you listen to the lyrics carefully, it works).
Rivers' commercial career peaked in 1966 with a further Top 20 single of "(I Washed My Hands in) Muddy Water" and his number one hit, "Poor Side of Town," which was also unusual as an original song. Although he'd aspired to a career as a songwriter early in the 1960s and had seen some success in that field, once his career at Liberty took off, Rivers quickly recognized at his shows that his own songs didn't go over as well as his covers of others' songs. "Poor Side of Town" was the exception and also one of his very few singles of this period to have a very produced sound, a ballad, featuring overdubbed strings and a chorus. That decision was Rivers' own, against the advice of Adler and his record label, who didn't think the public would appreciate a change in his basic sound -- instead, it was a breakthrough and marked a change in his approach to music.
That same year, Rivers heard a demo of a song called "By the Time I Get to Phoenix," written by a little-known songwriter named Jimmy Webb, and was impressed enough to put it on his Changes album in a gorgeous pop-soul rendition. An advance copy of the album, brought to Capitol Records, got the song placed with singer/guitarist Glen Campbell, who recorded a version very similar to Rivers' and enjoyed a huge hit with it and, in the process, put Webb on the map as a composer. In 1966, Rivers also formed his own label, Soul City, to which he signed a soul quartet that took the name the Fifth Dimension -- they, in turn, began a string of successes (initially with Jimmy Webb as composer and arranger) that would carry them and the company into the early/mid-'70s as regular denizens in the upper reaches of the charts.
Rivers enjoyed a number three hit with his slow, intense version of "Baby I Need Your Lovin'" in early 1967 and a number ten hit with "The Tracks of My Tears" that spring. He and Adler also played a central role in helping to organize the Monterey Pop Festival, where he was one of the featured performers, though Rivers is usually overlooked in favor of flashier participants such as Jimi Hendrix, the Who, and Janis Joplin.
By this time, rock & roll had evolved into rock and Rivers ran the risk of seeming increasingly out of step, musically and in terms of his image. His sound had evolved from its basic guitar-bass-drums configuration into more elaborate, though fairly restrained, productions, in which his voice was featured in an honest, white soul mode. He took steps to keep his music in touch with the current charts -- the Realization album featured Rivers in a slightly more sophisticated soulful vein, covering songs like "A Whiter Shade of Pale" and "Summer Rain," which became a number 14 hit in 1968.
Cutting edge musicians by then were looking and sounding a lot shaggier than they had in 1964, however, and Rivers' commercial appeal gradually slackened through 1969. Somehow, he couldn't catch a break in those days, and while his music and image did change -- Rivers let his hair grow longer and grew a beard -- he seemed on the wrong end of the music world, even in his strategy of covering good songs by other composers. He inadvertently went head to head with James Taylor with his version of the latter's "Fire and Rain" which got out first, but stalled when Warner Bros. got Taylor's own recording out as a single.
He soldiered on, returning to his Lousiana roots with a version of the old Frankie Ford hit "Sea Cruise" in 1971, which heralded his number six single "Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu," part of his highly acclaimed L.A. Reggae album. He charted yet again in 1973 with "Blue Suede Shoes," a killer rendition of the Carl Perkins classic that made it to the lower reaches of the Top 40. Rivers left United Artists (which had absorbed Liberty Records) in 1973 and spent the next two years bouncing between Atlantic and Epic Records, cutting a new version of the Beach Boys' "Help Me Rhonda" with Brian Wilson singing backup for the latter label. Rivers enjoyed his last chart hit to date in 1977 with "Swayin' to the Music," which got to the number ten spot nationally on his own Soul City label.
By 1983, he had ceased recording, following the release of Not a Through Street, but Rivers never ceased concertizing, performing regularly on several continents into the 1990s and beyond. The early 1990s saw the release of Rhino Records' Anthology, 1964-1977, presenting many of the highlights of Rivers' '60s and '70s output and Capitol reissued four of his middle/late-'60s albums in a series of two-on-one CDs. In 1998, Rivers himself returned to recording for the first time in 15 years with Last Train to Memphis. That same year, the British BGO label began undertaking the re-release of his classic '60s and early '70s albums in England.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-rivers-mn0000203639#biography
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Biografía de Bruce Eder
Johnny Rivers es una figura única en la historia de la música rock. En el plano más obvio, fue una estrella del rock de los años sesenta y una auténtica rareza como cantante y guitarrista estadounidense de raza blanca que se hizo un nombre como rock & roll de pura cepa a mediados de esa década. Igual de importantes entre bastidores fueron sus grabaciones y el éxito de las mismas, que propiciaron el lanzamiento, directo e indirecto, de al menos tres sellos discográficos y una docena de otras carreras cuya influencia se extendió a los años setenta, ochenta y siguientes.
Rivers era en gran medida un alma gemela de figuras como Buddy Holly y Ronnie Hawkins, con todo el brío y el espíritu de los miembros de esa primera oleada de rock & rollers. Sin embargo, tuvo la desgracia de nacer un poco tarde para coger esa ola, y tardó hasta mediados de la década siguiente en encontrar su público. Nacido como John Henry Ramistella el 7 de noviembre de 1942 en Nueva York, su familia se trasladó a Baton Rouge, LA, en 1948, y fue allí donde se forjó su sensibilidad musical. Su padre, que tocaba la mandolina y la guitarra, le introdujo en la guitarra a una edad temprana, y demostró tener un talento innato para este instrumento.
Al mismo tiempo, Ramistella empezó a absorber los sonidos R&B que empezaban a sonar en las ondas en los albores de la década de 1950. Además, pudo ver en persona a artistas como Fats Domino y Jimmy Reed, y cuando entró en la adolescencia ya estaba inmerso en el rhythm & blues. También era lo bastante bueno como para empezar a tocar la guitarra en grupos locales y, a los 13 años, formó su propia banda, los Spades, tocando R&B y rock & roll con sabor a Nueva Orleans, especialmente Fats Domino, Larry Williams y Little Richard. Ramistella hizo su debut discográfico al frente de los Spades en 1956 con la canción "Hey Little Girl", publicada por el sello Suede.
En 1957, viajó a Nueva York y consiguió reunirse con Alan Freed, que por aquel entonces era el disc jockey más influyente del país. A sugerencia de Freed, cambió su nombre por el de Johnny Rivers, menos étnico y más mitológico (quizá también influido por el hecho de que Elvis Presley había interpretado a un personaje llamado "Deke Rivers" en la película Loving You ese mismo año), y lanzó una serie de sencillos con su nuevo nombre. El debut discográfico oficial de Johnny Rivers tuvo lugar con una canción original, "Baby Come Back", en el sello Gone Records de George Goldner en 1958, arreglada por el célebre compositor Otis Blackwell. Ni este tema, que suena muy parecido a la versión de Elvis Presley de "Don't Be Cruel" de Blackwell, ni ninguno de los otros primeros sencillos de Rivers, grabados para Guyden, Cub, Era o Chancellor, tuvieron éxito. Se ganaba la vida sobre todo actuando con los Spades y haciendo maquetas de canciones para Hill & Range, principalmente al estilo de Elvis Presley.
Fue como compositor que Rivers experimentó su primer éxito fuera del escenario, cuando un encuentro casual con el guitarrista James Burton hizo que una de sus canciones, "I'll Make Believe", llegara a Ricky Nelson y terminara en el álbum More Songs by Ricky. En 1961, tenía 18 años y era un veterano intérprete con seis años de carrera profesional a sus espaldas y relativamente poco que demostrar, salvo la experiencia; incluso muchas de las figuras establecidas en el negocio que habían intentado darle varias oportunidades a lo largo de los años, incluidos Alan Freed y George Goldner, habían caído en desgracia para entonces. Se trasladó a Los Ángeles y empezó a hacer carrera como compositor y productor.
Sin embargo, el destino hizo de las suyas en 1963, cuando un amigo que regentaba un restaurante en Los Ángeles pidió ayuda a Rivers cuando su banda, un grupo de jazz, abandonó repentinamente. Rivers aceptó a regañadientes actuar durante unas noches en una versión reducida de su actuación de rock & roll, sólo con su guitarra eléctrica y un batería, Eddie Rubin. Fue entonces cuando cayó el rayo: resultó que al público del restaurante le gustaba cómo cantaba y tocaba, y pronto el público creció y su actuación se convirtió en un contrato indefinido. El bajista Joe Osborn fue contratado para unirse al combo y completar el sonido y, de repente, ver a Johnny Rivers se convirtió en lo más.
Fue en esos conciertos donde Rivers conoció a un compositor y productor musical llamado Lou Adler, un socio de Herb Alpert que había trabajado anteriormente con Jan & Dean y que planeaba fundar su propia compañía discográfica. Rivers contrató a Adler como mánager y también consiguió un contrato, a partir de mediados de enero de 1964, para tocar en un nuevo club de Los Ángeles llamado Whisky a Go-Go. Su actuación era tan apasionante y la química entre Rivers, su música y el público era tan fuerte que Adler decidió intentar grabarle en directo en el club y, para ello, él y Rivers tuvieron que pedir prestado el dinero para alquilar el equipo necesario.
En aquella época, había otros artistas que tocaban este tipo de rock & roll básico y bailable, sobre todo en clubes, en Los Ángeles y sus alrededores. El más notable de ellos era probablemente Bobby Fuller, aunque los Standells también estaban haciendo algo de ruido. A principios de 1964, sin embargo, ninguno de estos grupos había conseguido triunfar a nivel nacional o incluso local. Rivers llegó primero y, en muchos sentidos, allanó el camino para artistas como Fuller, una vez que le escucharon.
La cinta de la actuación de Rivers fue rechazada por todas las compañías discográficas de Los Ángeles hasta que Adler llegó a Liberty Records. Liberty había sido fundada por Al Bennett a mediados de los años 50 y, aunque había cosechado un gran éxito con la cantante pop Julie London, Liberty era también un sello más orientado a los jóvenes que la mayoría de las discográficas de Los Ángeles en aquella época. Bennett no creía que la cinta de Rivers fuera nada especial, pero uno de sus ejecutivos, Bob Skaff, le convenció para que publicara un álbum de la cinta en el sello Imperial Records, que Bennett había comprado unos meses antes.
Johnny Rivers at the Whisky a Go-Go, publicado en mayo de 1964, fue un éxito desde el primer día, y sus ventas se vieron impulsadas por el single que lo acompañaba, una potente versión de "Memphis" de Chuck Berry, que llegó al número dos de las listas. No hay que subestimar la magnitud del logro de Rivers: desde principios de 1964, las listas de éxitos estadounidenses habían estado dominadas casi exclusivamente por grupos de rock británicos, con artistas estadounidenses recogiendo los restos que quedaban, y entonces llegó este nuevo chico blanco de Baton Rouge, tocando rock & roll y R&B al estilo de los años 50 como si tal cosa (y así era). Las ventas de su álbum de debut fueron impresionantes para su época, llegando al número 12 en una carrera de 45 semanas en las listas gracias a la fuerza del single. En respuesta, se publicó otra actuación en directo bajo el título Here We a Go-Go Again a finales de agosto de 1964. En el ínterin, a su single de debut le siguió la versión de Rivers de "Maybelline", que llegó al número 12.
Irónicamente, en esa misma época, artistas ya consagrados como Dion estaban siendo ignorados haciendo sus propios singles de la música de Chuck Berry e incluso el propio Berry estaba teniendo problemas para llegar a las listas con cierta regularidad. Parte del secreto del éxito de Rivers fue su sonido despojado, guitarra, bajo y batería, al que él y Adler sólo añadieron el piano un poco más tarde y que no se volvió mucho más elaborado durante dos años. Dion, posiblemente debido a todo su éxito anterior a la Invasión Británica, y Berry, quizá por la misma razón y también por sus problemas legales (y la consiguiente ausencia de la música durante dos años que terminó en 1964), tuvieron problemas para encontrar aceptación durante este periodo, mientras que Rivers fue acogido por las emisoras de radio y los oyentes por igual. Al escuchar su trabajo, parece casi un descendiente de la música rockabilly de mediados de los 60, con más flexibilidad en su registro y forma de cantar.
Los siguientes singles de Rivers, con la excepción de "Mountain of Love" y "Seventh Son", que entraron en el Top 5 y el Top 10 respectivamente, no fueron tan buenos, pero todos tuvieron un rendimiento muy respetable. Tan importantes como sus singles fueron para mantenerle en la radio y ante el público, sus álbumes durante este periodo fueron extraordinarios. Rivers demostró ser excepcionalmente prolífico y versátil, publicando siete álbumes más hasta finales de 1967. La mayoría de ellos fueron grabados en directo en el Whisky a Go-Go, que siguió siendo su lugar de residencia durante muchos años y su sala de conciertos favorita. Y todos los álbumes posteriores a su debut estaban cuidadosamente calculados: las actuaciones mostraban una gran espontaneidad y figuran entre los mejores documentos de rock & roll puro de su época, pero Rivers y Adler también tuvieron cuidado de elegir canciones que se tradujeran bien en vinilo.
Varió libremente entre canciones clásicas de Jerry Lee Lewis y Little Richard y éxitos y cortes de álbumes de entonces de los Beatles y los Rolling Stones e incluso versiones de material de Sam Cooke. Otros álbumes daban cabida a versiones eléctricas de temas folk y blues y a sus versiones de material soul de los años 60. Todos estos álbumes se vendieron muy bien para los estándares de la época, entrando en el Top 50 y a veces muy por encima.
Para las grabaciones de estudio de Rivers, Adler reunió a una banda principal de grandes talentos, el batería Hal Blaine, el pianista Larry Knechtel y Joe Osborn al bajo, que juntos se convirtieron en una de las mejores bandas de estudio de Los Ángeles, acompañando a los Mamas & the Papas, Scott McKenzie y otros grupos producidos por Adler, además de tocar en muchos de los discos de los Carpenters, entre muchos otros.
Gracias al éxito de las grabaciones de Liberty de Rivers, Adler pudo fundar Dunhill Productions, inicialmente como empresa de gestión, producción y publicación, que poco después se convirtió en Dunhill Records, uno de los sellos independientes de más éxito de mediados de los 60, con artistas como Barry McGuire, los Mamas & the Papas y los Grassroots. A los dos años de su fundación, Adler había vendido la nueva compañía a ABC Records por millones de dólares, lo que le permitió formar Ode Records, que, a su vez, se convirtió en el hogar de Carole King.
Mientras tanto, Rivers seguía generando nuevos éxitos, incluido un éxito de banda sonora totalmente inesperado. A finales de 1964, la cadena CBS programó una serie de espionaje para la televisión británica de una hora de duración llamada Danger Man, protagonizada por Patrick McGoohan. Rebautizada como Secret Agent in America, la cadena y los productores británicos buscaron un nuevo tema musical. Adler y Rivers decidieron intentar crear una, escrita por el equipo de compositores y productores formado por P.F. Sloan y Steve Barri. Rivers la grabó para los créditos iniciales del programa, de apenas un minuto de duración, que se emitió en la primavera de 1965. Fue la última vez que los implicados pensaron en ella -la canción duraba menos de un minuto, después de todo- hasta que Liberty empezó a recibir peticiones de "Secret Agent Man" de las emisoras de radio y pidió un single, que requería nuevas estrofas. "Secret Agent Man" se convirtió en un sencillo número tres en Estados Unidos a mediados de 1966 y, durante años, fue una de esas canciones básicas -junto a los estándares de Chuck Berry, Buddy Holly y otros- con las que los aspirantes a guitarristas aprendían a tocar. La canción es la más conocida de la producción de Rivers, en parte gracias a su reestreno bastante regular en la radio y a las emisiones ocasionales de la serie, y una especie de piedra de toque de la cultura pop (de hecho, en 1984-1985, el grupo de rock neoyorquino Lowlife, formado por gays con equilibrio de género, la utilizó como uno de los momentos culminantes de sus conciertos, tocando una versión hard-rockera de la canción como comentario sobre la crisis del sida; si se escucha la letra con atención, funciona).
La carrera comercial de Rivers alcanzó su punto álgido en 1966 con otro sencillo en el Top 20 con "(I Washed My Hands in) Muddy Water" y su éxito número uno, "Poor Side of Town", que también era inusual como canción original. Aunque había aspirado a una carrera como compositor a principios de la década de 1960 y había tenido cierto éxito en ese campo, una vez que su carrera en Liberty despegó, Rivers reconoció rápidamente en sus espectáculos que sus propias canciones no tenían tanto éxito como sus versiones de canciones de otros. "Poor Side of Town" fue la excepción y también uno de sus pocos singles de este periodo que tenía un sonido muy producido, una balada, con cuerdas sobregrabadas y un estribillo. La decisión fue del propio Rivers, en contra del consejo de Adler y su discográfica, que no creían que el público apreciara un cambio en su sonido básico; en cambio, fue un gran avance y marcó un cambio en su enfoque de la música.
Ese mismo año, Rivers escuchó una maqueta de una canción llamada "By the Time I Get to Phoenix", escrita por un compositor poco conocido llamado Jimmy Webb, y quedó lo bastante impresionado como para incluirla en su álbum Changes en una magnífica versión pop-soul. Una copia anticipada del álbum, llevada a Capitol Records, consiguió que la canción fuera grabada por el cantante y guitarrista Glen Campbell, que grabó una versión muy similar a la de Rivers y obtuvo un gran éxito con ella y, de paso, puso a Webb en el mapa como compositor. En 1966, Rivers también fundó su propio sello, Soul City, con el que fichó a un cuarteto de soul que adoptó el nombre de Fifth Dimension. Ellos, a su vez, iniciaron una serie de éxitos (inicialmente con Jimmy Webb como compositor y arreglista) que les llevarían a ellos y a la compañía a principios y mediados de los 70 como habitantes habituales de los primeros puestos de las listas de éxitos.
Rivers consiguió un número tres con su lenta e intensa versión de "Baby I Need Your Lovin'" a principios de 1967 y un número diez con "The Tracks of My Tears" esa primavera. Él y Adler también desempeñaron un papel fundamental en la organización del Monterey Pop Festival, donde fue uno de los artistas destacados, aunque Rivers suele ser pasado por alto en favor de participantes más llamativos como Jimi Hendrix, The Who y Janis Joplin.
Johnny Rivers es una figura única en la historia de la música rock. En el plano más obvio, fue una estrella del rock de los años sesenta y una auténtica rareza como cantante y guitarrista estadounidense de raza blanca que se hizo un nombre como rock & roll de pura cepa a mediados de esa década. Igual de importantes entre bastidores fueron sus grabaciones y el éxito de las mismas, que propiciaron el lanzamiento, directo e indirecto, de al menos tres sellos discográficos y una docena de otras carreras cuya influencia se extendió a los años setenta, ochenta y siguientes.
Rivers era en gran medida un alma gemela de figuras como Buddy Holly y Ronnie Hawkins, con todo el brío y el espíritu de los miembros de esa primera oleada de rock & rollers. Sin embargo, tuvo la desgracia de nacer un poco tarde para coger esa ola, y tardó hasta mediados de la década siguiente en encontrar su público. Nacido como John Henry Ramistella el 7 de noviembre de 1942 en Nueva York, su familia se trasladó a Baton Rouge, LA, en 1948, y fue allí donde se forjó su sensibilidad musical. Su padre, que tocaba la mandolina y la guitarra, le introdujo en la guitarra a una edad temprana, y demostró tener un talento innato para este instrumento.
Al mismo tiempo, Ramistella empezó a absorber los sonidos R&B que empezaban a sonar en las ondas en los albores de la década de 1950. Además, pudo ver en persona a artistas como Fats Domino y Jimmy Reed, y cuando entró en la adolescencia ya estaba inmerso en el rhythm & blues. También era lo bastante bueno como para empezar a tocar la guitarra en grupos locales y, a los 13 años, formó su propia banda, los Spades, tocando R&B y rock & roll con sabor a Nueva Orleans, especialmente Fats Domino, Larry Williams y Little Richard. Ramistella hizo su debut discográfico al frente de los Spades en 1956 con la canción "Hey Little Girl", publicada por el sello Suede.
En 1957, viajó a Nueva York y consiguió reunirse con Alan Freed, que por aquel entonces era el disc jockey más influyente del país. A sugerencia de Freed, cambió su nombre por el de Johnny Rivers, menos étnico y más mitológico (quizá también influido por el hecho de que Elvis Presley había interpretado a un personaje llamado "Deke Rivers" en la película Loving You ese mismo año), y lanzó una serie de sencillos con su nuevo nombre. El debut discográfico oficial de Johnny Rivers tuvo lugar con una canción original, "Baby Come Back", en el sello Gone Records de George Goldner en 1958, arreglada por el célebre compositor Otis Blackwell. Ni este tema, que suena muy parecido a la versión de Elvis Presley de "Don't Be Cruel" de Blackwell, ni ninguno de los otros primeros sencillos de Rivers, grabados para Guyden, Cub, Era o Chancellor, tuvieron éxito. Se ganaba la vida sobre todo actuando con los Spades y haciendo maquetas de canciones para Hill & Range, principalmente al estilo de Elvis Presley.
Fue como compositor que Rivers experimentó su primer éxito fuera del escenario, cuando un encuentro casual con el guitarrista James Burton hizo que una de sus canciones, "I'll Make Believe", llegara a Ricky Nelson y terminara en el álbum More Songs by Ricky. En 1961, tenía 18 años y era un veterano intérprete con seis años de carrera profesional a sus espaldas y relativamente poco que demostrar, salvo la experiencia; incluso muchas de las figuras establecidas en el negocio que habían intentado darle varias oportunidades a lo largo de los años, incluidos Alan Freed y George Goldner, habían caído en desgracia para entonces. Se trasladó a Los Ángeles y empezó a hacer carrera como compositor y productor.
Sin embargo, el destino hizo de las suyas en 1963, cuando un amigo que regentaba un restaurante en Los Ángeles pidió ayuda a Rivers cuando su banda, un grupo de jazz, abandonó repentinamente. Rivers aceptó a regañadientes actuar durante unas noches en una versión reducida de su actuación de rock & roll, sólo con su guitarra eléctrica y un batería, Eddie Rubin. Fue entonces cuando cayó el rayo: resultó que al público del restaurante le gustaba cómo cantaba y tocaba, y pronto el público creció y su actuación se convirtió en un contrato indefinido. El bajista Joe Osborn fue contratado para unirse al combo y completar el sonido y, de repente, ver a Johnny Rivers se convirtió en lo más.
Fue en esos conciertos donde Rivers conoció a un compositor y productor musical llamado Lou Adler, un socio de Herb Alpert que había trabajado anteriormente con Jan & Dean y que planeaba fundar su propia compañía discográfica. Rivers contrató a Adler como mánager y también consiguió un contrato, a partir de mediados de enero de 1964, para tocar en un nuevo club de Los Ángeles llamado Whisky a Go-Go. Su actuación era tan apasionante y la química entre Rivers, su música y el público era tan fuerte que Adler decidió intentar grabarle en directo en el club y, para ello, él y Rivers tuvieron que pedir prestado el dinero para alquilar el equipo necesario.
En aquella época, había otros artistas que tocaban este tipo de rock & roll básico y bailable, sobre todo en clubes, en Los Ángeles y sus alrededores. El más notable de ellos era probablemente Bobby Fuller, aunque los Standells también estaban haciendo algo de ruido. A principios de 1964, sin embargo, ninguno de estos grupos había conseguido triunfar a nivel nacional o incluso local. Rivers llegó primero y, en muchos sentidos, allanó el camino para artistas como Fuller, una vez que le escucharon.
La cinta de la actuación de Rivers fue rechazada por todas las compañías discográficas de Los Ángeles hasta que Adler llegó a Liberty Records. Liberty había sido fundada por Al Bennett a mediados de los años 50 y, aunque había cosechado un gran éxito con la cantante pop Julie London, Liberty era también un sello más orientado a los jóvenes que la mayoría de las discográficas de Los Ángeles en aquella época. Bennett no creía que la cinta de Rivers fuera nada especial, pero uno de sus ejecutivos, Bob Skaff, le convenció para que publicara un álbum de la cinta en el sello Imperial Records, que Bennett había comprado unos meses antes.
Johnny Rivers at the Whisky a Go-Go, publicado en mayo de 1964, fue un éxito desde el primer día, y sus ventas se vieron impulsadas por el single que lo acompañaba, una potente versión de "Memphis" de Chuck Berry, que llegó al número dos de las listas. No hay que subestimar la magnitud del logro de Rivers: desde principios de 1964, las listas de éxitos estadounidenses habían estado dominadas casi exclusivamente por grupos de rock británicos, con artistas estadounidenses recogiendo los restos que quedaban, y entonces llegó este nuevo chico blanco de Baton Rouge, tocando rock & roll y R&B al estilo de los años 50 como si tal cosa (y así era). Las ventas de su álbum de debut fueron impresionantes para su época, llegando al número 12 en una carrera de 45 semanas en las listas gracias a la fuerza del single. En respuesta, se publicó otra actuación en directo bajo el título Here We a Go-Go Again a finales de agosto de 1964. En el ínterin, a su single de debut le siguió la versión de Rivers de "Maybelline", que llegó al número 12.
Irónicamente, en esa misma época, artistas ya consagrados como Dion estaban siendo ignorados haciendo sus propios singles de la música de Chuck Berry e incluso el propio Berry estaba teniendo problemas para llegar a las listas con cierta regularidad. Parte del secreto del éxito de Rivers fue su sonido despojado, guitarra, bajo y batería, al que él y Adler sólo añadieron el piano un poco más tarde y que no se volvió mucho más elaborado durante dos años. Dion, posiblemente debido a todo su éxito anterior a la Invasión Británica, y Berry, quizá por la misma razón y también por sus problemas legales (y la consiguiente ausencia de la música durante dos años que terminó en 1964), tuvieron problemas para encontrar aceptación durante este periodo, mientras que Rivers fue acogido por las emisoras de radio y los oyentes por igual. Al escuchar su trabajo, parece casi un descendiente de la música rockabilly de mediados de los 60, con más flexibilidad en su registro y forma de cantar.
Los siguientes singles de Rivers, con la excepción de "Mountain of Love" y "Seventh Son", que entraron en el Top 5 y el Top 10 respectivamente, no fueron tan buenos, pero todos tuvieron un rendimiento muy respetable. Tan importantes como sus singles fueron para mantenerle en la radio y ante el público, sus álbumes durante este periodo fueron extraordinarios. Rivers demostró ser excepcionalmente prolífico y versátil, publicando siete álbumes más hasta finales de 1967. La mayoría de ellos fueron grabados en directo en el Whisky a Go-Go, que siguió siendo su lugar de residencia durante muchos años y su sala de conciertos favorita. Y todos los álbumes posteriores a su debut estaban cuidadosamente calculados: las actuaciones mostraban una gran espontaneidad y figuran entre los mejores documentos de rock & roll puro de su época, pero Rivers y Adler también tuvieron cuidado de elegir canciones que se tradujeran bien en vinilo.
Varió libremente entre canciones clásicas de Jerry Lee Lewis y Little Richard y éxitos y cortes de álbumes de entonces de los Beatles y los Rolling Stones e incluso versiones de material de Sam Cooke. Otros álbumes daban cabida a versiones eléctricas de temas folk y blues y a sus versiones de material soul de los años 60. Todos estos álbumes se vendieron muy bien para los estándares de la época, entrando en el Top 50 y a veces muy por encima.
Para las grabaciones de estudio de Rivers, Adler reunió a una banda principal de grandes talentos, el batería Hal Blaine, el pianista Larry Knechtel y Joe Osborn al bajo, que juntos se convirtieron en una de las mejores bandas de estudio de Los Ángeles, acompañando a los Mamas & the Papas, Scott McKenzie y otros grupos producidos por Adler, además de tocar en muchos de los discos de los Carpenters, entre muchos otros.
Gracias al éxito de las grabaciones de Liberty de Rivers, Adler pudo fundar Dunhill Productions, inicialmente como empresa de gestión, producción y publicación, que poco después se convirtió en Dunhill Records, uno de los sellos independientes de más éxito de mediados de los 60, con artistas como Barry McGuire, los Mamas & the Papas y los Grassroots. A los dos años de su fundación, Adler había vendido la nueva compañía a ABC Records por millones de dólares, lo que le permitió formar Ode Records, que, a su vez, se convirtió en el hogar de Carole King.
Mientras tanto, Rivers seguía generando nuevos éxitos, incluido un éxito de banda sonora totalmente inesperado. A finales de 1964, la cadena CBS programó una serie de espionaje para la televisión británica de una hora de duración llamada Danger Man, protagonizada por Patrick McGoohan. Rebautizada como Secret Agent in America, la cadena y los productores británicos buscaron un nuevo tema musical. Adler y Rivers decidieron intentar crear una, escrita por el equipo de compositores y productores formado por P.F. Sloan y Steve Barri. Rivers la grabó para los créditos iniciales del programa, de apenas un minuto de duración, que se emitió en la primavera de 1965. Fue la última vez que los implicados pensaron en ella -la canción duraba menos de un minuto, después de todo- hasta que Liberty empezó a recibir peticiones de "Secret Agent Man" de las emisoras de radio y pidió un single, que requería nuevas estrofas. "Secret Agent Man" se convirtió en un sencillo número tres en Estados Unidos a mediados de 1966 y, durante años, fue una de esas canciones básicas -junto a los estándares de Chuck Berry, Buddy Holly y otros- con las que los aspirantes a guitarristas aprendían a tocar. La canción es la más conocida de la producción de Rivers, en parte gracias a su reestreno bastante regular en la radio y a las emisiones ocasionales de la serie, y una especie de piedra de toque de la cultura pop (de hecho, en 1984-1985, el grupo de rock neoyorquino Lowlife, formado por gays con equilibrio de género, la utilizó como uno de los momentos culminantes de sus conciertos, tocando una versión hard-rockera de la canción como comentario sobre la crisis del sida; si se escucha la letra con atención, funciona).
La carrera comercial de Rivers alcanzó su punto álgido en 1966 con otro sencillo en el Top 20 con "(I Washed My Hands in) Muddy Water" y su éxito número uno, "Poor Side of Town", que también era inusual como canción original. Aunque había aspirado a una carrera como compositor a principios de la década de 1960 y había tenido cierto éxito en ese campo, una vez que su carrera en Liberty despegó, Rivers reconoció rápidamente en sus espectáculos que sus propias canciones no tenían tanto éxito como sus versiones de canciones de otros. "Poor Side of Town" fue la excepción y también uno de sus pocos singles de este periodo que tenía un sonido muy producido, una balada, con cuerdas sobregrabadas y un estribillo. La decisión fue del propio Rivers, en contra del consejo de Adler y su discográfica, que no creían que el público apreciara un cambio en su sonido básico; en cambio, fue un gran avance y marcó un cambio en su enfoque de la música.
Ese mismo año, Rivers escuchó una maqueta de una canción llamada "By the Time I Get to Phoenix", escrita por un compositor poco conocido llamado Jimmy Webb, y quedó lo bastante impresionado como para incluirla en su álbum Changes en una magnífica versión pop-soul. Una copia anticipada del álbum, llevada a Capitol Records, consiguió que la canción fuera grabada por el cantante y guitarrista Glen Campbell, que grabó una versión muy similar a la de Rivers y obtuvo un gran éxito con ella y, de paso, puso a Webb en el mapa como compositor. En 1966, Rivers también fundó su propio sello, Soul City, con el que fichó a un cuarteto de soul que adoptó el nombre de Fifth Dimension. Ellos, a su vez, iniciaron una serie de éxitos (inicialmente con Jimmy Webb como compositor y arreglista) que les llevarían a ellos y a la compañía a principios y mediados de los 70 como habitantes habituales de los primeros puestos de las listas de éxitos.
Rivers consiguió un número tres con su lenta e intensa versión de "Baby I Need Your Lovin'" a principios de 1967 y un número diez con "The Tracks of My Tears" esa primavera. Él y Adler también desempeñaron un papel fundamental en la organización del Monterey Pop Festival, donde fue uno de los artistas destacados, aunque Rivers suele ser pasado por alto en favor de participantes más llamativos como Jimi Hendrix, The Who y Janis Joplin.
Para entonces, el rock & roll había evolucionado hacia el rock y Rivers corría el riesgo de parecer cada vez más desfasado, musicalmente y en cuanto a su imagen. Su sonido había evolucionado desde su configuración básica de guitarra, bajo y batería hacia producciones más elaboradas, aunque bastante contenidas, en las que su voz aparecía en un modo honesto de soul blanco. Tomó medidas para mantener su música en contacto con las listas de éxitos del momento: el álbum Realization presentaba a Rivers en una vena soul ligeramente más sofisticada, versionando canciones como "A Whiter Shade of Pale" y "Summer Rain", que se convirtió en un éxito número 14 en 1968.
Sin embargo, para entonces los músicos de vanguardia tenían un aspecto y un sonido mucho más desaliñado que en 1964, y el atractivo comercial de Rivers fue disminuyendo gradualmente a lo largo de 1969. De alguna manera, no podía tomarse un respiro en aquellos días, y aunque su música y su imagen cambiaron -Rivers se dejó crecer el pelo y se dejó crecer la barba-, parecía estar en el lado equivocado del mundo de la música, incluso en su estrategia de versionar buenas canciones de otros compositores. Sin darse cuenta, se enfrentó a James Taylor con su versión de "Fire and Rain", de este último, que se publicó primero, pero se estancó cuando Warner Bros. sacó como sencillo la grabación del propio Taylor.
Siguió adelante, volviendo a sus raíces de Lousiana con una versión del viejo éxito de Frankie Ford "Sea Cruise" en 1971, que anunció su sencillo número seis "Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu", parte de su aclamado álbum L.A. Reggae. Volvió a entrar en las listas de éxitos en 1973 con "Blue Suede Shoes", una magnífica versión del clásico de Carl Perkins que llegó a los primeros puestos de los 40 Principales. Rivers abandonó United Artists (que había absorbido a Liberty Records) en 1973 y pasó los dos años siguientes entre Atlantic y Epic Records, grabando una nueva versión de "Help Me Rhonda" de los Beach Boys con Brian Wilson como corista para este último sello. Rivers obtuvo su último éxito en 1977 con "Swayin' to the Music", que llegó al número diez nacional con su propio sello Soul City.
En 1983 dejó de grabar, tras el lanzamiento de Not a Through Street, pero Rivers nunca dejó de dar conciertos, actuando regularmente en varios continentes hasta los años noventa y más allá. A principios de los 90, Rhino Records publicó Anthology, 1964-1977, que presentaba muchos de los discos más destacados de Rivers de los años 60 y 70, y Capitol reeditó cuatro de sus álbumes de mediados y finales de los 60 en una serie de CD de dos en uno. En 1998, el propio Rivers volvió a grabar por primera vez en 15 años con Last Train to Memphis. Ese mismo año, el sello británico BGO empezó a reeditar en Inglaterra sus álbumes clásicos de los 60 y principios de los 70.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-rivers-mn0000203639#biography
Memphis
If Wouldn't Happen With Me
Oh Lonesome
Lawdy Miss Clawdy
Whisky à Go Go
Walkin' The Dog
Brown Eyed Handsome Man
You Can Have Her (I Don't Want Me)
Multiplication
La Bamba
Twist and Shout
Maybelline
Dang Me
Hello Josephine
Hi-Heel Sneakers
Can't Buy Me Love
I Got a Woman
Baby What You Want Me To Do
Midnight Special
Roll Over Beethoven
Walk Myself On Home
Johnny B. Goode
Whola Lotta Shakin' Going On
If Wouldn't Happen With Me
Oh Lonesome
Lawdy Miss Clawdy
Whisky à Go Go
Walkin' The Dog
Brown Eyed Handsome Man
You Can Have Her (I Don't Want Me)
Multiplication
La Bamba
Twist and Shout
Maybelline
Dang Me
Hello Josephine
Hi-Heel Sneakers
Can't Buy Me Love
I Got a Woman
Baby What You Want Me To Do
Midnight Special
Roll Over Beethoven
Walk Myself On Home
Johnny B. Goode
Whola Lotta Shakin' Going On
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