Eric Dolphy • Other Aspects

 

Review
by Al Campbell
Other Aspects is unlike any other title in Eric Dolphy's catalog. The startling 15-minute composition "Jim Crow," recorded in 1962 with an unidentified rhythm section and operatic singer, shows his embracing of 20th century classical composition. Strong Indian influence is heard on 1960's "Improvisations and Tukras," featuring Dolphy's flute mixed with tabla and tamboura. The final three pieces were also recorded in 1960: "Inner Flight 1 and 2" are solo flute pieces, while "Dolphy'n" is a collaboration with bassist Ron Carter featuring Dolphy on alto. This music remained in the private collection of Dolphy's friend Hale Smith until the recordings were handed over to Blue Note in 1985. While Other Aspects is fascinating, and in its own way essential, it should be one of the final discs obtained for your Dolphy library.
https://www.allmusic.com/album/other-aspects-mw0000197890

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Reseña
por Al Campbell
Other Aspects no se parece a ningún otro título del catálogo de Eric Dolphy. La sorprendente composición de 15 minutos "Jim Crow", grabada en 1962 con una sección rítmica no identificada y un cantante de ópera, muestra su adopción de la composición clásica del siglo XX. En "Improvisations and Tukras", de 1960, se percibe una fuerte influencia india, con la flauta de Dolphy mezclada con tabla y tamboura. Las tres últimas piezas también se grabaron en 1960: "Inner Flight 1 and 2" son piezas para flauta sola, mientras que "Dolphy'n" es una colaboración con el bajista Ron Carter en la que Dolphy toca el alto. Esta música permaneció en la colección privada de Hale Smith, amigo de Dolphy, hasta que las grabaciones pasaron a Blue Note en 1985. Aunque "Other Aspects" es fascinante, y a su manera esencial, debería ser uno de los últimos discos obtenidos para su biblioteca Dolphy.
https://www.allmusic.com/album/other-aspects-mw0000197890    

The Drawbars • One Finger Only

 

In 2018, bassist David Nesselhauf fulfilled his dream of playing in a highly flexible and funky trio by calling upon the players that impressed him gigging around town in Hamburg, Germany. The Drawbars were formed with keyboardist Chris Haertel playing a number of vintage organs, pianos, and wurlitzers, while drummer Julian Gutjahr provided a backbone with a steady beat. During the first session, a good amount of original tunes were layouted, soon to be followed by the band's first gigs and releases. Further defining "off jazz" for the audience and the trio, their debut album, 'One Finger Only,' encompasses stylistic unity and diversity at the same time. Fusing elements of soul-jazz, funk, and psychedelic music with the attitude of a rocking, jazz-loving organ trio.
https://color-red.com/products/the-drawbars-one-finger-only-cd

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En 2018, el bajista David Nesselhauf cumplió su sueño de tocar en un trío muy flexible y funky llamando a los músicos que le impresionaron dando conciertos por la ciudad de Hamburgo, Alemania. The Drawbars se formó con el teclista Chris Haertel tocando varios órganos vintage, pianos y wurlitzers, mientras que el baterista Julian Gutjahr proporcionó una columna vertebral con un ritmo constante. Durante la primera sesión, se maquetaron una buena cantidad de temas originales, a los que pronto seguirían los primeros conciertos y lanzamientos de la banda. Definiendo aún más el "off jazz" para el público y el trío, su álbum de debut, 'One Finger Only', abarca unidad estilística y diversidad al mismo tiempo. Fusiona elementos del soul-jazz, el funk y la música psicodélica con la actitud de un trío de órgano rockero y amante del jazz.
https://color-red.com/products/the-drawbars-one-finger-only-cd

Notes from the Velvet Underground The Life of Lou Reed

 

 

COMPELLING - The Sunday Telegraph CONTROVERSIAL ... Sounes' book pushes the standard Reed narrative - The New York Times Lou Reed, who died in 2013, was best known to the general public as the grumpy New Yorker in black who sang 'Walk on the Wild Side'. To his dedicated admirers, however, he was one of the most innovative and intelligent American songwriters of modern times, a natural outsider who lived a tumultuous and tortured life. In this in-depth, meticulously researched and very entertaining biography, respected biographer Howard Sounes examines the life and work of this fascinating man, from birth to death, including his time as the leader of The Velvet Underground - one of the most important bands in rock'n'roll. Written with a deep knowledge and understanding of the music, Sounes also sheds entirely new light on the artist's creative process, his mental health problems, his bisexuality, his three marriages, and his addictions to drugs and alcohol. In the course of his research, Sounes has interviewed over 140 people from every part of Lou Reed's life - some of whom have not spoken publicly about him before - including music industry figures, band members, fellow celebrities, family members, former wives and lovers. This book brings Lou Reed and his world alive.

 

Howard Sounes (Author) 

 

George Benson • Giblet Gravy

Review

No, you're not in Creed Taylor country yet, but you might as well be, for many of the ingredients that would garnish Benson's albums with Taylor are already present in this often enjoyable prototype. The immediate goal was to groom Benson as the next Wes Montgomery (who was about to leave Verve) -- and so he covers hit tunes of the day ("Sunny," "Along Comes Mary," "Groovin'"), playing either with a big band plus voices or a neat quintet anchored by Herbie Hancock, and the sound is contoured to give his guitar a warm mellow ambience. But the eclectic Benson is his own man, as his infectious repeated-interval rhythm trademark tells us on his self-composed title track, and despite Tom McIntosh's mostly lame arrangements, George's work is always tasty and irresistibly melodic.

by Richard S. Ginell

https://www.allmusic.com/album/giblet-gravy-mw0000068801

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Reseña

No, aún no estás en el país de Creed Taylor, pero bien podrías estarlo, ya que muchos de los ingredientes que adornarían los álbumes de Benson con Taylor ya están presentes en este prototipo a menudo agradable. El objetivo inmediato era preparar a Benson como el próximo Wes Montgomery (que estaba a punto de dejar Verve) - y así cubre los éxitos del día ("Sunny", "Along Comes Mary", "Groovin'"), tocando o bien con una gran banda más voces o con un ordenado quinteto anclado por Herbie Hancock, y el sonido se contornea para dar a su guitarra un cálido ambiente meloso. Pero el ecléctico Benson es su propio hombre, como su contagiosa marca rítmica de intervalos repetidos nos dice en su autocompuesta pista de título, y a pesar de los arreglos de Tom McIntosh, la obra de George es siempre sabrosa e irresistiblemente melódica.

por Richard S. Ginell

https://www.allmusic.com/album/giblet-gravy-mw0000068801

 

 

http://www.georgebenson.com/

 

Colaborador / Contribuitor:  Michel

Charlie Gracie • The Best Of Charlie Gracie - Cameo Parkway [1956-1958]

 

Biography by Mark Deming
With his emphatic, hiccuping vocal style, strong and elemental guitar work, and engaging personality, Charlie Gracie was one of the first truly international rock & roll stars, rising to fame in the United States as well as Great Britain. Embracing a style that mixed pop, rockabilly, and R&B, Gracie was also Philadelphia's first rock & roll star, the first successful artist on that city's famed Cameo Records, as well as an early regular on American Bandstand. Gracie was still in high school when he began performing at local talent shows, parties, and social events, and he released his first single in 1953. He was a seasoned performer when he recorded "Butterfly" in 1957, which became a number one hit in America and the U.K. Months later, he scored another major hit with "Fabulous," and became only the second American rock & roller to do a British tour. While Gracie would continue to record through the '60s, digging deeper into his R&B influences, he would never have another major hit in America, but he continued to perform regularly in the United States as well as England, Europe, and the Netherlands. Gracie was cited as a major influence by George Harrison, Graham Nash, Van Morrison, and Paul McCartney. Beginning in 2001, Gracie began recording again with the album I'm All Right, and in 2011, he teamed with studio legend Al Kooper to cut the LP For the Love of Charlie.

Born May 14, 1936 (the same day as Bobby Darin), with his surname originally spelled "Graci", Charlie Gracie grew up in South Philadelphia, listening to country music and big-band jazz. At age ten, he obtained his first guitar, and by 15 he was a prodigy, performing regularly and winning contests on the simulcast radio and television show of early jazz great Paul Whiteman. Signed first to Cadillac Records, Gracie's first single, "Boogie-Woogie Blues," recorded in 1951, was not a hit, nor were a couple of follow-ups for other labels. In 1956, he was signed to the fledgling Cameo label. Gracie's first recording for the label consisted of two songs written by the label's co-owners, Bernie Lowe and Kal Mann, "Butterfly" and "Ninety-Nine Ways." With repeated appearances on American Bandstand, as well as The Ed Sullivan Show and other TV programs of the day, Gracie's popularity soared, and by April 1957, "Butterfly" had reached number one in the States. ("Butterfly" also became a chart-topper for crooner Andy Williams the same year.) Gracie's style was not as raucous as fellow early rockers such as Gene Vincent or Eddie Cochran, but he made up for any loss of grit with an undeniable professionalism and easy likability. likability guitar style has been described as a mix of rockabilly, jump blues, swing, and country boogie, while his vocals incorporate pop, blues, R&B, and rock & roll influences.

Another Mann-Lowe composition, "Fabulous," followed "Butterfly" in the spring of 1957, reaching number 16 in the U.S. and number eight in the U.K. Gracie subsequently toured the U.K. -- only the second American rock & roll act to tour there, following Bill Haley & the Comets -- headlining at the Hippodrome Theater. He scored only one further hit in America, "I Love You So Much It Hurts," written by country singer Floyd Tillman, which only reached number 71 (although it reached number 14 in the U.K.). His biggest hit in England was yet to come, "Wanderin' Eyes," which reached number six there, and he logged his final U.K. hit with 1957's "Cool Baby." Gracie continued to record for Cameo into 1958, when he had a falling out with Lowe; Gracie would later file suit against Cameo for unpaid royalties. Dick Clark, who had a business relationship with Cameo, didn't book him on American Bandstand after that, and Gracie faded from the charts.

He recorded for several other labels into the '60s, including Coral and Roulette, and he continued to perform regularly both near Philadelphia, in the U.K., and in Europe, where the rockabilly revival kept his popularity high for decades. In 2001, Gracie struck up a friendship with Quentin Jones, a guitarist and rockabilly enthusiast who ran the independent Lanark Record label. Jones and Gracie began working together, with Jones anchoring the band when Gracie played a string of dates opening for Van Morrison, as well as producing his 2001 studio effort I'm All Right. In 2006, after many years out of print, Gracie's Cameo Records material was finally released on the CD compilation The Best of Charlie Gracie 1956-1958, and the following year, a documentary film chronicling his life story, Fabulous, was aired on PBS stations. In 2011, Gracie and Jones teamed with legendary producer and sideman Al Kooper to cut a new album. For the Love of Charlie included guest appearances from longtime fans Graham Nash, Peter Noone (of Herman's Hermits), Jimmy Vivino (from Conan O'Brien's band), and Dennis Diken (of the Smithereens).
https://www.allmusic.com/artist/charlie-gracie-mn0000174725#biography

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Biografía de Mark Deming
Con su estilo vocal enfático y que quitaba el hipo, su potente y elemental trabajo a la guitarra y su atractiva personalidad, Charlie Gracie fue una de las primeras estrellas de rock & roll verdaderamente internacionales, alcanzando la fama tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña. Con un estilo que mezclaba el pop, el rockabilly y el R&B, Gracie fue también la primera estrella del rock & roll de Filadelfia, el primer artista de éxito de la famosa Cameo Records de esa ciudad y uno de los primeros habituales de American Bandstand. Gracie aún estaba en el instituto cuando empezó a actuar en concursos de talentos locales, fiestas y eventos sociales, y lanzó su primer sencillo en 1953. Ya era un artista experimentado cuando grabó "Butterfly" en 1957, que se convirtió en un éxito número uno en Estados Unidos y el Reino Unido. Meses más tarde, consiguió otro gran éxito con "Fabulous" y se convirtió en el segundo rock & roller estadounidense en hacer una gira británica. Aunque Gracie seguiría grabando durante los años 60, profundizando en sus influencias del R&B, nunca volvería a tener otro gran éxito en América, pero continuó actuando regularmente en Estados Unidos, así como en Inglaterra, Europa y los Países Bajos. George Harrison, Graham Nash, Van Morrison y Paul McCartney citaron a Gracie como una de sus principales influencias. A partir de 2001, Gracie comenzó a grabar de nuevo con el álbum I'm All Right, y en 2011, se asoció con la leyenda del estudio Al Kooper para grabar el LP For the Love of Charlie.

Nacido el 14 de mayo de 1936 (el mismo día que Bobby Darin), con su apellido originalmente escrito "Graci", Charlie Gracie creció en el sur de Filadelfia, escuchando música country y big-band jazz. A los diez años consiguió su primera guitarra y a los 15 ya era un prodigio, tocaba con regularidad y ganaba concursos en el programa de radio y televisión de Paul Whiteman. El primer sencillo de Gracie, "Boogie-Woogie Blues", grabado en 1951 para Cadillac Records, no fue un éxito, como tampoco lo fueron un par de discos posteriores para otros sellos. En 1956 fichó por el incipiente sello Cameo. La primera grabación de Gracie para el sello consistió en dos canciones escritas por los copropietarios del sello, Bernie Lowe y Kal Mann, "Butterfly" y "Ninety-Nine Ways". Con repetidas apariciones en American Bandstand, así como en The Ed Sullivan Show y otros programas de televisión de la época, la popularidad de Gracie se disparó y, en abril de 1957, "Butterfly" había alcanzado el número uno en Estados Unidos. ("Butterfly" también se convirtió en un éxito para el cantante Andy Williams ese mismo año). El estilo de Gracie no era tan estridente como el de otros primeros rockeros como Gene Vincent o Eddie Cochran, pero compensaba la pérdida de garra con una innegable profesionalidad y una gran simpatía. El estilo de su guitarra se ha descrito como una mezcla de rockabilly, jump blues, swing y country boogie, mientras que su voz incorpora influencias del pop, el blues, el R&B y el rock & roll.

Otra composición de Mann-Lowe, "Fabulous", siguió a "Butterfly" en la primavera de 1957, alcanzando el número 16 en EE.UU. y el número ocho en el Reino Unido. Gracie realizó posteriormente una gira por el Reino Unido -sólo el segundo grupo de rock & roll estadounidense en hacerla, después de Bill Haley & the Comets- como cabeza de cartel en el Hippodrome Theater. Sólo consiguió un éxito más en América, "I Love You So Much It Hurts", escrito por el cantante country Floyd Tillman, que sólo alcanzó el número 71 (aunque llegó al número 14 en el Reino Unido). Su mayor éxito en Inglaterra aún estaba por llegar, "Wanderin' Eyes", que alcanzó el número seis allí, y registró su último éxito en el Reino Unido con "Cool Baby" de 1957. Gracie continuó grabando para Cameo hasta 1958, cuando tuvo una ruptura con Lowe; Gracie más tarde presentaría una demanda contra Cameo por el impago de derechos de autor. Dick Clark, que tenía una relación comercial con Cameo, no lo contrató para American Bandstand después de eso, y Gracie desapareció de las listas de éxitos.

Gracie grabó para otros sellos en los años 60, como Coral y Roulette, y siguió actuando con regularidad cerca de Filadelfia, en el Reino Unido y en Europa, donde el renacimiento del rockabilly mantuvo su popularidad durante décadas. En 2001, Gracie entabló amistad con Quentin Jones, guitarrista y entusiasta del rockabilly que dirigía el sello independiente Lanark Record. Jones y Gracie empezaron a trabajar juntos, y Jones se hizo cargo de la banda cuando Gracie actuó como telonero de Van Morrison, además de producir su álbum de estudio de 2001 I'm All Right. En 2006, tras muchos años descatalogado, el material de Gracie para Cameo Records se publicó finalmente en el CD recopilatorio The Best of Charlie Gracie 1956-1958, y al año siguiente se emitió en las emisoras de PBS un documental que narraba la historia de su vida, Fabulous. En 2011, Gracie y Jones se asociaron con el legendario productor y músico Al Kooper para grabar un nuevo álbum. For the Love of Charlie contó con la participación de Graham Nash, Peter Noone (de Herman's Hermits), Jimmy Vivino (de la banda de Conan O'Brien) y Dennis Diken (de Smithereens).
https://www.allmusic.com/artist/charlie-gracie-mn0000174725#biography

Paul Jeffrey • Family

 

 

Paul Jeffrey was an American jazz tenor saxophonist, arranger, and educator. Perhaps best known for performing with Thelonious Monk (1970–1975), Jeffrey also worked with musicians including Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Clark Terry, Lionel Hampton and B.B. King, amongst many others.

Born in New York City, Jeffrey attended Kingston High School. After graduating in 1951, he completed a Bachelor of Science degree in music education at Ithaca College in 1955. He spent the late 1950s touring with bands led by Illinois Jacquet, Elmo Hope, Big Maybelle, and Wynonie Harris. From 1960 to 1961, Jeffrey toured the US with B.B. King, after which he worked as a freelance musician in the New York City area and toured with bands led by Howard McGhee, Clark Terry, and Dizzy Gillespie.

1968 marked Jeffrey’s first studio work as a leader, when he recorded the album Electrifying Sounds on Savoy Records. He toured with the Count Basie Orchestra before beginning his associations with Thelonious Monk and Charles Mingus. He first joined Monk’s quartet for a multi-day run at the Frog & Nightgown club in Raleigh, North Carolina, in May 1970.

Jeffrey performed as a regular member of Monk’s band throughout the remainder of Monk’s public performance career, appearing with Monk throughout the US and Japan at the Village Vanguard, Lincoln Center’s Philharmonic Hall, the Jazz Workshop, the Manne-Hole, the Cellar Door, and many other venues. He was hired by George Wein to organize a 15-piece band for a tribute concert to Monk at Carnegie Hall in 1974; a concert at which Monk made a surprise appearance, replacing Barry Harris on the piano just as the concert was starting.

Jeffrey had a lasting association with Charles Mingus throughout the 1970s. He first performed as a member of Mingus’s big band at the Newport Jazz Festival in 1972, and he continued performing, arranging, and recording with Mingus through 1979, the year Mingus died. In 1973 and 1974 Jeffrey made three additional studio recordings as leader on the Mainstream Records label.

Jeffrey was a saxophone instructor at Columbia University in 1973. He held positions in arranging and jazz history at Jersey City State College (1974), as jazz ensemble director at the University of Hartford (1975–1983), and as an assistant professor of jazz at Livingston College of Rutgers University (1978–83). In 1983, he accepted a position as artist in residence and director of jazz studies at Duke University; a position he held until his retirement in 2003. At Duke, he taught courses on jazz history and arranging while also directing the Duke Jazz Ensemble. He organized the NC/Umbria Jazz Festival and the Mary Lou Williams Jazz Festival while serving on the NC Council of the Arts and the Durham Arts Council.

In 2009, Jeffrey recorded a tribute to Thelonious Monk with the French label Imago Records distributed by Orkhestra, with Alessandro Collina on piano, Sebastien Adnot on bass and Laurent Sarrien on drums.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-jeffrey/

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Paul Jeffrey fue un saxofonista tenor, arreglista y pedagogo de jazz estadounidense. Quizá más conocido por haber tocado con Thelonious Monk (1970-1975), Jeffrey también trabajó con músicos como Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Clark Terry, Lionel Hampton y B.B. King, entre muchos otros.

Nacido en Nueva York, Jeffrey estudió en el Kingston High School. Tras graduarse en 1951, se licenció en Ciencias de la Educación Musical en el Ithaca College en 1955. A finales de la década de 1950 estuvo de gira con bandas lideradas por Illinois Jacquet, Elmo Hope, Big Maybelle y Wynonie Harris. De 1960 a 1961, Jeffrey realizó una gira por Estados Unidos con B.B. King, tras lo cual trabajó como músico independiente en la zona de Nueva York y realizó giras con bandas lideradas por Howard McGhee, Clark Terry y Dizzy Gillespie.

En 1968 Jeffrey grabó por primera vez en un estudio como líder el álbum Electrifying Sounds para Savoy Records. Realizó giras con la Count Basie Orchestra antes de empezar a colaborar con Thelonious Monk y Charles Mingus. Se unió por primera vez al cuarteto de Monk para una actuación de varios días en el club Frog & Nightgown de Raleigh, Carolina del Norte, en mayo de 1970.

Jeffrey actuó como miembro regular de la banda de Monk durante el resto de su carrera, apareciendo con Monk por todo EE.UU. y Japón en el Village Vanguard, el Lincoln Center's Philharmonic Hall, el Jazz Workshop, el Manne-Hole, el Cellar Door y muchos otros lugares. Fue contratado por George Wein para organizar una banda de 15 músicos para un concierto homenaje a Monk en el Carnegie Hall en 1974; un concierto en el que Monk hizo una aparición sorpresa, sustituyendo a Barry Harris al piano justo cuando empezaba el concierto.

Jeffrey mantuvo una relación duradera con Charles Mingus durante toda la década de 1970. Actuó por primera vez como miembro de la big band de Mingus en el Festival de Jazz de Newport en 1972, y continuó tocando, arreglando y grabando con Mingus hasta 1979, año en que murió Mingus. En 1973 y 1974 Jeffrey realizó otras tres grabaciones de estudio como líder en el sello Mainstream Records.

Jeffrey fue profesor de saxofón en la Universidad de Columbia en 1973. Ocupó puestos de arreglista e historiador del jazz en el Jersey City State College (1974), de director de conjuntos de jazz en la Universidad de Hartford (1975-1983) y de profesor adjunto de jazz en el Livingston College de la Universidad de Rutgers (1978-83). En 1983, aceptó un puesto como artista residente y director de estudios de jazz en la Universidad de Duke, cargo que ocupó hasta su jubilación en 2003. En Duke impartió cursos de historia del jazz y arreglos, además de dirigir el Duke Jazz Ensemble. Organizó el Festival de Jazz de Carolina del Norte/Umbria y el Festival de Jazz Mary Lou Williams, al tiempo que formaba parte del Consejo de las Artes de Carolina del Norte y del Consejo de las Artes de Durham.

En 2009, Jeffrey grabó un homenaje a Thelonious Monk con el sello francés Imago Records distribuido por Orkhestra, con Alessandro Collina al piano, Sebastien Adnot al bajo y Laurent Sarrien a la batería.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-jeffrey/

Lee Rocker • Gather Round

 

 

Gather Round marks Grammy-nominated upright bass player, singer, and songwriter Lee Rocker‘s first record of original music since his 2007 album Black Cat Bone.
It’s a Rockabilly joyride of infectiously melodic songs that deliver a hefty dose of fun, positive vibes, and capture the true heart of Rock ’n’ Roll.

From the full-tilt tempo of title track to the hauntingly beautiful Last Offline Lovers to the mesmerizing instrumental A Dirty Martini, this record stays cranked with its driving rhythms, tasty guitar licks and edgy vocals.
https://junglerecords.fi/en/product/gather-round-2/

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Gather Round es el primer disco de música original del bajista, cantante y compositor Lee Rocker, nominado a los Grammy, desde su álbum de 2007 Black Cat Bone.
Es un viaje Rockabilly de canciones contagiosamente melódicas que ofrecen una gran dosis de diversión, vibraciones positivas y capturan el verdadero corazón del Rock 'n' Roll.

Desde el ritmo trepidante de la canción que da título al disco, pasando por la inquietantemente bella Last Offline Lovers, hasta la hipnotizante instrumental A Dirty Martini, este disco se mantiene a tope con sus ritmos endiablados, sus sabrosos licks de guitarra y sus voces afiladas.
https://junglerecords.fi/en/product/gather-round-2/


 

leerocker.com ...

 

Baden Powell • Guitar Poet

 

Biography by Alvaro Neder
Baden Powell is a Brazilian musician with a solid international reputation. A gifted instrumentalist and composer, he bridges the gap between classical artistry and popular warmth and was a key figure in the bossa nova movement.

Born in Varre-Sai in the state of Rio de Janeiro, he was baptized after his grandfather, a musician and conductor himself, whose father was an admirer of the Boy Scouts founder. When he was four months old, his family moved to the hill of São Cristóvão in the city of Rio. His father, the violonista Lino de Aquino, promoted regular get-togethers (rodas) of chorões at his home, at which famous names of Rio's music used to play, such as Pixinguinha, his brother China, the sambista Donga, and so many others. At eight, his father took him to Rádio Nacional where Powell met Meira (Jaime Florence), a famous violonista at the time a member of Benedicto Lacerda's regional. Powell would study violão with him for five years. Through Meira, a broad-minded musician, he discovered classics such as Segovia and Tarrega, along with Brazilian masters such as Garoto and Dilermando Reis. At nine, he presented himself at Renato Murce's show Papel Carbono on Rádio Nacional, winning first place as a guitar soloist. At 13, he used to run from school, earning his first cachets at the neighborhood parties. After finishing high school, he joined the cast of Rádio Nacional as an accompanist. In that time, he traveled through Brazil with the radio's singers. In 1955, he joined Ed Lincoln's trio, playing jazz at the Plaza nightclub. The place was a focal point for musicians, journalists, and aficionados interested in jazz. It should be regarded as the second place where bossa nova was being generated (the first being Cantina do César, after Johnny Alf's first appearances), contrary to the common notion of bossa being born at Zona Sul (South side's) apartments.

At that time, Powell began to compose "Deve Ser Amor," "Encontro Com a Saudade," "Não é Bem Assim," and his first big hit, 1956's "Samba Triste," with lyrics by Billy Blanco and which would be recorded by Lúcio Alves in 1960. In 1962, he met his future partner, Vinícius de Moraes, a composer, poet, singer, and diplomat. Their first song was "Canção de Ninar Meu Bem," a great success from the beginning. Following that, they came up with "Samba em Prelúdio" (recorded still in 1962 by Geraldo Vandré/Ana Lúcia), "Consolação" (recorded by Nara Leão), "Samba da Bênção," "Tem Dó," "Só por Amor," "Bom Dia, Amigo," "Labareda," and "Samba do Astronauta" (recorded by Powell in 1964). At this point, Powell was already a renowned musician and composer, with good connections on the artistic scene and wide exposure in the media. In that year, he accompanied Sílvia Telles at her famous show at the Jirau nightclub. In 1963, he recorded his first LP, Um Violão na Madrugada (Philips). In that year, he traveled to Paris where he presented himself at the Olympia theater with great success, using a repertoire of classical music and his own compositions. He also played regularly in a season at the Bilboquet nightclub and composed the soundtrack to the movie Le Grabuje. In 1964, he returned to Brazil and recorded the LP À Vontade, which included a composition by Tom Jobim and Vinícius, "Samba do Avião." He also wrote, in that year, the samba "Berimbau" with lyrics by Vinícius. Other duo's compositions that year were "Além do Amor," "Valsa sem Nome," "Deve ser Amor," "Canção do Amor Ausente," "Consolação," "Deixa," "Amei Tanto," "Tempo Feliz," and "Samba da Bênção." The latter was included in Claude Lelouch's movie Un Homme et une Femme, under the title "Samba Saravah."

Traveling to Bahia, Powell stayed there for six months and researched the Afro traditions developed on Brazilian soil, especially the musical tradition emanating from the ancient sorcery rituals of candomblé and umbanda. The next phase of his compositional association with Vinícius would be called by Powell as the Afro-sambas, mirroring the findings of that period: 1965's "Tristeza e Solidão" and "Bocoché" and 1966's "Canto do Xangô" and "Canto de Ossanha," the latter recorded by Elis Regina in 1966 with great success. Taking Bahia folklore, Powell added his Carioca touch, bringing the Afro tradition a more Brazilian feeling. In 1999, Powell, recently converted, regretted and deplored the Afro-samba phase as "devil's music" in a controverted and disappointing interview.

In 1965, fundamental singer Elizeth Cardoso presented Powell/Vinícius' "Valsa do Amor que Não Vem" at the first Festival of Brazilian Popular Music (TV Excelsior), São Paulo, winning second place. The next year, Aluísio de Oliveira produced another album by Powell, this time for his own landmark label Elenco, that deeply engaged in the use of the best musicians, leaving the commercial side in the background; unfortunately, it caused the excellent label's demise some years later. Taking advantage of the Brazilian tour of Caterina Valente, who was being accompanied by drummer Jimmy Pratt, de Oliveira took him and recorded Baden Powell Swings With Jimmy Pratt. Also in that year, TV Excelsior promoted the National Festival of Popular Music, at which novice Milton Nascimento won fourth place with "Cidade Vazia" (Powell/Lula Freire) and Powell with Vinícius recorded their Afro-sambas "Canto de Xangô," "Canto de Iemanjá," and "Canto de Ossanha" for Forma, along with "Berimbau" and "Samba da Bênção." He also took a season with Elis Regina at Rio's nightclub Zum-Zum. The LPs O Mundo Musical de Baden Powell (Barclay/RGE), recorded in France; Baden Powell ao Vivo no Teatro Santa Rosa (Elenco); and Tempo Feliz

(Forma/Philips) were all recorded in 1966. In that period, he played in the U.S. with Stan Getz. In 1967, he recorded in Paris, France, the album O Mundo Musical No. 2, accompanied by the Paris Symphonic Orchestra. In that year, his O Mundo Musical de Baden Powell was awarded with the Golden Record in Paris and he presented himself at the Jazz Festival in Berlin, Germany, with American jazz guitarists Jim Hall and Barney Kessel. In 1968, a novice Paulo César Pinheiro (now a renowned samba composer) composed with Powell the samba "Lapinha," which was presented by Elis Regina at the TV Record's first Samba Biennial, winning first place. The duo would also compose, among others, "Cancioneiro," "Samba do Perdão," "Meu Réquiem," "É de Lei," "Refém da Solidão," "Aviso aos Navegantes," and "Carta de Poeta." Also from 1968 is the LP Baden Powell (Elenco) with the famous "Manhã de Carnaval" or "Carnival," by Luís Bonfá and Antônio Maria, and the show O Mundo Musical de Baden Powell. In 1969, he recorded Vinte e Sete Horas de Estúdio (Elenco). Next year in Paris, he recorded for Barklay the three-album box set Baden Powell Quartet and the LP Baden Powell, which had Pixinguinha's songs. For Elenco, he recorded the LP Estudos. In 1972, he recorded for Philips the LP É de Lei. Solitude on Guitar was recorded the next year in Germany and in 1974, he recorded in Paris the live LP Baden Powell (Barklay/RGE), and in 1975 recorded the LP Baden Powell Trio & Ópera de Frankfurt. He then moved to Baden-Baden (Germany), staying there for four years. In 1994, already living in Brazil again, he released the record Baden Powell de Rio à Paris. In that same year, he performed together with his sons, Louis Marcel (violão) and Phillipe (piano), at the Cecília Meireles Hall in Rio, with the concert recorded and released on a CD, titled Baden Powell & Filhos, through CID. In 1995, his concert at the Montreux Festival was recorded on CD under the title Baden Powell Live in Montreux. Also in that year, he was awarded with the Prêmio Shell for his complete works. In 1996, he toured in France with Brazilian accordionist Sivuca and recorded the CD Baden Powell Live at the Rio Jazz Club. After spending several weeks in the hospital, Baden Powell died on September 26, 2000, at the age of 63.
https://www.allmusic.com/artist/baden-powell-mn0000765585#biography

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Biografía de Álvaro Neder
Baden Powell es un músico brasileño con una sólida reputación internacional. Un talentoso instrumentista y compositor, cierra la brecha entre el arte clásico y la calidez popular y fue una figura clave en el movimiento bossa nova.

Nacido en Varre-Sai, en el estado de Río de Janeiro, fue bautizado en honor a su abuelo, músico y director de orquesta, cuyo padre era admirador del fundador de los Boy Scouts. Cuando tenía cuatro meses, su familia se mudó al cerro de São Cristóvão en la ciudad de Río. Su padre, el violinista Lino de Aquino, promovía reuniones regulares (rodas) de chorões en su casa, en las que solían tocar nombres famosos de la música carioca, como Pixinguinha, su hermano China, el sambista Donga y muchos otros. A los ocho años, su padre lo llevó a la Radio Nacional, donde Powell conoció a Meira (Jaime Florence), un famoso violinista en ese momento miembro de la regional de Benedicto Lacerda. Powell estudiaría violão con él durante cinco años. A través de Meira, músico de mente abierta, descubrió clásicos como Segovia y Tarrega, junto a maestros brasileños como Garoto y Dilermando Reis. A los nueve años se presentó en el programa Papel Carbono de Renato Murce en Radio Nacional, ganando el primer lugar como solista de guitarra. A los 13 años, solía huir de la escuela, ganando sus primeros cachets en las fiestas del vecindario. Después de terminar la secundaria, se unió al elenco de Rádio Nacional como acompañante. En ese tiempo, viajó por Brasil con los cantantes de la radio. En 1955, se unió al trío de Ed Lincoln, tocando jazz en el club nocturno Plaza. El lugar fue un punto focal para músicos, periodistas y aficionados interesados en el jazz. Debería considerarse como el segundo lugar donde se estaba generando bossa nova( el primero fue Cantina do César, después de las primeras apariciones de Johnny Alf), contrariamente a la noción común de que la bossa nació en los apartamentos de la Zona Sur (South side).

En ese momento, Powell comenzó a componer "Deve Ser Amor", "Encontro Com a Saudade", "Não é Bem Assim" y su primer gran éxito, "Samba Triste" de 1956, con letra de Billy Blanco y que sería grabado por Lúcio Alves en 1960. En 1962 conoció a su futuro socio, Vinícius de Moraes, compositor, poeta, cantante y diplomático. Su primera canción fue "Canção de Ninar Meu Bem", un gran éxito desde el principio. A continuación, se les ocurrió "Samba em Prelúdio" (grabada todavía en 1962 por Geraldo Vandré/Ana Lúcia), "Consolação" (grabada por Nara Leão), "Samba da Bênção", "Tem Dó", "Só por Amor", "Bom Dia, Amigo", "Labareda" y "Samba do Astronauta" (grabada por Powell en 1964). En este punto, Powell ya era un músico y compositor de renombre, con buenas conexiones en la escena artística y amplia exposición en los medios. En ese año, acompañó a Sílvia Telles en su famoso espectáculo en la discoteca Jirau. En 1963 grabó su primer LP, Um Violão na Madrugada (Philips). En ese año, viajó a París donde se presentó en el teatro Olympia con gran éxito, utilizando un repertorio de música clásica y composiciones propias. También tocó regularmente en una temporada en la discoteca Bilboquet y compuso la banda sonora de la película Le Grabuje. En 1964, regresó a Brasil y grabó el LP À Vontade, que incluía una composición de Tom Jobim y Vinícius, "Samba do Avião."También escribió, en ese año, la samba "Berimbau" con letra de Vinícius. Otras composiciones del dúo ese año fueron "Além do Amor", "Valsa sem Nome"," Deve ser Amor"," Canção do Amor Ausente"," Consolação"," Deixa"," Amei Tanto"," Tempo Feliz "y" Samba da Bênção."Este último fue incluido en la película Un Homme et une Femme de Claude Lelouch, bajo el título "Samba Saravah."

Viajando a Bahía, Powell permaneció allí durante seis meses e investigó las tradiciones afro desarrolladas en suelo brasileño, especialmente la tradición musical que emana de los antiguos rituales de brujería del candomblé y la umbanda. La siguiente fase de su asociación compositiva con Vinícius sería denominada por Powell como las Afro-sambas, reflejando los hallazgos de ese período: "Tristeza e Solidão" y "Bocoché" de 1965 y "Canto do Xangô" y "Canto de Ossanha" de 1966, este último grabado por Elis Regina en 1966 con gran éxito. Tomando el folclore bahiano, Powell agregó su toque carioca, trayendo a la tradición afro un sentimiento más brasileño. En 1999, Powell, recientemente convertido, lamentó y deploró la fase afro-samba como "música del diablo" en una entrevista controvertida y decepcionante.

En 1965, la cantante fundamental Elizeth Cardoso presentó "Valsa do Amor que Não Vem" de Powell/Vinícius en el primer Festival de Música Popular Brasileña (TV Excelsior), São Paulo, ganando el segundo lugar. Al año siguiente, Aluísio de Oliveira produjo otro álbum de Powell, esta vez para su propio sello de referencia, Elenco, que se involucró profundamente en el uso de los mejores músicos, dejando el lado comercial en un segundo plano; desafortunadamente, provocó la desaparición del excelente sello algunos años después. Aprovechando la gira brasileña de Caterina Valente, quien estaba acompañada por el baterista Jimmy Pratt, de Oliveira lo llevó y grabó Baden Powell Swings Con Jimmy Pratt. También en ese año, TV Excelsior promovió el Festival Nacional de Música Popular, en el que el novato Milton Nascimento ganó el cuarto lugar con "Cidade Vazia" (Powell/Lula Freire) y Powell con Vinícius grabaron sus Afro-sambas "Canto de Xangô", "Canto de Iemanjá" y "Canto de Ossanha" para Forma, junto con "Berimbau" y "Samba da Bênção."También se tomó una temporada con Elis Regina en el club nocturno Zum-Zum de Río. Los LP O Mundo Musical de Baden Powell (Barclay/RGE), grabados en Francia; Baden Powell ao Vivo no Teatro Santa Rosa( Elenco); y Tempo Feliz

(Forma/Philips) fueron grabadas en 1966. En ese período, jugó en los EE. UU. con Stan Getz. En 1967 grabó en París, Francia, el álbum O Mundo Musical No. 2, acompañado por la Orquesta Sinfónica de París. En ese año, su O Mundo Musical de Baden Powell fue galardonado con el Disco de Oro en París y se presentó en el Festival de Jazz de Berlín, Alemania, con los guitarristas de jazz estadounidenses Jim Hall y Barney Kessel. En 1968, un novato Paulo César Pinheiro (ahora un reconocido compositor de samba) compuso con Powell la samba "Lapinha", que fue presentada por Elis Regina en la primera Bienal de Samba de TV Record, ganando el primer lugar. El dúo también compondría ,entre otros, "Cancioneiro", "Samba do Perdão", "Meu Réquiem", "É de Lei", "Refém da Solidão", "Aviso aos Navegantes" y " Carta de Poeta."También de 1968 es el LP Baden Powell (Elenco) con el famoso" Manhã de Carnaval "o" Carnaval", de Luís Bonfá y Antônio Maria, y el espectáculo O Mundo Musical de Baden Powell. En 1969 grabó Vinte e Sete Horas de Estúdio (Elenco). Al año siguiente, en París, grabó para Barklay el box set de tres álbumes Baden Powell Quartet y el LP Baden Powell, que tenía canciones de Pixinguinha. Para Elenco grabó el LP Estudos. En 1972, grabó para Philips el LP É de Lei. Solitude on Guitar se grabó al año siguiente en Alemania y en 1974 grabó en París el LP en directo Baden Powell (Barklay/RGE), y en 1975 grabó el LP Baden Powell Trio & Ópera de Frankfurt. Luego se mudó a Baden-Baden( Alemania), permaneciendo allí durante cuatro años. En 1994, ya viviendo nuevamente en Brasil, lanzó el disco Baden Powell de Rio à Paris. En ese mismo año, actuó junto a sus hijos, Louis Marcel (violão) y Phillipe( piano), en la Sala Cecília Meireles de Río, con el concierto grabado y editado en un CD, titulado Baden Powell & Filhos, a través del CID. En 1995, su concierto en el Festival de Montreux fue grabado en CD con el título Baden Powell Live in Montreux. También en ese año, fue galardonado con el Prêmio Shell por sus obras completas. En 1996, realizó una gira por Francia con el acordeonista brasileño Sivuca y grabó el CD Baden Powell en vivo en el Rio Jazz Club. Después de pasar varias semanas en el hospital, Baden Powell murió el 26 de septiembre de 2000, a la edad de 63 años.
https://www.allmusic.com/artist/baden-powell-mn0000765585#biography

Jason Marshall • New Beginnings

 

Anyone who appreciates the thunderous sound of an assertive baritone sax should love New Beginnings, an emphatic quartet date that shines a light on Jason Marshall's muscular horn and keeps it there from start to finish.

While his teammates (Marc Cary, piano; Gerald Cannon, bass; Willie Jones III, drums) converse eloquently on every one of the album's eight numbers, Marshall affixes a decisive exclamation mark on every sentence. He does so with exceptional technique and a seemingly endless store of intuitive phrases. For comparison's sake, think Nick Brignola, Cecil Payne or Pepper Adams but with somewhat more weight. Even when Marshall visits the upper register, he never loses control or overpasses his destination.

As Marshall seems most comfortable at medium-to-up-tempo, there is only one number that leans close to balladry: Quincy Jones' soulful "Fallen Feathers," based on Charlie Parker's "Parker's Mood." All other numbers are sunny and swinging, from Joe Henderson's "Recorda Me" to the nimble finale, "I'll Never Stop Loving You" (which is usually slow-walked as an earnest avowal of endearment). In between are animated versions of Rodgers and Hart's "I Could Write a Book," Sonny Rollins' "Airegin," Luis Bonfa's "Black Orpheus," Charles Mingus' "Peggy's Blue Skylight" and a spunky original by Marshall, "Mrs. Garvey, Mrs. Garvey!!"

Cary, Cannon and Jones are always in step and supportive, while Cary designs several refreshing solos of his own and Cannon and Jones are given more than one chance to sparkle. Even so, it is Marshall's formidable baritone that holds the reins and lends the session the lion's share of its identity and import. That is not meant to impugn the rhythm section, merely to point out that when it comes to tempting the ear, it's hard to challenge a baritone sax—especially one as fluent and powerful as Jason Marshall's. New Beginnings rests for the most part on his shoulders, and he carries the weight with aptitude and assurance.
By Jack Bowers - https://www.allaboutjazz.com/php/member.php?id=102
December 10, 2022
https://www.allaboutjazz.com/new-beginnings-jason-marshall-cellar-records

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Cualquiera que aprecie el atronador sonido de un asertivo saxo barítono debería adorar New Beginnings, una enfática cita en cuarteto que ilumina la musculosa trompa de Jason Marshall y la mantiene ahí de principio a fin.

Mientras sus compañeros (Marc Cary, piano; Gerald Cannon, bajo; Willie Jones III, batería) conversan elocuentemente en cada uno de los ocho números del álbum, Marshall pone un signo de exclamación decisivo en cada frase. Lo hace con una técnica excepcional y un acervo aparentemente interminable de frases intuitivas. Para comparar, piense en Nick Brignola, Cecil Payne o Pepper Adams, pero con algo más de peso. Incluso cuando Marshall visita el registro superior, nunca pierde el control ni sobrepasa su destino.

Como Marshall parece sentirse más cómodo en un tempo medio-alto, sólo hay un número que se acerca a la balada: La conmovedora "Fallen Feathers" de Quincy Jones, basada en "Parker's Mood" de Charlie Parker. Todos los demás números son alegres y llenos de swing, desde "Recorda Me" de Joe Henderson hasta el ágil final, "I'll Never Stop Loving You" (que suele caminarse despacio como una sincera declaración de afecto). Entre medias hay animadas versiones de "I Could Write a Book", de Rodgers y Hart, "Airegin", de Sonny Rollins, "Black Orpheus", de Luis Bonfa, "Peggy's Blue Skylight", de Charles Mingus, y una atrevida original de Marshall, "Mrs. Garvey, Mrs. Garvey!".

Cary, Cannon y Jones están siempre acompasados y se apoyan, mientras que Cary diseña varios solos propios refrescantes y Cannon y Jones tienen más de una oportunidad para brillar. Aun así, es el formidable barítono de Marshall el que lleva las riendas y confiere a la sesión la mayor parte de su identidad e importancia. Con esto no pretendo impugnar la sección rítmica, simplemente señalar que cuando se trata de tentar al oído, es difícil desafiar a un saxo barítono, especialmente a uno tan fluido y potente como el de Jason Marshall. New Beginnings descansa en su mayor parte sobre sus hombros, y lleva el peso con aptitud y seguridad.
Por Jack Bowers - https://www.allaboutjazz.com/php/member.php?id=102
10 de diciembre de 2022
https://www.allaboutjazz.com/new-beginnings-jason-marshall-cellar-records

jasonmarshalljazz.com ...

Larry Goldings • Scary Goldings

 

Larry Goldings is a Grammy-nominated pianist and composer. His organ trio with Peter Bernstein and Bill Stewart has been recognized in the New York Times as "the best organ trio of the last decade." Goldings' musical inspirations draw from a lifetime of absorbing jazz, pop, funk, R&B, electronic and classical music.

As a performer and recording artist, he is known for long-term collaborations that straddle the realms of jazz and pop with such artists as Jim Hall, Maceo Parker, John Scofield, Steve Gadd, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Michael Brecker, Sia Furler, John Mayer, and others.

Goldings has been recording and touring with singer-songwriter James Taylor since 2001, and is the featured musician on Taylor's One Man Band CD/DVD, the culmination of a two year world-wide tour with James and Larry in duet. In 2007, Scofield/Goldings/DeJohnette's Trio Beyond - Saudades (ECM) was recognized with a Best Instrumental Jazz Album Grammy nomination for their searing live recording at London's Queen Elizabeth Hall.

Goldings' music graces the soundtracks of many film and television projects. He contributed to the jazzy fabric of Clint Eastwood's Space Cowboys and enhanced John Madden's Proof and Judd Apatow's Funny People with original compositions, as well as providing ghoulish organ music for "Lurch" to play in the animated film, The Addams Family. Goldings' Nino Rota-inspired score to Jeff Garlin's Dealin' With Idiots is the backdrop to this hilarious film about the zany parents of a Little League baseball team. Listeners of NPR's This American Life can hear Goldings' music underscoring many of its dramatic stories.

Larry scored the Netflix series, Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker, infusing the drama with shades of ragtime and early jazz, in combination with modern, back-beat oriented cues, in which early jazz meets hip-hop. The soundtrack has been released by Warner Bros. through Watertower Music.

https://www.larrygoldings.com/#about

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Larry Goldings es un pianista y compositor nominado al Grammy. Su trío de órgano con Peter Bernstein y Bill Stewart ha sido reconocido en el New York Times como "el mejor trío de órgano de la última década". Las inspiraciones musicales de Goldings proceden de toda una vida en la que ha absorbido el jazz, el pop, el funk, el R&B, la música electrónica y la clásica.

Como intérprete y artista de grabación, es conocido por sus colaboraciones a largo plazo que se extienden por los reinos del jazz y el pop con artistas como Jim Hall, Maceo Parker, John Scofield, Steve Gadd, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Michael Brecker, Sia Furler y John Mayer, entre otros.

Goldings ha estado grabando y haciendo giras con el cantautor James Taylor desde 2001, y es el músico que aparece en el CD/DVD One Man Band de Taylor, la culminación de una gira mundial de dos años con James y Larry a dúo. En 2007, Scofield/Goldings/DeJohnette's Trio Beyond - Saudades (ECM) fue reconocido con una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Jazz Instrumental por su abrasadora grabación en directo en el Queen Elizabeth Hall de Londres.

La música de Goldings adorna las bandas sonoras de muchos proyectos de cine y televisión. Contribuyó a la trama jazzística de Space Cowboys, de Clint Eastwood, y mejoró Proof, de John Madden, y Funny People, de Judd Apatow, con composiciones originales, además de proporcionar la macabra música de órgano que toca "Lurch" en la película de animación La familia Addams. La partitura de Goldings inspirada en Nino Rota para Dealin' With Idiots, de Jeff Garlin, es el telón de fondo de esta divertidísima película sobre los alocados padres de un equipo de béisbol de la liga infantil. Los oyentes del programa This American Life de la NPR pueden escuchar la música de Goldings como telón de fondo de muchas de sus historias dramáticas.

Larry compuso la banda sonora de la serie de Netflix "Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker", en la que se mezclan matices de ragtime y jazz antiguo, con otros más modernos, en los que el jazz antiguo se mezcla con el hip-hop. La banda sonora ha sido editada por Warner Bros. a través de Watertower Music.

https://www.larrygoldings.com/#about

 www.larrygoldings.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Ed Blackwell • Shades of Edward Blackwell

 

Biography by Chris Kelsey
Ed Blackwell made his reputation as a member of Ornette Coleman's band in the early '60s; without that association, one wonders whether he would be considered one of the great jazz percussionists. That's to take nothing away from his considerable ability, but Blackwell's unfashionably arcane and somewhat unpolished approach to playing time was perhaps too melodic, too subtle to attract attention independently, especially amidst the heavy-handed Art Blakey/Elvin Jones Zeitgeist that prevailed throughout much of his career. The multiplicity of musics to be heard in Blackwell's hometown of New Orleans played an unmistakable role in his peculiar evolution, yet what separated Blackwell from other modern jazz drummers was his personal interpretation of swing.

Like every other post-Kenny Clarke jazz percussionist, Blackwell kept time on his ride cymbal. However, far more than most jazz drummers, Blackwell initiated his accents on the one and three of a four-beat measure. Consequently, Blackwell's style was more martial in character, his rhythmic counterpoint to the soloist more overtly songlike. Additionally, he infused his music with a multiplicity of non-Western elements, and incorporated mannerisms of pre-modern jazz. There was a certain rather endearing quaintness to Blackwell's playing, though he swung as hard and as imaginatively as anybody.

Blackwell's incongruous "squareness" was come by honestly, for one of his earliest influences was the traditional New Orleans percussion style of Paul Barbarin. As a young player, Blackwell spent time in the rhythm & blues band of Plas and Raymond Johnson. He moved to Los Angeles in 1951, where he met his future employer, Ornette Coleman, though it would be some time before their collaboration would capture the attention of the jazz public. In 1953 he moved to Texas, then in 1956 returned to New Orleans. In 1960 he moved to New York, where he replaced Billy Higgins in the by-now-famous Coleman quartet. With Coleman over the next several years, Blackwell made a series of important records for Atlantic (This Is Our Music, Free Jazz, Ornette on Tenor). He also worked and recorded with Eric Dolphy's great quintet with Booker Little, recording At the Five Spot in 1961.

In 1965, he began playing with Randy Weston (with whom he toured Africa two years later) and Archie Shepp. Blackwell was named an Artist in Residence at Connecticut's Wesleyan University in 1975. The next year he joined with ex-Coleman mates Don Cherry, Dewey Redman, and Charlie Haden to form the collective Old and New Dreams, a band dedicated in the main to playing tunes from Ornette's book. Old and New Dreams served as Blackwell's best showcase throughout the '80s. For a variety of reasons -- ill health significant among them -- Blackwell had often been unable to record and publicly perform with Coleman's early bands, even as he contributed so greatly to their development. Hence, Old and New Dreams' well-distributed albums and intermittent tours exposed him to an audience that might have been otherwise unfamiliar with his work. The band recorded a tribute to Blackwell in 1987, "One for Blackwell," which features the drummer, giving him a bit more solo space than usual.

Until his death from kidney disease in 1992, Blackwell would continue to perform with colleagues from his Ornette days, as well as New Orleans contemporaries like Ellis Marsalis, Alvin Batiste, and Harold Battiste. Blackwell recorded very infrequently as a leader, though just before his death he made Walls-Bridges, a posthumously released trio recording with Dewey Redman and bassist Cameron Brown that showed -- especially given his deteriorating physical condition -- he was still a voice to reckon with.
https://www.allmusic.com/artist/ed-blackwell-mn0000143961#biography

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Biografía de Chris Kelsey
Ed Blackwell se ganó su reputación como miembro de la banda de Ornette Coleman a principios de los años 60; sin esa asociación, uno se pregunta si sería considerado uno de los grandes percusionistas de jazz. Eso no quita nada de su considerable habilidad, pero el enfoque arcano y poco pulido de Blackwell para el tiempo de juego era quizás demasiado melódico, demasiado sutil para atraer la atención de forma independiente, especialmente en medio del espíritu de la época artística de Blakey/Elvin Jones que prevaleció durante gran parte de su carrera. La multiplicidad de músicas que se escucharon en la ciudad natal de Blackwell, Nueva Orleans, jugó un papel inconfundible en su peculiar evolución, sin embargo, lo que separó a Blackwell de otros bateristas de jazz moderno fue su interpretación personal del swing.

Como cualquier otro percusionista de jazz post-Kenny Clarke, Blackwell mantuvo el tiempo en su platillo ride. Sin embargo, mucho más que la mayoría de los bateristas de jazz, Blackwell inició sus acentos en el compás de uno y tres de cuatro tiempos. En consecuencia, el estilo de Blackwell era de carácter más marcial, su contrapunto rítmico al solista más abiertamente cancionero. Además, infundió en su música una multiplicidad de elementos no occidentales e incorporó gestos del jazz premoderno. Había una cierta extrañeza bastante entrañable en la forma de tocar de Blackwell, aunque se balanceaba tan fuerte e imaginativamente como cualquiera.

La incongruente "cuadratura" de Blackwell surgió honestamente, ya que una de sus primeras influencias fue el estilo tradicional de percusión de Paul Barbarin en Nueva Orleans. Cuando era joven, Blackwell pasó un tiempo en la banda de rhythm & blues de Plas y Raymond Johnson. Se mudó a Los Ángeles en 1951, donde conoció a su futuro empleador, Ornette Coleman, aunque pasaría algún tiempo antes de que su colaboración captara la atención del público del jazz. En 1953 se mudó a Texas, luego en 1956 regresó a Nueva Orleans. En 1960 se mudó a Nueva York, donde reemplazó a Billy Higgins en el ahora famoso cuarteto Coleman. Con Coleman durante los siguientes años, Blackwell hizo una serie de discos importantes para Atlantic (This Is Our Music, Free Jazz, Ornette en tenor). También trabajó y grabó con el gran quinteto de Eric Dolphy con Booker Little, grabando en el Five Spot en 1961.

En 1965, comenzó a tocar con Randy Weston (con quien realizó una gira por África dos años después) y Archie Shepp. Blackwell fue nombrado Artista Residente en la Universidad Wesleyan de Connecticut en 1975. Al año siguiente se unió a los ex compañeros de Coleman Don Cherry, Dewey Redman y Charlie Haden para formar el colectivo Old and New Dreams, una banda dedicada principalmente a tocar canciones del libro de Ornette. Viejos y Nuevos Sueños sirvieron como el mejor escaparate de Blackwell a lo largo de los años 80. Por una variedad de razones, entre ellas la mala salud, Blackwell a menudo no había podido grabar y tocar públicamente con las primeras bandas de Coleman, incluso cuando contribuyó en gran medida a su desarrollo. Por lo tanto, los álbumes bien distribuidos de Old and New Dreams y las giras intermitentes lo expusieron a un público que de otro modo no estaría familiarizado con su trabajo. La banda grabó un tributo a Blackwell en 1987, "One for Blackwell", que presenta al baterista, dándole un poco más de espacio en solitario de lo habitual.

Hasta su muerte por enfermedad renal en 1992, Blackwell continuaría actuando con colegas de sus días en Ornette, así como con contemporáneos de Nueva Orleans como Ellis Marsalis, Alvin Batiste y Harold Battiste. Blackwell grabó con muy poca frecuencia como líder, aunque justo antes de su muerte hizo Walls-Bridges, una grabación de trío lanzada póstumamente con Dewey Redman y el bajista Cameron Brown que demostró, especialmente dado su deterioro de la condición física, que todavía era una voz a tener en cuenta.
https://www.allmusic.com/artist/ed-blackwell-mn0000143961#biography

Sonny Stitt-Don Patterson • Brothers 4

 

 

Review
by Jim Todd  
In September 1969, regular collaborators saxophonist Sonny Stitt and organist Don Patterson recorded together for the last time. For the occasion, they were joined by guitarist Grant Green, forming something of an organ combo supergroup. Patterson's excellent regular drummer Billy James rounded out the quartet. The ten tracks they made together -- four of them found on the original LP, six others added to later editions -- were not the crowning achievement for any of the principals, but they still stand in the front ranks of organ jazz. Three of the LP's tracks clock in at over eight minutes, providing lots of room for stretching out. Patterson's title track -- a classic, driving soul-jazz theme -- is the highlight. James' "Creepin' Home" moves along at a slacker, shuffling pace. Irving Berlin's "Alexander's Ragtime Band" surprisingly becomes a vehicle for impressive solos from the three lead players, once they get through stating the corny melody. The Burt Bacharach/Hal David pop ballad "Walk on By" also features good work from the quartet. [The six tunes not heard on the original LP eventually appeared on the Patterson LPs Donny Brook and Tune Up, then were rounded up here.]

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Reseña
por Jim Todd  
En septiembre de 1969, los colaboradores habituales, el saxofonista Sonny Stitt y el organista Don Patterson, grabaron juntos por última vez. Para la ocasión, se les unió el guitarrista Grant Green, formando una especie de supergrupo de combo de órgano. El excelente batería habitual de Patterson, Billy James, completaba el cuarteto. Los diez temas que grabaron juntos -cuatro de ellos en el LP original, otros seis añadidos en ediciones posteriores- no fueron el mayor logro de ninguno de los protagonistas, pero siguen estando en la primera fila del jazz para órgano. Tres de los temas del LP duran más de ocho minutos, lo que da mucho margen para extenderse. El tema que da título al disco, de Patterson, un tema clásico de soul-jazz, es el más destacado. Creepin' Home" de James avanza a un ritmo lento y arrastrado. Alexander's Ragtime Band" de Irving Berlin se convierte sorprendentemente en un vehículo para impresionantes solos de los tres músicos principales, una vez que terminan de enunciar la cursi melodía. La balada pop de Burt Bacharach/Hal David "Walk on By" también cuenta con un buen trabajo del cuarteto. [Las seis melodías que no se escucharon en el LP original aparecieron finalmente en los LPs de Patterson Donny Brook y Tune Up, y luego se reunieron aquí].

 

www.sonnystitt.com ...

Groove Quartet • Everlasting

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

VA • From Jamaica With Jazz

 

 

www.ververecords.com ...

The Supertones • Going To A Rock & Roll Dance Party

 

Supertones ...

Chick Corea • The Montreux Years

 

chickcorea.com ...

Sunnyland Slim • She got the that jive

 

Biography
by Bill Dahl
Exhibiting truly amazing longevity that was commensurate with his powerful, imposing physical build, Sunnyland Slim's status as a beloved Chicago piano patriarch endured long after most of his peers had perished. For more than 50 years, the towering Slim had rumbled the ivories around the Windy City, playing with virtually every local luminary imaginable and backing the great majority in the studio at one time or another.

He was born Albert Luandrew in Mississippi and received his early training on a pump organ. After entertaining at juke joints and movie houses in the Delta, Luandrew made Memphis his home base during the late '20s, playing along Beale Street and hanging out with the likes of Little Brother Montgomery and Ma Rainey. He adopted his colorful stage name from the title of one of his best-known songs, the mournful "Sunnyland Train." (The downbeat piece immortalized the speed and deadly power of a St. Louis-to-Memphis locomotive that mowed down numerous people unfortunate enough to cross its tracks at the wrong instant.)

Slim moved to Chicago in 1939 and set up shop as an in-demand piano man, playing for a spell with John Lee "Sonny Boy" Williamson before waxing eight sides for RCA Victor in 1947 under the somewhat misleading handle of "Doctor Clayton's Buddy." If it hadn't been for the helpful Slim, Muddy Waters may not have found his way onto Chess; it was at the pianist's 1947 session for Aristocrat that the Chess brothers made Waters' acquaintance.

Aristocrat (which issued his harrowing "Johnson Machine Gun") was but one of a myriad of labels that Slim recorded for between 1948 and 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (unissued), Blue Lake, Club 51, and Cobra all cut dates on Slim, whose vocals thundered with the same resonant authority as his 88s. In addition, his distinctive playing enlivened hundreds of sessions by other artists during the same time frame. In 1960, Slim traveled to Englewood Cliffs, New Jersey, to cut his debut LP for Prestige's Bluesville subsidiary with King Curtis supplying diamond-hard tenor sax breaks on many cuts. The album, Slim's Shout, ranks as one of his finest, with definitive renditions of the pianist's "The Devil Is a Busy Man," "Shake It," "Brownskin Woman," and "It's You Baby."

Like a deep-rooted tree, Sunnyland Slim persevered despite the passing decades. For a time, he helmed his own label, Airway Records. As late as 1985, he made a fine set for the Red Beans logo, Chicago Jump, backed by the same crack combo that shared the stage with him every Sunday evening at a popular North side club called B.L.U.E.S. for some 12 years.

There were times when the pianist fell seriously ill, but he always defied the odds and returned to action, warbling his trademark Woody Woodpecker chortle and kicking off one more exultant slow blues as he had done for the previous half century. Finally, after a calamitous fall on the ice coming home from a gig led to numerous complications, Sunnyland Slim died of kidney failure in 1995. He's sorely missed.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

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Biografía
por Bill Dahl
Con una longevidad realmente asombrosa, acorde con su poderosa e imponente complexión física, el estatus de Sunnyland Slim como un querido patriarca del piano de Chicago perduró mucho después de que la mayoría de sus compañeros hubieran perecido. Durante más de 50 años, el imponente Slim ha hecho sonar los marfiles de la Ciudad del Viento, tocando con prácticamente todas las luminarias locales imaginables y respaldando a la gran mayoría en el estudio en un momento u otro.

Nació con el nombre de Albert Luandrew en Mississippi y se formó en un órgano de bomba. Después de actuar en bares y cines del Delta, Luandrew hizo de Memphis su base de operaciones a finales de los años 20, tocando en Beale Street y saliendo con gente como Little Brother Montgomery y Ma Rainey. Adoptó su colorido nombre artístico a partir del título de una de sus canciones más conocidas, la lúgubre "Sunnyland Train". (Esta pieza deprimente inmortalizaba la velocidad y la potencia mortal de una locomotora que iba de St. Louis a Memphis y que acribillaba a numerosas personas lo suficientemente desafortunadas como para cruzar sus vías en el instante equivocado).

Slim se trasladó a Chicago en 1939 y se convirtió en un pianista muy solicitado, tocando durante un tiempo con John Lee "Sonny Boy" Williamson antes de grabar ocho canciones para RCA Victor en 1947 bajo el nombre algo engañoso de "Doctor Clayton's Buddy". Si no hubiera sido por el servicial Slim, Muddy Waters podría no haber llegado a Chess; fue en la sesión del pianista para Aristocrat en 1947 cuando los hermanos Chess conocieron a Waters.

Aristocrat (que publicó su desgarrador "Johnson Machine Gun") no fue más que uno de los muchos sellos para los que Slim grabó entre 1948 y 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (sin publicar), Blue Lake, Club 51 y Cobra grabaron con Slim, cuya voz retumbaba con la misma autoridad resonante que sus 88s. Además, su distintiva forma de tocar animó cientos de sesiones de otros artistas durante el mismo periodo. En 1960, Slim viajó a Englewood Cliffs, Nueva Jersey, para grabar su primer LP para la subsidiaria Bluesville de Prestige, con King Curtis aportando cortes de saxo tenor de gran dureza en muchos cortes. El álbum, Slim's Shout, está considerado como uno de sus mejores, con interpretaciones definitivas de "The Devil Is a Busy Man", "Shake It", "Brownskin Woman" y "It's You Baby" del pianista.

Como un árbol bien enraizado, Sunnyland Slim perseveró a pesar del paso de las décadas. Durante un tiempo, dirigió su propio sello, Airway Records. Ya en 1985, hizo un buen set para el logo de Red Beans, Chicago Jump, respaldado por el mismo combo de crack que compartía el escenario con él cada domingo por la noche en un popular club del lado norte llamado B.L.U.E.S. durante unos 12 años.

Hubo momentos en los que el pianista cayó gravemente enfermo, pero siempre desafiaba a las probabilidades y volvía a la acción, haciendo sonar su característico carrillón de Woody Woodpecker y arrancando un exultante slow blues más, como había hecho durante el medio siglo anterior. Finalmente, tras una calamitosa caída en el hielo al volver de un concierto que le provocó numerosas complicaciones, Sunnyland Slim murió de insuficiencia renal en 1995. Se le echa mucho de menos.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

Thelonious Monk • Palais Des Beaux-Arts, 1963

 

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Pat Martino • Head and Heart- Consciousness-Live!

 

Two of guitarist Pat Martino's finest recordings for the Muse label (Live! and Consciousness) are reissued in full on this double CD from 32 Jazz. Martino is heard in 1974 performing seven numbers (plus a new alternate take of "Along Came Betty") with electric pianist Eddie Green, bassist Tyrone Brown and drummer Sherman Ferguson. Martino brought in two originals and also performs John Coltrane's "Impressions," a lengthy exploration of Eric Kloss' "Consciousness," Joni Mitchell's "Both Sides Now," and two versions of the Golson tune. The earlier set matches Martino with Brown, Ferguson and keyboardist Ron Thomas on three long selections: two originals and the pop song "Sunny." By the 1970s, Martino had his own fresh sound and an adventurous style that was quite distinctive. He is heard at the peak of his powers throughout this recommended twofer.

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Dos de las mejores grabaciones del guitarrista Pat Martino para el sello Muse (Live! y Consciousness) se reeditan íntegramente en este doble CD de 32 Jazz. Se escucha a Martino en 1974 interpretando siete números (más una nueva toma alternativa de "Along Came Betty") con el pianista eléctrico Eddie Green, el bajista Tyrone Brown y el baterista Sherman Ferguson. Martino aportó dos originales y también interpreta "Impressions" de John Coltrane, una larga exploración de "Consciousness" de Eric Kloss, "Both Sides Now" de Joni Mitchell y dos versiones del tema de Golson. El conjunto anterior hace coincidir a Martino con Brown, Ferguson y el teclista Ron Thomas en tres largas selecciones: dos originales y la canción pop "Sunny". En la década de 1970, Martino tenía su propio sonido fresco y un estilo aventurero que era bastante distintivo. Se le escucha en la cima de sus poderes a lo largo de este recomendable doble álbum.

http://www.patmartino.com/

Brian Setzer • Jump, Jive an' Wail The Best of the Brian Setzer Orchestra 1994-2000

 

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
After disbanding his retro-rockabilly crew the Stray Cats, Brian Setzer reinvented himself as a retro-swing big-band leader with the Brian Setzer Orchestra in the early '90s. Like the Cats, they seemingly did one thing, but that one thing encompassed a lot of music -- rock & roll, jump blues, jazz, traditional pop, to start with. Though it encompassed a lot, all the records pretty much remained in the same vein, with each touching on the same themes each time, sometimes more effectively than others. That inconsistent similarity lends itself well to a good compilation, which is what 2003's generous 23-track collection Jump, Jive an' Wail: The Best of the Brian Setzer Orchestra 1994-2000 is. This has all the big singles and all the great album tracks, and while it's not sequenced chronologically, it doesn't matter because the track listing has the propulsion of a good concert (plus, if all the records are variations on the same theme, it doesn't really matter if they don't follow in order of release). It's a fun, rocking good time, an excellent summary of Setzer's strengths in the second phase of his career.
https://www.allmusic.com/album/jump-jive-an-wail-the-best-of-the-brian-setzer-orchestra-1994-2000-mw0000031861

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Después de disolver su grupo de rockabilly retro, los Stray Cats, Brian Setzer se reinventó como líder de una big band de swing retro con la Brian Setzer Orchestra a principios de los 90. Como los Cats, hacían aparentemente una cosa, pero esa cosa abarcaba mucha música: rock & roll, jump blues, jazz, pop tradicional. Como los Cats, aparentemente hacían una cosa, pero esa cosa abarcaba mucha música: rock & roll, jump blues, jazz, pop tradicional, para empezar. Aunque abarcaban mucho, todos los discos seguían más o menos la misma línea, tocando cada vez los mismos temas, a veces con más eficacia que otras. Esa inconsistente similitud se presta bien a una buena recopilación, que es lo que hace la generosa colección de 2003 Jump, Jive an' Wail: The Best of the Brian Setzer Orchestra 1994-2000. Tiene todos los grandes singles y todas las grandes canciones de los álbumes, y aunque no está secuenciada cronológicamente, no importa porque la lista de canciones tiene la propulsión de un buen concierto (además, si todos los discos son variaciones sobre el mismo tema, no importa realmente si no siguen el orden de publicación). Es un buen rato divertido y rockero, un excelente resumen de los puntos fuertes de Setzer en la segunda fase de su carrera.
https://www.allmusic.com/album/jump-jive-an-wail-the-best-of-the-brian-setzer-orchestra-1994-2000-mw0000031861

 

 
  briansetzer.com ...