Biography by Steve Leggett One
of the finest Hammond B-3 organ players of his generation, Cory Henry
was a child prodigy, playing both piano and organ by the time he was two
years old, making his debut at the legendary Apollo Theater when he was
only six. He has worked in the studio and toured with countless
artists, including Yolanda Adams, Stanley Brown, Israel Houghton, P.
Diddy, Kirk Franklin, Kenny Garrett (the 19-year-old Henry became a
fixture in Garrett's touring band for three years), Donnie McClurkin,
Boyz II Men, Michael McDonald, Bruce Springsteen, the Roots, and many
others. He has also worked as a bandleader and producer as well as an
in-demand sideman.
Falling closer to the Art Tatum and Oscar
Peterson side of the Hammond organ jazz genre than Jimmy Smith, with
maybe a little Billy Preston tossed in, Henry at his best combines the
best of both gospel and jazz in his playing. His albums as a bandleader
include the 2010 holiday set Christmas with You, 2011's Leave You Alone,
and 2012's Gotcha Now Doc.
The Revival Since 2012, Henry has
been a member of the acclaimed experimental jazz and funk ensemble
Snarky Puppy, with whom he won a 2014 Grammy Award for Best R&B
Performance and a 2015 Grammy for Best Contemporary Instrumental Album.
In 2016, Henry released the gospel0infused solo effort The Revival. https://www.allmusic.com/artist/cory-henry-mn0002369748/biography
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Biografía de Steve Leggett Uno
de los mejores intérpretes de órgano Hammond B-3 de su generación, Cory
Henry fue un niño prodigio, que ya tocaba el piano y el órgano a los
dos años, y debutó en el legendario Apollo Theater cuando sólo tenía
seis. Ha trabajado en el estudio y ha realizado giras con innumerables
artistas, como Yolanda Adams, Stanley Brown, Israel Houghton, P. Diddy,
Kirk Franklin, Kenny Garrett (el joven Henry, de 19 años, se convirtió
en un fijo de la banda de gira de Garrett durante tres años), Donnie
McClurkin, Boyz II Men, Michael McDonald, Bruce Springsteen, The Roots y
muchos otros. También ha trabajado como director de banda y productor,
así como sideman de gran demanda.
Más cercano a Art Tatum y Oscar
Peterson en el género del órgano Hammond que a Jimmy Smith, con un poco
de Billy Preston, Henry combina lo mejor del gospel y del jazz en su
interpretación. Sus álbumes como director de banda incluyen el conjunto
navideño Christmas with You de 2010, Leave You Alone de 2011 y Gotcha
Now Doc de 2012.
The Revival Desde 2012, Henry ha sido miembro
del aclamado conjunto de jazz y funk experimental Snarky Puppy, con el
que ganó un premio Grammy 2014 a la mejor interpretación de R&B y un
Grammy 2015 al mejor álbum instrumental contemporáneo. En 2016, Henry
lanzó el esfuerzo en solitario infundido por el gospel0 The Revival. https://www.allmusic.com/artist/cory-henry-mn0002369748/biography coryhenry.com ...
Biography by Chris Kelsey In
the '60s, when John Coltrane and Ornette Coleman were defining the
concept of a jazz avant-garde, few knowledgeable observers would have
guessed that in another 30 years the music's mainstream would virtually
bypass their innovations, in favor of the hard bop style that free jazz
had apparently supplanted. As it turned out, many listeners who had come
to love jazz as a sophisticated manifestation of popular music were
unable to accept the extreme esotericism of the avant-garde; their
tastes were rooted in the core elements of "swing" and "blues,"
characteristics found in abundance in the music of the Jazz Messengers,
the quintessential hard bop ensemble led by drummer Art Blakey. In the
'60s, '70s, and '80s, when artists on the cutting edge were attempting
to transform the music, Blakey continued to play in more or less the
same bag he had since the '40s, when his cohorts included the likes of
Charlie Parker, Miles Davis, and Fats Navarro. By the '80s, the evolving
mainstream consensus had reached a point of overwhelming approval in
regard to hard bop: this is what jazz is, and Art Blakey -- as its
longest-lived and most eloquent exponent -- was its master.
The
Jazz Messengers had always been an incubator for young talent. A list of
the band's alumni is a who's who of straight-ahead jazz from the '50s
on -- Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie
McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne
Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford
Marsalis, James Williams, Keith Jarrett, and Chuck Mangione, to name
several of the most well-known. In the '80s, precocious graduates of
Blakey's School for Swing would continue to number among jazz's movers
and shakers, foremost among them being trumpeter Wynton Marsalis.
Marsalis became the most visible symbol of the '80s jazz mainstream;
through him, Blakey's conservative ideals came to dominate the public's
perception of the music. At the time of his death in 1990, the Messenger
aesthetic dominated jazz, and Blakey himself had arguably become the
most influential jazz musician of the past 20 years.
Blakey's
first musical education came in the form of piano lessons; he was
playing professionally as a seventh grader, leading his own commercial
band. He switched to drums shortly thereafter, learning to play in the
hard-swinging style of Chick Webb and Sid Catlett. In 1942, he played
with pianist Mary Lou Williams in New York. He toured the South with
Fletcher Henderson's band in 1943-1944. From there, he briefly led a
Boston-based big band before joining Billy Eckstine's new group, with
which he would remain from 1944-1947. Eckstine's big band was the famous
"cradle of modern jazz," and included (at different times) such major
figures of the forthcoming bebop revolution as Dizzy Gillespie, Miles
Davis, and Charlie Parker. When Eckstine's group disbanded, Blakey
started a rehearsal ensemble called the Seventeen Messengers. He also
recorded with an octet, the first of his bands to be called the Jazz
Messengers. In the early '50s, Blakey began an association with Horace
Silver, a particularly likeminded pianist with whom he recorded several
times. In 1955, they formed a group with Hank Mobley and Kenny Dorham,
calling themselves "Horace Silver and the Jazz Messengers." The
Messengers typified the growing hard bop movement -- hard, funky, and
bluesy, the band emphasized the music's primal rhythmic and harmonic
essence. A year later, Silver left the band, and Blakey became its
leader. From that point, the Messengers were Blakey's primary vehicle,
though he would continue to freelance in various contexts. Notable was A
Jazz Message, a 1963 Impulse record date with McCoy Tyner, Sonny Stitt,
and Art Davis; a 1971-1972 world tour with "the Giants of Jazz," an
all-star venture with Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, and
Al McKibbon; and an epochal drum battle with Max Roach, Elvin Jones,
and Buddy Rich at the 1964 Newport Jazz Festival. Blakey also frequently
recorded as a sideman under the leadership of ex-Messengers.
Blakey's
influence as a bandleader could not have been nearly so great had he
not been such a skilled instrumentalist. No drummer ever drove a band
harder; none could generate more sheer momentum in the course of a tune;
and probably no drummer had a lower boiling point -- Blakey started
every performance full-bore and went from there. His accompaniment style
was relentless, and woe to the young saxophonist who couldn't keep up,
for Blakey would run him over like a fullback. Blakey differed from
other bop drummers in that his style was almost wholly about the music's
physical attributes. Where his contemporary Max Roach dealt extensively
with the drummer's relationship to melody and timbre, for example,
Blakey showed little interest in such matters. To him, jazz percussion
wasn't about tone color; it was about rhythm -- first, last, and in
between. Blakey's drum set was the engine that propelled the music. To
the extent that he exhibited little conceptual development over the
course of his long career, either as a player or as a bandleader, Blakey
was limited. He was no visionary by any means. But Blakey did one thing
exceedingly well, and he did it with genius, spirit, and generosity
until the very end of his life. https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography
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Biografía de Chris Kelsey En
los años 60, cuando John Coltrane y Ornette Coleman estaban definiendo
el concepto de vanguardia del jazz, pocos observadores conocedores
habrían adivinado que en otros 30 años la corriente principal de la
música pasaría virtualmente por alto sus innovaciones, a favor del
estilo hard bop que el free jazz aparentemente había suplantado. Al
final resultó que, muchos oyentes que habían llegado a amar el jazz como
una manifestación sofisticada de la música popular no pudieron aceptar
el esoterismo extremo de la vanguardia; sus gustos estaban arraigados en
los elementos centrales del "swing" y el "blues", características que
se encuentran en abundancia en la música de Jazz Messengers, el conjunto
hard bop por excelencia dirigido por el baterista Art Blakey. En los
años 60, 70 y 80, cuando artistas de vanguardia intentaban transformar
la música, Blakey continuó tocando más o menos en la misma bolsa que
tenía desde los años 40, cuando sus cohortes incluían a Charlie Parker,
Miles Davis y Fats Navarro. Para los años 80, el consenso general en
evolución había alcanzado un punto de aprobación abrumadora con respecto
al hard bop: esto es lo que es el jazz, y Art Blakey, como su exponente
más longevo y elocuente, era su maestro.
Los Jazz Messengers
siempre habían sido una incubadora de jóvenes talentos. Una lista de los
alumnos de la banda es quién es quién del jazz directo de los años 50
en adelante: Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin,
Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson,
Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford
Marsalis, James Williams, Keith Jarrett y Chuck Mangione, por nombrar a
varios de los más conocidos. En los años 80, los graduados precoces de
la Escuela de Swing de Blakey continuarían siendo uno de los impulsores y
agitadores del jazz, siendo el más destacado el trompetista Wynton
Marsalis. Marsalis se convirtió en el símbolo más visible de la
corriente principal del jazz de los 80; a través de él, los ideales
conservadores de Blakey llegaron a dominar la percepción pública de la
música. En el momento de su muerte en 1990, la estética Messenger
dominaba el jazz, y podría decirse que el propio Blakey se había
convertido en el músico de jazz más influyente de los últimos 20 años.
La
primera educación musical de Blakey llegó en forma de lecciones de
piano; tocaba profesionalmente en séptimo grado, liderando su propia
banda comercial. Cambió a la batería poco después, aprendiendo a tocar
con el estilo duro de Chick Webb y Sid Catlett. En 1942, tocó con la
pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Realizó una gira por el Sur
con la banda de Fletcher Henderson en 1943-1944. A partir de ahí,
dirigió brevemente una big band con sede en Boston antes de unirse al
nuevo grupo de Billy Eckstine, con el que permanecería de 1944 a 1947.
La big band de Eckstine fue la famosa "cuna del jazz moderno" e incluyó
(en diferentes momentos) a figuras tan importantes de la próxima
revolución del bebop como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker.
Cuando el grupo de Eckstine se disolvió, Blakey inició un conjunto de
ensayo llamado Seventeen Messengers. También grabó con un octeto, la
primera de sus bandas en llamarse Jazz Messengers. A principios de los
50, Blakey inició una asociación con Horace Silver, un pianista
particularmente afín con quien grabó varias veces. En 1955, formaron un
grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamándose a sí mismos "Horace
Silver and the Jazz Messengers"."The Messengers tipificaron el creciente
movimiento hard bop hard duro, funky y blues, la banda enfatizó la
esencia rítmica y armónica primordial de la música. Un año después,
Silver dejó la banda y Blakey se convirtió en su líder. A partir de ese
momento, los Mensajeros fueron el vehículo principal de Blakey, aunque
continuaría trabajando como autónomo en varios contextos. Notable fue A
Jazz Message, una cita discográfica Impulse de 1963 con McCoy Tyner,
Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial de 1971-1972 con "the Giants
of Jazz", una aventura estelar con Thelonious Monk, Dizzy Gillespie,
Sonny Stitt y Al McKibbon; y una batalla de tambores de época con Max
Roach, Elvin Jones y Buddy Rich en el Festival de Jazz de Newport de
1964. Blakey también grabó con frecuencia como acompañante bajo el
liderazgo de ex Mensajeros.
La influencia de Blakey como líder de
banda no podría haber sido tan grande si no hubiera sido un
instrumentista tan hábil. Ningún baterista jamás impulsó a una banda más
fuerte; ninguno pudo generar un impulso más absoluto en el transcurso
de una melodía; y probablemente ningún baterista tuvo un punto de
ebullición más bajo Bl Blakey comenzó cada actuación a fondo y partió de
allí. Su estilo de acompañamiento era implacable, y ay del joven
saxofonista que no podía seguir el ritmo, porque Blakey lo atropellaría
como un fullback. Blakey se diferenciaba de otros bateristas de bop en
que su estilo trataba casi por completo de los atributos físicos de la
música. Mientras que su contemporáneo Max Roach trató extensamente la
relación del baterista con la melodía y el timbre, por ejemplo, Blakey
mostró poco interés en tales asuntos. Para él, la percusión de jazz no
se trataba del color del tono; se trataba del ritmo, primero, último y
intermedio. La batería de Blakey fue el motor que impulsó la música. En
la medida en que exhibió poco desarrollo conceptual a lo largo de su
larga carrera, ya sea como músico o como líder de banda, Blakey fue
limitado. Él no era un visionario de ninguna manera. Pero Blakey hizo
una cosa extremadamente bien, y lo hizo con genio, espíritu y
generosidad hasta el final de su vida. https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography
New Faces New Sounds is a 1953 date featuring saxophonist Lou Donaldson
and trumpeter Clifford Brown leading a quartet. The tracks were also
issued on 1956's Memorial Album after Brown's death. Backing them here
are pianist Elmo Hope, bassist Percy Heath, and drummer Philly Joe
Jones. This is superb, highly influential hard bop jazz.
New Faces New Sounds es una fecha de 1953 en la que el saxofonista Lou
Donaldson y el trompetista Clifford Brown dirigen un cuarteto. Las
canciones también fueron publicadas en el álbum conmemorativo de 1956
después de la muerte de Brown. Los respaldan el pianista Elmo Hope, el
bajista Percy Heath y el baterista Philly Joe Jones. Este es un
magnífico y muy influyente hard bop jazz.
This is a very likeable B3 album, and notably for people who are not
enamored of tenor sax-organ dates. Gene Ludwig, a longtime Pittsburgh
musician with a history of 40 years of plugging away at this genre, has
pulled out all the "stops." Ludwig has recorded seven sessions including
one on Muse in 1979, all with local musicians, and on independent
labels. You've got to hand it to someone who has consistently produced
quality sessions and still comes back with more.
Ludwig has smartly programmed this album with two originals, three
standards and, on the remaining tracks, five "organ party anthems." Sam
Jones' "Unit 7" ostensibly has no connection with the B3 but it was
Cannonball Adderley's intro and outro theme for a long time and it fits
the bill perfectly. Jerome Richardson's "Groove Merchant" (which came
first, the song or the record label?) is a highly under-recorded bounce
tempo from the late '60s with the Hammond filling in the horn riffs.
"Baby Don't You Go Away Mad," which I remember quite distinctly as
Illinois Jacquet's "Black Velvet," swings mightily, as when Sinatra had
it in his repetoire.
Pianist Carl Perkins' "Groove Yard," popularized by the Montgomery
Brothers, is a fine medium tempo blues. "Willow Weep for Me" is done as a
boozy, crying-in-your-beer mode just as if Jimmy Smith and Hank Mobley
were blowing it. Ludwig's own "Louie and Jazz" is a perfect '50s-'60s
Blue Note hard bop melody line, and until I read the composer credits I
was searching mentally for the tune's name and songwriter. I was only
disappointed in the closer "Spiritual" which is a solo B3 recitation
that you might hear as recessional music at Sunday morning services.
This combo is one that Ludwig has worked with consistently over the past
few years. Ken Karsh, a good melody player on guitar, gets ample solo
time and makes his point concisely. Tom Wendt, takes care of the
percussion, keeps the album moving along nicely. Saxophonist Eric DeFade
is the son of Ray DeFade, who played sax for Ludwig in the early '60s.
He is a young follower of the organ-tenor sax stars who are no longer on
the scene and provides the appropriate sermon when called upon.
https://www.allaboutjazz.com/hands-on-gene-ludwig-blues-leaf-records-review-by-michael-p-gladstone.php
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Este
es un álbum de B3 muy agradable, y en particular para la gente que no
está enamorada de las citas de saxo tenor-órgano. Gene Ludwig, un
veterano músico de Pittsburgh con un historial de 40 años de trabajo en
este género, ha sacado todas las "paradas". Ludwig ha grabado siete
sesiones, incluida una en Muse en 1979, todas con músicos locales y en
sellos independientes. Hay que reconocer a alguien que ha producido
constantemente sesiones de calidad y que todavía vuelve con más. Ludwig
ha programado inteligentemente este álbum con dos originales, tres
estándares y, en las pistas restantes, cinco "himnos de fiesta de
órgano". "Unit 7" de Sam Jones no tiene aparentemente ninguna relación
con el B3, pero fue el tema de introducción y salida de Cannonball
Adderley durante mucho tiempo y encaja perfectamente. "Groove Merchant"
de Jerome Richardson (¿qué fue primero, la canción o el sello
discográfico?) es un bounce tempo de finales de los 60 muy poco grabado
con el Hammond rellenando los riffs de las trompas. "Baby Don't You Go
Away Mad", que recuerdo claramente como "Black Velvet" de Illinois
Jacquet, se balancea poderosamente, como cuando Sinatra la tenía en su
repertorio. "Groove Yard" del pianista Carl Perkins, popularizado por
los Montgomery Brothers, es un buen blues de tempo medio. "Willow Weep
for Me" se hace en modo borracho, llorando en la cerveza, como si Jimmy
Smith y Hank Mobley lo estuvieran soplando. Louie and Jazz", del propio
Ludwig, es una perfecta línea melódica de hard bop de Blue Note de los
años 50-60, y hasta que leí los créditos del compositor estuve buscando
mentalmente el nombre de la melodía y el compositor. Sólo me decepcionó
el cierre, "Spiritual", que es un recitado en B3 en solitario que podría
escucharse como música de receso en los servicios del domingo por la
mañana. Este combo es uno con el que Ludwig ha trabajado
constantemente en los últimos años. Ken Karsh, un buen intérprete de
melodías a la guitarra, tiene un amplio tiempo en solitario y hace su
punto de vista de forma concisa. Tom Wendt, que se encarga de la
percusión, mantiene el álbum en movimiento. El saxofonista Eric DeFade
es el hijo de Ray DeFade, que tocó el saxo para Ludwig a principios de
los 60. Es un joven seguidor de las estrellas del saxo tenor que ya no
están en escena y aporta el sermón adecuado cuando se le llama. https://www.allaboutjazz.com/hands-on-gene-ludwig-blues-leaf-records-review-by-michael-p-gladstone.php
En Suecia también se hace blues y esta banda está a la altura de sus
similares yanquis, los Knock-Out Greg & Blue Weather son blues de
Chicago, mezclado con elementos de swing, jazz y jump-blues
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Automatic Translation:
In Sweden, blues are also played and this band lives up to its similar
Yankees, the Knock-Out Greg & Blue Weather are Chicago blues, mixed
with elements of swing, jazz and jump-blues.
Idle
Hands, a sextet of extraordinary means, uses the instrumentation of
guitarist Grant Green's Idle Moments (Blue Note, 1965) as a template of
sorts. But that embrace of a guitar, vibes, tenor saxophone, piano, bass
and drums lineup is basically where the similarities end. This music
doesn't push the past as a stock worth investing in. Instead, as with
most Posi-Tone projects, originals dominate the playlist. Everybody in
the band contributes music, and a pair of choice covers—a sweeping,
Brazilian-influenced take on Stevie Wonder's "You and I" and a spirited
trip through Freddie Hubbard's "Theme for Kareem"—sweetens the deal.
A
group of label regulars—guitarist Will Bernard, vibraphonist Behn
Gillece, tenor saxophonist Sam Dillon, pianist Art Hirahara and the
rhythm tandem of bassist Boris Kozlov and drummer Donald Edwards—create
and navigate these varied scenarios with aplomb. The hits and turns are
right on the money during Gillece's aptly-titled "Barreling Through,"
jaunty lines abound on Kozlov's "Over The Fence," the harmonies of
Hirahara's "Event Horizon" effortlessly refract light and beauty, and a
blend of intrigue and excitement rules the day on Edwards' hip "Dock's
House." Add to that some winners like Dillon's waltzing "Motion" and
Bernard's springy "Silver Bullet" and you have a well-balanced set that
speaks to individual strengths and growth through grouping. This may
very well be a one-and-done gathering, but this band deserves a longer
lifespan. Solid Moments shows us that Idle Hands could have some serious
legs. Dan Bilawsky By DAN BILAWSKY March 6, 2020 https://www.allaboutjazz.com/solid-moments-idle-hands-posi-tone-records
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Idle
Hands, un sexteto de medios extraordinarios, utiliza la instrumentación
de Idle Moments (Blue Note, 1965) del guitarrista Grant Green como una
especie de plantilla. Pero ese abrazo de una alineación de guitarra,
vibráfono, saxofón tenor, piano, bajo y batería es básicamente donde
terminan las similitudes. Esta música no empuja al pasado como una
acción en la que vale la pena invertir. En cambio, como en la mayoría de
los proyectos de Posi-Tone, los originales dominan la lista de
reproducción. Todos los miembros de la banda contribuyen a la música, y
un par de versiones elegidas -una versión arrolladora, con influencia
brasileña, de "You and I" de Stevie Wonder y un animado viaje a través
de "Theme for Kareem" de Freddie Hubbard- endulzan el trato.
Un
grupo de habituales del sello -el guitarrista Will Bernard, el
vibrafonista Behn Gillece, el saxofonista tenor Sam Dillon, el pianista
Art Hirahara y el tándem rítmico formado por el bajista Boris Kozlov y
el baterista Donald Edwards- crean y navegan por estos variados
escenarios con aplomo. Los golpes y los giros son acertados en
"Barreling Through" de Gillece, las líneas alegres abundan en "Over The
Fence" de Kozlov, las armonías de "Event Horizon" de Hirahara refractan
sin esfuerzo la luz y la belleza, y una mezcla de intriga y emoción
gobierna el día en "Dock's House" de Edwards. Si a esto le añadimos
algunos ganadores como el vals de Dillon "Motion" y la elástica "Silver
Bullet" de Bernard, tenemos un conjunto bien equilibrado que habla de
las fortalezas individuales y del crecimiento a través de la agrupación.
Puede que esta sea una reunión única, pero esta banda merece una vida
más larga. Solid Moments nos muestra que Idle Hands podría tener un buen
recorrido. Dan Bilawsky Por DAN BILAWSKY 6 de marzo de 2020 https://www.allaboutjazz.com/solid-moments-idle-hands-posi-tone-records
New
York, New York -- After the success of the 2009 release Put The Flavor
On It you would think guitarist and band leader Charlie Apicella would
be hard pressed to duplicate such an outstanding recording. With Sparks
due to drop in March, listeners and critics alike will be heaping the
praise upon the Iron City ensemble as if they were the second coming of
the great funky organ bands such as Booker T. and the MGs This is a high
standard to adhere to although Apicella and his mates seem to have no
difficulty in aspiring to these great heights once thought improbable to
attain after the classic period of the 70s became history.
Their
second release is sure to start the Sparks flying in the jazz, R & B
and blues corners throughout the world. The eclectic instrumental takes
on classic tracks such as “Sookie Sookie" and “Billie Jean" will be
raising eyebrows and soon find their way into many different radio
friendly crossover broadcasters in brick and mortar settings and
internet portals. The original compositions “Sparks", “A Decade in the
Making" and “Sweet and Sounded" are proof positive of the band's
wherewithal and respect for their forefathers while paying close
attention to the foundation of the music and offering something new and
fresh to satisfy the critics and pull in new listeners.
“I feel
Charlie's compositions capture the flavor of our music in the 1970s
where you put the groove first." -John Blake Jr. Violinist and recording
artist with McCoy Tyner and Grover Washington Jr. SOURCE: JIM EIGO January 6, 2010 https://news.allaboutjazz.com/charlie-apicella-and-iron-city-release-new-album-sparks-in-march-2010
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Nueva
York, Nueva York - Después del éxito del lanzamiento de 2009 de Put The
Flavor On It se podría pensar que el guitarrista y líder de la banda
Charlie Apicella tendría dificultades para duplicar una grabación tan
sobresaliente. Con Sparks, que saldrá a la venta en marzo, los oyentes y
los críticos se desharán en elogios hacia el conjunto de Iron City como
si se tratara de la segunda venida de las grandes bandas de órgano
funky, como Booker T. and the MGs. Es un listón muy alto al que hay que
atenerse, aunque Apicella y sus compañeros parecen no tener ninguna
dificultad para aspirar a esas grandes alturas que una vez se
consideraron improbables de alcanzar después de que el período clásico
de los años 70 pasara a la historia.
Su segundo lanzamiento
seguro que hará saltar las chispas en los rincones del jazz, el R&B y
el blues de todo el mundo. Las eclécticas tomas instrumentales de temas
clásicos como "Sookie Sookie" y "Billie Jean" levantarán las cejas y
pronto encontrarán su camino en muchas emisoras de radio amigables en
entornos de ladrillo y mortero y portales de Internet. Las composiciones
originales "Sparks", "A Decade in the Making" y "Sweet and Sounded" son
una prueba positiva de la capacidad y el respeto de la banda por sus
antepasados, al tiempo que prestan atención a los fundamentos de la
música y ofrecen algo nuevo y fresco para satisfacer a los críticos y
atraer a nuevos oyentes.
"Siento que las composiciones de Charlie
capturan el sabor de nuestra música en los años 70, donde se pone el
groove en primer lugar". -John Blake Jr. Violinista y artista de
grabación con McCoy Tyner y Grover Washington Jr. FUENTE: JIM EIGO 6 de enero de 2010 https://news.allaboutjazz.com/charlie-apicella-and-iron-city-release-new-album-sparks-in-march-2010
It seems pretty undisputed that Gary Smulyan and Ronnie Cuber are two of the greatest living titans of the baritone saxophone. They each have a long discography and incredible career. And we are fortunate to have a new album out this week that features both of them. This isn’t the first time they’ve played together or even recorded together. The album ‘Three Baritone Band Plays Mulligan’ is listed on my 5 essential listening albums page and feature both Gary and Ronnie – as well as Nick Brignola. Interestingly that band toured a bit and the great Howard Johnson could also sometimes be seen with that band.
‘Tough Baritones’ was released this week on the Danish SteepleChase label, on which you will also find a number of other records from both Gary and Ronnie. Though I find it incredibly difficult to find any actual information about this label, or about the albums. Almost like the label goes out of its way to make sure very little information can be found even after the albums are released for sale. But regardless, the album is available on streaming platforms, or if you’re like me and enjoy a physical copy that can be found on amazon here.
This album to me is very reminiscent of a period of jazz that had a huge influence on both of the leaders here. The whole album, but especially the first couple tracks bring back the vibe of Leo Parker recordings, and some of the great two saxophone albums with the likes of Jug (Gene Ammons) and Stitt (Sonny Stitt). This is largely reflected in the tune choice and feel of those songs. A lot of singing blueses and almost boogaloo type feels, as well as some classic Cuber favorite standards – ‘Nica’s Dream’ and ‘Lover’. No sign of a ballad in sight, but that’s just as well since we’re all here for the fire anyways.
If I am going to be incredibly objective, I’d say that Ronnie’s playing doesn’t quite have the fire that he may have had in his prime, but he is by no means at all unenjoyable here. He plays with fire and still shows why he has been one of the leading influences on the baritone for decades. Also if we are going to compare him to most 78 year old saxophonists, he is probably nearly the best in the world. Gary’s playing is top notch and while connoisseurs of the baritone will easily tell their styles apart, they both approach the music with considerable force.
Recording quality wise, having been fortunate to sit right in front of both of their bells in person, it seems to me that the recording captured Gary’s sound a bit more accurately. Ronnie’s mix on the record feels a little distantly recorded. Otherwise the sound of the album is excellent, the two baritonists are panned separately left (Cuber) and right (Smulyan) to help differentiate further. They got a great rhythm section to back the front men. Gary Versace on piano, Jay Anderson on bass, and Jason Tiemann on drums.
I think anyone with an interest in jazz or baritone saxophone, (let alone those at this site that are likely interested in both) should probably head directly to their nearest music provider and check out this album from the royalty of jazz bari sax. by JazzBariSax Curator, Andrew Hadro https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/
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Parece indiscutible que Gary Smulyan y Ronnie Cuber son dos de los mayores titanes vivos del saxofón barítono. Cada uno de ellos tiene una larga discografía y una carrera increíble. Y tenemos la suerte de contar con un nuevo álbum que sale esta semana y que cuenta con la participación de ambos. No es la primera vez que tocan juntos ni que graban juntos. El álbum 'Three Baritone Band Plays Mulligan' aparece en mi página de 5 álbumes imprescindibles para escuchar y en él aparecen tanto Gary como Ronnie, además de Nick Brignola. Curiosamente, esa banda hizo algunas giras y el gran Howard Johnson también podía ser visto a veces con esa banda.
'Tough Baritones' ha salido esta semana en el sello danés SteepleChase, en el que también encontrarás otros discos tanto de Gary como de Ronnie. Aunque me resulta increíblemente difícil encontrar información real sobre este sello, o sobre los discos. Casi como si el sello se esforzara en asegurarse de que se pueda encontrar muy poca información incluso después de que los álbumes se pongan a la venta. Pero a pesar de todo, el álbum está disponible en plataformas de streaming, o si eres como yo y disfrutas de una copia física que se puede encontrar en amazon aquí.
Este álbum para mí es muy reminiscente de un período de jazz que tuvo una gran influencia en los dos líderes aquí. Todo el álbum, pero especialmente los primeros temas, me recuerdan a las grabaciones de Leo Parker, y a algunos de los grandes álbumes de dos saxofones con gente como Jug (Gene Ammons) y Stitt (Sonny Stitt). Esto se refleja en gran medida en la elección de las melodías y el sentimiento de esas canciones. Mucho blues cantado y sensaciones casi de tipo boogaloo, así como algunos estándares clásicos favoritos de Cuber: 'Nica's Dream' y 'Lover'. No hay rastro de una balada a la vista, pero menos mal, ya que todos estamos aquí por el fuego de todos modos.
Si voy a ser increíblemente objetivo, diría que la forma de tocar de Ronnie no tiene el fuego que podía tener en su mejor momento, pero no es para nada desagradable aquí. Toca con fuego y sigue demostrando por qué ha sido una de las principales influencias del barítono durante décadas. Además, si vamos a compararlo con la mayoría de los saxofonistas de 78 años, probablemente sea casi el mejor del mundo. La forma de tocar de Gary es de primera categoría y, aunque los conocedores del barítono distinguirán fácilmente sus estilos, ambos abordan la música con una fuerza considerable.
En cuanto a la calidad de la grabación, después de haber tenido la suerte de sentarme delante de las campanas de ambos en persona, me parece que la grabación capturó el sonido de Gary con un poco más de precisión. La mezcla de Ronnie en el disco se siente un poco distante en la grabación. Por lo demás, el sonido del disco es excelente, los dos baritonistas están paneados por separado a la izquierda (Cuber) y a la derecha (Smulyan) para ayudar a diferenciarlos más. Tienen una gran sección rítmica para respaldar a los delanteros. Gary Versace al piano, Jay Anderson al bajo y Jason Tiemann a la batería.
Creo que cualquiera que tenga interés en el jazz o en el saxofón barítono, (por no hablar de aquellos en este sitio que probablemente estén interesados en ambos) probablemente debería dirigirse directamente a su proveedor de música más cercano y comprobar este álbum de la realeza del saxo bari de jazz. por JazzBariSax Curator, Andrew Hadro https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/
Review The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.
Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.
Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.
The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.
I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.
The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general. Written by Jan Veldman https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/
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Reseña El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.
Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.
Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.
El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.
Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.
Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general. Escrito por Jan Veldman https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/
The Royal High Jinx write, play & sing music inspired by European traditions, shaded with Gypsy Jazz, Klezmer & a pinch of Classical virtuosity.
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The Royal High Jinx escriben, tocan y cantan música inspirada en las tradiciones europeas, salpicada de Gypsy Jazz, Klezmer y una pizca de virtuosismo clásico.
Jet Set Six were a swing jazz septet out of Jersey City, New Jersey who played mainly around the New York City metropolitan area. The band was comprised of members John Ceparano (Lead Vocals & Guitar); Joseph Pelletier (Double Bass & Vocals); David Berger (Drums & Vocals); Steve Gluzband (Trumpet); J. Walter Hawkes (Trombone & Vocals); Jim Jedeikin (Tenor Sax) and David Detweiler (Tenor Sax). Although the band is associated with the retro swing movement and it artist, the sound of Jet Set Six had more of a late fifties to early sixties Vegas lounge sensibility with its bright and energetic horn sections while its rhythm section pounded out jump-blues beats with gusto. The band recorded only two releases, which were "Livin' It Up" (1998, Mutiny Records) and the self-released "Life in the Jet Age" in 2001. The band has since broken up and the members have gone their separate ways.
La Jet Set Six era un septeto de swing jazz de Jersey City, New Jersey que tocaba principalmente en el área metropolitana de New York City. La banda estaba formada por los miembros John Ceparano (voz y guitarra); Joseph Pelletier (contrabajo y voz); David Berger (batería y voz); Steve Gluzband (trompeta); J. Walter Hawkes (trombón y voz); Jim Jedeikin (saxo tenor) y David Detweiler (saxo tenor). Aunque la banda está asociada con el movimiento de swing retro y su artista, el sonido de Jet Set Six tenía más de una sensibilidad de salón de Las Vegas de finales de los cincuenta a principios de los sesenta con sus brillantes y enérgicas secciones de trompeta, mientras que su sección rítmica golpeaba con gusto a los jump-blues. La banda sólo grabó dos lanzamientos, que fueron "Livin' It Up" (1998, Mutiny Records) y el auto-lanzamiento de "Life in the Jet Age" en 2001. Desde entonces, la banda se ha separado y sus miembros han tomado caminos separados.
Lyman Woodard was born March 3rd, 1942 in Owosso, Michigan and started
his formal musical training at age four on the piano. In 1962, he
attended the Oscar Peterson School of Contemporary Music in Toronto,
Canada. After hearing a performance of the great Jimmy Smith in 1963, he
was convinced that this was his future and he made the switch from
piano to the Hammond B3 organ.
Lyman formed the first Lyman Woodard Trio in 1965 along with fellow
musicians Melvin Davis on drums & vocals and Dennis Coffey on
guitar.
Since the early 60s, the Detroit music scene has been largely defined by
the music of Motown Records. The Motown “music machine” spawned many
great R&B talents and from 1970 though 1973, Lyman got the
opportunity to be a part of this heritage by landing the position of
musical director for Martha and the Vandellas.
By 1974, he was anxious to have his own band again and reformed the
Lyman Woodard Trio with fellow musicians Leonard King on drums and Ron
English on guitar, thus beginning his long standing association with the
percussionist who appears with Lyman on his latest release.
Later that year he expanded his band by adding alto saxophonist Norma
Jean Bell and percussionist Lorenzo Brown, and changed the name to the
Lyman Woodard Organization.
For the next 11 years, the “Organization” played the clubs and venues of
the midwest, changing members occasionally and opening shows for
artists such as: Billy Paul, MFSB, Bob James, the Jazz Crusaders, Gil
Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente & his Latin Jazz Ensemble
and James “Blood” Ulmer. The Lyman Woodard Organization disbanded in the
late 1980s.
Most recently, Lyman has again reformed his “Trio”, consisting of long
time friend Leonard King on drums & vocals and guitarist, Robert
Tye. The trio has been a popular act at the 1994-98 Montreux Detroit
Jazz Festivals, and has opened there for artists Bill Doggett and one of
Lyman's early influences, Jimmy Smith. The Lyman Woodard/Jimmy Smith
booking was part of a show billed as “The Battle of the B3s” which also
included organists Charles Earland, Jack McDuff and Joey DeFrancesco.
The '96 Montreux festival performance has become Lyman's latest release
on Corridor Records, “Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival”.
The trio have since performed at the Frog Island Jazz and Blues Festival
and opened for Booker T. & the MGs.
In 1998, Lyman again performed with long-time friend, electric violinist
Regina Carter, who incidentally played on Lyman's 1985 album
“Dedicacion”.
In addition to leading his own groups over the years, Lyman has
performed with many distinguished artists including: Johnny Adams, Earl
King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin,
Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis
Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Jos�Feliciano,
Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth and
Eddie Jefferson.
https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard
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Lyman Woodard nació el 3 de marzo de 1942 en Owosso, Michigan, y comenzó
su formación musical formal a los cuatro años de edad en el piano. En
1962, asistió a la Escuela de Música Contemporánea Oscar Peterson en
Toronto, Canadá. Después de escuchar la interpretación del gran Jimmy
Smith en 1963, se convenció de que ese era su futuro e hizo el cambio
del piano al órgano Hammond B3.
Lyman formó el primer Lyman Woodard Trío en 1965 junto con sus
compañeros Melvin Davis en la batería y la voz y Dennis Coffey en la
guitarra.
Desde principios de los 60, la escena musical de Detroit se ha definido
en gran medida por la música de Motown Records. La "máquina musical" de
la Motown generó muchos grandes talentos del R&B y desde 1970 hasta
1973, Lyman tuvo la oportunidad de formar parte de esta herencia al
conseguir el puesto de director musical de Martha and the Vandellas.
En 1974, estaba ansioso por volver a tener su propia banda y reformó el
Lyman Woodard Trio con sus compañeros Leonard King en la batería y Ron
English en la guitarra, comenzando así su larga asociación con el
percusionista que aparece con Lyman en su último lanzamiento.
Más tarde ese año amplió su banda añadiendo al saxofonista alto Norma
Jean Bell y al percusionista Lorenzo Brown, y cambió el nombre a la
Organización Lyman Woodard.
Durante los siguientes 11 años, la "Organización" tocó en los clubes y
locales del medio oeste, cambiando de miembros ocasionalmente y abriendo
espectáculos para artistas como: Billy Paul, MFSB, Bob James, los
Cruzados del Jazz, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente y su
Conjunto de Jazz Latino y James "Blood" Ulmer. La Organización Lyman
Woodard se disolvió a finales de los años 80.
Recientemente, Lyman ha reformado su "Trío", formado por su amigo de
toda la vida Leonard King en batería y voz y el guitarrista Robert Tye.
El trío ha sido un acto popular en los Festivales de Jazz de Montreux
Detroit de 1994-98, y ha abierto allí para los artistas Bill Doggett y
una de las primeras influencias de Lyman, Jimmy Smith. La contratación
de Lyman Woodard/Jimmy Smith formó parte de un espectáculo titulado "La
Batalla de los B3", en el que también participaron los organistas
Charles Earland, Jack McDuff y Joey DeFrancesco.
La actuación en el festival de Montreux del 96 se ha convertido en el
último lanzamiento de Lyman en Corridor Records, "Live at the 1996
Montreux Detroit Jazz Festival". Desde entonces, el trío ha actuado en
el Festival de Jazz y Blues de Frog Island y ha abierto para Booker T.
& the MGs.
En 1998, Lyman volvió a actuar con su vieja amiga, la violinista
eléctrica Regina Carter, que por cierto tocó en el álbum de Lyman de
1985 "Dedicación".
Además de liderar sus propios grupos a lo largo de los años, Lyman ha
actuado con muchos artistas distinguidos, incluyendo: Johnny Adams, Earl
King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin,
Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis
Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Josï¿?14, Roy
Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth y Eddie
Jefferson.
Although vibraphonist Frits Landesbergen had recorded a couple of dates as a leader for Timeless prior to appearing as a guest with the Jeff Hamilton Trio on the 1996 studio session Dynavibes, the Mons CD should introduce him to a wider audience. With Hamilton's first-rate drumming and solid accompaniment from pianist Larry Fuller and bassist Lynn Seaton, the trio turns over the spotlight to Landesbergen, who acquits himself rather well with his four-mallet technique playing a mix of standards like "Cherokee" and "Sweet Lorraine," bop classics ("Killer Joe"), and a quartet of intriguing originals, including the funky "Happy Kick" and a smoking tribute to a legendary vibraphonist, "Blue for Milt." Overall, this is a very rewarding session.
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Aunque el vibrafonista Frits Landesbergen había grabado un par de fechas como líder de Timeless antes de aparecer como invitado con el Jeff Hamilton Trio en la sesión de estudio Dynavibes de 1996, el CD de Mons debería presentarlo a un público más amplio. Con la batería de primera clase de Hamilton y el sólido acompañamiento del pianista Larry Fuller y el bajista Lynn Seaton, el trío pone en el punto de mira a Landesbergen, que se desenvuelve bastante bien con su técnica de cuatro mazos tocando una mezcla de estándares como "Cherokee" y "Sweet Lorraine"," clásicos del bop ("Killer Joe"), y un cuarteto de intrigantes originales, incluyendo el funky "Happy Kick" y un humeante homenaje a un legendario vibrafonista, "Blue for Milt." En general, esta es una sesión muy gratificante.
Charlie Dennard is an American keyboardist, composer and arranger who is currently the musical director for Cirque du Soleil's "Totem". Over the last 20 years Charlie has performed and recorded internationally with a variety of jazz, blues and world music ensembles as well as theatrical productions. Dennard was a piano student of the legendary Ellis Marsalis at UNO.
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Charlie Dennard es un teclista, compositor y arreglista estadounidense que actualmente es el director musical de "Totem" del Cirque du Soleil. En los últimos 20 años Charlie ha actuado y grabado internacionalmente con una variedad de conjuntos de jazz, blues y música del mundo, así como con producciones teatrales. Dennard fue un estudiante de piano del legendario Ellis Marsalis en la ONU.
"Never
the world's most highly animated showman or greatest stage personality,
but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this
was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound
the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes
romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With
the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So
far as our wonderful listening audience was concerned, there was a
great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges
sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am
glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges
for forty years, night after night. I imagine I have been much envied,
but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.
John Cornelius
Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his
musical career playing drums and piano before taking up the saxophone
at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto.
Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he
got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The
Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in
the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to
live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such
musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late
1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy
Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.
In
May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a
mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in
1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone,
playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading
runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable
soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his
own small studio group drawn from the orchestra which made many
successful series of recordings for Victor and other labels. Titles
included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of
which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity
he played in many other small groups with musicians such as Lionel
Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.
Johnny
was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing
solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used
To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From
the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely
and in this period he regularly won the popularity polls run by
magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.
In March 1951
Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence
Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced
a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring
of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show,
rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief
periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he
worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the
other band members in a group called The Ellington Giants.
He
continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis,
Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy
Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring
Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded
music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He
won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even
John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that
Johnny was always one of his favorite players.
In his later years
Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in
ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers,
many of which were based on the blues . The power of his playing came
from his sound and his soul, generating immense swing and building the
dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording
was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the
final product.
Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970. Source: James Nadal https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/
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"Nunca
fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más
grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos,
este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca
sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y,
a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de
un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que
respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación
de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges
sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila.
Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a
Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que
me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke
Ellington.
John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en
Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y
el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando
con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney
Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a
Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club
(alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club
'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a
Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer
(1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran
Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una
breve temporada con Luckey Roberts.
En mayo de 1928, Johnny se
unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo
durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928
reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono
amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En
opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de
Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió
su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó
muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los
títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin",
todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de
gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como
Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.
Johnny
fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40
produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't
What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion
Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando
completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las
encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y
Esquire.
En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio
pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su
primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle
Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un
breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se
reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves
períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958
trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los
otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.
Continuó
grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e
incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron
escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos
únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para
el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la
admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John
Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que
Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.
En sus últimos
años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía
en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los
números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El
poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un
swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su
último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans",
pero no viviría para ver el producto final.
Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970. Fuente: James Nadal https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/
Biography by Eugene Chadbourne This pianist was born in Memphis and died there as well, but is associated with the Detroit jazz scene. Despite the fact that his name sounds quite classy, it is possible most jazz listeners have not heard of Evans Bradshaw, who began his professional career as a child and died when he was only in his mid-fifties. He was a childhood pal of the superb pianist Phineas Newborn, and may have even been influential in Newborn's interest in the keyboards in the first place. Bradshaw's first move upon learning to crawl was to try and mount the piano bench; he learned to play at the age of nine and was in his father's band three years later.
The pianist headed to Flint, MI in 1953, picking up a day job in an auto factory. At night, he was out and about gigging with his own trio. At one of these live gigs, a talent scout connected with the group and arranged a contact with the Riverside label. In both 1958 and 1959 the label released albums by Bradshaw which have continued to represent his entire discography. There are no recordings available of Bradshaw as a sideman in anyone else's groups. His own trio played at the Village Vanguard and the Detroit Jazz Festival as a result of the Riverside buzz. https://www.allmusic.com/artist/evans-bradshaw-mn0000544525
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Biografía de Eugene Chadbourne Este pianista nació en Memphis y murió allí también, pero está asociado con la escena de jazz de Detroit. A pesar de que su nombre suena bastante elegante, es posible que la mayoría de los oyentes de jazz no hayan oído hablar de Evans Bradshaw, que comenzó su carrera profesional cuando era niño y murió cuando tenía sólo cincuenta años. Fue amigo de la infancia del magnífico pianista Phineas Newborn, e incluso puede haber influido en el interés de Newborn por los teclados en primer lugar. El primer movimiento de Bradshaw al aprender a gatear fue intentar montar el banco del piano; aprendió a tocar a la edad de nueve años y estuvo en la banda de su padre tres años después.
El pianista se dirigió a Flint, MI, en 1953, a buscar un trabajo de día en una fábrica de automóviles. Por la noche, salía a dar conciertos con su propio trío. En uno de estos conciertos, un cazatalentos se conectó con el grupo y arregló un contacto con el sello Riverside. Tanto en 1958 como en 1959, el sello editó álbumes de Bradshaw que han seguido representando toda su discografía. No hay grabaciones disponibles de Bradshaw como sideman en los grupos de nadie más. Su propio trío tocó en el Village Vanguard y en el Festival de Jazz de Detroit como resultado del zumbido de Riverside. https://www.allmusic.com/artist/evans-bradshaw-mn0000544525
One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after
suffering the slings and arrows of anonymity for much too long.
Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases
through a very attractive program.
Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó
después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado
tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se
alivia a través de un programa muy atractivo.
William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an
American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of
rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black
later formed Bill Black's Combo.
Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis
Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played
popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black
learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his
father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At
the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic
guitar in local bars.
During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee
in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a
member of a musical family. They married in 1946 and returned to
Memphis. Black worked at the Firestone plant.
He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass"
technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and
Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that
Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated
hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to
his son, Black said his goal was always to give his audience "a few
moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle
'em for a while."
In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the
guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler,
they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in
Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also
played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on
steel guitar, and a drummer.
In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's
Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young
(guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There
were several personnel changes. While Young was in the army, his
position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On
sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in
Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced
Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.
The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December
1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number
one on the "black" music charts. It sold over one million copies, and
was awarded a gold disc by the RIAA. A follow-up release, "White Silver
Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor,
topped the R&B charts for four weeks.
Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40
between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy
Jazz album spent a record whole year in the top 100.
The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed
Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)
Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck
Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West,
and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable
blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another
characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar
with a pencil.
In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios"
(a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a
record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis,
Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and
producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who
knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at
the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and
playing back tracks.[citation needed]
Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's
death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with
billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who
opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one
country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others.
The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring
guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun
Studio engineer.
Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the
Combo to different regions of the country at the same time, while
staying off the road himself, wanting to concentrate on his business,
family and his health.
In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.
Black himself had been ill for the past year and a half and unable to
travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The
Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the
opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city
tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black
himself was not well enough to make the tour.
After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain
tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his
third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor
permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis,
Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he
believed that his presence would turn it into a media frenzy. He
decided instead to visit the family privately after the service to
express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If
there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."
Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the
name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined
Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the
Year award in 1976.
On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.
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William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de
1965) fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como
uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío
temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.
Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis
Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones
populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black
aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho
por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas
atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en
guitarra acústica en bares locales.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el
Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba
en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro
de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black
trabajó en la planta de Firestone.
Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de
"bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y
Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de
la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó
como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de
paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre
darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de
humor que les haga cosquillas por un tiempo".
En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el
guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un
violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y
Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers.
Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny
Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.
En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el
Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall
(piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold
(batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el
ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy
Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien
permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en
películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby
Emmons lo reemplazó en la gira.
La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en
diciembre de 1959. "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17
de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas
musicales "negras". Vendió más de un millón de copias y recibió un
disco de oro de la RIAA. Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver
Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su
predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.
Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40
entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy
Jazz pasó un año entero en el top 100.
The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The
Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel",
"Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo
instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)
Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck
Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y
Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The
Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de
striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba
la guitarra con un lápiz.
En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou
Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y
un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en
Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su
ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también
bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill,
recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría
totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]
Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte
de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black
Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" y "La
banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número
uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y
otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el
guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso
ingeniero de Sun Studio.
A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes
del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se
mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio,
su familia y su salud.
En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.
El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no
había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara
sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se
convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos)
en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición
en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente
bien como para hacer la gira.
Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de
un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su
muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían
esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black
fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee.
Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su
presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió
visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus
condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que
necesiten, hágamelo saber y será suyo".
La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para
usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se
unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año
de Billboard en 1976.
El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
