Red Mitchell • Presenting Red Mitchell

 

Review by Scott Yanow

Bassist Red Mitchell, who had led two fairly obscure sessions for Bethlehem in 1955, came up with a gem on his lone Contemporary set as a leader (which has been reissued as this CD). Based in Los Angeles at the time, Mitchell utilized pianist Lorraine Geller and two up-and-coming players: James Clay (who splits his time between tenor and flute) and, in one of his first recording sessions, drummer Billy Higgins. The quartet performs then-recent tunes by Miles Davis, Sonny Rollins and Clifford Brown ("Sandu"), a pair of Mitchell originals, "Scrapple From the Apple" and "Cheek to Cheek." Despite Higgins' and (to a lesser extent) Clay's connections with Ornette Coleman, the music is strictly high-quality modern mainstream bop of the era. Easily recommended to collectors of straight-ahead jazz.

https://www.allmusic.com/album/presenting-red-mitchell-mw0000080163

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Reseña de Scott Yanow

El bajista Red Mitchell, que había dirigido dos sesiones bastante oscuras para Bethlehem en 1955, encontró una joya en su único set contemporáneo como líder (que ha sido reeditado como este CD). Con sede en Los Ángeles en ese momento, Mitchell utilizó a la pianista Lorraine Geller y a dos músicos prometedores: James Clay (que divide su tiempo entre tenor y flauta) y, en una de sus primeras grabaciones, el baterista Billy Higgins. El cuarteto interpreta temas de Miles Davis, Sonny Rollins y Clifford Brown ("Sandu"), un par de originales de Mitchell, "Scrapple From the Apple" y "Cheek to Cheek". A pesar de las conexiones de Higgins y (en menor medida) Clay con Ornette Coleman, la música es estrictamente bop moderno de alta calidad de la época. Fácilmente recomendable para coleccionistas de jazz.

https://www.allmusic.com/album/presenting-red-mitchell-mw0000080163

James Simpson • Soul Revival

James Simpson is his name and "groovin'" is his thing! He's one of the hardest working musicians in the music business. James has recorded and performed with a host of world class musicians from all over the world. He also tours and records with his own groups. simpsonsound Message Over the years, I've had the opportunity to record and share the stage with some of the best and most innovative musicians in the history of recorded music, worldwide. Some legends and some local heroes. All of them are my heroes. I've learned so much from each and every one of them. I'd like to thank them all for allowing me the chance to be a part of history. As a kid, I was happy when I could afford a used Ramsey Lewis, The Temptations, Stevie Wonder or Jimmy Smith record or reel to reel from "Salty's Record Attic" back in Modesto, California. I never dreamed that one day I'd be on stage with or getting lessons with anyone of them. The recordings were lessons themself. Being on the gig or getting personal lessons just about "blew my mind". Thank you all so much.

In the past eight years I've been more active as a producer, drummer and organist. I'm often asked if I perfer playing drums or organ and visa versa. My answer to anyone concerned is both. Drums and organ are deep in my roots.

From the church to the chittlin' circut you'll find both. My love for both instruments are equal. To me, playing an instrument is about communicating through expression on your instrument. It's not about how many notes one can play at 400 bpm or how one can slide an odd meter rhythm into a simple tune or lightening fast fill in one bar. It's about groovin'. As the great Dr. James Polk would say, "Whatever you do, DO NOT FORSAKE THE GROOVE."

I try to play and create music that feels good to me and the listener. That's jazz, soul, funk, rock or whatever. On both instruments, I'm able to express any emotion that I desire. From love to hate or joy to pain. If there is a spiritual or physical emotion involved, I'm able to express it on either instrument.

James Simpson's Jazz GroupSoul Jazz is actually a mixture between Jazz and Soul, and it is not so much a genre of music but a feeling. The quality lies in the catchy harmonies and melodies as well as in the groove. It can be easy listening in the style of Ramsey Lewis all the way to blues-boppin' in the style of Jimmy Smith or Jimmy McGriff. A musical background that invites you to relax, lounge and just feel at ease.

Soul Jazz is for people with style and those who are not foreign to enjoying life. This music WILL make you move.

James Simpson is an international artist from Ceres, California and based in Mannheim, Germany. Although his talents are versatile, he is known as a soul jazz organist, keyboardist and drummer on a worldwide scale. James was raised in the Afro-American Baptist church on Gospel music, but also on his father's diverse music collection.

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James Simpson es su nombre y "groovin'" es lo suyo. Es uno de los músicos más trabajadores en el negocio de la música. James ha grabado y tocado con un montón de músicos de clase mundial de todo el mundo. También hace giras y grabaciones con sus propios grupos. Mensaje de Simpsonsound A lo largo de los años, he tenido la oportunidad de grabar y compartir el escenario con algunos de los mejores y más innovadores músicos de la historia de la música grabada, en todo el mundo. Algunas leyendas y algunos héroes locales. Todos ellos son mis héroes. He aprendido mucho de todos y cada uno de ellos. Me gustaría agradecerles a todos ellos por darme la oportunidad de ser parte de la historia. Cuando era niño, era feliz cuando podía permitirme un disco usado de Ramsey Lewis, The Temptations, Stevie Wonder o Jimmy Smith o un carrete a carrete de "Salty's Record Attic" en Modesto, California. Nunca soñé que un día estaría en el escenario o recibiría lecciones con cualquiera de ellos. Las grabaciones eran lecciones en sí mismas. Estar en el concierto o recibir lecciones personales casi me "voló la cabeza". Muchas gracias a todos.

En los últimos ocho años he estado más activo como productor, baterista y organista. A menudo me preguntan si prefiero tocar la batería o el órgano y viceversa. Mi respuesta a cualquiera que esté interesado es ambas. La batería y el órgano están profundamente arraigados en mis raíces.

Desde la iglesia hasta el circo de música infantil encontrarás ambos. Mi amor por ambos instrumentos es igual. Para mí, tocar un instrumento es comunicarse a través de la expresión de tu instrumento. No se trata de cuántas notas se pueden tocar a 400 bpm o de cómo se puede deslizar un ritmo extraño de un metro en una simple melodía o un relleno rápido como un rayo en un compás. Se trata de la fluidez. Como diría el gran Dr. James Polk, "Hagas lo que hagas, no abandones el surco".

Trato de tocar y crear música que me haga sentir bien a mí y al oyente. Eso es jazz, soul, funk, rock o lo que sea. En ambos instrumentos, soy capaz de expresar cualquier emoción que desee. Desde el amor al odio o la alegría al dolor. Si hay una emoción espiritual o física involucrada, puedo expresarla en cualquiera de los dos instrumentos.

El grupo de jazz de James Simpson, el Soul Jazz, es en realidad una mezcla entre el jazz y el soul, y no es tanto un género de música como un sentimiento. La calidad reside en las armonías y melodías pegadizas, así como en el ritmo. Puede ser fácil de escuchar en el estilo de Ramsey Lewis hasta el blues-boppin' en el estilo de Jimmy Smith o Jimmy McGriff. Un fondo musical que te invita a relajarte, a descansar y a sentirte a gusto.

El Soul Jazz es para gente con estilo y para aquellos que no son ajenos a disfrutar de la vida. Esta música te hará moverte.

James Simpson es un artista internacional de Ceres, California, con sede en Mannheim, Alemania. Aunque su talento es versátil, es conocido como organista, teclista y baterista de soul jazz a escala mundial. James se crió en la iglesia bautista afroamericana en la música Gospel, pero también en la diversa colección de música de su padre. 

 

 

 

 

Mojo Buford • Home Is Where My Harp Is

 

Biography

The various bands led by harmonica player and singer George "Mojo" Buford hark back to the classic Chicago blues sounds of the early '60s. Among harmonica players, Buford has the distinction of being the only musician to have played with various bands led by the late Muddy Waters in the 1950s, '60s, '70s, and '80s. (Waters died in April 1981.) Buford left Mississippi for Memphis in his teens and honed his chops around Memphis before heading to Chicago in 1952. He began playing with Waters in Chicago in the late '50s, but by 1962 Buford relocated to Minneapolis, where he recorded several obscure albums for the Vernon and Folk-Art labels. He rejoined Waters' band in 1967 for a full year and then toured with him again in the early '70s, after harmonica player Jerry Portnoy left to form the Legendary Blues Band. By 1979 Buford was recording and touring around with bands under his own name. He recorded Mojo Buford's Blues Summit in 1979 for Mr. Blues, later reissued on the Rooster Blues label, and his 1990s recordings include Still Blowin' Strong and Harpslinger, both issued in 1996 by the Blue Loon Records label; a 1998 release for British blues label JSP Records entitled State of the Blues Harp; and a 1998 stateside release, Home Is Where My Harps Is, also for Blue Loon. More recently, he recorded a live album, Champagne & Reefer, in 1999 for New York-based Fedora Records and Chicago Blues Summit in 2002 for P-Vine Records. He continued to play until his death in October 2011.

by Richard Skelly

https://www.allmusic.com/artist/george-mojo-buford-mn0000922782/biography

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Biografía

Las diversas bandas lideradas por el armónico y cantante George "Mojo" Buford se remontan a los clásicos sonidos del blues de Chicago de principios de los 60. Entre los armonicistas, Buford se distingue por ser el único músico que tocó en varias bandas lideradas por el fallecido Muddy Waters en los 50, 60, 70 y 80. (Waters murió en abril de 1981.) Buford dejó Mississippi para ir a Memphis en su adolescencia y se perfeccionó en Memphis antes de ir a Chicago en 1952. Empezó a tocar con Waters en Chicago a finales de los 50, pero en 1962 Buford se trasladó a Minneapolis, donde grabó varios discos oscuros para los sellos Vernon y Folk-Art. Se reincorporó a la banda de Waters en 1967 durante un año entero y luego volvió a girar con él a principios de los 70, después de que el armonista Jerry Portnoy se fuera para formar la Legendary Blues Band. En 1979 Buford estaba grabando y haciendo giras con bandas bajo su propio nombre. Grabó Mojo Buford's Blues Summit en 1979 para Mr. Blues, posteriormente reeditado por el sello Rooster Blues, y sus grabaciones de los años 90 incluyen Still Blowin' Strong y Harpslinger, ambas editadas en 1996 por el sello Blue Loon Records; un lanzamiento en 1998 para el sello británico de blues JSP Records titulado State of the Blues Harp; y un lanzamiento en 1998 en los Estados Unidos, Home Is Where My Harps Is, también para Blue Loon. Más recientemente, grabó un álbum en vivo, Champagne & Reefer, en 1999 para Fedora Records, con sede en Nueva York, y Chicago Blues Summit en 2002 para P-Vine Records. Continuó tocando hasta su muerte en octubre de 2011.

por Richard Skelly

https://www.allmusic.com/artist/george-mojo-buford-mn0000922782/biography

Ralph Sutton • In Copenhagen

Artist Biography

Ralph Sutton was the greatest stride pianist to emerge since World War II, with his only close competitors being the late Dick Wellstood and the very versatile Dick Hyman. Nearly alone in his generation, Sutton kept alive the piano styles of Fats Waller and James P. Johnson, not as mere museum pieces but as devices for exciting improvisations. Although sticking within the boundaries of his predecessors, Sutton infused the music with his own personality; few could match his powerful left hand. Ralph Sutton played with Jack Teagarden's big band briefly in 1942 before serving in the Army. After World War II he appeared regularly on Rudi Blesh's This Is Jazz radio show and spent eight years as the intermission pianist at Eddie Condon's club, recording frequently. He spent time playing in San Francisco, worked for Bob Scobey, moved to Aspen in the mid-'60s, and became an original member of the World's Greatest Jazz Band with Yank Lawson, Bob Haggart, and Bud Freeman. In the 1970s, he recorded many exciting albums for the Chaz label and then cut albums for quite a few labels. Despite suffering a stroke in the early '90s, Sutton kept a busy schedule through the mid-'90s, playing at jazz parties and festivals.

He died suddenly on December 29, 2001, in his car outside a restaurant in Evergreen, CO. Although he would have received much greater fame if he had been born 20 years earlier and come to maturity during the 1930s rather than the 1950s, at the time of his death it was obvious that Ralph Sutton had earned his place among the top classic jazz pianists of all time.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/ralph-sutton-mn0000389980/biography

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Biografía del artista

Ralph Sutton fue el mejor pianista de zancadas que ha surgido desde la Segunda Guerra Mundial, siendo sus únicos competidores cercanos el difunto Dick Wellstood y el muy versátil Dick Hyman. Casi solo en su generación, Sutton mantuvo vivos los estilos de piano de Fats Waller y James P. Johnson, no como meras piezas de museo sino como dispositivos para emocionantes improvisaciones. Aunque se mantuvo dentro de los límites de sus predecesores, Sutton infundió a la música su propia personalidad; pocos podían igualar su poderosa mano izquierda. Ralph Sutton tocó brevemente con la gran banda de Jack Teagarden en 1942 antes de servir en el ejército. Después de la Segunda Guerra Mundial apareció regularmente en el programa de radio This Is Jazz de Rudi Blesh y pasó ocho años como pianista del intermedio en el club de Eddie Condon, grabando con frecuencia. Pasó un tiempo tocando en San Francisco, trabajó para Bob Scobey, se mudó a Aspen a mediados de los 60, y se convirtió en miembro original de la Banda de Jazz más grande del mundo con Yank Lawson, Bob Haggart y Bud Freeman. En los años 70, grabó muchos álbumes emocionantes para el sello Chaz y luego cortó álbumes para bastantes sellos. A pesar de sufrir un derrame cerebral a principios de los 90, Sutton mantuvo una apretada agenda hasta mediados de los 90, tocando en fiestas y festivales de jazz.

Murió repentinamente el 29 de diciembre de 2001, en su coche fuera de un restaurante en Evergreen, CO. Aunque habría recibido mucha más fama si hubiera nacido 20 años antes y llegado a la madurez durante los años 30 en lugar de los 50, en el momento de su muerte era obvio que Ralph Sutton se había ganado su lugar entre los mejores pianistas de jazz clásico de todos los tiempos.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/ralph-sutton-mn0000389980/biography

 

 

Lorenzo Minguzzi New Organ Trio • N.O.T. For Me

 

"Lorenzo MINGUZZI - guitarra
En 1980 comienza a estudiar guitarra por su cuenta.
En 1982 tomó clases de guitarra jazz en el Turin Jazz Center durante tres años y clases de guitarra clásica con M ° Franco Cavallone.
Durante los años 1989, 1990 y 1992, asistió a los cursos nacionales de perfeccionamiento del jazz en Siena. De 1989 a 1993, asistió a seminarios organizados por la Association Polifhonique de Ravenna y tuvo la oportunidad de estudiar con Joe Diorio, Mike Stern, Pat Metheny, Mick Goodrich.
De 1989 a 1993 perfeccionó sus habilidades con M ° Mario Petracca.
En 1993 asistió a un seminario con C.D.P.M. de Bérgamo dirigido por Jim Hall.
En 1996 asistió a un seminario en el Turin Jazz Center, organizado por Philip Catherine.
Ha colaborado notablemente con Flavio Boltro, Gianni Cazzola, Marco Vaggi, Gianni Coscia, Furio Di Castri, Francesco Sotgiu, Pascale Charreton". jazzitalia.net

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"Lorenzo MINGUZZI - guitare
En 1980 il commence l'etude de la guitare en autodidacte.
En 1982 il suit les cours de guitare jazz du Centre Jazz de Turin, pendant trois ans et ceux de guitare classique auprés de M° Franco Cavallone.
Durant les anneés 1989,1990 et 1992, il fréquente les cours nationaux de perfectionnement de jazz à Siena. De 1989 à 1993, il fréquenteles séminaires organisés par l'Association Polifhonique de Ravenna et a l'occasion d'étudier avec Joe Diorio, Mike Stern, Pat Metheny, Mick Goodrich.
De 1989 à 1993 il se perfectionne avec M° Mario Petracca.
En 1993 il fréquente un seminaire auprès de C.D.P.M. de Bergame tenu par Jim Hall.
En 1996 il fréquente un seminaire auprès du Centre Jazz de Turin, tenu par Philip Catherine.
Il a collaborè notamment avec Flavio Boltro, Gianni Cazzola, Marco Vaggi, Gianni Coscia, Furio Di Castri, Francesco Sotgiu, Pascale Charreton". jazzitalia.net

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"Lorenzo MINGUZZI - guitar
In 1980 he began to study the guitar on his own.
In 1982 he took jazz guitar lessons at the Turin Jazz Center for three years and classical guitar lessons with M ° Franco Cavallone.
During the years 1989, 1990 and 1992, he attended the national jazz improvement courses in Siena. From 1989 to 1993, he attended seminars organized by the Association Polifhonique de Ravenna and had the opportunity to study with Joe Diorio, Mike Stern, Pat Metheny, Mick Goodrich.
From 1989 to 1993 he perfected his skills with M ° Mario Petracca.
In 1993 he attended a seminar with C.D.P.M. of Bergamo run by Jim Hall.
In 1996 he attended a seminar at the Turin Jazz Center, held by Philip Catherine.
He has collaborated notably with Flavio Boltro, Gianni Cazzola, Marco Vaggi, Gianni Coscia, Furio Di Castri, Francesco Sotgiu, Pascale Charreton". jazzitalia.net

Ralph Lalama • Momentum

 

Ralph Lalama is a highly respected American jazz tenor saxophonist born on January 30, 1951, in Pittsburgh, Pennsylvania (raised in West Aliquippa). He grew up in a musical family—his father was a steelworker, his mother a singer, and his father also played drums. Lalama graduated from The Dana School of Music at Youngstown State University in Ohio, where legendary jazz composer Thad Jones recognized his remarkable talent and encouraged him to move to New York All About Jazz.
Since arriving in New York, Lalama has achieved dignified status as a widely respected master of the tenor saxophone through his work with the big bands of Woody Herman, Buddy Rich, Carla Bley, and the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra All About Jazz—now known as the Vanguard Jazz Orchestra. He joined the Mel Lewis Orchestra in 1983 and has been a featured soloist at New York's Village Vanguard virtually every Monday night for the past thirty years NEPM.
Lalama is an excellent tenor saxophonist influenced primarily by Hank Mobley and Sonny Rollins AllMusic, with a playing style that evokes the prime years of Blue Note Records. His performance abilities span from small group settings to large ensembles, and he excels particularly in chordless trio formats.
Lalama is a three-time Grammy winner through his work with the Joe Lovano Nonet and the Vanguard Jazz Orchestra Purchase College. He has recorded extensively, leading nine albums of his own and appearing on more than sixty recordings as a sideman. His notable recordings as a leader include albums for the Dutch label Criss Cross Jazz, such as "Circle Line" (1997), which received 4½ stars from Down Beat Magazine.

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Ralph Lalama es un saxofonista tenor de jazz estadounidense ampliamente respetado, nacido el 30 de enero de 1951 en Pittsburgh, Pennsylvania (criado en West Aliquippa). Creció en una familia musical—su padre era trabajador siderúrgico, su madre cantante, y su padre también tocaba la batería. Lalama se graduó de la Escuela de Música Dana de la Universidad Estatal de Youngstown en Ohio, donde el legendario compositor de jazz Thad Jones reconoció su notable talento y lo alentó a mudarse a Nueva York.
Desde su llegada a Nueva York, Lalama ha alcanzado un estatus digno como maestro ampliamente respetado del saxofón tenor a través de su trabajo con las big bands de Woody Herman, Buddy Rich, Carla Bley y la Orquesta de Thad Jones/Mel Lewis, ahora conocida como la Vanguard Jazz Orchestra. Se unió a la Orquesta de Mel Lewis en 1983 y ha sido solista destacado en el Village Vanguard de Nueva York prácticamente cada lunes por la noche durante los últimos treinta años.
Lalama es un excelente saxofonista tenor influenciado principalmente por Hank Mobley y Sonny Rollins, con un estilo interpretativo que evoca los años de oro de Blue Note Records. Sus habilidades interpretativas abarcan desde pequeños grupos hasta grandes conjuntos, y destaca particularmente en formatos de trío sin instrumento de acordes.
Lalama es ganador de tres premios Grammy a través de su trabajo con el Joe Lovano Nonet y la Vanguard Jazz Orchestra. Ha grabado extensamente, liderando nueve álbumes propios y apareciendo en más de sesenta grabaciones como músico acompañante. Entre sus grabaciones notables como líder se incluyen álbumes para el sello holandés Criss Cross Jazz, como "Circle Line" (1997), que recibió 4½ estrellas de la revista Down Beat.


ralphlalama.com ...

Benjamin Herman • Project S

 

Benjamin Herman got his first saxophone at the age of twelve. At thirteen he was already playing on the professional club circuit. By the time he was twenty years old he was appearing with different groups around the world and initiating projects of his own. His fame spread beyond jazz circles in the 1990s when he formed the groundbreaking ensemble New Cool Collective. Having made a name as soloist while still a teenager, Benjamin Herman has appeared on over a hundred records with all kinds of artists, from Candy Dulfer to Misha Mengelberg. Herman has also built a career in The Netherlands and abroad as a composer. With New Cool Collective as well as with his smaller bands. He is a well respected craftsman who’s playing is firmly rooted in jazz tradition. His gigs are strongly influenced by dance floor jazz, surf and punk music, free jazz and traditional music from all over the world, attracting adventurous music fans of all genres as well as straight ahead jazz aficionados.

Today Benjamin Herman is one of the most original and productive jazz musicians in the Netherlands exploring influences beyond the confines of the jazz world. After starting his own record label ‘Roach Records’ in 2004 Benjamin Herman produced a string of cd’s and vinyl’s. He recorded and toured with amongst others Paul Weller, Dr. John, Tony Allen, Stan Tracey, Misha Mengelberg, Han Bennink, Peter Maffay, programmed several festivals, played all over the globe and worked on numerous personal projects. Amongst many awards and prizes are the prestigious VPRO/Boy Edgar Award and ‘Best Dressed man’ by Esquire magazine.

In 2017 New Cool Collective released two new albums (one featuring Senegalese alto saxophonist Thierno Koite of Orchestra Baobab) and Benjamin released a live album on the ICP label with The Quartet NL. An all star Dutch foursome with drummer Han Bennink (74), bassist Ruud Jacobs (78) and pianist Peter Beets.

In 2018 to celebrate his 50th birthday Benjamin released ‘Project S’, a luscious ode to Johan Cruyff’s car of choice the ‘Citroën SM’ and punk-jazz album ‘Bughouse’ with guitar magus Reinier Baas, bassist Peter Peskens (Jungle By Night) and legendary hard core drummer Olav van den Berg (Lärm, Seein’ Red, Marxbros).

Autumn 2019 will see the digital release of Benjamin’s albums ‘Deelder 65′ (2009)’

Spring 2020 Benjamin’s debut solo album ‘Café Alto’ will be online as well and will see the release of 10″ vinyl ‘One for Guidi’ with several tracks from last year’s trio session featuring young lions Gideon Tazelaar (ts), Ian Cleaver (tp) and Timothy Banchet (p).

https://www.benjaminherman.nl/

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Benjamín Herman consiguió su primer saxofón a los doce años. A los trece años ya jugaba en el circuito profesional del club. A los veinte años ya aparecía con diferentes grupos alrededor del mundo e iniciaba proyectos propios. Su fama se extendió más allá de los círculos de jazz en la década de 1990 cuando formó el innovador conjunto New Cool Collective. Después de haberse hecho un nombre como solista cuando aún era adolescente, Benjamin Herman ha aparecido en más de cien discos con todo tipo de artistas, desde Candy Dulfer hasta Misha Mengelberg. Herman también ha construido una carrera en los Países Bajos y en el extranjero como compositor. Con New Cool Collective así como con sus bandas más pequeñas. Es un artesano muy respetado que toca está firmemente arraigado en la tradición del jazz. Sus conciertos están fuertemente influenciados por el jazz de la pista de baile, el surf y el punk, el free jazz y la música tradicional de todo el mundo, atrayendo a los aficionados a la música aventurera de todos los géneros, así como a los aficionados al jazz directo.

Hoy en día Benjamin Herman es uno de los músicos de jazz más originales y productivos de los Países Bajos, que explora las influencias más allá de los confines del mundo del jazz. Después de crear su propio sello discográfico 'Roach Records' en 2004, Benjamin Herman produjo una serie de cd's y vinilos. Grabó y realizó giras con, entre otros, Paul Weller, Dr. John, Tony Allen, Stan Tracey, Misha Mengelberg, Han Bennink, Peter Maffay, programó varios festivales, tocó en todo el mundo y trabajó en numerosos proyectos personales. Entre los muchos premios y galardones se encuentran el prestigioso premio VPRO/Boy Edgar y el 'Best Dressed man' de la revista Esquire.

En 2017 New Cool Collective publicó dos nuevos álbumes (uno con el saxofonista alto senegalés Thierno Koite de la Orquesta Baobab) y Benjamin publicó un álbum en directo en el sello ICP con The Quartet NL. Un cuarteto holandés de estrellas con el baterista Han Bennink (74), el bajista Ruud Jacobs (78) y el pianista Peter Beets.

En 2018, para celebrar su 50 cumpleaños, Benjamin lanzó 'Project S', una exquisita oda al coche elegido por Johan Cruyff, el 'Citroën SM' y el álbum de punk-jazz 'Bughouse', con el guitarrista Reinier Baas, el bajista Peter Peskens (Jungle By Night) y el legendario baterista de hardcore Olav van den Berg (Lärm, Seein' Red, Marxbros).

El otoño de 2019 verá el lanzamiento digital de los álbumes de Benjamín 'Deelder 65′ (2009)'.

El álbum debut en solitario de Benjamín de la primavera de 2020, 'Café Alto', también estará en línea y verá el lanzamiento del vinilo de 10″ 'One for Guidi' con varios temas de la sesión de trío del año pasado con los jóvenes leones Gideon Tazelaar (ts), Ian Cleaver (tp) y Timothy Banchet (p).

https://www.benjaminherman.nl/

 

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Iwao Ochi • Dem New York Dues

Biography
Born in Japan, 1971.
Iwao Ochi grew up in Toyohashi, Aichi.
He started to play rock guitar at age 13.
Gradually, he concentrated on black music and moved to Chicago in 1992.
For the same year, he saw a Jimmy Smith perform with Kenny Burrell at Chicago Jazz Showcase.
It was the first jazz show he looked at, and It was shocking to him.
He got involved in jazz, then he moved to NY.
He studied jazz guitar with Satoshi Inoue, Peter Bernstein and Vic Juris at Mannes College of Music, NYC.
In 1997, He recorded demo with Sam Yahel(org) and Joe Strasser(ds).
Then go back to Japan, He started his music career. He is performing at jazz club in Tokyo (mainly Organ Jazz Club, Body&Soul, Alfie).
Simultaneously, by the club music of the 90s, he is affected and began to create electric music.
He created a lot of Japanese TV commercial music(SkyPerfecTV, FOXch, DISCOVERYch, ANIMAL PLANETch) and remix tracks.
In 2005, His electro jazz band grooB-3 released debut CD [Floating on your silence] and 12″EP[Gypsy Session].
In 2008, his new instrumental hip hop band Speaker Sgt. joined compilation CD [MAN MACHINE] as [THE NUMBER SONG/CUT CHEMIST PARTY MIX].
In 2010, 1st album [Speaker Sgt./P-vine Records] was released.
In 2011, 2nd album [FREAK -THE OTHER SIDE OF FUSION-/P-vine Records]was released.
In 2017, 3rd album [BAD BABY CITY/Black Cream Records]was released.
In 2020, 1st solo album[DEM NEW YORK DUES/featuring Sam Yahel(org)、Anthony Pinciotti(ds) recorded in New York]was released.
In 2022, IWAO OCHI ORGAN TRIO album [COUNTERFLOW/Black Cream Records]was released.
He had played with KANKAWA(org),James Mahone(ts), Cecil Monroe(ds),Ko Shimizu (b),Taiga Onitsuka(ds), Norio Maeda(p), Keiji Kishida(ds),Tsuyoshi
Yamamoto(p),TakashiI Mizuhashi(b),Gregg Lee(b),Philip Woo(p),John Blackwell(ds) Sam Yahel(org), Joe Strusser(ds), Greg Bandy(ds), Akira Tana(ds), Mike Reznikoff(ds), Akiko Tsuruga(org) and more!
http://www.iwaoochi.com/

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Biografía
Nacido en Japón, 1971.
Iwao Ochi creció en Toyohashi, Aichi.
Comenzó a tocar la guitarra rock a los 13 años.
Gradualmente, se concentró en la música negra y se mudó a Chicago en 1992.
Ese mismo año, vio a Jimmy Smith actuar con Kenny Burrell en Chicago Jazz Showcase.
Fue el primer espectáculo de jazz que vio, y fue impactante para él.
Se involucró en el jazz, luego se mudó a Nueva York.
Estudió guitarra de jazz con Satoshi Inoue, Peter Bernstein y Vic Juris en Mannes College of Music, Nueva York.
En 1997, grabó una demo con Sam Yahel (org) y Joe Strasser (ds).
Luego regresó a Japón, comenzó su carrera musical. Se presenta en jazz club en Tokio (principalmente Organ Jazz Club, Body & Soul, Alfie).
Simultáneamente, por la música de club de los 90, se ve afectado y comienza a crear música eléctrica.
Creó una gran cantidad de música comercial de televisión japonesa (SkyPerfecTV, FOXch, DISCOVERYch, ANIMAL PLANETch) y pistas de remezclas.
En 2005, Su banda de electro jazz grooB-3 lanzó el CD debut [Floating on your silence] y el EP de 12"[Gypsy Session].
En 2008, su nueva banda instrumental de hip hop Speaker Sgt. se unió al CD recopilatorio [MAN MACHINE] como [THE NUMBER SONG/CUT CHEMIST PARTY MIX].
En 2010, se lanzó el 1er álbum [Speaker Sgt./P-vine Records].
En 2011, se lanzó el segundo álbum [FREAK - THE OTHER SIDE OF FUSION- / P-vine Records].
En 2017, se lanzó el 3er álbum [BAD BABY CITY/Black Cream Records].
En 2020, se lanzó el 1er álbum en solitario[DEM NEW YORK DUES/con Sam Yahel(org)、Anthony Pinciotti(ds) grabado en Nueva York].
En 2022, se lanzó el álbum IWAO OCHI ORGAN TRIO [COUNTERFLOW/Black Cream Records].
Había tocado con KANKAWA (org), James Mahone(ts), Cecil Monroe (ds),Ko Shimizu(b),Taiga Onitsuka(ds), Norio Maeda(p), Keiji Kishida (ds), Tsuyoshi
Yamamoto(pag),TakashiI Mizuhashi(b),Gregg Lee(b),Philip Woo(pag),John Blackwell(ds) Sam Yahel(org), Joe Strusser(ds), Greg Bandy(ds), Akira Tana(ds), Mike Reznikoff(ds), Akiko Tsuruga (org) ¡y más!
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Eddie Higgins Trio • Amor

Biography

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.

During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.

In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.

In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:

To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Biografía

Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.

Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.

En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.

En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:

A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

 

 

 

Bob Mintzer • Bop Boy

 

Review by Thom Jurek
Recorded over two days in 2002, Bop Boy was previously only available in Japan on the Cheetah label. Thanks to Explore and their excellent catalog of diverse jazz and classical recordings, it is now available in the United States as well. Unlike Bob Mintzer's '80s offerings on Cheetah (Source and Papa Lips), the band used on this session is a quartet made up of star talent: bassist Eddie Gómez, the elegant pianist Steve Kuhn, and drummer Steve Gadd. On first glance it might appear that Gadd is out of place among these more subtle members of the rhythm section. Being a consummate professional as a studio musician, Gadd is an excellent jazz drummer adding grace, subtlety and tension to a very sophisticated rhythm section. Mintzer a generation younger than Gómez, and Kuhn leads this band through killer arrangements of a fine batch of standards and a trio of top-flight originals. Beginning with Kenny Dorham's and Wynton Kelly's "Blue Bossa," the swing quotient is high here. Kuhn is at his most muscular on this hard bop gem, pushing his minors and thirds right into the rim shots by Gadd. Mintzer's solo is full of deep blues feeling and economy. Mintzer wrote the title track; it is what it claims to be: bebop pure and simple. Beginning with a galloping pace set by Gómez, Gadd's ride cymbal provides fuel and Kuhn plays selectively angular chords, moving right into Mintzer's stating the head and solo. Kuhn's playing around the beat as the tune goes on reveals excellent counterpoint to what's being laid down by the tenor player. The tenderness with which an edgy player like Mintzer approaches "Embraceable You" is remarkable, and here Kuhn's utterly moving pianism is at its best. This is followed by a lovely soft samba called "Francisca" written by Toninho Horta. "Invitation" brings the harder edge of bluesy, post-bop into the area, and the interplay between Gómez and Gadd is nearly symbiotic. Two Mintzer originals follow, and the stroll of "Re-Re" is contrasted in a mirror with the knotty twist and turn sprint of "Runferyerlife." The reading of "St. James Infirmary" brings the tune back to the kind of mournful blues ballad it began is. Mintzer's tone on the bass clarinet is startling. He goes underneath the melody for his phrasing and fills as Kuhn offers a constant, slowly evolving wash of minor chord voicings underneath him. The ballad "Why Did I Choose You" is a perfect way to send things off as it puts on shining display the intuitive interaction between Kuhn -- a sublime melodist through his wide array of textured chord shapes and his sense of space and economy with the right hand in his solo. Gómez is wonderful here, flowing into the body of the tune, allowing for Gadd to lay out and enter at will. Mintzer's solo is an emotive one, but never undercuts or overwhelms the tune. Bop Boy is one of the most satisfying dates in his long career as a leader, a composer, and as an arranger.
https://www.allmusic.com/album/bop-boy-mw0000544277

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Reseña de Thom Jurek
Grabado durante dos días en 2002, Bop Boy anteriormente solo estaba disponible en Japón en el sello Cheetah. Gracias a Explore y su excelente catálogo de diversas grabaciones de jazz y música clásica, ahora también está disponible en los Estados Unidos. A diferencia de las ofertas de Bob Mintzer en los años 80 en Cheetah (Source y Papa Lips), la banda utilizada en esta sesión es un cuarteto formado por talentos estelares: el bajista Eddie Gómez, el elegante pianista Steve Kuhn y el baterista Steve Gadd. A primera vista, podría parecer que Gadd está fuera de lugar entre estos miembros más sutiles de la sección rítmica. Siendo un profesional consumado como músico de estudio, Gadd es un excelente baterista de jazz que agrega gracia, sutileza y tensión a una sección rítmica muy sofisticada. Mintzer, una generación más joven que Gómez, y Kuhn lideran esta banda a través de arreglos asesinos de un buen lote de estándares y un trío de originales de primer nivel. Comenzando con "Blue Bossa" de Kenny Dorham y Wynton Kelly, el cociente de swing es alto aquí. Kuhn está en su punto más musculoso en esta gema de bop duro, empujando a sus menores y tercios directamente a los tiros al aro de Gadd. El solo de Mintzer está lleno de profundo sentimiento de blues y economía. Mintzer escribió la canción principal; es lo que dice ser: bebop puro y simple. Comenzando con un ritmo galopante establecido por Gómez, el platillo ride de Gadd proporciona combustible y Kuhn toca acordes selectivamente angulares, moviéndose directamente a Mintzer que indica la cabeza y el solo. La interpretación de Kuhn alrededor del compás a medida que avanza la melodía revela un excelente contrapunto a lo que está siendo establecido por el intérprete de tenor. La ternura con la que un jugador nervioso como Mintzer se acerca a "Abrazarte" es notable, y aquí el pianismo completamente conmovedor de Kuhn está en su mejor momento. A esto le sigue una hermosa samba suave llamada "Francisca" escrita por Toninho Horta. "Invitation" trae el borde más duro del blues, el post-bop al área, y la interacción entre Gómez y Gadd es casi simbiótica. Siguen dos originales de Mintzer, y el paseo de "Re-Re" se contrasta en un espejo con el retorcido y retorcido sprint de "Runferyerlife."La lectura de" St. James Infirmary " devuelve la melodía al tipo de balada de blues triste que comenzó. El tono de Mintzer en el clarinete bajo es sorprendente. Va por debajo de la melodía para su fraseo y se llena a medida que Kuhn ofrece un lavado constante y de evolución lenta de voces de acordes menores debajo de él. La balada "Why Did I Choose You" es una manera perfecta de enviar las cosas, ya que muestra brillantemente la interacción intuitiva entre Kuhn, un melodista sublime a través de su amplia gama de formas de acordes texturizados y su sentido del espacio y la economía con la mano derecha en su solo. Gómez es maravilloso aquí, fluyendo hacia el cuerpo de la melodía, permitiendo que Gadd se extienda y entre a voluntad. El solo de Mintzer es emotivo, pero nunca socava ni abruma la melodía. Bop Boy es una de las citas más satisfactorias en su larga carrera como líder, compositor y arreglista.
https://www.allmusic.com/album/bop-boy-mw0000544277

bobmintzermusic.com ...

Mark Elf • New York Cats

 

 

As is his way, guitarist Mark Elf uses his 1998 trio album New York Cats as an opportunity to pick from among the best in music and musicians to create an album of feline felicity. Known for corralling members of major label stables on past recordings, Elf works his magic this time with the help of regular live bandmates bassist Jay Leonhart (Mel Torme, Rosemary Clooney) and drummer Dennis Mackrel (Slide Hampton, Joe Williams, Count Basie). Together, the trio combine original compositions and signature standards which sometimes blend into each other (e.g., "No More Blues" rings of "I Concentrate On You"). For the most part, Elf’s playing is impressively clean, with each note expressing itself succinctly. Of special note are his crystalline Tal Farlow-esque harmonics in the otherwise appropriately smoky "Smoke Gets In Your Eyes" and the fret-frying gibberish runs of a mildly edifying "Blues In The Night." Having played it at every live performance, Elf also takes this opportunity to lay down a syncopated "Stompin’ At The Savoy." A regular resident at the top of sales and radio charts, Elf is sure to keep his audiences lapping up the good vibes with this tail-wagging trio set.
By AAJ STAFF
January 20, 2003
https://www.allaboutjazz.com/new-york-cats-mark-elf-jen-bay-records-review-by-aaj-staff

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Como es su costumbre, el guitarrista Mark Elf utiliza su álbum en trío de 1998, New York Cats, como una oportunidad para elegir entre lo mejor de la música y los músicos para crear un álbum de felicidad felina. Conocido por acorralar a miembros de los establos de los grandes sellos en grabaciones anteriores, Elf hace su magia esta vez con la ayuda de sus compañeros de banda habituales en directo, el bajista Jay Leonhart (Mel Torme, Rosemary Clooney) y el batería Dennis Mackrel (Slide Hampton, Joe Williams, Count Basie). Juntos, el trío combina composiciones originales y estándares de autor que a veces se mezclan entre sí (por ejemplo, "No More Blues" suena de "I Concentrate On You"). En su mayor parte, la interpretación de Elf es impresionantemente limpia, y cada nota se expresa de forma sucinta. Cabe destacar sus cristalinos armónicos al estilo de Tal Farlow en la apropiadamente humeante "Smoke Gets In Your Eyes" y las carreras de galimatías en el traste de una ligeramente edificante "Blues In The Night". Después de haberla tocado en todas las actuaciones en directo, Elf también aprovecha esta oportunidad para hacer un sincopado "Stompin' At The Savoy". Residente habitual en los primeros puestos de las listas de ventas y de la radio, Elf está seguro de que su audiencia seguirá disfrutando de las buenas vibraciones con este set de trío que mueve la cola.
By AAJ STAFF
January 20, 2003
https://www.allaboutjazz.com/new-york-cats-mark-elf-jen-bay-records-review-by-aaj-staff


https://markelf.com/

Bill Doggett And His Combo • Oops! - The Swinging Sounds Of Bill Doggett And His Combo

 

Ernest Ranglin • Boss Reggae

 

 

 

 

www.ernest-ranglin.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Houston Person • Sentimental Journey

 

Houston Person: Sentimental Journey

Almost 70, Houston Person is still carrying on the great tenor saxophone tradition that combines breathy soulfulness with blues-drenched, stomping swing. The lush-toned tenorist’s latest release, Sentimental Journey, verifies his continuing command of the idiom. Ben Webster-like sultriness pervades ballads such as “Fools Rush In” and “I Love You, Yes I Do,” where he sticks close to the melody, as well as “A Sunday Kind of Love,” whose tune he slightly embellishes. But on the medium to up tunes, such as “It Had to Be You,” “Canadian Sunset,” “What’ll I Do,” Illinois Jacquet’s “Black Velvet” and the title song, Person swings forcefully, imbuing his lines with a gritty earthiness.

Person’s colleagues on the date constitute an all-star lineup. Pianist Richard Wyands, guitarist Russell Malone, bassist Peter Washington and drummer Grady Tate are all experienced, top-flight performers, as they prove throughout in their sensitive accompaniment for the tenorist as well as in their own plentiful solo spots.

It’s an increasingly rare pleasure to hear a sensitive player like Houston Person pay respect to great melodies, rendering them essentially as written. But it’s also good that his new record offers plenty of opportunities for straightahead blowing by some fine improvisers.

https://jazztimes.com/reviews/albums/houston-person-sentimental-journey/

Review by Scott Yanow

As the 21st century began, Houston Person was one of the last in a tradition of tough-toned but warm tenors able to straddle the boundaries between soul-jazz, hard bop, and soulful R&B. An expert at caressing and uplifting melodies, Person plays in the tradition of Gene Ammons. Person is in excellent form throughout this quartet/quintet date with pianist Richard Wyands, bassist Peter Washington, drummer Grady Tate, and, on four of the nine selections, guitarist Russell Malone. In fact, the combination of Person and Malone works so well that hopefully someday they will record a full album together. All of the tunes are veteran standards, with Person particularly digging into "A Sunday Kind of Love," "It Had to Be You," "Black Velvet," and "Canadian Sunset." Houston Person has recorded many fine albums for High Note and its predecessor, Muse, through the years. Sentimental Journey is a strong example of his talents.

https://www.allmusic.com/album/sentimental-journey-mw0000233195

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Persona de Houston: Viaje sentimental

Casi 70 años, Houston Person todavía continúa con la gran tradición de saxofón tenor que combina una gran emoción con el swing empapado de blues. El último lanzamiento del tenorista de tono exuberante, Sentimental Journey, verifica su continuo dominio del idioma. La sensualidad de Ben Webster impregna baladas como "Fools Rush In" y "I Love You, Yes I Do", donde se adhiere a la melodía, así como a "A Sunday Kind of Love", cuya canción embellece ligeramente. Pero en el medio para las melodías principales, como "Tenía que ser tú", "Canadian Sunset", "What'll I Do", "Black Velvet" de Illinois Jacquet y la canción del título, Person swings forzar, imbuyendo sus líneas con Una tierra terrosa.

Los colegas de la persona en la fecha constituyen una alineación estelar. El pianista Richard Wyands, el guitarrista Russell Malone, el bajista Peter Washington y el baterista Grady Tate son todos experimentados y de alto rendimiento, como demuestran su delicado acompañamiento para el tenorista, así como en sus abundantes lugares como solistas.

Es un placer cada vez más raro escuchar a un jugador sensible como Houston Person que respeta las grandes melodías, haciéndolos esencialmente como están escritos. Pero también es bueno que su nuevo récord ofrezca muchas oportunidades para que los improvisadores finos puedan volar.

https://jazztimes.com/reviews/albums/houston-person-sentimental-journey/

Revisión por Scott Yanow

Cuando comenzó el siglo XXI, Houston Person fue uno de los últimos en una tradición de tenores duros pero cálidos, capaces de cruzar los límites entre el soul-jazz, el hard bop y el soul R&B. Una persona experta en acariciar y elevar melodías, Person juega en la tradición de Gene Ammons. La persona se encuentra en excelente forma a lo largo de este cuarteto / quinteto con el pianista Richard Wyands, el bajista Peter Washington, el baterista Grady Tate y, en cuatro de las nueve selecciones, el guitarrista Russell Malone. De hecho, la combinación de Person y Malone funciona tan bien que, con suerte, algún día grabarán un álbum completo juntos. Todas las melodías son estándares veteranos, con Person en particular buscando "A Sunday Kind of Love", "It Be To You You", "Black Velvet" y "Canadian Sunset". Houston Person ha grabado muchos buenos álbumes para High Note y su predecesor, Muse, a través de los años. El viaje sentimental es un fuerte ejemplo de su talento.

https://www.allmusic.com/album/sentimental-journey-mw0000233195

 

 

Cory Weeds • O Sole Mio!

  

Even in these trying and uncertain times, there are some professional creative artists who recognize the need to "carry on" and make the best of a bad situation. Saxophonist Cory Weeds is one of those individuals. He is releasing O Sole Mio! Music From The Motherland on his own label, CellarMusic. Weeds has merged his talents as an alto saxophonist with Mike LeDonne's Groover Quartet featuring LeDonne on Hammond B3 organ, Eric Alexander on tenor saxophone, Peter Bernstein on guitar and Joe Farnsworth on drums. Each of these participants is a highly regarded jazz virtuoso in his own right, and has bee, or is, a leader of his own group. Support for this Italian-themed session (great Italian music and/or Italian-American composers such as Henry Mancini, Chick Corea and Pat Martino came from Guilio Recchioni of the Italian Cultural Center in Vancouver B.C.

The first two tracks in this release are both burners. The title track was comes from Naples, where it was written in 1898, and was covered by operatic tenors such as Enrico Caruso and Luciano Pavarotti. The band shows how serious they are about swinging with all the members having solos that are both juicy and individual. Mancini's well known theme "Mr.Lucky" gives this smart aggregation a chance to demonstrate their unscripted interplay, which is based on their considerable talent and vast experience. Another well-known number is "Speak Softly Love," easily recognized as the background music from the movie The Godfather. Built around Farnsworth's Latin beat, Weeds' alto opens the offering by stating the theme, after which Alexander's fluid tenor saxophone weaves and darts around the melody in exquisite fashion. Guitarist Bernstein then comes in with some crisp riffs, after which LeDonne's B3 shows off a burly yet fervent tone. This is a terrific take on the number.

Chick Corea, whose heritage is from Southern Italy, wrote "Chick's Tune," which is based on the chord changes from the popular song "You Stepped Out Of A Dream." The band keeps the pace at a high energy level with Weeds' alto leading the way. There is some stellar guitar work from Bernstein and Eric Alexander then takes his tenor sax on a euphoric run. LeDonne's B3 charges out of the gate with soulful depth followed by an extensive drum kit workout from Farnsworth. The band then takes the number out with a repeat of the theme. The final track is "Capricci Di Camere" which originated as bassist Paul Chambers' composition "Whims Of Chambers," which was also the title of his 1957 album from Blue Note. Originally structured by Chambers as a walking bass line for a blues in F, the group restates this same line to open the tune and uses it as a frame from which to explore the number. Each of the players takes a piece of the action with LeDonne at his ebullient best. At this point all one can say is "arrivederci."
Pierre Giroux By PIERRE GIROUX
February 8, 2021
https://www.allaboutjazz.com/o-sole-mio-music-from-the-motherland-cory-weeds-cellarmusic

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Incluso en estos tiempos difíciles e inciertos, hay algunos artistas creativos profesionales que reconocen la necesidad de "seguir adelante" y sacar lo mejor de una mala situación. El saxofonista Cory Weeds es uno de ellos. ¡Ha publicado O Sole Mio! Music From The Motherland en su propio sello, CellarMusic. Weeds ha unido su talento como saxofonista alto con el Groover Quartet de Mike LeDonne, que cuenta con LeDonne al órgano Hammond B3, Eric Alexander al saxo tenor, Peter Bernstein a la guitarra y Joe Farnsworth a la batería. Cada uno de estos participantes es un virtuoso del jazz muy apreciado por derecho propio, y ha sido, o es, líder de su propio grupo. El apoyo a esta sesión de temática italiana (gran música italiana y/o compositores italoamericanos como Henry Mancini, Chick Corea y Pat Martino) vino de Guilio Recchioni, del Centro Cultural Italiano de Vancouver B.C.

Los dos primeros temas de esta publicación son excelentes. El tema que da título al disco procede de Nápoles, donde fue escrito en 1898, y fue versionado por tenores de ópera como Enrico Caruso y Luciano Pavarotti. La banda demuestra la seriedad con la que se toman el swing, con todos los miembros con solos tan jugosos como individuales. El conocido tema de Mancini "Mr.Lucky" da a esta inteligente agrupación la oportunidad de demostrar su interacción sin guión, que se basa en su considerable talento y amplia experiencia. Otro número muy conocido es "Speak Softly Love", fácilmente reconocible como la música de fondo de la película El Padrino. Construida en torno al ritmo latino de Farnsworth, el contralto de Weeds abre el tema, tras lo cual el fluido saxofón tenor de Alexander teje y se lanza en torno a la melodía de forma exquisita. El guitarrista Bernstein entra entonces con algunos riffs nítidos, tras lo cual el B3 de LeDonne muestra un tono fornido pero ferviente. Se trata de una versión excelente de este número.

Chick Corea, cuya herencia es del sur de Italia, escribió "Chick's Tune", que se basa en los cambios de acordes de la popular canción "You Stepped Out Of A Dream". La banda mantiene el ritmo con un alto nivel de energía con el alto de Weeds liderando el camino. Hay un trabajo estelar de guitarra de Bernstein y Eric Alexander luego lleva su saxo tenor en una carrera eufórica. El B3 de LeDonne sale con una profundidad conmovedora, seguido por un extenso trabajo de batería de Farnsworth. A continuación, la banda cierra el número con una repetición del tema. El tema final es "Capricci Di Camere" que se originó como la composición del bajista Paul Chambers "Whims Of Chambers", que también fue el título de su álbum de 1957 de Blue Note. Originalmente estructurada por Chambers como una línea de bajo andante para un blues en Fa, el grupo replantea esta misma línea para abrir la melodía y la utiliza como marco desde el que explorar el número. Cada uno de los intérpretes toma parte en la acción, con LeDonne en su mejor momento. En este punto sólo se puede decir "arrivederci".
Pierre Giroux Por PIERRE GIROUX
8 de febrero de 2021
https://www.allaboutjazz.com/o-sole-mio-music-from-the-motherland-cory-weeds-cellarmusic

coryweeds.com ...

Jazz in Search of Itself

 

n this engaging and astute anthology of jazz criticism, Larry Kart casts a wide net. Discussing nearly seventy major jazz figures and many of the music’s key stylistic developments, Kart sees jazz as a unique perpetual narrative―one in which musicians, their audiences, and the evolving music itself are intimately intertwined.
Because jazz arose from the collision of specific peoples under particular conditions, says Kart, its development has been unusually immediate, visible, and intense. Kart has reacted to and judged the music in a similarly active, attentive, and personal manner. His involvement and attention to detail are visible in these pieces: essays that analyze the supposed return to tradition that the music of Wynton Marsalis has come to exemplify; searching accounts of the careers of Miles Davis, Thelonius Monk, Bill Evans, and Lennie Tristano; and writing that explores jazz’s relationship to American popular song and examines the jazz musician’s role as actual and would-be social rebel.

 

Bad Music The Music We Love to Hate

 

 

Why are some popular musical forms and performers universally reviled by critics and ignored by scholars-despite enjoying large-scale popularity? How has the notion of what makes "good" or "bad" music changed over the years-and what does this tell us about the writers who have assigned these tags to different musical genres? Many composers that are today part of the classical "canon" were greeted initially by bad reviews. Similarly, jazz, country, and pop musics were all once rejected as "bad" by the academy that now has courses on these and many other types of music. This book addresses why this is so through a series of essays on different musical forms and performers. It looks at alternate ways of judging musical performance beyond the critical/academic nexus, and suggests new paths to follow in understanding what makes some music "popular" even if it is judged to be "bad". For anyone who has ever secretly enjoyed ABBA, Kenny G, or disco, Bad Music will be a guilty pleasure!

 

  Christopher J. Washburne (Editor)

 

Dirk K • My Romance

Dirk K performs a unique mixture of Jazz, Flamenco and Brazilian style music. He plays a nylon string acoustic guitar. He is able to play solo or with tracks. His repertoire is featuring Jazz Standards such as Fly Me To The Moon, My Funny Valentine to Flamenco Rumba versions of Baboleia (Gypsy Kings) to Barcelona Nights (Otmar Liebert) to Brazilian/ Bossa Nova standards such as The Girl From Ipanema, Desafinado, etc. (Antonio Carlos Jobim)

Dirk K performs in the Las Vegas area for weddings and corporate events in hotels, restaurants such as the Bellagio, the Winn and Encore, Madalay Bay, Treasure Island, Trump Hotel, The J.W. Marriott Las Vegas resort, The M Resort, Cosmopolitan, Palazzo, Paris, Venetian, Four Seasons Resort, etc.

Country Clubs: The Red Rock Country Club, Anthem Country Club, Canyon Country Club, etc.

Dirk K performed the National Anthem for the LA Lakers at the Staples Center and he performed for Shaquille O' Neal and received the Shaq Hero for his contributions to the Shaq Hero Foundation. He performed multiple times for Raiders wide receiver Tim Braun and received a special recognition award.
He performed for Arnold Schwartzenegger Cigar Night in Santa Monica.

As a recording artist, Dirk K, originally from Germany, released 13 CD's on Sony, Bellaphon, Fuzzy Music and on his own independent label DIP Records. In addition, Dirk K released 7 CD's with band projects and produced and recorded over 30 CD's for other artists.

Dirk K performed and recorded with renowned artists such as Randy Brecker, Peter Erskine, Toots Thielemans, Dave Weckl, Brandon Fields, Alan Pasqua, Marc John- son, Terri Lyne Carrington, Gary Meek, Rick Braun, Alan Pasqua and many more. Touring the USA and Europe several times with his band featuring trumpeter Randy Brecker and saxophonist Andy Middleton and pianist Alan Pasqua. In addition he also toured with Das Ueberschall, Quartet Equinox, Joe McBride Band, appearing at Schmidteinander, a show hosted by Harald Schmidt in Germany.

In 1998 Dirk K received his Greencard for extraordinary abilities in the field of music in order to perform and reside in the USA.
https://www.thebash.com/guitar/dirkk

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Dirk K interpreta una mezcla única de Jazz, Flamenco y música de estilo brasileño. Toca una guitarra acústica de cuerda de nylon. Es capaz de tocar solo o con pistas. Su repertorio incluye estándares de Jazz como Fly Me To The Moon, My Funny Valentine, versiones de rumba flamenca de Baboleia (Gypsy Kings), Barcelona Nights (Otmar Liebert), estándares brasileños y de bossa nova como The Girl From Ipanema, Desafinado, etc. (Antonio Carlos Jobim)

Dirk K actúa en la zona de Las Vegas para bodas y eventos corporativos en hoteles, restaurantes como el Bellagio, el Winn and Encore, Madalay Bay, Treasure Island, Trump Hotel, The J.W. Marriott Las Vegas resort, The M Resort, Cosmopolitan, Palazzo, Paris, Venetian, Four Seasons Resort, etc.

Clubes de campo: El Red Rock Country Club, Anthem Country Club, Canyon Country Club, etc.

Dirk K interpretó el Himno Nacional para los LA Lakers en el Staples Center y actuó para Shaquille O' Neal y recibió el Héroe Shaq por sus contribuciones a la Fundación del Héroe Shaq. Actuó varias veces para el receptor de los Raiders Tim Braun y recibió un premio de reconocimiento especial.
Actuó para Arnold Schwartzenegger Cigar Night en Santa Mónica.

Como artista de grabación, Dirk K, originario de Alemania, lanzó 13 CD's en Sony, Bellaphon, Fuzzy Music y en su propio sello independiente DIP Records. Además, Dirk K lanzó 7 CDs con proyectos de bandas y produjo y grabó más de 30 CDs para otros artistas.

Dirk K actuó y grabó con artistas de renombre como Randy Brecker, Peter Erskine, Toots Thielemans, Dave Weckl, Brandon Fields, Alan Pasqua, Marc John- son, Terri Lyne Carrington, Gary Meek, Rick Braun, Alan Pasqua y muchos más. Realizó varias giras por EE.UU. y Europa con su banda, con el trompetista Randy Brecker y el saxofonista Andy Middleton y el pianista Alan Pasqua. Además, también realizó una gira con Das Ueberschall, Quartet Equinox, Joe McBride Band, presentándose en Schmidteinander, un espectáculo presentado por Harald Schmidt en Alemania.

En 1998 Dirk K recibió su Greencard por sus extraordinarias habilidades en el campo de la música para poder actuar y residir en los Estados Unidos.

https://www.thebash.com/guitar/dirkk

 

www.dirkk.com ...

 

Joscho Stephan, Richard Smith & Rory Hoffman • Transatlantic Guitar Trio

 

joscho-stephan.de ...


Colaborador / Contributor:  Michel

 

Donald Byrd • Places and Spaces

 

Review from AllMusic (by Stephen Thomas Erlewine):
Reuniting with Larry Mizell, the man behind his last three LPs, Donald Byrd continues to explore contemporary soul, funk, and R&B with Places and Spaces. In fact, the record sounds more urban than its predecessor, which often played like a Hollywood version of the inner city. Keeping the Isaac Hayes, Curtis Mayfield, and Sly Stone influences of Street Lady, Places and Spaces adds elements of Marvin Gaye, Earth, Wind & Fire, and Stevie Wonder, which immediately makes the album funkier and more soulful. Boasting sweeping string arrangements, sultry rhythm guitars, rubbery bass, murmuring flügelhorns, and punchy horn charts, the music falls halfway between the cinematic neo-funk of Street Lady and the proto-disco soul of Earth, Wind & Fire. Also, the title Places and Spaces does mean something -- there are more open spaces within the music, which automatically makes it funkier. Of course, it also means that there isn't much of interest on Places and Spaces for jazz purists, but the album would appeal to most fans of Philly soul, lite funk, and proto-disco.
https://www.allmusic.com/album/places-and-spaces-mw0000616571

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Resena de AllMusic (por Stephen Thomas Erlewine):
Reuniendose con Larry Mizell, el hombre detras de sus ultimos tres LPs, Donald Byrd continua explorando el soul contemporaneo, el funk y el R&B con Places and Spaces. De hecho, el disco suena mas urbano que su predecesor, que solia sonar como una version hollywoodense del centro de la ciudad. Manteniendo las influencias de Isaac Hayes, Curtis Mayfield y Sly Stone de Street Lady, Places and Spaces agrega elementos de Marvin Gaye, Earth, Wind & Fire y Stevie Wonder, lo que inmediatamente hace el album mas funky y mas lleno de alma. Con arreglos de cuerdas expansivos, guitarras ritmicas sensuales, un bajo elastico, fliscornos murmurantes y potentes arreglos de vientos, la musica se situa a mitad de camino entre el neo-funk cinematico de Street Lady y el soul proto-disco de Earth, Wind & Fire. Ademas, el titulo Places and Spaces tiene un significado real: hay mas espacios abiertos dentro de la musica, lo que automaticamente la hace mas funky. Por supuesto, esto tambien significa que no hay mucho de interes en Places and Spaces para los puristas del jazz, pero el album atraera a la mayoria de los fans del soul de Filadelfia, el lite funk y el proto-disco.
https://www.allmusic.com/album/places-and-spaces-mw0000616571

Joe Henderson • Inner Urge

 

Review
by Daniel Gioffre
This early recording by Joe Henderson is not only one of the finest of all of his recordings, but is also a high point for 1960s jazz. At this point in his career, Henderson was a full-time member of Horace Silver's combo and did not yet have a steady band in his hire. He is joined on Inner Urge by veterans of other combos: McCoy Tyner and Elvin Jones from John Coltrane's unit and Sonny Rollins sideman Bob Cranshaw. The presence of these luminaries aside, Inner Urge is home to two of Henderson's best (and best-loved) compositions: "Inner Urge" and "Isotope." The leader's solo on the title track is a marvelous thing, full of melody as well as anarchic bursts of sound, which is in perfect keeping with the spirit of the song's probing, searching theme. The other musicians support Henderson nicely as well as turning in some strong solos of their own. Tyner especially sounds fantastic on this record. Although not the equal of the leader in terms of the quality of his lines or the overall sense of composition of his solos, his performance is at least the rival of Henderson's in terms of raw kinetic power. The other great song on "Inner Urge," the Monk-ish "Isotope," is another ideal showcase for Henderson's total command of his instrument. The remaining tracks on Inner Urge are also fantastic, especially the wailing cry of "El Barrio" and the Henderson-altered head to "Night and Day," but the first side, even if taken alone, is by itself enough to guarantee this album as perhaps the best Henderson recorded in his long and illustrious career, and stands easily alongside the best records of the era.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707

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Reseña
por Daniel Gioffre  
Esta temprana grabación de Joe Henderson no sólo es una de las mejores de todas sus grabaciones, sino que también es un punto álgido para el jazz de los años 60. En este punto de su carrera, Henderson era miembro a tiempo completo del combo de Horace Silver y todavía no tenía una banda estable en su alquiler. En Inner Urge le acompañan veteranos de otros combos: McCoy Tyner y Elvin Jones, de la unidad de John Coltrane, y el lateral de Sonny Rollins, Bob Cranshaw. Aparte de la presencia de estas luminarias, Inner Urge alberga dos de las mejores (y más queridas) composiciones de Henderson: "Inner Urge" e "Isotope". El solo del líder en el tema que da título al disco es una maravilla, llena de melodía así como de estallidos anárquicos de sonido, lo que está en perfecta consonancia con el espíritu del tema de búsqueda y sondeo de la canción. Los demás músicos apoyan a Henderson de forma excelente, además de ofrecer algunos sólidos solos propios. Tyner suena especialmente fantástico en este disco. Aunque no está a la altura del líder en cuanto a la calidad de sus líneas o el sentido general de la composición de sus solos, su interpretación es al menos el rival de Henderson en términos de potencia cinética bruta. La otra gran canción de "Inner Urge", "Isotope", de estilo Monk, es otro escaparate ideal para el dominio total de Henderson sobre su instrumento. El resto de los temas de Inner Urge son también fantásticos, especialmente el grito ululante de "El Barrio" y la cabeza alterada de Henderson en "Night and Day", pero la primera cara, incluso si se toma sola, es por sí misma suficiente para garantizar que este álbum es quizás el mejor que Henderson grabó en su larga e ilustre carrera, y se sitúa fácilmente al lado de los mejores discos de la época.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707

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