Snooky Pryor (nacido el 15 de septiembre de 1921 en Lambert, Mississippi
y fallecido el 10 de octubre de 2006) fue un armonicista, compositor de
blues, y cantante estadounidense, que clama haber sido el creador de la
técnica de armónica amplificada ahuecando sus manos y usando un pequeño
micrófono para que se escuchara su instrumento en la bulliciosa Maxwell
Street Market de Chicago. Sin embargo, en sus grabaciones de finales
los años 40 y principios de los 50, no utiliza este método.
James Edward "Snooky" Pryor (September 15, 1919[2] or 1921[3] – October
18, 2006) was an American Chicago blues harmonica player.[1][4] He
claimed to have pioneered the now-common method of playing amplified
harmonica by cupping a small microphone in his hands along with the
harmonica, although on his earliest records, in the late 1940s, he did
not use this method.
Review by Michael G. Nastos In the liner notes of Quiet Kenny, former Downbeat magazine publisher Jack Maher states that trumpeter Kenny Dorham's music is not necessarily the demure, balladic, rapturous jazz one might associate as romantic or tranquil. Cool and understated might be better watchwords for what the ultra-melodic Dorham achieves on this undeniably well crafted set of standards and originals that is close to containing his best work overall during a far too brief career. Surrounded by an excellent rhythm team of the equally sensitive pianist Tommy Flanagan, emerging bassist Paul Chambers, and the always-beneficial drummer Art Taylor, Dorham and his mates are not prone to missteps or overt exaggerations. One of Dorham's all-time best tunes "Lotus Blossom" kicks off the set with its bop to Latin hummable melody, fluid dynamics, and Dorham's immaculate, unpretentious tone. "Old Folks," a classic ballad, is done mid-tempo, while the true "quiet" factor comes into play on interesting version of "My Ideal" where Dorham gingerly squeezes out the slippery wet notes, and on the sad ballad "Alone Together." The rest of the material is done in easygoing, unforced fashion, especially the originals "Blue Friday" and the simple swinger "Blue Spring Shuffle" which is not really a shuffle. Never known as a boisterous or brash player, but also not a troubadour of romanticism -- until he started singing -- Dorham's music is also far from complacent, and this recording established him as a Top Five performer in jazz on his instrument. It comes recommended to all. https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483
///////
Reseña por Michael G. Nastos En las notas de Quiet Kenny, el antiguo editor de la revista Downbeat, Jack Maher, afirma que la música del trompetista Kenny Dorham no es necesariamente el jazz recatado, baladístico y arrebatador que uno podría asociar como romántico o tranquilo. Fresco y discreto podrían ser mejores palabras para lo que el ultra-melódico Dorham logra en este conjunto de estándares y originales innegablemente bien elaborados que está cerca de contener su mejor trabajo en general durante una carrera demasiado breve. Rodeado por un excelente equipo rítmico formado por el igualmente sensible pianista Tommy Flanagan, el emergente bajista Paul Chambers y el siempre beneficioso baterista Art Taylor, Dorham y sus compañeros no son propensos a cometer errores o exageraciones manifiestas. Uno de los mejores temas de Dorham de todos los tiempos, "Lotus Blossom", da el pistoletazo de salida al conjunto con su melodía tarareable en clave latina, su dinámica fluida y el tono inmaculado y sin pretensiones de Dorham. "Old Folks", una balada clásica, se hace a medio tiempo, mientras que el verdadero factor "tranquilo" entra en juego en la interesante versión de "My Ideal", donde Dorham exprime con cautela las resbaladizas notas húmedas, y en la triste balada "Alone Together". El resto del material está hecho de forma fácil y no forzada, especialmente los originales "Blue Friday" y el sencillo swinger "Blue Spring Shuffle" que no es realmente un shuffle. Nunca se le conoció como un intérprete bullicioso o descarado, pero tampoco como un trovador del romanticismo -hasta que empezó a cantar- la música de Dorham también está lejos de ser complaciente, y esta grabación lo estableció como un intérprete del Top 5 del jazz en su instrumento. Se recomienda a todos. https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483
Biography by James Christopher Monger A
top-notch instrumentalist and prolific producer, music teacher, author,
and arranger, Nashville-based musical polymath Craig Duncan has
appeared on over 90 records and has produced a wealth of successful
recordings for the gift shop market. Well established in both the
country and classical scene, and a member of the North American
Fiddler's Hall of Fame, Duncan is as renowned for his plethora of
arrangements and books for Mel Bay Publications as he is for his
flawless musicianship and impressive catalog of work. https://www.allmusic.com/artist/craig-duncan-mn0002182293#biography
///////
Biografía de James Christopher Monger Instrumentista
de primera categoría y prolífico productor, profesor de música, autor y
arreglista, el polímata musical Craig Duncan, afincado en Nashville, ha
aparecido en más de 90 discos y ha producido una gran cantidad de
grabaciones de éxito para el mercado de las tiendas de regalos. Bien
establecido tanto en la escena country como en la clásica, y miembro del
North American Fiddler's Hall of Fame, Duncan es tan conocido por su
plétora de arreglos y libros para Mel Bay Publications como por su
impecable musicalidad y su impresionante catálogo de obras. https://www.allmusic.com/artist/craig-duncan-mn0002182293#biography
Review from AllMusic (by Scott Yanow): McLean became much more individual within a few years, while Jenkins would fade from the scene altogether. This likable jam session features plenty of tradeoffs by the two altoists.
///////
Reseña de AllMusic (por Scott Yanow): McLean se volvió mucho más individual en unos pocos años, mientras que Jenkins desaparecería de la escena por completo. Esta agradable sesión de jam presenta muchos intercambios entre los dos saxofonistas alto.
Review by Scott Yanow Cat Anderson only led a scattering of sessions throughout his career, and this particular set (reissued on CD in 1997) was only his second date as a leader since 1965. For a tribute to the music of W.C. Handy, Anderson performs nine Handy classics (including "Careless Love," "Beale Street Blues," "St. Louis Blues," and "Memphis Blues"), plus three alternate takes that were released for the first time in this reissue. Anderson, arguably the greatest of all high-note trumpeters, mostly plays in the middle-register during this set, but he cuts loose in the stratosphere now and then to remind listeners who he is, most notably on the opening "Yellow Dog Blues." On a swing date that sometimes hints at Dixieland, Anderson takes solo honors while being assisted by ex-Ellingtonians altoist Norris Turney, tenor saxophonist Harold Ashby, trombonist Booty Wood, bassist Aaron Bell, and drummer Sam Woodyard. Philippe Baudoin or Andre Persiany is on piano. A near classic. https://www.allmusic.com/album/plays-wc-handy-mw0001882005
///////
Reseña de Scott Yanow Cat Anderson sólo dirigió un puñado de sesiones a lo largo de su carrera, y este conjunto en particular (reeditado en CD en 1997) fue sólo su segunda cita como líder desde 1965. En un homenaje a la música de W.C. Handy, Anderson interpreta nueve clásicos de Handy (entre ellos "Careless Love", "Beale Street Blues", "St. Louis Blues" y "Memphis Blues"), además de tres tomas alternativas que se publicaron por primera vez en esta reedición. Anderson, posiblemente el más grande de todos los trompetistas de notas altas, toca sobre todo en el registro medio durante este disco, pero se suelta en la estratosfera de vez en cuando para recordar a los oyentes quién es, sobre todo en la inicial "Yellow Dog Blues". En una cita con el swing que a veces se asoma al Dixieland, Anderson se hace con los honores de solista, asistido por el contralto Norris Turney, el saxo tenor Harold Ashby, el trombonista Booty Wood, el bajista Aaron Bell y el batería Sam Woodyard. Philippe Baudoin o Andre Persiany están al piano. Casi un clásico. https://www.allmusic.com/album/plays-wc-handy-mw0001882005
Sunset Mission Review by James Mason The music that Bohren makes has fallen under the heavy metal/doom rubric, but this is both inaccurate and unfair to the band and its music. While the former members of hardcore legends 7 Inch Boots, Chronical Diarrhoea, and Macabre Farmhouse may have once played fast and heavy, on Sunset Mission they completely drop the metal overtones that appeared on Gore Motel and stand resolutely in the late-night jazz-noir camp. The cover of the album shows night descending on the wet streets of a residential/industrial landscape. The music included within is for a couple of hours later, when there is only darkness and the breath of a saxophone to keep you company. Reminiscent of Trevor Jones (Angel Heart) or Angelo Badalamenti's soundtrack work (especially for Mulholland Drive), Bohren & der Club of Gore rely on understated Fender Rhodes, piano, double bass, gentle brush work on drums, and a lilting tenor saxophone. Sounding like a long suite collectively improvised and not a collection of individually composed songs, Sunset Mission showcases the contributions of each member equally. Morten Gass' stunning keyboard work is balanced by Christoph Closer's emotional tenor sax. Underlining each track are Thorsten Benning's subtle kit work and the slow-motion groove of Robin Rodenberg's double bass. And while it is easy to fall into hyperbole when describing Bohren's music, they themselves are masters of the restraint necessary for this type of jazz to work and be compelling. This is slow, dark, and especially lush jazz, perfect for a booth at the back of a narcoleptic lounge, with a cigarette slowly burning down past the filter, watching secret lies being passed between one-night lovers. https://www.allmusic.com/album/sunset-mission-mw0000065860
///////
Reseña de James Mason La música que hace Bohren suele ser encasillada dentro del heavy metal o el doom, pero eso resulta tanto inexacto como injusto para la banda y su obra. Aunque los antiguos miembros de las leyendas hardcore 7 Inch Boots, Chronical Diarrhoea y Macabre Farmhouse alguna vez tocaron música rápida y agresivamente pesada, en *Sunset Mission* abandonan por completo los matices metálicos presentes en *Gore Motel* y se instalan decididamente en un territorio de jazz noir nocturno.
La portada del álbum muestra la noche descendiendo sobre calles mojadas de un paisaje residencial e industrial. La música contenida en el disco pertenece a un par de horas más tarde, cuando sólo quedan la oscuridad y el aliento de un saxofón como compañía. Recordando el trabajo de Trevor Jones en *Angel Heart* o las composiciones para bandas sonoras de Angelo Badalamenti —especialmente en *Mulholland Drive*—, Bohren & der Club of Gore se apoyan en un sobrio Fender Rhodes, piano, contrabajo, delicados escobillazos de batería y un saxofón tenor de fraseo suave y ondulante.
Más que sonar como una colección de piezas compuestas individualmente, *Sunset Mission* se desarrolla como una extensa suite improvisada colectivamente, mostrando por igual el aporte de cada integrante. El extraordinario trabajo de teclados de Morten Gass se equilibra perfectamente con el tenor profundamente expresivo de Christoph Clöser. Sosteniendo cada tema aparecen la sutil batería de Thorsten Benning y el groove en cámara lenta del contrabajo de Robin Rodenberg.
Y aunque resulta fácil caer en la hipérbole al describir la música de Bohren, la propia banda es maestra de la contención necesaria para que este tipo de jazz funcione y conserve su poder de atracción. Se trata de un jazz lento, oscuro y exuberantemente atmosférico, ideal para una mesa al fondo de un lounge semivacío, con un cigarrillo consumiéndose lentamente más allá del filtro, mientras mentiras secretas se deslizan silenciosamente entre amantes destinados a compartir apenas una noche. https://www.allmusic.com/album/sunset-mission-mw0000065860
Review from AllMusic Buddy Morrow and a jazz orchestra cut this LP in the wake of Henry Mancini's huge success with the soundtrack to Peter Gunn, the idea being to do the same thing with similar source material. The dozen tracks (including the Peter Gunn main title theme) are all derived from the title music to popular television shows of the day and are given what can be called a light jazz treatment. Some of the material, such as George Duning and Ned Washington's theme from The Naked City and, even more so, Riff Blues, the main title music to the Mike Hammer series starring Darren McGavin, lends itself to this treatment; whereas the Dimitri TiomkinNed Washington theme from Rawhide does not (and the overdubbed cattle mooing doesn't help). There are also some genuinely peculiar and enjoyable oddities here, such as Morrow's interpretation of Parade of the Chessmen, the theme from Racket Squad, authored by Joseph Mullendore. It's a pop instrumental that comes to life in its middle section when the winds take over for a few bars, followed by the saxes. Count Basie's title theme from M-Squad becomes the basis for a great sax and trumpet showcase. Perhaps the biggest surprise is the Sea Hunt theme by Ray Llewelyn, which, despite some silly wave noises at its opening, becomes a hot, moody sax workout as well as showing off some dense string passages that anticipate the music of John Barry for the James Bond movies. The forgotten series represented here also offers some rewards to the listener J. Michael Hennagin's music for the western Black Saddle allows the horns to sink their teeth into a delicious folk-like riff. Waterfront by Alexander Laszlo has a nice little sax break. And the Peter Gunn theme gets a treatment very different from Henry Mancini's own, a repetitive baritone sax part with soaring and banking brass and tenor looping overhead. The remastering emphasizes the glittering Living Stereo separation of the original release, and one only wishes that the producers could have included the names of the musicians involved beyond Buddy Morrow, with perhaps some annotation. httpswww.allmusic.comalbumimpact-mw0000535311
///////
Reseña de AllMusic Buddy Morrow y una orquesta de jazz grabaron este LP tras el enorme éxito de Henry Mancini con la banda sonora de Peter Gunn, con la idea de hacer lo mismo con material de fuente similar. Las doce pistas (incluido el tema principal de Peter Gunn) derivan todas de la música de títulos de populares programas de televisión de la época y reciben lo que puede llamarse un tratamiento de jazz ligero. Parte del material, como el tema de George Duning y Ned Washington para The Naked City y, aún más, Riff Blues, la música principal de la serie Mike Hammer protagonizada por Darren McGavin, se presta a este tratamiento; mientras que el tema de Dimitri TiomkinNed Washington para Rawhide no (y el mugido de ganado sobregrabado no ayuda). También hay algunas rarezas genuinamente peculiares y disfrutables aquí, como la interpretación de Morrow de Parade of the Chessmen, el tema de Racket Squad, autoría de Joseph Mullendore. Es un instrumental pop que cobra vida en su sección media cuando los vientos toman el control por unos compases, seguidos por los saxofones. El tema principal de Count Basie para M-Squad se convierte en la base para un gran escaparate de saxofón y trompeta. Quizás la mayor sorpresa es el tema de Sea Hunt de Ray Llewelyn, que, a pesar de algunos tontos ruidos de olas en su apertura, se convierte en un ejercicio de saxofón cálido y atmosférico, además de mostrar algunos densos pasajes de cuerdas que anticipan la música de John Barry para las películas de James Bond. Las series olvidadas representadas aquí también ofrecen algunas recompensas al oyente la música de J. Michael Hennagin para el western Black Saddle permite a los metales hincarle el diente a un delicioso riff de estilo folclórico. Waterfront de Alexander Laszlo tiene un bonito break de saxofón. Y el tema de Peter Gunn recibe un tratamiento muy diferente del propio de Henry Mancini, una parte repetitiva de saxofón barítono con metales elevándose y virando y tenor en bucle por encima. La remasterización enfatiza la brillante separación Living Stereo del lanzamiento original, y uno solo desea que los productores hubieran podido incluir los nombres de los músicos involucrados más allá de Buddy Morrow, quizás con alguna anotación. httpswww.allmusic.comalbumimpact-mw0000535311
This follow-up to 1959's Impact repeats the formula with perhaps a somewhat more cohesive selection of material, drawn primarily from detective and police shows of the period. This time out, Buddy Morrow and the orchestra jazz up (or try to) such thematic material as Men Into Space, Hawaiian Eye, Bourbon Street Beat, and The Untouchables. Bourbon Street Beat, in particular, benefits from the treatment that it receives here, very close to the original TV recording but with enough of an emphasis on New Orleans jazz and R&B to make it seem heavier and more serious. Nothing will replace Nelson Riddle's own official recording of the Untouchables theme, but Morrow and arranger Ray Martin try hard, placing an emphasis on the electric guitar. Unfortunately, some of the music here doesn't work at all, such as the barely recognizable recording of Bernard Herrmann's main theme from The Twilight Zone (in which a brief quote from other television "stock music" associated with The Adventures of Superman, appears); the rather ham-fisted adaptation of Bonanza; and the closer. And the main title music from International Detective isn't worthy of the rest of what is here. The "Living Stereo" sound has retained its luster, however, and what is worthwhile on this album is very diverting. Reissued by Spanish RCA in 1998 along with the original Impact.
Note for egroj:
In my humble opinion, Mr. Bruce Eder gives his opinion about this album with ears of this century, although it is not a sublime piece of music, it reflects an era and is very evocative.
///////
Reseña de Bruce Eder
Esta continuación del Impacto de 1959 repite la fórmula con una selección quizás algo más cohesiva de material, extraído principalmente de espectáculos de detectives y policías del período. Esta vez, Buddy Morrow y la orquesta amenizan (o intentan amenizar) material temático como Men Into Space, Hawaiian Eye, Bourbon Street Beat y The Untouchables. Bourbon Street Beat, en particular, se beneficia del tratamiento que recibe aquí, muy cercano al de la grabación original para televisión pero con suficiente énfasis en el jazz y el R&B de Nueva Orleans para que parezca más pesado y serio. Nada reemplazará la grabación oficial del tema de los Intocables del propio Nelson Riddle, pero Morrow y el arreglista Ray Martin se esfuerzan, poniendo énfasis en la guitarra eléctrica. Por desgracia, parte de la música de aquí no funciona en absoluto, como la apenas reconocible grabación del tema principal de Bernard Herrmann de The Twilight Zone (en la que aparece una breve cita de otra "música de archivo" de televisión asociada a Las aventuras de Superman); la adaptación más bien forzada de Bonanza; y el cierre. Y la música del título principal de International Detective no es digna del resto de lo que hay aquí. Sin embargo, el sonido "Living Stereo" ha conservado su brillo, y lo que vale la pena en este álbum es muy divertido. Reeditado por la RCA española en 1998 junto con el original Impact.
En mi humilde opinión,
el señor Bruce Eder opina sobre este álbum con oídos de este siglo, si bien no es
pieza musical sublime, refleja una época y es muy evocativo.
Review by Stephen Thomas Erlewine A
set of gritty electric funk and soulful blues, Down Home Style is an
excellent showcase for Brother Jack McDuff's gripping, funky style.
Inspired more by the tight grooves of Stax Records than bebop, Down Home
Style features McDuff leading a small group through a number of R&B
grooves, ranging from the stuttering "The Vibrator" and dirty funk of
"Butter (For Yo Popcorn)" to the slow blues of "Memphis in June."
Occasionally, the group is augmented by a punchy horn section, but the
record is designed as a showcase for McDuff's wild, intoxicating Hammond
organ, and he runs with the it, demonstrating every one of his tricks.
///////
Reseña de Stephen Thomas Erlewine Un
conjunto de funk eléctrico y blues conmovedor, Down Home Style es un
excelente escaparate para el estilo apasionante y funky de Brother Jack
McDuff. Inspirado más en los apretados surcos de Stax Records que en el
bebop, Down Home Style presenta a McDuff dirigiendo un pequeño grupo a
través de una serie de surcos R&B, que van desde el tartamudo "The
Vibrator" y el sucio funk de "Butter (For Yo Popcorn)" hasta el lento
blues de "Memphis in June". Ocasionalmente, el grupo se ve reforzado por
una potente sección de vientos, pero el disco está concebido como un
escaparate para el salvaje y embriagador órgano Hammond de McDuff, y
éste se desenvuelve con él, demostrando cada uno de sus trucos.
Artist Biography Ernest Ranglin was born June 19, 1932 and grew up in the small town of Robin's Hall in the Parish of Manchester, a rural community In the middle of Jamaica. Music has always claimed a special place In the Island's culture, and Ranglin's destiny was set from an early age when two of his uncles showed him the rudiments of playing the guitar. When they discovered just how good the young boy was, they bought him a ukulele. Ranglin learned how to play by imitating his uncles, but he was soon to be influenced by the recordings of the great American jazz guitarist Charlie Christian. Living in rural Jamaica, however, inhibited the boy's ambitions, which, even at the age of fourteen, were focused on music. He then moved to Kingston - the country's capital - ostensibly to finish his studies at Bodmin College. Very high on Ranglin's agenda was to seriously study the guitar; something not on the school's priorities.
His lessons came from guitar books and late-night sessions watching the Jamaican dance bands of the time: he was particularly influenced by Cecil Houdini, an unrecorded local musician. By the time he was sixteen years old, Ranglin was acknowledged as the rising young talent in the city. In 1948 he joined his first group, the Val Bennett Orchestra, playing in the local hotels. Such was Ranglin's burgeoning reputation that he soon came to the attention of rival dance bands and, by the early-Fifties, he was a member of Jamaica's best-known group, the Eric Deans Orchestra, touring around the Caribbean and as far north as the Bahamas.
The big bands gave Ranglin the hugely beneficial experience of learning how to orchestrate and arrange. The typical repertoire of the day Included tunes by Les Brown, Benny Goodman, Stan Kenton and Duke Ellington, together with Cuban music and the hot Broadway show songs. The constant tours also gave Ranglin a wider vision, meeting musicians from other traditions. Once, for instance, when he was working In Nassau his performance was heard by Les Paul, who gave Ranglin a guitar In admiration of his talents.
It was, however, back In Jamaica that his career was to be transformed by a chance meeting. In 1958 Ranglin was leading his own quintet, playing the leading hotels In Kingston and the resorts on the north of the Island. One engagement was at the Half Moon Hotel in Montego Bay, a show caught by a young would-be record producer called Chris Blackwell.
Immediately Impressed by Ranglin's extraordinary talents, Blackwell offered him the chance to make a record. The album featured a pianist called Lance Heywood on one side with Ernest Ranglin on the other: It was the very first release by Island Records and the start of a long association between Ranglin and Blackwell.
By the following year, 1959, Ranglin had joined the bassist Cluett Johnson in a studio group called Clue J and His Blues Blasters. This was a very different kind of style to the big bands. Jamaican music was in a state of flux, the traditional mento superseded by a tough urban stance influenced by the pervading sounds of American R&B. Johnson and Ranglin recorded several instrumentals for producer Clement 'Coxsone' Dodd at Federal - the only real studio facility on the island. The first of these tunes, Shuffling Bug, is widely regarded as the first example of ska, the shuffle rhythm which exaggerated the 'jump beat' heard on New Orleans' R&B records of the Fifties. Ska became the bedrock of Jamaican popular music, leading to rock steady, reggae, ragga and all the innovations the island has brought into the global mainstream.
Ranglin's fluent and versatile guitar style, coupled with his arrangement skills, meant he was in constant demand right through the ska era. In addition to his work with Prince Buster and Baba Brooks, Ranglin was also remembered by Chris Blackwell who, in 1962, had launched Island Records in Britain. Blackwell had a song he thought could be a pop smash. He also had a young Jamaican singer called Millie, who'd previously recorded some sides for Coxsone Dodd. In 1964 Blackwell brought both Millie and Ranglin to London; they recorded My Boy Lollipop which, in the spring of that year, reached number two in the UK chart. It went on to become a worldwide hit, the first time ska had infiltrated into the vocabulary of pop music.
In recent years, Ernest Ranglin has gone back to his roots and has made various cross cultural collaborations and concept albums. On Below the Bassline he covers some of the greatest songs of the rock and roll era. Memories of Barber Mack is Ernest Ranglin's tribute to the late Jamaican saxophonist Barber Mack. The Search of the Lost Riddim album took Ernest Ranglin to Senegal for his first visit since the mid 1970's when he toured as part of the Jimmy Cliff band. These recording sessions represent the accomplishment of a dream he had cherished for over 20 years: returning to Africa to record with African musicians. Modern Answers to Old Problems is an adventuresome mix of jazz sophistication and Afro-pop syncopation, and finaly his last album Gotcha! shows what a perfect instrumentalist Ernest realy is. https://musicians.allaboutjazz.com/ernestranglin
///////
Biografía del artista Ernest Ranglin nació el 19 de junio de 1932 y creció en el pequeño pueblo de Robin's Hall en la Parroquia de Manchester, una comunidad rural en el centro de Jamaica. La música siempre ha ocupado un lugar especial en la cultura de la isla, y el destino de Ranglin se fijó desde muy joven cuando dos de sus tíos le enseñaron los rudimentos de tocar la guitarra. Cuando descubrieron lo bueno que era el joven, le compraron un ukelele. Ranglin aprendió a tocar imitando a sus tíos, pero pronto se vio influenciado por las grabaciones del gran guitarrista de jazz estadounidense Charlie Christian. Sin embargo, vivir en la Jamaica rural inhibió las ambiciones del niño, que, incluso a la edad de catorce años, se centraban en la música. Luego se trasladó a Kingston, la capital del país, aparentemente para terminar sus estudios en el Bodmin College. Lo más importante en la agenda de Ranglin era estudiar seriamente la guitarra, algo que no estaba entre las prioridades de la escuela.
Sus lecciones provenían de libros de guitarra y sesiones nocturnas para ver las bandas de baile jamaicanas de la época: estaba particularmente influenciado por Cecil Houdini, un músico local no registrado. Para cuando tenía dieciséis años, Ranglin era reconocido como el joven talento en ascenso en la ciudad. En 1948 se unió a su primer grupo, la Val Bennett Orchestra, tocando en los hoteles locales. Tal era la creciente reputación de Ranglin que pronto llamó la atención de las bandas de baile rivales y, a principios de los años cincuenta, era miembro del grupo más conocido de Jamaica, la Eric Deans Orchestra, que viajaba por el Caribe y por el norte hasta las Bahamas.
Las grandes bandas le dieron a Ranglin la experiencia enormemente beneficiosa de aprender a orquestar y arreglar. El repertorio típico del día incluía temas de Les Brown, Benny Goodman, Stan Kenton y Duke Ellington, junto con música cubana y las canciones calientes del show de Broadway. Las constantes giras también le dieron a Ranglin una visión más amplia, conociendo a músicos de otras tradiciones. Una vez, por ejemplo, cuando trabajaba en Nassau, su actuación fue escuchada por Les Paul, que le regaló a Ranglin una guitarra en admiración por su talento.
Sin embargo, fue en Jamaica donde su carrera fue transformada por un encuentro casual. En 1958 Ranglin lideraba su propio quinteto, tocando en los principales hoteles de Kingston y en los resorts del norte de la isla. Un compromiso fue en el Half Moon Hotel en Montego Bay, un espectáculo capturado por un joven aspirante a productor de discos llamado Chris Blackwell.
Inmediatamente impresionado por el extraordinario talento de Ranglin, Blackwell le ofreció la oportunidad de hacer un récord. El álbum presentaba a un pianista llamado Lance Heywood de un lado y Ernest Ranglin del otro: Fue el primer lanzamiento de Island Records y el comienzo de una larga asociación entre Ranglin y Blackwell.
Al año siguiente, 1959, Ranglin se había unido al bajista Cluett Johnson en un grupo de estudio llamado Clue J y His Blues Blasters. Este era un estilo muy diferente al de las grandes bandas. La música jamaicana estaba en un estado de cambio, el mento tradicional reemplazado por una dura postura urbana influenciada por los sonidos omnipresentes del R&B americano. Johnson y Ranglin grabaron varios instrumentos para el productor Clement 'Coxsone' Dodd en Federal - el único estudio real en la isla. La primera de estas canciones, Shuffling Bug, es ampliamente considerada como el primer ejemplo de ska, el ritmo de shuffle que exageraba el'jump beat' que se escuchaba en los discos de R&B de Nueva Orleans de los años cincuenta. Ska se convirtió en la base de la música popular jamaicana, llevando al rock steady, reggae, ragga y todas las innovaciones que la isla ha traído a la corriente dominante global.
El estilo fluido y versátil de la guitarra de Ranglin, junto con sus habilidades de arreglo, significaba que estaba en constante demanda a lo largo de la era del ska. Además de su trabajo con Prince Buster y Baba Brooks, Ranglin también fue recordado por Chris Blackwell quien, en 1962, había lanzado Island Records en Gran Bretaña. Blackwell tenía una canción que pensó que podría ser un éxito. También tenía una joven cantante jamaicana llamada Millie, que previamente había grabado algunos lados para Coxsone Dodd. En 1964 Blackwell trajo a Millie y Ranglin a Londres; grabaron My Boy Lollipop que, en la primavera de ese año, alcanzó el número dos en la lista de éxitos del Reino Unido. Se convirtió en un éxito mundial, la primera vez que el ska se había infiltrado en el vocabulario de la música pop.
En los últimos años, Ernest Ranglin ha vuelto a sus raíces y ha realizado varias colaboraciones interculturales y álbumes conceptuales. En Below the Bassline interpreta algunas de las mejores canciones de la era del rock and roll. Memories of Barber Mack es el tributo de Ernest Ranglin al difunto saxofonista jamaiquino Barber Mack. El álbum The Search of the Lost Riddim llevó a Ernest Ranglin a Senegal para su primera visita desde mediados de la década de 1970, cuando realizó una gira como parte de la banda de Jimmy Cliff. Estas sesiones de grabación representan la realización de un sueño que había albergado durante más de 20 años: volver a África para grabar con músicos africanos. Modern Answers to Old Problems es una mezcla aventurera de sofisticación de jazz y sincopa afro-pop, y finalmente su último álbum Gotcha! muestra lo que es un perfecto instrumentista Ernest realmente. https://musicians.allaboutjazz.com/ernestranglin Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Description from Rate Your Music review: Hopkins composed a groundbreaking score that creatively merged jazz, blues, and orchestral elements for this Tennessee Williams film adaptation directed by Elia Kazan. The soundtrack features sultry saxophone work combined with powerful symphonic arrangements, creating an innovative approach that influenced Hollywood scoring. Hopkins, working in the declining studio era alongside composers like Alex North and Elmer Bernstein, brought fresh contemporary sensibilities to traditional orchestral film music. The result is an alternately sensual and dramatic score that perfectly captured the controversial black comedy atmosphere of the original 1956 film. https://rateyourmusic.com/release/album/kenyon-hopkins/baby-doll/
///////
Descripción de la reseña de Rate Your Music: Hopkins compuso una partitura innovadora que fusionó creativamente jazz, blues y elementos orquestales para esta adaptación cinematográfica de Tennessee Williams dirigida por Elia Kazan. La banda sonora presenta trabajo de saxofón sensual combinado con poderosos arreglos sinfónicos, creando un enfoque innovador que influyó en la música para cine de Hollywood. Hopkins, trabajando en la era de declive del sistema de estudios junto a compositores como Alex North y Elmer Bernstein, aportó frescas sensibilidades contemporáneas a la música orquestal tradicional para cine. El resultado es una partitura alternativamente sensual y dramática que capturó perfectamente la atmósfera controversial de comedia negra de la película original de 1956. https://rateyourmusic.com/release/album/kenyon-hopkins/baby-doll/
A wide variety of Hammond blues delicacies that can bring you to tears.
Enjoy Barbara's great blues feeling and her incomparable sound at her
Hammond organ with its infinite range of expressive possibilities. No
one does the Blues like Barbara!
Album Notes
CD "Best Of Blues : Through The Years"
Barbara Dennerlein - Hammond Organ Solo & with band
As the title of the new CD "Best Of Blues: Through The Years" by Barbara
Dennerlein already reveals, it is all about "Blues" in the widest
sense. Thus, the CD assembles a fine selection of blues titles, which
Barbara has composed during her career and recorded solo as well as
accompanied with different instrumentations. This new CD, therefore, is
Barbara’s answer to her concert audience’s frequently expressed desire,
to dedicate an entire album specifically to her "Blüser".
"Blues," says Barbara, "is incredibly diverse and can be played in so
many different ways. Ever since I first sat down at the organ, the Blues
has been, and to this day remains, my companion. No matter what I play,
the Blues feeling is perceptible in every moment in my music. The Blues
is a source of inspiration and expression of my deepest feelings."
In listening to Barbara perform, it is obvious that she has the blues in
her blood. She masterfully coaxes Blue Notes from her beloved
Hammond-B3, whether in wonderfully sensitive slow blues or in uptempo
bebop blues. Her intense blues feeling and her versatility come to the
fore in this compilation, where she celebrates the most different kinds
of blues. Barbara, embraces blues styles, from traditional down-to-earth
blues, boogie, swing, bebop and funky blues, to the experimental
processing of the blues, as in the intro of "Frog Dance", where she
conjures fascinating, ethereal sounds as she plays with the drawbars of
her Hammond organ.
And then there’s Barbara’s virtuoso pedal technique, a technique so
impressive that all recordings on this CD, many having complex bass
passages, feature only Barbara’s pedal bass. She creates a kind of
rhythmic triptych, playing melody, accompaniment and bass, completely
independently to create her own groove. Under Barbara’s magic fingers,
the legendary Hammond B3 comes alive.
This CD contains nine recordings from the period 1985 to 2014 in
different instrumentations from solo to quintet. The album contains both
studio and live recordings.
The album represents a kind of documentary of over the thirty years of
history of "Bebab Records", Barbara’s own record company she started in
1985. Regardless of her productions on such renowned labels as Enja,
Universal / Verve, or Edel / MPS, it is Barbara’s own Bebab Label that
continues to guarantee Barbara Dennerlein’s artistic freedom without
restriction.
Title list with line-ups:
01 Organ Boogie 6:4 (Trio with Peter Lehel sax, Marcel Gustke dr)
02 Stormy Weather Blues 9:28 (Solo)
03 Tribute To Charlie 7:13 (Quintett with Alan Praskin as, Jürgen Seefelder ts, Hermann Breuer tb, Joe Nay dr)
04 Rankett Blues 9:02 (Duo with Daniel Messina dr)
05 Frog Dance 10:05 (Solo)
06 Bebabaloo 7:30 (Trio with Peter Lehel sax, Marcel Gustke dr)
07 Black And White 5:09 (Solo)
08 Funkish 4:10 (Duo with Daniel Messina dr)
09 This Old Fairy-Tale 4:11 (Trio with Christoph Widmoser git, Andreas Witte dr)
All songs composed by Barbara Dennerlein
Bio:
Barbara Dennerlein: Internationally celebrated Hammond & Pipe Organ virtuoso.
Her CDs have won numerous awards, including the German Record Critics
Award. Her CD "Take Off" (Verve/Universal) even reached number 1 in the
jazz charts and was the best-selling German jazz album of the year.
Barbara Dennerlein belongs to the small circle of German artists of
international repute. On her recordings and in her concerts, she stands
out as a member of a new generation of jazz musicians, and is regarded
by her peers and her audiences alike as one of the leading
representatives of her instruments: the legendary Hammond B3, and the
mighty pipe organ.
It is an awe-inspiring experience to watch Barbara live on stage. As the
most important and most successful German jazz export, she is familiar
with large international festival stages and intimate clubs alike. A
list of venues where she has wowed audiences is as varied as it is long:
the "Blue Note" and the "Sweet Basil" in New York, "Ronnie Scott's
Club" and the "Jazz Café" in London and the "Blue Note" in Tokyo;
Philadelphia, Berkley, San Jose, San Diego; the Montreal, Vancouver,
Toronto, Edmonton, and Victoria jazz festivals; European festivals in
The Hague, the North Sea Jazz Festival in the Netherlands, the Pori Jazz
Festival in Finland, the Molde Jazz in Norway, the Arhus Jazz Festival
in Denmark, the Maastricht-Kortrijk Festival in Belgium, the Vitoria
Festival de Jazz in Spain, and German festivals in Berlin, Frankfurt,
Leverkusen, Nuremberg, Vilshofen, Burghausen, Freiburg, Hamburg, Hanover
and many others. Besides her nearly endless live performances, Barbara
has made numerous appearances on both domestic and international radio
and TV.
Both with her own "Bebab" group and solo, Barbara is equally celebrated
by critics and audiences alike on both sides of the Atlantic. The name
"Bebab" is a play on "Bebop" and "Barbara" and indicates something
unique for which there is no established term, no pigeonhole. She knows
the value of tradition but is also at home in modern jazz, in the here
and now. She is one of the few musicians who can make the connection
between different styles and audiences, building bridges between the
musical past and present. She is just as familiar with the grooves of
youth culture as with the listening experiences of a generation that
grew up with the Hammond organ boom of the fifties.
Swing, bebop, blues, soul, latin and funk - for Barbara there are no
rigid boundaries, only fluid transitions. Audiences are captivated by
her talent, her absolute mastery of the instrument, her taste, and not
least, her warm personality. The B3, it would seem, is a seamless
extension of herself. She understands better than anyone how to exploit
her instrument to the full, creating a sound and a musical style that is
unmistakably “Barbara Dennerlein”.
Her brilliant technique has breathed new life into the venerable Hammond
organ, an instrument long neglected in modern jazz. She can rightfully
claim to have paved the way for the organ’s current renaissance in jazz.
Born in Munich in 1964, she fell in love with one sound at an early age.
While others were practicing "Für Elise" or strumming "All You Need Is
Love" on the guitar, Barbara was fascinated by the sound of the Hammond
organ.
She was eleven when the first home organ became part of the Dennerlein
household. Her father, himself an organ fan, was acting a little bit out
of self-interest when he bought the Christmas present. If Barbara lost
interest, he could always play it himself! But it all turned out quite
differently. Barbara never took her hands off the instrument again. And
things didn’t stop there either. The fourth instrument on which Barbara
indulged in her passion was the “Holy Grail” of organs: an original
Hammond long since out of production – the legendary Hammond B3.
And so began Barbara’s own journey of discovery into the world of music.
In addition to studying the classical repertoire of standards, she
began to compose her own numbers very early on. Following first
performances as a thirteen-year-old, she began to play in clubs at the
age of fifteen. In the early eighties she was already celebrated as the
"organ tornado from Munich". Later on, "Harper's Bazar" wondered: "How
did this Fräulein get so funky?“ and the Los Angeles Times headlined
with: "German Organist Pumps You Up".
For years, Barbara has topped critics’ polls in American jazz magazines
and can call a worldwide community of devoted jazz friends her own. Yet
through all this she has remained modest and uncomplicated, like the
proverbial "girl next door", never failing to mention the support of her
parents in interviews, and seeking emotional closeness to her audience
as she takes them on a musical journey of discovery beyond the usual
boundaries of fixed stylistic definitions. "To me", says Barbara," jazz
is a synonym for freedom. Freedom from prejudice and discrimination,
freedom from constraints and convention. This is my own definition of
jazz that I want to convey to the listener. Whether young or old,
traditionalist or modernist, jazz fan or non-jazz fan.“
Watching her perform, it is obvious that Barbara is a perfectionist, but
clearly she is anything but a soulless technician. She attaches the
greatest importance to musical integration in the collective. Her live
bands play superbly together. Her CD productions feature hand-picked
line-ups of prominent musicians versed in different styles; first rate
musicians like Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker,
Jeff "Tain" Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David
Sanchez, Roy Hargrove, Bob Berg and Dennis Chambers.
Critical to her early success, was the support of respected record
labels. Barbara’s albums have been released by, among others, the
prestigious labels Enja ("Straight Ahead", "Hot Stuff" and "That’s Me")
and more recently, Verve ("Take Off", "Junkanoo", and "Outhipped"). But
early on, Barbara also established her own Label, Bebab Records, and has
released numerous CDs over the years on Bebab as well.
To take the B3 beyond its traditional sound, Barbara combines her
instrument with samplers and synthesizers using MIDI technology, which
provides her with even more orchestral sounds. However, she never drifts
off into some abstract musical science fiction but remains
down-to-earth and groove-oriented. Despite her virtuosity, what matters
to her most is intensity and communication with her musicians and her
audience. Expressive ballads suit her just as well as high-speed
escapades over the keys, or funky grooves. What’s more, this energetic
improviser also has made a name for herself with her own unmistakable
compositions.
In 2001 Barbara set out in a new direction and released "Love Letters"
on Bebab Records - a musical declaration of love with a multitude of
emotions that gets under your skin and takes you on a journey into
diverse musical worlds, and unique grooves and enthralling soundscapes.
This was just another step in the development of an artist who never
stands still and who continues to seek new challenges and directions in
her music. This CD, recorded as a duo, is the result of many years of
very intensive, creative collaboration with her drummer and
percussionist.
In 2004 Barbara gave musical expression to her innermost thoughts and
aspirations and captured these on a strikingly original and very
personal CD. "In a Silent Mood" is a revealing and fascinating insight
into her musical personality. Playing in her studio alone and free from
interruptions or interference, Barbara really shines in this
introspective solo CD performance. She augments the wonderful classic B3
sound with tasteful and subtle synthesizer and sampler sounds, all
played "straight" with no studio tricks or overdubs.
If there is one thing that sets Barbara apart from all other Hammond B3
artists, it is her stunning bass pedal work that has to be seen to be
believed. Listeners have often assumed she is accompanied by a bassist,
but in reality those complex bass lines are Barbara’s blindingly fast
left foot. No one has even come close to matching her stunning bass
pedal work! "The bass pedals are absolutely crucial to my way of playing
the Hammond", says Barbara. "They enable me to develop a very special
rhythmic structure which cannot easily be imitated by a bass player,
because together with the two manuals I have a kind of rhythmic triptych
at my disposal".
Equally unforgettable are the unique concerts with legendary pianist
Friedrich Gulda together with Barbara on the Hammond organ in such
renowned concert halls as the Philharmonic Orchestras of Cologne and
Munich, the Brucknerhaus Linz, the Concert Hall and Musikverein in
Vienna, the Kunstverein in Bregenz, the Tonhalle in Zurich and at the
Viennese Festival Weeks. Gulda used his full musical genius to create a
symbiosis of classical music and jazz beyond all limitations of style or
genre. Barbara, who was a great friend of Friedrich Gulda’s, takes the
same approach to music in her work.
In recent years, Barbara has become increasingly in demand for TV
performances. A notable example is on New Year’s Eve 2000, when she
presented 24 hours of jazz on the German 3sat TV network, taking her
viewers on a musical journey right into 2001. On June 14th, 2007, she
dazzled viewers on the Harald Schmidt show (Germany’s equivalent of
America’s David Letterman Show). Harald’s one-word response at the end
of one piece was "Wow! "
Part of Barbara’s appeal is that she is a passionate, charming musician,
who always asks: "Do you like jazz? What is the meaning of jazz for
you?" For herself, and this is what endears her to her audience, jazz is
anything but a one-dimensional affair. " My music is as varied as my
emotions or the world I live in, which influences and inspires me. One
style or one direction would only express one small part of my musical
world."
“It’s Magic" (2005) features the tight interaction between organist and
drummer, live in concert, full of charm and humour. Barbara is really at
her best in live performances, and this CD will certainly make new
fans, even those who may be somewhat sceptical when it comes to the
music form known as "jazz".
Barbara has set out in yet another new direction, releasing her CD
"Change of Pace" (2007) also on Bebab Records. This recording of
exclusively her compositions is a collaboration between Barbara on B3
with saxophone and drums, and a full symphony orchestra: the State
Philharmonic Orchestra of Rhineland-Palatinate, under the direction of
the internationally renowned conductor Bernd Ruf. This remarkable CD
unites the classic Hammond Trio -with Barbara’s breathtaking footpedal
bass- with full symphonic orchestra to spectacular effect.
In 2010 Barbara celebrated her 35th anniversary as musician with her
Hammond Trio CD "Bebabaloo", a live album that has received several
press awards. With her brilliant technique and her innovative and
unmistakable style she clearly belongs to the crème de la crème of jazz.
Listening to this CD, one can easily see how she has been credited for
almost single-handedly being responsible for the recent organ
renaissance in jazz.
But there is yet another side to Barbara’s talent. Intrigued by her
first pipe organ concert at the Bach Days in Würzburg in 1994, she began
an intensive period of activity with the "queen of instruments", the
mighty pipe organ. Thanks to her complete mastery of the pedals, Barbara
has fully exploited the instrument’s immense musical potential, mainly
with works that she composed especially for it. The result is
breathtaking, proving that the ponderous and sluggish instrument can
really swing. Barbara has thrilled audiences on numerous great pipe
organs, Including the Dobson organ at the Verizon Hall at the Kimmel
Center in Philadelphia, the Torrence & Yaeger organ at Trinity
Church in New York, the Spreckels organ at Balboa Park in San Diego, the
concert organs at the Philharmonics of Kaliningrad and Jekatarinburg
and the International Performing Arts Center in Moscow, the Gewandhaus
organ in Leipzig, the Klais organs in the Munich and Cologne
Philharmonics, the Kuhn organs at the Essen Philharmonic and the
Hofkirche in Luzern/Switzerland, the Konzerthaus in Dortmund and the
Royal Opera House in Muscat/Oman, the Steinmeyer organ in the St
Michaelis church in Hamburg, the Schuke organ in the Berlin
Philharmonic, the Eisenbarth organ at the Dome of Passau, the
von-Beckerath organ in the Hanover Market church, and the organ at the
world famous Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis church, a Berlin landmark. The
listener is carried off to new worlds of sound, a mixture of jazz in the
widest sense and classical elements.
Long awaited by fans, "Spiritual Movement No.1" (Bebab 250970) was
released in 2002, recorded for the first time exclusively on the pipe
organ. A jazz passion for 2,400 pipes, recorded on the mighty Goll organ
in St. Martin’s church/Memmingen - Barbara Dennerlein has now finally
brought jazz on the pipe organ to the world.
As an encore to her critically acclaimed "Spiritual Movement No.1",
"Spiritual Movement No.2" (Bebab 250974) was released in October 2008,
and takes jazz on the mighty pipe organ to a level never before heard.
On this spectacular live recording, Barbara plays jazz compositions
–mostly her own– on the massive Schuke pipe organ, in the
Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis Church in Berlin. For those that still cannot
believe it’s possible to make this 4-manual, 5000 pipe monster really
swing, a few minutes spent listening to her ultra-cool version of
“Satisfaction” will soon convince them otherwise. Only Barbara could
take a tired old war horse like “Satisfaction” and breathe life (and
funk!) into it on an instrument most people associate only with church
music!
"Spiritual Movement No.3" (Bebab 250976), the third in the ”Spiritual
Movement” series, was released in 2012. This CD is a fascinating duo
performance: a live recording of pipe organ and guitar, with surprising,
yet tastefully subtle synthesizer accompaniment. Once again, most of
the pieces are Barbara’s own compositions, but with a nod to jazz
tradition, listeners are treated to the old Dizzy Gillespie favorite
“Tin Tin Deo”. With this remarkable CD, Barbara works her magic,
creating sublime sounds and delicate grooves, evoking a marvelous
mélange of spirituality and down to earth “cool”.
2014 brought “Barbara Dennerlein’s Blues & Latin Project”, in which
she presented the Argentinian flamenco guitarist Hernan Romero, and two
DVD releases on Arthaus, presenting two of her live performances
together with Friedrich Gulda. One of them Gulda himself titled “I love
Barbara, I love Mozart”.
Three new productions appeared in 2015. Barbara composed and played the
almost seventy-minute-long film score for the "The Big Picture", an
experimental film whose impressive effect is achieved solely through the
fascinating, partly alienated nature shots and the music. A concert
recording (Hammond and drums) was released as a high-quality vinyl
production on the Bauer-Neuklang label (the label of the famous
Ludwigsburg-based Tonstudio Bauer). At the end of the year, Barbara
delighted her fans with a remarkable Christmas CD in collaboration with
the Italian producer Nicola Conte and an international cast released on
the legendary MPS label.
2016 clearly showed that Barbara has no intentions to slow down, with
the release on her Bebab label, of her new CD “My Moments” together with
accompanying DVD. This live concert is the first album where Barbara
plays both instruments: the huge 203 stop Woehl pipe organ in Piteå
(Sweden), and the her first love, the Hammond organ. With the DVD that
accompanies this new CD, Barbara’s fans can also see the magic of
Barbara in concert, in their own living room.
Whether playing the B3 or the pipe organ; whether playing solo, or in
duo, trio, quartet, quintet, or even with full orchestra backup, Barbara
Dennerlein is in a class of her own; she is without question the First
Lady of the organ.
https://store.cdbaby.com/cd/barbaradennerlein5
///////
Una gran variedad de delicias de Hammond blues que pueden hacer que
llores. Disfruta del gran sentimiento blues de Barbara y de su
incomparable sonido en su órgano Hammond con su infinita gama de
posibilidades expresivas. ¡Nadie hace el Blues como Barbara!
Notas del álbum
CD "Best Of Blues : Through The Years"
Barbara Dennerlein - Hammond Organ Solo y con banda
Como título del nuevo CD "Best Of Blues: Through The Years" de Barbara
Dennerlein ya revela que se trata de "Blues" en el sentido más amplio.
Así, el CD reúne una fina selección de títulos de blues, que Barbara ha
compuesto a lo largo de su carrera y que ha grabado en solitario y
acompañado con diferentes instrumentos. Este nuevo CD, por lo tanto, es
la respuesta de Barbara al deseo expresado con frecuencia por el público
de su concierto de dedicar un álbum entero específicamente a su
"Blüser".
"El blues", dice Barbara, "es increíblemente diverso y se puede tocar de
muchas maneras diferentes. Desde que me senté al órgano, el Blues ha
sido, y hasta el día de hoy sigue siendo, mi compañero. No importa lo
que toque, el sentimiento Blues es perceptible en cada momento de mi
música. "El Blues es una fuente de inspiración y expresión de mis
sentimientos más profundos".
Al escuchar a Barbara tocar, es obvio que tiene el blues en la sangre.
Con maestría convence a Blue Notes de su amado Hammond-B3, ya sea en un
blues lento maravillosamente sensible o en un blues bebop uptempo. Su
intenso sentimiento blues y su versatilidad se destacan en este
recopilatorio, donde celebra los más diversos tipos de blues. Barbara,
abraza los estilos del blues, desde el tradicional down-to-earth blues,
boogie, swing, bebop y funky blues, hasta el procesamiento experimental
del blues, como en la introducción de "Frog Dance", donde evoca sonidos
fascinantes y etéreos mientras juega con los drawbars de su órgano
Hammond.
Y luego está la virtuosa técnica de pedaleo de Barbara, una técnica tan
impresionante que todas las grabaciones de este CD, muchas de ellas con
pasajes de bajo complejos, sólo incluyen el bajo de pedal de Barbara.
Crea una especie de tríptico rítmico, tocando melodía, acompañamiento y
bajo, de forma totalmente independiente para crear su propio ritmo. Bajo
los dedos mágicos de Barbara, el legendario Hammond B3 cobra vida.
Este CD contiene nueve grabaciones desde 1985 hasta 2014 en diferentes
instrumentos, desde solista hasta quinteto. El álbum contiene
grabaciones en estudio y en directo.
El álbum representa una especie de documental de más de treinta años de
historia de "Bebab Records", la propia compañía discográfica de Barbara
que inició en 1985. Independientemente de sus producciones en sellos tan
renombrados como Enja, Universal / Verve, o Edel / MPS, es el propio
sello Bebab Label de Barbara el que sigue garantizando la libertad
artística de Barbara Dennerlein sin restricciones.
Lista de títulos con alineaciones:
01 Organ Boogie 6:4 (Trío con saxo de Peter Lehel, Marcel Gustke dr)
02 Stormy Weather Blues 9:28 (Solo)
03 Tributo a Charlie 7:13 (Quinteto con Alan Praskin, Jürgen Seefelder ts, Hermann Breuer tb, Joe Nay dr)
04 Rankett Blues 9:02 (Dúo con Daniel Messina dr)
05 Baile de la Rana 10:05 (Solo)
06 Bebabaloo 7:30 (Trío con saxo de Peter Lehel, Marcel Gustke dr)
07 Blanco y negro 5:09 (Solo)
08 Funkish 4:10 (Dúo con Daniel Messina dr)
09 Este viejo cuento de hadas 4:11 (Trío con Christoph Widmoser git, Andreas Witte dr)
Todas las canciones compuestas por Barbara Dennerlein
Biografía:
Barbara Dennerlein: El virtuoso de Hammond & Pipe Organ.
Sus CDs han ganado numerosos premios, incluyendo el Premio de la Crítica
de Discos Alemanes. Su CD "Take Off" (Verve/Universal) alcanzó incluso
el número 1 en las listas de éxitos de ventas de jazz y fue el álbum de
jazz alemán más vendido del año. Barbara Dennerlein pertenece al pequeño
círculo de artistas alemanes de renombre internacional. En sus
grabaciones y en sus conciertos, se destaca como miembro de una nueva
generación de músicos de jazz, y es considerada por sus pares y su
público como uno de los principales representantes de sus instrumentos:
el legendario Hammond B3, y el poderoso órgano de tubos.
Es una experiencia impresionante ver a Barbara en vivo en el escenario.
Como la más importante y exitosa exportadora alemana de jazz, está
familiarizada tanto con los grandes escenarios de festivales
internacionales como con los clubes íntimos. Una lista de lugares donde
ha cautivado al público es tan variada como larga: la "Blue Note" y la
"Sweet Basil" en Nueva York, el "Ronnie Scott's Club" y el "Jazz Café"
en Londres y la "Blue Note" en Tokio; los festivales de jazz de
Montreal, Vancouver, Toronto, Edmonton, Victoria y Filadelfia, San José y
San Diego; Festivales europeos en La Haya, el Festival de Jazz del Mar
del Norte en los Países Bajos, el Festival de Jazz de Pori en Finlandia,
el Molde Jazz en Noruega, el Festival de Jazz de Arhus en Dinamarca, el
Festival de Jazz de Maastricht-Kortrijk en Bélgica, el Festival de Jazz
de Vitoria en España, y festivales alemanes en Berlín, Frankfurt,
Leverkusen, Nuremberg, Vilshofen, Burghausen, Freiburg, Hamburgo,
Hannover y muchos otros. Además de sus casi interminables actuaciones en
directo, Barbara ha hecho numerosas apariciones en la radio y la
televisión nacionales e internacionales.
Tanto con su propio grupo "Bebab" como en solitario, Barbara es
celebrada por igual por la crítica y el público de ambos lados del
Atlántico. El nombre "Bebab" es un juego de "Bebop" y "Barbara" e indica
algo único para lo que no existe un término establecido, ningún
casillero. Conoce el valor de la tradición, pero también se siente a
gusto en el jazz moderno, en el aquí y el ahora. Es uno de los pocos
músicos que puede hacer la conexión entre diferentes estilos y
audiencias, construyendo puentes entre el pasado y el presente musical.
Está tan familiarizada con los ritmos de la cultura juvenil como con las
experiencias auditivas de una generación que creció con el auge del
órgano de Hammond en los años cincuenta.
Swing, bebop, blues, soul, latin y funk - para Barbara no hay límites
rígidos, sólo transiciones fluidas. El público se siente cautivado por
su talento, su dominio absoluto del instrumento, su gusto y, no en
último término, su cálida personalidad. El B3, al parecer, es una
extensión sin fisuras de sí misma. Ella entiende mejor que nadie cómo
explotar al máximo su instrumento, creando un sonido y un estilo musical
que es inconfundiblemente "Barbara Dennerlein".
Su brillante técnica ha dado nueva vida al venerable órgano Hammond, un
instrumento largamente descuidado en el jazz moderno. Puede afirmar con
razón que ha allanado el camino para el renacimiento actual del órgano
en el jazz.
Nacida en Múnich en 1964, se enamoró de un solo sonido a una edad
temprana. Mientras otros practicaban "Für Elise" o rasgueaban "All You
Need Is Love" en la guitarra, Bárbara estaba fascinada por el sonido del
órgano Hammond.
Tenía once años cuando el primer órgano de la casa se convirtió en parte
de la casa de los Dennerlein. Su padre, que es un fanático de los
órganos, estaba actuando un poco por interés propio cuando compró el
regalo de Navidad. Si Bárbara perdiera el interés, siempre podría
tocarla él mismo. Pero todo resultó muy diferente. Bárbara nunca volvió a
quitar las manos del instrumento. Y las cosas no terminaron ahí
tampoco. El cuarto instrumento en el que Bárbara se entregó a su pasión
fue el "Santo Grial" de los órganos: un Hammond original que hace tiempo
que no está en producción: el legendario Hammond B3.
Y así comenzó el viaje de descubrimiento de Barbara en el mundo de la
música. Además de estudiar el repertorio clásico de estándares, comenzó a
componer sus propios números muy pronto. Tras sus primeras actuaciones a
la edad de trece años, comenzó a tocar en clubes a los quince años. A
principios de los años ochenta ya era celebrada como el "tornado de
órgano de Munich". Más tarde, "Harper's Bazar" se preguntó: "¿Cómo se
puso tan raro esta Fräulein?" y el Los Angeles Times con el título:
"Organista alemán te bombea".
Durante años, Barbara ha encabezado las encuestas de los críticos en las
revistas de jazz estadounidenses y puede llamar suya a una comunidad
mundial de amigos devotos del jazz. Sin embargo, a través de todo esto
ha permanecido modesta y sin complicaciones, como la proverbial "chica
de al lado", sin dejar de mencionar el apoyo de sus padres en las
entrevistas, y buscando la cercanía emocional a su público mientras los
lleva en un viaje musical de descubrimiento más allá de los límites
habituales de las definiciones estilísticas fijas. "Para mí", dice
Barbara, "el jazz es sinónimo de libertad. Libertad frente a los
prejuicios y la discriminación, libertad frente a las limitaciones y la
convención. Esta es mi propia definición de jazz que quiero transmitir
al oyente. Ya sea joven o viejo, tradicionalista o modernista, fanático
del jazz o no fanático del jazz".
Viéndola actuar, es obvio que Bárbara es una perfeccionista, pero
claramente es todo menos una técnica desalmada. Concede la máxima
importancia a la integración musical en el colectivo. Sus bandas en vivo
tocan magníficamente juntas. Sus producciones en CD incluyen una
selección de músicos prominentes versados en diferentes estilos; músicos
de primer nivel como Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy
Brecker, Jeff "Tain" Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy,
David Sanchez, Roy Hargrove, Bob Berg y Dennis Chambers.
Crítico para su éxito inicial, fue el apoyo de respetados sellos
discográficos. Los álbumes de Barbara han sido editados, entre otros,
por los prestigiosos sellos Enja ("Straight Ahead", "Hot Stuff" y
"That's Me") y, más recientemente, Verve ("Take Off", "Junkanoo" y
"Outhipped"). Pero al principio, Barbara también estableció su propio
sello discográfico, Bebab Records, y a lo largo de los años también ha
publicado numerosos discos en Bebab.
Para llevar el B3 más allá de su sonido tradicional, Barbara combina su
instrumento con samplers y sintetizadores utilizando tecnología MIDI, lo
que le proporciona aún más sonidos orquestales. Sin embargo, nunca se
adentra en una ciencia ficción musical abstracta, sino que sigue siendo
realista y orientada al groove. A pesar de su virtuosismo, lo que más le
importa es la intensidad y la comunicación con sus músicos y su
público. Las baladas expresivas le quedan tan bien como las escapadas a
alta velocidad sobre las teclas, o los ritmos funky. Además, esta
enérgica improvisadora también se ha hecho un nombre con sus propias
composiciones inconfundibles.
En 2001, Barbara tomó una nueva dirección y publicó "Love Letters" en
Bebab Records, una declaración musical de amor con una multitud de
emociones que te lleva a un viaje a diversos mundos musicales, a ritmos
únicos y a paisajes sonoros fascinantes. Este fue sólo un paso más en el
desarrollo de una artista que nunca se detiene y que continúa buscando
nuevos retos y direcciones en su música. Este CD, grabado a dúo, es el
resultado de muchos años de intensa y creativa colaboración con su
baterista y percusionista.
En 2004, Barbara dio expresión musical a sus pensamientos y aspiraciones
más íntimas y las plasmó en un CD sorprendentemente original y muy
personal. "In a Silent Mood" es una reveladora y fascinante visión de su
personalidad musical. Tocando en su estudio sola y libre de
interrupciones o interferencias, Barbara realmente brilla en esta
introspectiva actuación en solitario. Amplía el maravilloso sonido
clásico de B3 con sintetizadores y samplers sutiles y de buen gusto,
todos ellos sin trucos de estudio ni overdubs.
Si hay algo que distingue a Barbara de todos los demás artistas de
Hammond B3, es su impresionante trabajo con los pedales de bajo que hay
que ver para creer. Los oyentes a menudo han asumido que está acompañada
por un bajista, pero en realidad esas complejas líneas de bajo son el
cegador y rápido pie izquierdo de Barbara. Nadie se ha acercado a su
impresionante trabajo con los pedales de bajo! "Los pedales de bajo son
absolutamente cruciales para mi forma de tocar el Hammond", dice
Barbara. "Me permiten desarrollar una estructura rítmica muy especial
que no puede ser imitada fácilmente por un bajista, porque junto con los
dos manuales tengo una especie de tríptico rítmico a mi disposición".
Igualmente inolvidables son los conciertos únicos con el legendario
pianista Friedrich Gulda junto con Bárbara al órgano Hammond en salas de
conciertos tan renombradas como las Orquestas Filarmónicas de Colonia y
Munich, la Brucknerhaus Linz, la Sala de Conciertos y Musikverein de
Viena, la Kunstverein de Bregenz, la Tonhalle de Zúrich y las Semanas de
Festivales de Viena. Gulda utilizó todo su genio musical para crear una
simbiosis de música clásica y jazz más allá de todas las limitaciones
de estilo o género. Barbara, que fue una gran amiga de Friedrich Gulda,
adopta el mismo enfoque de la música en su trabajo.
En los últimos años, Bárbara ha crecido la demanda de actuaciones
televisivas. Un ejemplo notable es la Nochevieja del año 2000, cuando
presentó 24 horas de jazz en la cadena de televisión alemana 3sat,
llevando a sus espectadores en un viaje musical hasta el año 2001. El 14
de junio de 2007, deslumbró a los espectadores en el programa de Harald
Schmidt (el equivalente alemán del programa estadounidense David
Letterman). La respuesta de una palabra de Harald al final de una pieza
fue "¡Wow!"
Parte del atractivo de Barbara es que es una músico apasionada y
encantadora, que siempre pregunta: "¿Te gusta el jazz? ¿Cuál es el
significado del jazz para ti?" Para ella, y esto es lo que le gusta a su
público, el jazz es todo menos un asunto unidimensional. "Mi música es
tan variada como mis emociones o el mundo en el que vivo, lo que me
influye e inspira. Un estilo o una dirección sólo expresarían una
pequeña parte de mi mundo musical".
"It's Magic" (2005) presenta la estrecha interacción entre organista y
batería, en directo y en concierto, llena de encanto y humor. Barbara se
encuentra en su mejor momento en sus actuaciones en vivo, y este CD
seguramente hará nuevos fans, incluso aquellos que pueden ser algo
escépticos cuando se trata de la forma de música conocida como "jazz".
Barbara ha tomado una nueva dirección, lanzando su CD "Change of Pace"
(2007) también en Bebab Records. Esta grabación de sus composiciones en
exclusiva es una colaboración entre Barbara on B3 con saxofón y batería,
y una orquesta sinfónica completa: la State Philharmonic Orchestra of
Rhineland-Palatinate, bajo la dirección del director de orquesta de
renombre internacional Bernd Ruf. Este notable CD une el clásico Hammond
Trio -con el impresionante bajo de pedal de Barbara- con una orquesta
sinfónica completa con un efecto espectacular.
En 2010 Barbara celebró su 35 aniversario como músico con su CD
"Bebabaloo" de Hammond Trio, un álbum en vivo que ha recibido varios
premios de la prensa. Con su brillante técnica y su estilo innovador e
inconfundible, pertenece claramente a la crème de la crème del jazz.
Escuchando este CD, se puede ver fácilmente cómo se le atribuye el haber
sido responsable casi sola del reciente renacimiento del órgano en el
jazz.
Pero hay otro lado del talento de Barbara. Intrigada por su primer
concierto de órgano de tubos en los Días de Bach en Würzburg en 1994,
comenzó un período intensivo de actividad con la "reina de los
instrumentos", el poderoso órgano de tubos. Gracias a su completo
dominio de los pedales, Barbara ha explotado al máximo el inmenso
potencial musical del instrumento, principalmente con obras que compuso
especialmente para él. El resultado es impresionante, demostrando que el
pesado y lento instrumento puede realmente oscilar. Bárbara ha
deleitado al público con numerosos grandes órganos de tubos, incluyendo
el órgano Dobson en el Verizon Hall del Kimmel Center de Filadelfia, el
órgano Torrence & Yaeger en la Trinity Church de Nueva York, el
órgano Spreckels en el Balboa Park de San Diego, los órganos de
concierto de la Filarmónica de Kaliningrado y Jekatarinburg y el Centro
Internacional de Artes Escénicas de Moscú, el órgano Gewandhaus de
Leipzig, los órganos Klais de la Filarmónica de Múnich y de la
Filarmónica de Colonia, los órganos Kuhn de la Filarmónica de Essen y de
la Hofkirche de Lucerna/Suiza, el Konzerthaus de Dortmund y la Ópera
Real de Muscat/Oman, el órgano Steinmeyer de la iglesia de San Miguel en
Hamburgo, el órgano Schuke de la Filarmónica de Berlín, el órgano
Eisenbarth de la Cúpula de Passau, el órgano von-Beckerath de la iglesia
del Mercado de Hannover y el órgano de la iglesia
Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis de renombre mundial. El oyente es llevado a
nuevos mundos del sonido, una mezcla de jazz en el sentido más amplio y
elementos clásicos.
Muy esperado por los fans, "Movimiento Espiritual No. 1" (Bebab 250970)
fue lanzado en 2002, grabado por primera vez exclusivamente en el órgano
de tubos. Una pasión por el jazz de 2.400 tubos, grabada en el poderoso
órgano Goll de la iglesia St. Martin's/Memmingen - Barbara Dennerlein
ha llevado por fin el jazz en el órgano de tubos al mundo.
Como un bis a su aclamado "Movimiento Espiritual No.1", "Movimiento
Espiritual No.2" (Bebab 250974) fue lanzado en octubre de 2008, y lleva
el jazz en el poderoso órgano de tubos a un nivel nunca antes escuchado.
En esta espectacular grabación en vivo, Barbara toca composiciones de
jazz -sobre todo las suyas propias- en el enorme órgano de tubos de
Schuke, en la iglesia Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis de Berlín. Para aquellos
que todavía no pueden creer que es posible hacer que este monstruo de 4
manuales y 5.000 tubos se balancee realmente, unos minutos escuchando
su versión ultra-cool de "Satisfacción" pronto les convencerán de lo
contrario. Sólo Bárbara podía tomar un viejo y cansado caballo de guerra
como "Satisfacción" y darle vida (¡y funk!) con un instrumento que la
mayoría de la gente asocia sólo con la música de la iglesia.
El "Movimiento Espiritual No. 3" (Bebab 250976), el tercero de la serie
"Movimiento Espiritual", fue lanzado en 2012. Este CD es un dúo
fascinante: una grabación en vivo de órgano de tubos y guitarra, con un
acompañamiento de sintetizador sorprendente, pero sutil y con buen
gusto. Una vez más, la mayoría de las piezas son composiciones propias
de Barbara, pero con un guiño a la tradición del jazz, los oyentes se
deleitan con el viejo favorito de Dizzy Gillespie "Tin Tin Deo". Con
este notable CD, Barbara hace su magia, creando sonidos sublimes y
ritmos delicados, evocando una maravillosa mezcla de espiritualidad y
"cool" con los pies en la tierra.
2014 trajo "Barbara Dennerlein's Blues & Latin Project", en el que
presentó al guitarrista flamenco argentino Hernán Romero, y dos
lanzamientos en DVD sobre Arthaus, presentando dos de sus actuaciones en
directo junto a Friedrich Gulda. Uno de ellos, el propio Gulda, dijo:
"Amo a Bárbara, amo a Mozart".
Tres nuevas producciones aparecieron en 2015. Barbara compuso y tocó la
banda sonora de casi setenta minutos para la película "The Big Picture",
una película experimental cuyo impresionante efecto se logra únicamente
a través de las fascinantes tomas de la naturaleza, en parte alienadas,
y la música. Una grabación de concierto (Hammond y batería) fue lanzada
como una producción de vinilo de alta calidad en el sello
Bauer-Neuklang (el sello del famoso Tonstudio Bauer de Ludwigsburgo). A
finales de año, Barbara deleitó a sus fans con un notable CD de Navidad
en colaboración con el productor italiano Nicola Conte y un reparto
internacional editado en el legendario sello MPS.
2016 demostró claramente que Bárbara no tiene intenciones de ralentizar,
con la publicación en su sello Bebab, de su nuevo CD "My Moments" junto
con el DVD que lo acompaña. Este concierto en vivo es el primer álbum
en el que Barbara toca ambos instrumentos: el enorme órgano de tubos 203
stop Woehl en Piteå (Suecia), y su primer amor, el órgano Hammond. Con
el DVD que acompaña a este nuevo CD, los fans de Barbara también pueden
ver la magia de Barbara en concierto, en su propia sala de estar.
Ya sea tocando el B3 o el órgano de tubos; ya sea sola o en dúo, trío,
cuarteto, quinteto o incluso con el apoyo de una orquesta completa,
Barbara Dennerlein está en su propia clase; ella es, sin duda, la
Primera Dama del órgano.
https://store.cdbaby.com/cd/barbaradennerlein5
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Guitarist and harmonica player Frank Frost was essentially an Arkansas version of Jimmy Reed when he hooked up with drummer Sam Carr in the early '50s. Carr, the son of bluesman Robert Nighthawk, and Frost worked in Nighthawk's band for several years before striking out as a duo in the early '60s, and when they added guitar player and bassist Jack Johnson in 1962, they became the Jelly Roll Kings (although they wouldn't use the name for a couple of years yet). Working the Reed side of the street with a distinct Mississippi juke-joint feel, the Kings recorded for the Sun, Jewel, and Earwig labels before Johnson left in the late '80s -- the original trio reunited in 1997 for Fat Possum's Off Yonders Wall -- after which Frost and Carr began working with an ever-rotating cast of guitarists, one of whom was Fred James. James ran tape on the Kings in Helena, AR, in 1998 for an album that was eventually released as The Jelly Roll Kings on Hightone Records a year later in 1999. James also released on his own R.O.A.D. Records a live Jelly Roll Kings set recorded by a Swiss radio crew at the 1993 Lucerne Blues Festival. This collection is made up of outtakes and alternates from the Helena sessions (the first ten tracks) and a few stray songs from the Lucerne gig (the last five tracks). There are no real surprises, since with the Kings what you got was what you got, and that generally meant no-frills Southern juke-joint jams with plenty of harp breaks from Frost. Highlights here include the lead track, "Better Take It Slow," the spunky "Done with You," and the majestic and ragged "St. Louis Serenade."
El guitarrista y armonicista Frank Frost era esencialmente una versión de Arkansas de Jimmy Reed cuando se juntó con el baterista Sam Carr a principios de los 50. Carr, el hijo del bluesman Robert Nighthawk, y Frost trabajaron en la banda de Nighthawk durante varios años antes de formar un dúo a principios de los 60, y cuando añadieron al guitarrista y bajista Jack Johnson en 1962, se convirtieron en los Jelly Roll Kings (aunque no usarían el nombre hasta dentro de un par de años). Trabajando en el lado de la calle Reed con un distintivo estilo de juke-joint de Mississippi, los Kings grabaron para los sellos Sun, Jewel y Earwig antes de que Johnson se fuera a finales de los 80 - el trío original se reunió en 1997 para Off Yonders Wall de Fat Possum - después de lo cual Frost y Carr empezaron a trabajar con un elenco de guitarristas siempre en rotación, uno de los cuales era Fred James. James grabó una cinta de los Kings en Helena, AR, en 1998 para un álbum que fue finalmente lanzado como The Jelly Roll Kings en Hightone Records un año más tarde en 1999. James también lanzó en su propio R.O.A.D. Records un set de Jelly Roll Kings en vivo grabado por un equipo de radio suizo en el Festival de Blues de Lucerna de 1993. Esta colección está compuesta por tomas y alternancias de las sesiones de Helena (los diez primeros temas) y algunas canciones sueltas del concierto de Lucerna (los cinco últimos temas). No hay sorpresas reales, ya que con los Kings lo que tienes es lo que tienes, y eso generalmente significaba un montón de improvisaciones sureñas con muchas rupturas de arpa de Frost. Lo más destacado aquí incluye la pista principal, "Better Take It Slow", el valiente "Done with You", y la majestuosa y andrajosa "St. Louis Serenade".
