Wednesday, April 1, 2026
Randy Weston • Marrakech In The Cool Of The Evening
Biography
Placing acclaimed pianist Randy Weston into narrow, bop-derived
categories only tells part of the story of this restless musician.
Starting with the gospel of bop according to Thelonious Monk, Weston
emerged in the early '50s with a series of albums on the Riverside label
and dates playing alongside such luminaries as Kenny Dorham and Cecil
Payne. A virtuosic player, he also made his mark as a composer, writing
songs like "Saucer Eyes," "Pam's Waltz," "Little Niles," and his most
recognizable composition, "Hi-Fly." From the '60s onward, he spent much
of his time in Africa, living in Morocco and traveling throughout the
continent. He gradually absorbed the letter and spirit of African and
Caribbean rhythms and tunes, welding everything together into a
searching, energizing, often celebratory blend. Over the years, his
wide-ranging artistry garnered numerous accolades, including two Grammy
Award nominations, an NEA Jazz Masters Fellowship, and a 2014 Doris Duke
Award.
Growing up in Brooklyn, Weston was surrounded by a rich musical
community: he knew Max Roach, Cecil Payne, and Duke Jordan; Eddie
Heywood lived across the street; Wynton Kelly was a cousin. Most
influential of all was Monk, who tutored Weston upon visits to his
apartment. Weston began working professionally in R&B bands in the
late '40s before playing in the bebop outfits of Payne and Kenny Dorham.
After signing with Riverside in 1954, Weston led his own trios and
quartets and attained a prominent reputation as a composer, contributing
jazz standards like "Hi-Fly" and "Little Niles" to the repertoire and
releasing albums like Jazz á la Bohemia, The Modern Art of Jazz, and New
Faces at Newport. He also met arranger Melba Liston, who collaborated
with Weston off and on from the late '50s into the 1990s.
Weston's interest in his roots was stimulated by extended stays in
Africa; he visited Nigeria in 1961 and 1963, during which time he issued
albums like Highlife: Music from the New African Nations, Randy!, and
African Cookbook. He lived in Morocco from 1968 to 1973 following a
tour, and subsequently remained fascinated with the music and spiritual
values of the continent. In the '70s, Weston made recordings for
Arista-Freedom, Polydor, and CTI while maintaining a peripatetic touring
existence, mostly in Europe. His albums like Blue Moses, Tanjah (which
earned him his first Grammy nomination in 1973), and Perspective found
him continuing to incorporate African influences along with funk and
soul-jazz, while moving between large-ensemble and small-group sets.
However, starting in the late '80s, after a period when his recording
had slowed, Weston's visibility in the U.S. skyrocketed with an
extraordinarily productive period in the studios for Antilles and Verve.
His highly eclectic recording projects included a trilogy of "Portrait"
albums depicting Ellington, Monk, and himself; The Spirits of Our
Ancestors, an ambitious two-CD work rooted in African music; a blues
album; and a Grammy-nominated collaboration with the Gnawa Musicians of
Morocco. Weston's fascination with the music of Africa continued on such
works as 2003's Spirit! The Power of Music, 2004's Nuit Africaine, and
2006's Zep Tepi by Weston and his African Rhythms Trio.
In 2010, Weston released the live album The Storyteller, which featured
the then 84-year-old pianist in concert at Dizzy's Club Coca-Cola as
part of Jazz at Lincoln Center. Three years later, he paired with Billy
Harper for The Roots of the Blues. The African Nubian Suite, an
ambitious project conceptualized around Africa's heritage as the
birthplace of humanity and civilization, followed in 2016. Weston issued
the solo piano album Sound in 2018. On September 1 of that year, he
died at his home in Brooklyn at the age of 92.
///////
Biografía
Colocar al aclamado pianista Randy Weston en categorías estrechas,
derivadas del bop, sólo cuenta parte de la historia de este músico
inquieto. Comenzando con el evangelio del bop según Thelonious Monk,
Weston surgió a principios de los años 50 con una serie de álbumes en el
sello Riverside y fechas tocando junto a luminarias como Kenny Dorham y
Cecil Payne. Un virtuoso intérprete, también dejó su huella como
compositor, escribiendo canciones como "Saucer Eyes", "Pam's Waltz",
"Little Niles", y su composición más reconocida, "Hi-Fly". A partir de
los años 60, pasó gran parte de su tiempo en África, viviendo en
Marruecos y viajando por todo el continente. Poco a poco fue absorbiendo
la letra y el espíritu de los ritmos y melodías africanas y caribeñas,
uniéndolo todo en una mezcla de búsqueda, energía y, a menudo,
celebración. A lo largo de los años, su amplia y variada maestría obtuvo
numerosos galardones, incluyendo dos nominaciones a los premios Grammy,
una beca NEA Jazz Masters Fellowship y un premio Doris Duke en 2014.
Creciendo en Brooklyn, Weston estaba rodeado de una rica comunidad
musical: conocía a Max Roach, Cecil Payne y Duke Jordan; Eddie Heywood
vivía al otro lado de la calle; Wynton Kelly era un primo. El más
influyente de todos fue Monk, quien dio clases a Weston durante las
visitas a su apartamento. Weston comenzó a trabajar profesionalmente en
bandas de R&B a finales de los años 40 antes de tocar en los trajes
de bebop de Payne y Kenny Dorham. Después de firmar con Riverside en
1954, Weston dirigió sus propios tríos y cuartetos y alcanzó una
reputación prominente como compositor, contribuyendo con estándares de
jazz como "Hi-Fly" y "Little Niles" al repertorio y lanzando álbumes
como Jazz á la Bohemia, The Modern Art of Jazz, y New Faces at Newport.
También conoció al arreglista Melba Liston, que colaboró con Weston
desde finales de los años 50 hasta los años 90.
El interés de Weston por sus raíces fue estimulado por largas estancias
en África; visitó Nigeria en 1961 y 1963, tiempo durante el cual publicó
álbumes como Highlife: Música de las Nuevas Naciones Africanas, Randy! y
African Cookbook. Vivió en Marruecos de 1968 a 1973, tras una gira, y
posteriormente quedó fascinado con la música y los valores espirituales
del continente. En los años 70, Weston grabó para Arista-Freedom,
Polydor y CTI, al mismo tiempo que mantenía una existencia itinerante
peripatética, principalmente en Europa. Sus álbumes como Blue Moses,
Tanjah (que le valió su primera nominación al Grammy en 1973) y
Perspective le permitieron seguir incorporando influencias africanas
junto con el funk y el soul-jazz, mientras se movía entre conjuntos
grandes y pequeños.
Sin embargo, a partir de finales de los años 80, después de un período
en el que su grabación se había ralentizado, la visibilidad de Weston en
los EE.UU. se disparó con un período extraordinariamente productivo en
los estudios de Antillas y Verve. Sus proyectos discográficos, muy
eclécticos, incluyen una trilogía de álbumes de "Portrait" que
representan a Ellington, Monk y a sí mismo; The Spirits of Our
Ancestors, un ambicioso trabajo en dos CD arraigado en la música
africana; un álbum de blues; y una colaboración nominada al Grammy con
los Gnawa Musicians of Morocco. La fascinación de Weston por la música
de África continuó en obras como Spirit 2003! The Power of Music, 2004's
Nuit Africaine, y 2006's Zep Tepi by Weston and his African Rhythms
Trio.
En 2010, Weston lanzó el álbum en vivo The Storyteller, que presentaba
al entonces pianista de 84 años en concierto en el Dizzy's Club
Coca-Cola como parte del Jazz at Lincoln Center. Tres años más tarde, se
asoció con Billy Harper para The Roots of the Blues. La suite nubia
africana, un ambicioso proyecto conceptualizado en torno al patrimonio
africano como lugar de nacimiento de la humanidad y la civilización, fue
seguido en 2016. Weston publicó el álbum de piano solo Sound en 2018.
El 1 de septiembre de ese año, murió en su casa de Brooklyn a la edad de
92 años.
Champion Jack Dupree With Brownie McGhee • Low Down Blues
Born William Thomas Dupree, 4 July
1910, New Orleans, (Dupree's birth date is the matter of some conjecture
and is sometimes listed as 23 July 1909). Orphaned in infancy, Dupree
was raised in the Colored Waifs Home for Boys until the age of 14. After
leaving, he led a marginal existence, singing for tips, and learning
piano from musicians such as Willie “Drive-'em-down” Hall. Dupree also
became a professional boxer, and blended fighting with hoboing
throughout the 30s, before retiring from the ring in 1940, and heading
for New York. Initially, he traveled only as far as Indianapolis, where
he joined with musicians who had been associates of Leroy Carr. Dupree
rapidly became a star of the local black entertainment scene, as a
comedian and dancer as well as a musician. He acquired a residency at
the local Cotton Club, and partnered comedienne Ophelia Hoy.
In 1940, Dupree made his recording debut, with music that blended the
forceful, barrelhouse playing and rich, Creole- accented singing of New
Orleans with the more suave style of Leroy Carr. Not surprisingly, a
number of titles were piano/guitar duets, although on some, Jesse
Ellery's use of amplification pointed the way forward. A few songs
covered unusual topics, such as the distribution of grapefruit juice by
relief agencies, or the effects of drugs.
Dupree's musical career was interrupted when he was drafted into the US
Navy as a cook; even so he managed to become one of the first blues
singers to record for the folk revival market while on leave in New York
in 1943. Dupree's first wife died while he was in the navy, and he took
his discharge in New York, where he worked as a club pianist, and
formed a close musical association with Sonny Terry and Brownie McGhee.
His own post-war recording career commenced with a splendid series of
solo recordings for Joe Davis, on some of which the influence of Peetie
Wheatstraw is very evident. More typical were the many tracks with small
groups recorded thereafter for a number of labels from 1946-53, and for
King Records between April 1953 and late 1955. As ever, these
recordings blend the serious with the comic, the latter somewhat
tastelessly on songs such as “Tongue Tied Blues” and “Harelip Blues”.
“Walking The Blues”, a comic dialogue with Teddy “Mr Bear” McRae, was a
hit on King, and the format was repeated on a number of titles recorded
for RCA Records' Vik and Groove.
In 1958, Dupree made his last American recordings until 1990; “Blues
From The Gutter,” this a magnificent testament to Dupree's barrelhouse
background, boasting marvelous readings of “Stack-O-Lee,” “Junker's
Blues,” “Frankie & Johnny” and the “Nasty Boogie.” This is
considered to be his finest effort and he was able to cruise off its
laurels to launch a successful career overseas.
In 1959, he moved to Europe, and lived in Switzerland, England, Sweden
and Germany, touring extensively and recording prolifically. There are
many reissues and compilations available on a variety of labels to cover
this European period. Among these are “Walking the Blues,” for
King,(’70) and the outstanding live recording, “Blues at Montreaux”(’73)
on Atco that also featured sax great, King Curtis.
Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years.
While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down an
album for Bullseye Blues, “Back Home in New Orleans.”
The tracks on the 1993 release “One Last Time” were drawn from Dupree's
final recording session before his death the previous year. Champion
Jack died from complications of cancer on January 21, 1992.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com › championjackdupree
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Nacido William Thomas Dupree, 4 de julio de 1910, Nueva Orleans, (la fecha de nacimiento de Dupree es el asunto de algunas conjeturas y a veces se menciona como 23 de julio de 1909). Huérfano en la infancia, Dupree se crió en el Hogar de Niños de Color Waifs hasta la edad de 14 años. Después de irse, llevó una existencia marginal, cantando a cambio de propinas y aprendiendo a tocar el piano con músicos como Willie "Drive-'em-down" Hall. Dupree también se convirtió en boxeador profesional, y mezcló la lucha con el vagabundeo a lo largo de los años 30, antes de retirarse del ring en 1940, y se dirigió a Nueva York. Inicialmente, viajó sólo hasta Indianápolis, donde se unió a músicos que habían sido asociados de Leroy Carr. Dupree se convirtió rápidamente en una estrella de la escena local de entretenimiento negro, como comediante y bailarín, así como músico. Adquirió una residencia en el Cotton Club local y fue socio de la comediante Ophelia Hoy.
En 1940, Dupree hizo su debut discográfico, con una música que mezclaba
el poderoso toque de barrelhouse y el rico y acentuado canto criollo de
Nueva Orleans con el estilo más suave de Leroy Carr. No es de extrañar
que varios títulos fueran dúos de piano/guitarra, aunque en algunos
casos, el uso de la amplificación por parte de Jesse Ellery señaló el
camino a seguir. Algunas canciones cubrían temas inusuales, como la
distribución de jugo de toronja por parte de las agencias de ayuda
humanitaria, o los efectos de las drogas.
La carrera musical de Dupree se interrumpió cuando fue reclutado en la
Marina de los Estados Unidos como cocinero; aún así, logró convertirse
en uno de los primeros cantantes de blues en grabar para el mercado de
renacimiento folklórico mientras estaba de permiso en Nueva York en
1943. La primera esposa de Dupree murió mientras él estaba en la marina,
y él fue dado de baja en Nueva York, donde trabajó como pianista de
club, y formó una estrecha asociación musical con Sonny Terry y Brownie
McGhee.
Su propia carrera discográfica de posguerra comenzó con una espléndida
serie de grabaciones en solitario para Joe Davis, en algunas de las
cuales la influencia de Peetie Wheatstraw es muy evidente. Más típicos
fueron los muchos temas con pequeños grupos grabados después para varios
sellos entre 1946 y 1953, y para King Records entre abril de 1953 y
finales de 1955. Como siempre, estas grabaciones mezclan lo serio con lo
cómico, este último un tanto insípido en canciones como "Tongue Tied
Blues" y "Harelip Blues". "Walking The Blues", un diálogo cómico con
Teddy "Mr Bear" McRae, fue un éxito en King, y el formato se repitió en varios títulos grabados para Vik and Groove de RCA Records.
En 1958, Dupree hizo sus últimas grabaciones en Estados Unidos hasta
1990; "Blues From The Gutter", un magnífico testimonio de los
antecedentes de Dupree en el barrelhouse, con maravillosas lecturas de
"Stack-O-Lee", "Junker's Blues", "Frankie & Johnny" y el "Nasty
Boogie". Este es considerado como su mejor esfuerzo y fue capaz de
cruzar los laureles para lanzar una exitosa carrera en el extranjero.
En 1959, se trasladó a Europa y vivió en Suiza, Inglaterra, Suecia y
Alemania, donde realizó numerosas giras y grabaciones. Hay muchas
reediciones y recopilaciones disponibles en una variedad de etiquetas
para cubrir este período europeo. Entre ellos están "Walking the Blues",
para King, ('70) y la destacada grabación en vivo, "Blues at Montreaux"
('73) en Atco que también incluía al gran saxofonista King Curtis.
Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36
años. Mientras estaba allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y
grabó un álbum para Bullseye Blues, "Back Home in New Orleans".
Los temas del disco "One Last Time" de 1993 fueron extraídos de la
última sesión de grabación de Dupree antes de su muerte el año anterior.
El campeón Jack murió de complicaciones del cáncer el 21 de enero de
1992.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com ' championjackdupree
Ray Bryant • Hot Turkey
Review by Scott Yanow
This fine set is (Ray Bryant's last session before signing with the Pablo label) has three selections (two swing standards plus the pianist's "Hot Turkey") played in a trio with bassist Major Holley and drummer Panama Francis. However the main reason to search for this session is to hear Bryant uplift three familiar standards ("St. Louis Blues," "Take The 'A' Train" and "Sophisticated Lady") and a blues with his soulful and swinging solo piano interpretations. Virtually every Ray Bryant album is well worth picking up for his accessible and flexible style should appeal to fans of most jazz styles.
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Review by Scott Yanow
This fine set is (Ray Bryant's last session before signing with the Pablo label) has three selections (two swing standards plus the pianist's "Hot Turkey") played in a trio with bassist Major Holley and drummer Panama Francis. However the main reason to search for this session is to hear Bryant uplift three familiar standards ("St. Louis Blues," "Take The 'A' Train" and "Sophisticated Lady") and a blues with his soulful and swinging solo piano interpretations. Virtually every Ray Bryant album is well worth picking up for his accessible and flexible style should appeal to fans of most jazz styles.
Stray Cats • The Broadcast Archive
Biografía de Steve Huey
Luciendo pompadours con curvas, tatuajes y chaquetas de cuero, The Stray Cats parecía una banda de rockabilly recién salida del elenco central. Eso fue por diseño de Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jam Phantom, un trío de renegados de Long Island que intentaban mantener encendido el fuego del rock & roll de antaño durante el apogeo del punk y la nueva ola. Les tomó un tiempo, y un viaje a través del Atlántico, tener éxito, pero cuando lo lograron, superó todas las expectativas. Durante algunos años, a principios de la década de 1980, The Stray Cats fue una de las bandas más populares del rock & roll, acumulando los diez primeros éxitos: "Rock This Town", "Stray Cat Strut", "(She's) Sexy + 17", con la ayuda de la recién fundada MTV, que encontró su moda retro visualmente cinética. La caída del grupo fue casi tan rápida como su ascenso ( a fines de los 80, se habían desmoronado), pero The Stray Cats tuvo un impacto indeleble, enviando el renacimiento del rockabilly a la corriente principal y marcando el ritmo de la continuación de la música durante las décadas siguientes.
The Stray Cats fue formado por el guitarrista y vocalista Brian Setzer en la ciudad de Massapequa, Nueva York, en Long Island, en 1979. Al principio, Setzer tocó versiones de rockabilly en una banda llamada Tom Cats con su hermano el baterista Gary y el bajista Bob Beecher; sin embargo, Setzer pronto abandonó ese grupo para unirse a los recién rebautizados amigos de la escuela Lee Rocker (nacido Leon Drucker) y Slim Jim Phantom (nacido James McDonnell). Sin embargo, su aspecto y sonido retro de los 50 no fueron bien recibidos en Long Island, y en el verano de 1980, el grupo se dirigió a Inglaterra, donde apenas comenzaba a surgir un movimiento de avivamiento del rockabilly.
Después de uno de sus conciertos en Londres, The Stray Cats conocieron al productor Dave Edmunds, conocido como entusiasta del rock de raíz por su trabajo con Rockpile, y como solista. Edmunds se ofreció a trabajar con el grupo, y entraron al estudio para grabar su álbum debut homónimo, lanzado en Inglaterra en 1981 con Arista. Fueron populares desde el principio, anotando tres éxitos consecutivos ese año con "Runaway Boys", "Rock This Town" y " Stray Cat Strut."Su seguimiento, Gonna Ball, no fue tan bien recibido y, picados por las críticas negativas, los Stray Cats decidieron regresar a los Estados Unidos y intentarlo.
La banda firmó con EMI America y en 1982 lanzaron su debut en Estados Unidos, Built for Speed, que recopilaba lo más destacado de sus dos LP británicos. Ayudados por una amplia difusión en MTV en el apogeo de la era de la nueva ola de todo vale, "Rock This Town "y" Stray Cat Strut " llegaron al Top Ten estadounidense, más de un año después de sus máximos en las listas británicas. Como resultado, Built for Speed fue un éxito en el jardín izquierdo, y los Stray Cats fueron vistos como avatares de estilo retro. Su segundo álbum estadounidense, Rant n ' Rave with the Stray Cats, apareció en 1983 y produjo otro éxito entre los Diez primeros en "(She's) Sexy + 17", así como una entrada menor en el Top 40 en la balada de estilo doo wop " I Won't Stand in Your Way."
Los conflictos de personalidad comenzaron a surgir en la forma en que los miembros individuales manejaron su nuevo éxito: Phantom se casó con la actriz (y ex amante de Rod Stewart) Britt Ekland, mientras que Setzer hizo apariciones especiales con estrellas como Bob Dylan y Stevie Nicks y se convirtió en el guitarrista de conciertos del proyecto paralelo Honeydrippers de Robert Plant. A finales de 1984, Setzer disolvió la banda en medio de mucha mala sangre. Rocker y Phantom inmediatamente se unieron al guitarrista Earl Slick y grabaron un álbum como Phantom, Rocker & Slick, mientras que Setzer esperó un par de años antes de lanzar su debut en solitario de rock de raíces, The Knife Feels Like Justice.
Para 1986, Fences aparentemente había sido reparado lo suficiente como para que Stray Cats se volviera a reunir en Los Ángeles y grabara las portadas: terapia de Rock pesada, que no se vendió tan bien. El trío regresó a sus respectivos proyectos posteriores a Stray Cats, que lanzaron álbumes que tuvieron un desempeño decepcionante. En 1989, se reunieron una vez más para el álbum Blast Off, que fue acompañado por una gira con Stevie Ray Vaughan. Ya sin EMI, The Cats entraron al estudio con Nile Rodgers para el mediocre Let's Go Faster, emitido por Liberation en 1990. Choo Choo Hot Fish, producido por Dave Edmunds en 1992, también atrajo poca atención, y después de otro álbum de versiones, Original Cool, el grupo volvió a dejarlo. Setzer pasó a encabezar el renacimiento del swing de los 90 con su Orquesta Brian Setzer, que interpretó melodías clásicas de swing de big band y jump blues, así como originales de Setzer.
The Stray Cats se reunieron en ocasiones a lo largo de la década de 2000, siempre concentrándose en presentaciones en vivo, no en el estudio de grabación. El grupo estuvo ausente la mayor parte de la década de 2010, pero regresaron a fines de la década con 40, su primer álbum de material original en 27 años. Los aspectos más destacados de su gira de apoyo para 40 se recopilaron a medida que el álbum en vivo de 2020 sacudió Esta Ciudad: De Los Ángeles a Londres.
straycats.com ...
Joey DeFrancesco With Special Guest Jimmy Smith • Incredible!
Review
Incredible! documents a unique musical encounter, the first time that Jimmy Smith has recorded with another organist, the equally great Joey DeFrancesco. First DeFrancesco is heard with his usual trio (with guitarist Paul Bollenbeck and drummer Byron Landham), racing through heated versions of "The Champ," "When You're Smiling," and "Indiana" in addition to an emotional rendition of "The Good Life." The music is as exciting as one would expect from DeFrancesco. For the second half of the CD, Smith and his trio join the younger organist on a pair of medleys. The first one starts out with the blues "The Reverend" but then, after three-and-a-half minutes, it segues into an odd wandering version of "Yesterdays" before closing with "My Romance." The second medley -- six-and-a-half minutes of Smith's blues "The Skeezer" that becomes a heated "St. Thomas" -- is more like it. The two organists are quite compatible (DeFrancesco has long had Smith's style down pat) and, although the results are not quite Incredible! (it is far from shocking that these two organ masters can jam a blues together!), this CD should greatly interest both organ fans and jazz historians.
by Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/incredible%21-mw0000608946
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Reseña
¡Increíble! documenta un encuentro musical único, la primera vez que Jimmy Smith ha grabado con otro organista, el igualmente gran Joey DeFrancesco. Primero DeFrancesco se escucha con su trío habitual (con el guitarrista Paul Bollenbeck y el baterista Byron Landham), corriendo a través de versiones acaloradas de "The Champ", "When You're Smiling" e "Indiana" además de una emotiva interpretación de "The Good Life". La música es tan emocionante como uno esperaría de DeFrancesco. Para la segunda mitad del CD, Smith y su trío se unen al joven organista en un par de medleys. El primero comienza con el blues "El Reverendo", pero luego, después de tres minutos y medio, sigue en una extraña versión errante de "Yesterdays" antes de cerrar con "My Romance". El segundo popurrí, seis minutos y medio de Smith's blues "The Skeezer" que se convierte en un acalorado "St. Thomas", es más parecido. Los dos organistas son bastante compatibles (DeFrancesco ha tenido por mucho tiempo el estilo de Smith en la mano) y, aunque los resultados no son del todo increíbles! (¡no es nada sorprendente que estos dos maestros del órgano puedan tocar un blues juntos!), este CD debería interesar mucho a los aficionados al órgano y a los historiadores del jazz.
por Scott Yanowhttps://www.allmusic.com/album/incredible%21-mw0000608946
Johnny Smith • Walk Don't Run
Review by Thom Jurek
While the tune "Walk, Don't Run" was such a smash for the Ventures it became synonymous with their name, the version by its composer, jazz guitarist Johnny Smith, is well-worth a listen itself. This Roulette album taking its name from the song came out in 1954, after Smith had become well-established as a NBC Studios staff guitarist who could be heard on television, on radio, and with the NBC Orchestra. Smith's quartet with rhythm guitarist Perry Lopez, drummer Don Lamond and bassist Arnold Fishkin features the original version of the tune (its original title was "Opus"), as well as a host of standards including "Moonlight in Vermont," "Stranger in Paradise," "Lover Man," "Autumn in New York," "In a Sentimental Mood," and "Someone to Watch Over Me." While a fine single-string soloist, Smith was also a genius at chordal structures, which is wonderfully evidenced in "Sophisticated Lady" and "Our Love Is Here to Stay." The CD version of the album contains a pair of bonus tracks, including a version of "Lullaby of Birdland," for which Smith took a page from the Les Paul songbook and overdubbed a second guitar part for himself. This may not be the most recognizable album in the jazz guitar canon, but it is a very fine one and should be explored.
https://www.allmusic.com/album/walk-dont-run%21-mw0000350775
Reseña de Thom Jurek
Mientras que la canción "Walk, Don't Run" fue un éxito para los Ventures y se convirtió en sinónimo de su nombre, la versión de su compositor, el guitarrista de jazz Johnny Smith, merece ser escuchada. El álbum Roulette, que toma el nombre de la canción, salió en 1954, después de que Smith se estableciera como guitarrista de los estudios de la NBC y pudiera ser escuchado en la televisión, en la radio y con la orquesta de la NBC. El cuarteto de Smith con el guitarrista rítmico Perry López, el baterista Don Lamond y el bajista Arnold Fishkin presenta la versión original de la canción (su título original era "Opus"), así como una serie de estándares que incluyen "Moonlight in Vermont", "Stranger in Paradise", "Lover Man", "Autumn in New York", "In a Sentimental Mood" y "Someone to Watch Over Me". Aunque era un solista de una sola cuerda, Smith también era un genio en las estructuras de los acordes, lo que se evidencia maravillosamente en "Sophisticated Lady" y "Our Love Is Here to Stay". La versión en CD del álbum contiene un par de bonus tracks, incluyendo una versión de "Lullaby of Birdland", para la cual Smith tomó una página del cancionero de Les Paul y sobregrabó una segunda parte de guitarra para él. Este puede no ser el álbum más reconocible en el canon de la guitarra de jazz, pero es uno muy fino y debe ser explorado.
https://www.allmusic.com/album/walk-dont-run%21-mw0000350775
While the tune "Walk, Don't Run" was such a smash for the Ventures it became synonymous with their name, the version by its composer, jazz guitarist Johnny Smith, is well-worth a listen itself. This Roulette album taking its name from the song came out in 1954, after Smith had become well-established as a NBC Studios staff guitarist who could be heard on television, on radio, and with the NBC Orchestra. Smith's quartet with rhythm guitarist Perry Lopez, drummer Don Lamond and bassist Arnold Fishkin features the original version of the tune (its original title was "Opus"), as well as a host of standards including "Moonlight in Vermont," "Stranger in Paradise," "Lover Man," "Autumn in New York," "In a Sentimental Mood," and "Someone to Watch Over Me." While a fine single-string soloist, Smith was also a genius at chordal structures, which is wonderfully evidenced in "Sophisticated Lady" and "Our Love Is Here to Stay." The CD version of the album contains a pair of bonus tracks, including a version of "Lullaby of Birdland," for which Smith took a page from the Les Paul songbook and overdubbed a second guitar part for himself. This may not be the most recognizable album in the jazz guitar canon, but it is a very fine one and should be explored.
https://www.allmusic.com/album/walk-dont-run%21-mw0000350775
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Reseña de Thom Jurek
Mientras que la canción "Walk, Don't Run" fue un éxito para los Ventures y se convirtió en sinónimo de su nombre, la versión de su compositor, el guitarrista de jazz Johnny Smith, merece ser escuchada. El álbum Roulette, que toma el nombre de la canción, salió en 1954, después de que Smith se estableciera como guitarrista de los estudios de la NBC y pudiera ser escuchado en la televisión, en la radio y con la orquesta de la NBC. El cuarteto de Smith con el guitarrista rítmico Perry López, el baterista Don Lamond y el bajista Arnold Fishkin presenta la versión original de la canción (su título original era "Opus"), así como una serie de estándares que incluyen "Moonlight in Vermont", "Stranger in Paradise", "Lover Man", "Autumn in New York", "In a Sentimental Mood" y "Someone to Watch Over Me". Aunque era un solista de una sola cuerda, Smith también era un genio en las estructuras de los acordes, lo que se evidencia maravillosamente en "Sophisticated Lady" y "Our Love Is Here to Stay". La versión en CD del álbum contiene un par de bonus tracks, incluyendo una versión de "Lullaby of Birdland", para la cual Smith tomó una página del cancionero de Les Paul y sobregrabó una segunda parte de guitarra para él. Este puede no ser el álbum más reconocible en el canon de la guitarra de jazz, pero es uno muy fino y debe ser explorado.
https://www.allmusic.com/album/walk-dont-run%21-mw0000350775
Colaborador / Contribuitor: BOBpinBOB
Scott Hamilton • East Of The Sun
Biography:
Scott
Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his
early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive
record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried
out several instruments, including drums at about the age of five, piano
at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about
eight years of age, but that was the only formal music tuition he has
ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny
Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started
playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth
organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He
moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy
Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a
six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work
with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of
old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to
work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic
Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no
punches, and could be extremely critical, something for which Scott has
always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott
his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for
him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at
different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own
quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group.
The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his
Concord record label. More than forty albums later he is still recording
for them, having made many under his own leadership, several with his
regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown,
including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two
guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan
Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is
due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake
Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine
Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a
number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played
residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s.
Over the years Scott has also performed and recorded with such touring
bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George
Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based
in London, where he first played in 1978, but now travels the world from
Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the
quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and
festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he
regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and
Italy. He returns to America three or four times a year to play at
festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and
Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights
at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described
by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott
Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full
flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor
saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and
eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’
for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural
Ronnie Scott’s Jazz Awards. It is no wonder that Scott Hamilton is in
demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/
///////
Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007. No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007. No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/
Jimmy Ponder • Jump
Artist Biography by Scott Yanow
An
excellent guitarist with a soulful sound and the ability to uplift any
funky jazz date, Jimmy Ponder has appeared on many recordings during his
long career, over 80 as a sideman and 15 as a leader. Ponder began
playing guitar when he was 14 and considers Wes Montgomery and Kenny
Burrell to be his two main early influences and Wes Montgomery later on.
Offered a job with Charles Earland after having only played guitar
three years, Ponder waited until he graduated from high school and then
spent three years with the organist's group, recording several dates
with Earland. He worked and recording with Lou Donaldson, Houston
Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine, and Jimmy McGriff and in the
early '70s moved to New York (from Philadelphia), leading his own
groups. Ponder has since recorded as a leader in the 1970s for Cadet,
ABC/Impulse, TK, CBS, and Toshiba, in the '80s for Milestone, and in the
'90s for Muse and HighNote. In the 21st century his albums included
Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New
(2005), and Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, both
released in 2007.
///////
Biografía del artista por Scott Yanow
Jimmy
Ponder, un excelente guitarrista con un sonido conmovedor y la
capacidad de mejorar cualquier cita del jazz funky, ha aparecido en
muchas grabaciones durante su larga carrera, más de 80 como sideman y 15
como líder. Ponder comenzó a tocar la guitarra cuando tenía 14 años y
considera que Wes Montgomery y Kenny Burrell son sus dos principales
influencias tempranas y Wes Montgomery más tarde. Ofreció un trabajo con
Charles Earland después de haber jugado solo la guitarra durante tres
años, Ponder esperó hasta que se graduó de la escuela secundaria y luego
pasó tres años con el grupo de organistas, grabando varias citas con
Earland. Trabajó y grabó con Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd,
Stanley Turrentine y Jimmy McGriff, ya principios de los años 70 se
mudó a Nueva York (desde Filadelfia), liderando sus propios grupos.
Ponder ha registrado desde entonces como líder en la década de 1970 para
Cadet, ABC / Impulse, TK, CBS y Toshiba, en los años 80 para Milestone y
en los años 90 para Muse y HighNote. En el siglo XXI, sus álbumes
incluyeron Ain't Misbehavin '(2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003),
What's New (2005) y Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side,
ambos lanzados en 2007.
Yuji Ohno Trio • Let's Fall In Jazz Again
Born 30 May 1941 in Atami, Shizuoka, Japan) is a Japanese jazz musician.
Ohno is known for his musical scoring of Japanese anime television
series, particularly Lupin III, and most famously the 1977 series Lupin
III Part II and the feature film The Castle of Cagliostro.[1] Later
anime series scored by Ohno include Shingu: Secret of the Stellar Wars,
the 1979 Toei series Captain Future (known as Capitaine Flam in France)
and the 1982 series Space Adventure Cobra. He has composed scores for
live-action films, namely Toei's tokusatsu series Seiun Kamen
Machineman, his only work on this genre to date.
Ohno is also a member of a jazz trio with Czech bassist Miroslav Vitous
and American drummer Lenny White, The Lupintic Five (later The Lupintic
Six) and You & The Explosion Band.
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Nacido el 30 de mayo de 1941 en Atami, Shizuoka, Japón) es un músico de jazz japonés. Ohno es conocido por su composición musical de series de televisión japonesas de anime, particularmente Lupin III, y la más famosa, la serie de 1977 Lupin III Parte II y la película The Castle of Cagliostro. [1] Las series de anime posteriores de Ohno incluyen Shingu: Secret of the Stellar Wars, la serie de 1979 de Toei Captain Future (conocida como Capitaine Flam en Francia) y la serie de 1982 Space Adventure Cobra. Ha compuesto partituras para películas de acción en vivo, a saber, la serie tokusatsu de Toei, Seiun Kamen Machineman, su único trabajo en este género hasta la fecha.
Ohno también es miembro de un trío de jazz con el bajista checo Miroslav
Vitous y el baterista estadounidense Lenny White, The Lupintic Five
(más tarde The Lupintic Six) y You & The Explosion Band.