Bill Frisell • Music IS

 

The tradition of solo jazz guitar recordings is a long one, with guitarists like Johnny Smith, Al Viola, George Van Eps, Lenny Breau and Joe Pass demonstrating just how far a mere six (in some cases, seven) strings could be taken on their own as far back as the 1950s. Subsequent guitar soloists like John Abercrombie and Ralph Towner went even further by, at times, taking advantage of the recording studio's facility to overdub layers of guitar to create even broader expanses. But it's been during the past two decades or so that guitarists like Eivind Aarset and Stian Westerhus have explored extensive use of looping and other technological innovations, truly developing the orchestral potential of their instrument.

But before those two Norwegian innovators came Bill Frisell, at this point a living guitar legend already the subject of Emma Franz's compelling (and revealing) documentary, Bill Frisell: A Portrait (now available on home video). Having begun life largely in the jazz world as a member of groups led by, amongst others, Jan Garbarek, Arild Andersen, Eberhard Weber and Paul Motian, before moving more decidedly into a far-reaching and prolific solo career, Frisell's insatiable interest in all things music has led to a résumé that also includes Salif Keita, Rickie Lee Jones, Paul Simon, David Sylvian and Laurie Anderson amongst his many, many prestigious collaborators, both well-known and deserving of broader recognition.

If ever there was an album title to reflect the infinite potential of an art form that has occupied most of Frisell's life, it's Music IS.

Frisell's second solo guitar release of its kind (Silent Comedy (Tzadik, 2013) was an alternate approach to solo guitar, recorded in real time with no overdubs or other post-production), Music IS comes eighteen years after the similar approach of Ghost Town (Nonesuch, 2000), itself released seventeen years following his 1983 ECM Records leader debut, In Line (that album split, half and half, between occasionally overdubbed solo tracks and duets with bassist Andersen).

Ghost Town was an eclectic blend, reflecting Frisell's broad musical tastes through the inclusion, in addition to his own compositions, of music by writers ranging from jazz guitarist John McLaughlin and Great American Songbook scribes George Gershwin and Edward Heyman, to country icons A.P. Carter and Hank Williams. But irrespective of his musical sources, it was Frisell's unique voice on a variety of guitars, and his inimitable use of looping, reverse-attack, delay, compression, overdubbing and more that made Ghost Town such an unparalleled and quietly groundbreaking release.

Frisell returns to a similar approach on Music IS, but beyond the significant growth that might be expected, it differs from Ghost Town in other ways. It's also more than just an album title; it's a reduction of the phrase "Music is good," a simple but meaningful statement that Frisell attributes to banjo player (and collaborator on the guitarist's overlooked, 2002 bluegrass-informed The Willies) Danny Barnes. Still, with its intended emphasis, Music IS assumes an even broader meaning that reflects Frisell's career-long refusal to be pigeonholed, despite many attempts from critics and fans alike. Music isn't necessarily jazz, country, folk, roots or classical music, blues, or any of the multiplicity of genres that have been touchstones throughout Frisell's career. Music simply IS, indeed; and the guitarist's long overdue follow-up to Ghost Town reflects, in its often naked vulnerability (and, perhaps, more so than on his many albums released in the ensuing years), Frisell's startling evolution, as he enters the second half of his seventh decade on planet Earth.

Music IS differs from Ghost Town in that its 55-minute program (not including a bonus alternate and thoroughly different take of the title track to his 1984 sophomore ECM date, Rambler, tacked onto the album's end) consists entirely of Frisell compositions, his first recording to do so since Big Sur (Savoy Jazz, 2013). Unlike that group recording, however, Music IS combines music that Frisell has, in many cases, mined often since first appearing (in the case of In Line's title track) as much as 35 years ago, alongside half a dozen compositions making their first recorded appearances here.

Hopefully artists evolve over the course of their careers, but every now and then evolution becomes revolution, and Music IS is, indeed, revolutionary. Frisell has come a long way since his first major label appearance with Eberhard Weber, on the German bassist's Fluid Rustle (ECM, 1979), with every album reflecting some kind of development and, more importantly, musical assimilation. But Music IS represents a significant leap forward for Frisell as a guitarist, composer and conceptualist.

Frisell's style has always been predicated on a rare ability to sustain passing notes as he (often simultaneously) moves complex voicings and linear phrases up, down and across the neck of his instrument, but rarely has he done so with such seamless sophistication. Nor has he demonstrated such an organic infusion of a variety of electronic devices, which have become more like natural extensions of (and less like add-on effects to) his guitar, itself an intrinsic extension to his conscious and subconscious musical minds. And while he's already proven his acumen at writing for groups of various sizes, he's never realized the guitar as orchestra concept as fully as he does on Music IS.

Frisell bookends the main program with the layered and looped electric guitar opener, "Pretty Stars," and lone acoustic guitar reading of the closing "Made to Shine." Both are distillations of and extrapolations upon the more overtly countrified miniature, "Pretty Stars Were Made to Shine," from Blues Dreams (Nonesuch, 2001). Both versions demonstrate an ability to find new interpretive grist in older material that has rarely been so clear, so focused, so evocative. One, an ideal opener that sets the stage for music to come, the other a perfectly constructed program closer, together they demonstrate, with crystal clarity, Frisell's ability to extract seemingly infinite possibilities from every nook and cranny of even the simplest of songs.

Frisell begins his reinvention of "Winslow Homer" in a fashion similar to the trio version introduced on Beautiful Dreamers (Savoy Jazz, 2010), but this time with tapped chords defining the guitarist's harmonically skewed version of a standard blues. Initially a solo electric guitar look at Wynton Marsalis' commission for Jazz at Lincoln Center Orchestra, it's how Frisell manages to imply so much with so little that makes this the definitive version. For the first two-and a-half minutes Frisell moves from Thelonious Monk-informed idiosyncrasies to Jim Hall-inspired strumming, where the acoustic sound of his instrument is as dominant as its amplified tone (sometimes, more so). But it's when, with but a minute to spare, Frisell returns to the intro's tapping that the song really takes off. Looping those tapped changes, Frisell then introduces a repeated three-note phrase, layering more and more harmonies atop it that build to a climax...and suddenly cease, with "Winslow Homer" closing as it began: with the sound of a single electric guitar.

Never running the risk of excess, superfluous technical displays or musical gymnastics (despite being capable of all these things and more), Frisell has always been about saying all that needs be said, nothing more and nothing less, with Music IS' sixteen tracks running anywhere from less than a minute to over six. Frisell's grittily angular, jaggedly strummed and tapped "Think About It"—curiously, recorded with Frisell's amplifier placed inside an old upright piano first owned by The Who's Keith Moon, then by The Band's Richard Manuel, who played it on a number of the group's hits, and ultimately with Ian McLagan (The Small Faces, The The Rolling Stones)—builds to a reverse-attacked density of chords and otherworldly sonics in just 59 seconds. Frisell's first look at "Rambler," on the other hand, lasts for more than six-and-a-half minutes, its foundation of looped electronics a strange but ultimately astute choice for the clean-toned, suggestive electric guitar part that, as he stretches and compresses the song's familiar theme, makes unexpected leaps from low to high registers, curiously constructed voicings and on-the-go harmonic reinventions.

Never afraid to leave plenty of holes in the music, Frisell's twanging Fender (or Fender-like) guitar on "Rambler" is also like a guitar history lesson, from Wes Montgomery-informed octave passages and oblique yet somehow still melodic phrases to roots-driven, tremelo-infused chords. Like "Pretty Stars" and "Made to Shine," Music IS' two takes of "Rambler" clearly demonstrate the unfettered potential of Frisell's musical imagination. With but one guitar, one amplifier and no effects, Frisell blends surprising harmonies, perfectly situated harmonics and motif-driven improvisations on the main melody throughout the shorter, alternate version of "Rambler," only to conclude with the song's core changes simplified into a finger-picked series of simpler, folk-infused chords.

Given the song's long history (34 years), Music IS' two very different looks at "Rambler" defy those who feel the need to categorize Frisell's career into genre-specific boxes. The simple truth is: Frisell has always been the square peg in the round hole, reverent of the heart of everything he plays, yet able to blend a variety of stylistic touchstones into a unified whole, redolent of all but determined by none.

A simple, low register loop drives "Ron Carter," a moody Blues Dream piece driven, here, by a different bass ostinato. Frisell slowly, sparingly, builds this take, ultimately adding another simple, two-chord loop layer to create an even richer foundation for his carefully but spontaneously constructed explorations. By contrast, "The Pioneers," a poignantly pretty tune from Frisell's groove-heavy roots collaboration with Jim Keltner, Greg Leisz and Viktor Krauss on Good Dog, Happy Man (Nonesuch, 1999), becomes a four-minute rubato tone poem for solo acoustic guitar. It may be relatively simple in theme and structure, but in Frisell's hands it once again assumes no limitations, as the guitarist moves from explicit form to more implicit lines. The wonder, the marvel of it all is that even when he's delivering linear, single-note phrases, it's impossible not to feel the foundational structure of any song he plays.

"Monica Jane," first heard on Paul Bley's Fragments (ECM, 1986), unfolds slowly, Frisell's overdubbed electric guitar parts orbiting around each other but often intersecting in even richer harmonies as its memorable theme emerges with pointillistic care. Beyond the fashion in which he evolves this more harmonically complex chart (gradually adding bass to the picture), its closing minute is further demonstration of Frisell's tangential approach to music-making. A simple bass guitar pattern that appears to be closing the piece is looped to become a new foundation, leading to a passage of abstruse electronics that ultimately takes over and moves into even more stratospheric terrain before suddenly concluding with nothing but a simple, un-effected major chord.

Frisell, longtime producer Lee Townsend and engineer Tucker Martine—the three, along with drummer Matt Chamberlain, responsible for two records as Floratone—recorded each track, with the trio mixing it immediately afterward. Contrasting the norm of recording an album in its entirety, followed by separate mixing sessions (sometimes a long time) later, this was one of a number of ways that Frisell, Townsend and Martine helped bolster the guitarist's relentless spontaneity.

Playing for a week at New York's The Stone prior to the Music IS sessions, Frisell describes the process of preparing for the album in its press sheet: "Each night I attempted new music that I'd never played before. I was purposely trying to keep myself a little off balance. Uncomfortable. Unsure. I didn't want to fall back on things that I knew were safe. My hope was to continue this process right on into the studio. I didn't want to have things be all planned out beforehand." Of Townsend and Martine, who Frisell calls two of his "closest, most trusted musical brothers," Frisell characteristically gives plenty of credit: "They clear the way for me to just PLAY. When we got to the studio I brought a big pile of music and we went from there. Let one thing lead to the next."

Amongst that pile of music was a trifecta of recent Frisell compositions that suggest how he is able to build form in new and surprising ways. "Change in the Air" retains the haunting melody that underscores this piece written for Dianne Dreyer's upcoming film of the same name, combining loops and overdubbed layers of guitars and bass. A gradually accelerating, pulsing electronic drone both introduces and concludes the brooding "What Do You Want?," another miniature where Frisell, once again, brings together loops, layered guitars and bass as he moves from ethereal consonance to the kind of abstract melodism first explored on relatively early albums like Where in the World? (Elektra Nonesuch, 1991).

"Thankful" closes the triptych in more song-based fashion. Dedicated to his family and to the myriad of artists with whom he has collaborated, it's characteristic of this still-humble guitarist who still seems almost in awe of the lifetime of experiences that have come his way, and of those who still want to work with him. A series of descending chords (made increasingly rich as the composition develops) provide a main theme that contrasts with an alternate passage based upon a simple, three-note phrase, under which Frisell layers shifting harmonies. The piece builds sonically and dramatically from spare to dense, as Frisell layers more guitars, including one that's heavily distorted and filtered, along with bass and additional ethereal atmospherics, to shape one of Music IS' biggest-sounding tracks...even as it retains the sense of intimacy that pervades the entire recording.

There are those who want to constrain Frisell with reductionist categorizations. There are also those who accuse Frisell of, over the years, "losing his edge." Frisell lays waste to all such claims (and more) with Music IS, an album that breaks down boundaries even as the guitarist explores what's on either side and finds new ways to assimilate it all into his still-growing musical vernacular. More than many of his undeniably milestone recordings, the exceptional Music IS deserves consideration as both a career high point and a masterpiece of solo guitar. It's also proof that some artists can still, even forty years after their major label debut and with over 250 recorded appearances, release albums destined to become modern classics.
By John Kelman
March 9, 2018
https://www.allaboutjazz.com/music-is-bill-frisell-okeh-review-by-john-kelman

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La tradición de las grabaciones de guitarras de jazz en solitario es larga, con guitarristas como Johnny Smith, Al Viola, George Van Eps, Lenny Breau y Joe Pass demostrando hasta qué punto se podían llevar solas solo seis (en algunos casos, siete) cuerdas ya en la década de 1950. Solistas de guitarra posteriores como John Abercrombie y Ralph Towner fueron aún más lejos, a veces, aprovechando las instalaciones del estudio de grabación para sobregrabar capas de guitarra para crear extensiones aún más amplias. Pero ha sido durante las últimas dos décadas más o menos que guitarristas como Eivind Aarset y Stian Westerhus han explorado el uso extensivo de bucles y otras innovaciones tecnológicas, desarrollando realmente el potencial orquestal de su instrumento.

Pero antes de esos dos innovadores noruegos llegó Bill Frisell, en este momento una leyenda viva de la guitarra que ya es el tema del convincente (y revelador) documental de Emma Franz, Bill Frisell: A Portrait (ahora disponible en video casero). Habiendo comenzado su vida en gran parte en el mundo del jazz como miembro de grupos liderados por, entre otros, Jan Garbarek, Arild Andersen, Eberhard Weber y Paul Motian, antes de pasar decididamente a una prolífica y extensa carrera en solitario, el insaciable interés de Frisell por todo lo relacionado con la música ha llevado a un currículum que también incluye a Salif Keita, Rickie Lee Jones, Paul Simon, David Sylvian y Laurie Anderson entre sus muchos, muchos colaboradores prestigiosos, conocidos y merecedores de un reconocimiento más amplio.

Si alguna vez hubo un título de álbum que reflejara el potencial infinito de una forma de arte que ha ocupado la mayor parte de la vida de Frisell, es Music IS.

El segundo lanzamiento de guitarra solista de Frisell de este tipo (Silent Comedy (Tzadik, 2013) fue un enfoque alternativo a la guitarra solista, grabado en tiempo real sin sobregrabaciones u otra posproducción), Music IS llega dieciocho años después del enfoque similar de Ghost Town (Nonesuch, 2000), lanzado diecisiete años después de su debut como líder de ECM Records en 1983, In Line (ese álbum se dividió, mitad y mitad, entre pistas solistas ocasionalmente sobregrabadas y duetos con el bajista Andersen).

Ghost Town era una mezcla ecléctica, que reflejaba los amplios gustos musicales de Frisell a través de la inclusión, además de sus propias composiciones, de música de escritores que iban desde el guitarrista de jazz John McLaughlin y los escribas del Great American Songbook George Gershwin y Edward Heyman, hasta los íconos country A. P. Carter y Hank Williams. Pero independientemente de sus fuentes musicales, fue la voz única de Frisell en una variedad de guitarras, y su uso inimitable de bucles, ataque inverso, retardo, compresión, sobregrabación y más lo que hizo de Ghost Town un lanzamiento tan incomparable y silenciosamente innovador.

Frisell vuelve a un enfoque similar sobre Music IS, pero más allá del crecimiento significativo que podría esperarse, difiere de Ghost Town en otros aspectos. También es más que el título de un álbum; es una reducción de la frase "La música es buena", una declaración simple pero significativa que Frisell atribuye al músico de banjo (y colaborador de overlooked, The Willies, informado por el guitarrista de bluegrass en 2002) Danny Barnes. Aún así, con su énfasis previsto, Music IS asume un significado aún más amplio que refleja la negativa de Frisell a ser encasillado durante toda su carrera, a pesar de muchos intentos de críticos y fanáticos por igual. La música no es necesariamente jazz, country, folk, raíces o música clásica, blues o cualquiera de la multiplicidad de géneros que han sido piedras de toque a lo largo de la carrera de Frisell. La música simplemente ES, de hecho; y el seguimiento largamente esperado del guitarrista de Ghost Town refleja, en su vulnerabilidad a menudo desnuda (y, quizás, más que en sus muchos álbumes lanzados en los años siguientes), la sorprendente evolución de Frisell, al entrar en la segunda mitad de su séptima década en el planeta Tierra.

Music IS difiere de Ghost Town en que su programa de 55 minutos (sin incluir una versión alternativa adicional y completamente diferente de la canción principal de su segunda cita ECM de 1984, Rambler, añadida al final del álbum) consiste completamente en composiciones de Frisell, su primera grabación en hacerlo desde Big Sur (Savoy Jazz, 2013). Sin embargo, a diferencia de esa grabación grupal, Music IS combina música que Frisell, en muchos casos, ha extraído a menudo desde que apareció por primera vez (en el caso de la canción principal de In Line) hace 35 años, junto con media docena de composiciones que hicieron sus primeras apariciones grabadas aquí.

Esperemos que los artistas evolucionen a lo largo de sus carreras, pero de vez en cuando la evolución se convierte en revolución, y la música es, de hecho, revolucionaria. Frisell ha recorrido un largo camino desde su primera aparición en un sello importante con Eberhard Weber, en Fluid Rustle del bajista alemán (ECM, 1979), y cada álbum refleja algún tipo de desarrollo y, lo que es más importante, asimilación musical. Pero la música representa un salto significativo para Frisell como guitarrista, compositor y conceptualista.

El estilo de Frisell siempre se ha basado en una rara habilidad para sostener notas pasajeras, ya que (a menudo simultáneamente) mueve voces complejas y frases lineales hacia arriba, hacia abajo y a través del mástil de su instrumento, pero rara vez lo ha hecho con tanta sofisticación perfecta. Tampoco ha demostrado una infusión tan orgánica de una variedad de dispositivos electrónicos, que se han convertido más en extensiones naturales (y menos en efectos adicionales) de su guitarra, en sí misma una extensión intrínseca de sus mentes musicales conscientes y subconscientes. Y aunque ya ha demostrado su perspicacia para escribir para grupos de varios tamaños, nunca se dio cuenta del concepto de guitarra como orquesta tan plenamente como lo hace en la Música.

Frisell cierra el programa principal con el abridor de guitarra eléctrica en capas y en bucle, "Pretty Stars", y la lectura solitaria de guitarra acústica del cierre " Made to Shine."Ambas son destilaciones y extrapolaciones sobre la miniatura más abiertamente rural, 'Pretty Stars Were Made to Shine', de Blues Dreams (Nonesuch, 2001). Ambas versiones demuestran la capacidad de encontrar un nuevo grano interpretativo en material antiguo que rara vez ha sido tan claro, tan enfocado, tan evocador. Uno, un abridor ideal que prepara el escenario para la música por venir, el otro un programa perfectamente construido más cerca, juntos demuestran, con claridad cristalina, la capacidad de Frisell de extraer posibilidades aparentemente infinitas de cada rincón y grieta, incluso de las canciones más simples.

Frisell comienza su reinvención de "Winslow Homer" de una manera similar a la versión en trío presentada en Beautiful Dreamers (Savoy Jazz, 2010), pero esta vez con acordes tocados que definen la versión armónicamente sesgada de un blues estándar del guitarrista. Inicialmente una mirada de guitarra eléctrica solista a la comisión de Jazz de Wynton Marsalis en la Orquesta del Lincoln Center, es cómo Frisell logra implicar tanto con tan poco lo que hace de esta la versión definitiva. Durante los primeros dos minutos y medio, Frisell pasa de las idiosincrasias informadas por Thelonious Monk a rasgueos inspirados en Jim Hall, donde el sonido acústico de su instrumento es tan dominante como su tono amplificado (a veces, más). Pero es cuando, con solo un minuto de sobra, Frisell vuelve a tocar la introducción que la canción realmente despega. Haciendo un bucle de esos cambios tocados, Frisell luego introduce una frase repetida de tres notas, superponiendo más y más armonías que se acumulan hasta el clímax...y de repente cesa, con" Winslow Homer " cerrando como empezó: con el sonido de una sola guitarra eléctrica.

Sin correr el riesgo de excesos, exhibiciones técnicas superfluas o gimnasia musical (a pesar de ser capaz de todas estas cosas y más), Frisell siempre ha tratado de decir todo lo que hay que decir, nada más y nada menos, con Music IS ' dieciséis pistas ejecutándose desde menos de un minuto hasta más de seisSin correr el riesgo de excesos, exhibiciones técnicas superfluas o gimnasia musical (a pesar de ser capaz de todas estas cosas y más), Frisell siempre ha tratado de decir todo lo que hay que decir, nada más y nada menos, con Music IS ' dieciséis pistas ejecutándose desde menos de un minuto hasta más de seis. "Think About It", de Frisell, arenosamente angular, rasgueado y tocado, curiosamente, grabado con el amplificador de Frisell colocado dentro de un viejo p"Think About It", de Frisell, arenosamente angular, rasgueado y tocado, curiosamente, grabado con el amplificador de Frisell colocado dentro de un viejo piano vertical propiedad primero de Keith Moon de The Who, luego de Richard Manuel de la Banda, quien lo tocó en varios de los éxitos del grupo, y finalmente con Ian McLagan (The Small Faces, The Rolling Stones), se construye a una densidad de acordes atacada al revés y sonidos de otro mundo en solo 59 segundos. La primera mirada de Frisell a "Rambler", por otro lado, dura más de seis minutos y medio, su base de electrónica en bucle es una elección extraña pero, en última instancia, astuta para la parte de guitarra eléctrica sugerente y de tono limpio que, a medida que estira y comprime el tema familiar de la canción, hace saltos inesperados de registros bajos a altos, voces curiosamente construidas y reinvenciones armónicas sobre la marcha.

Sin miedo a dejar muchos agujeros en la música, la guitarra Fender vibSin miedo a dejar muchos agujeros en la música, la guitarra Fender vibrante (o similar a una Fender) de Frisell en "Rambler" también es como una lección de historia de la guitarra, desde pasajes de octava informados por Wes Montgomery y frases oblicuas pero de alguna manera melódicas hasta acordes impulsados por raíces e infundidos de tremelo. Al igual que" Pretty Stars "y" Made to Shine", Music IS' dos tomas de" Rambler " demuestran claramente el potencial ilimitado de la imaginación musical de Frisell. Con solo una guitarra, un amplificador y sin efectos, Frisell combina armonías sorprendentes, armónicos perfectamente situados e improvisaciones impulsadas por motivos en la melodía principal a lo largo de la versión alternativa más corta de "Rambler", solo para concluir con los cambios centrales de la canción simplificados en una serie de acordes más simples e infundidos con folk.

Dada la larga historia de la canción (34 años), Music IS' dos miradas muy diferentes a "Rambler" desafían a aquellos que sienten la necesidad de clasificar la carrera de Frisell en cajas específicas de género. La simple verdad es: Frisell siempre ha sido la clavija cuadrada en el agujero redondo, reverente del corazón de todo lo que toca, pero capaz de combinar una variedad de piedras de toque estilísticas en un todo unificado, que recuerda a todos pero no determinado por ninguno.

Un simple bucle de registro bajo impulsa "Ron Carter", una pieza de ensueño de Blues temperamental impulsada, aquí, por un ostinato de bajo diferente. Frisell construye esta toma lentamente, con moderación, y finalmente agrega otra capa de bucle simple de dos acordes para crear una base aún más rica para sus exploraciones construidas de manera cuidadosa pero espontánea. Por el contrario, "The Pioneers", una melodía conmovedoramente bonita de la colaboración groove-heavy roots de Frisell con Jim Keltner, Greg Leisz y Viktor Krauss en Good Dog, Happy Man (Nonesuch, 1999), se convierte en un poema tonal rubato de cuatro minutos para guitarra acústica solista. Puede ser relativamente simple en tema y estructura, pero en manos de Frisell una vez más no asume limitaciones, ya que el guitarrista pasa de la forma explícita a líneas más implícitas. La maravilla, la maravilla de todo esto es que incluso cuando está entregando frases lineales de una sola nota, es imposible no sentir la estructura fundamental de cualquier canción que toque.

"Monica Jane", escuchada por primera vez en Fragments de Paul Bley (ECM, 1986), se desarrolla lentamente, las partes de guitarra eléctrica sobregrabadas de Frisell orbitan unas alrededor de otras, pero a menudo se cruzan en armonías aún más ricas a medida que su tema memorable emerge con cuidado puntillista. Más allá de la forma en que evoluciona esta tabla más compleja armónicamente (agregando gradualmente bajos a la imagen), su minuto final es una demostración más del enfoque tangencial de Frisell para hacer música. Un patrón simple de bajo que parece estar cerrando la pieza se repite para convertirse en una nueva base, lo que lleva a un pasaje de electrónica abstrusa que finalmente se hace cargo y se mueve a un terreno aún más estratosférico antes de concluir repentinamente con nada más que un acorde mayor simple y sin efectos.

Frisell, el productor Lee Townsend y el ingeniero Tucker Martine, los tres, junto con el baterista Matt Chamberlain, responsable de dos discos como Floratone, grabaron cada pista, y el trío la mezcló inmediatamente después. Contrastando la norma de grabar un álbum en su totalidad, seguido de sesiones de mezcla separadas (a veces mucho tiempo) más tarde, esta fue una de las varias formas en que Frisell, Townsend y Martine ayudaron a reforzar la implacable espontaneidad del guitarrista.

Tocando durante una semana en The Stone de Nueva York antes de las sesiones de Music IS, Frisell describe el proceso de preparación del álbum en su hoja de prensa: "Cada noche intentaba nueva música que nunca antes había tocado. Estaba tratando deliberadamente de mantenerme un poco desequilibrado. Incómodo. Inseguro. No quería recurrir a cosas que sabía que eran seguras. Mi esperanza era continuar este proceso directamente en el estudio. No quería que todo estuviera planeado de antemano. De Townsend y Martine, a quienes Frisell llama dos de sus "hermanos musicales más cercanos y confiables", Frisell característicamente da mucho crédito: "Me despejan el camino para que simplemente TOQUE. Cuando llegamos al estudio traje una gran pila de música y nos fuimos de allí. Deja que una cosa lleve a la siguiente."

Entre ese montón de música había una trifecta de composiciones recientes de Frisell que sugieren cómo es capaz de construir la forma de formas nuevas y sorprendentes. "Change in the Air" conserva la melodía inquietante que subraya esta pieza escrita para la próxima película de Dianne Dreyer del mismo nombre, combinando bucles y capas sobregrabadas de guitarras y bajo. Un dron electrónico pulsante que se acelera gradualmente presenta y concluye el melancólico "¿Qué quieres?, "otra miniatura donde Frisell, una vez más, reúne bucles, guitarras en capas y bajo mientras pasa de la consonancia etérea al tipo de melodismo abstracto explorado por primera vez en álbumes relativamente tempranos como Where in the World? (Elektra Nonesuch, 1991).

"Thankful" cierra el tríptico de una manera más basada en canciones. Dedicado a su familia y a la gran cantidad de artistas con los que ha colaborado, es característico de este guitarrista aún humilde que todavía parece casi asombrado por la vida de experiencias que se le han presentado y de aquellos que aún quieren trabajar con él. Una serie de acordes descendentes (que se enriquecen cada vez más a medida que se desarrolla la composición) proporcionan un tema principal que contrasta con un pasaje alternativo basado en una frase simple de tres notas, bajo la cual Frisell superpone armonías cambiantes. La pieza se construye sonora y dramáticamente de sobria a densa, a medida que Frisell coloca más guitarras, incluida una que está muy distorsionada y filtrada, junto con bajos y atmósferas etéreas adicionales, para dar forma a una de las pistas con mayor sonido de Music IS...incluso conserva la sensación de intimidad que impregna toda la grabación.

Hay quienes quieren restringir a Frisell con categorizaciones reduccionistas. También hay quienes acusan a Frisell de, a lo largo de los años, "perder su ventaja."Frisell desperdicia todas esas afirmaciones ( y más) con Music IS, un álbum que rompe fronteras incluso cuando el guitarrista explora lo que hay a cada lado y encuentra nuevas formas de asimilarlo todo en su lengua vernácula musical aún en crecimiento. Más que muchas de sus grabaciones innegablemente históricas, la Música excepcional merece consideración como un punto culminante de su carrera y una obra maestra de la guitarra solista. También es una prueba de que algunos artistas aún pueden, incluso cuarenta años después de su debut en un sello importante y con más de 250 apariciones grabadas, lanzar álbumes destinados a convertirse en clásicos modernos.
Por John Kelman
9 de marzo de 2018
https://www.allaboutjazz.com/music-is-bill-frisell-okeh-review-by-john-kelman


www.billfrisell.com ...

Tracks:
1 - Pretty Stars - 3:57
2 - Winslow Homer - 3:26
3 - Change In The Air - 2:21
4 - What Do You Want? - 2:43
5 - Thankful - 5:09
6 - Ron Carter - 4:44
7 - Think About It - 1:00
8 - In Line - 5:00
9 - Rambler - 6:33
10 - The Pioneers - 4:13
11 - Monica Jane - 5:39
12 - Miss You - 3:33
13 - Go Happy Lucky - 2:55
14 - Kentucky Derby - 2:05
15 - Made To Shine - 2:11
 - Bonus Track -
16 - Rambler (Alternate Version) - 2:46


Credits:
    A&R – Wulf Müller
    Composed By [All Compositions By] – Bill Frisell
    Design [Package Design] – Luke Jacobs (4), Perfecto Creative
    Electric Guitar, Acoustic Guitar, Bass, Loops, Ukulele, Musical Box [Music Boxes] – Bill Frisell
    Engineer [Assistant Engineer (Recording. Mixing)] – Justin R. Chase*
    Engineer [Recording And Mixing Engineer] [Engineered By] – Tucker Martine
    Mastered By – Greg Calbi
    Photography By – Monica Jane Frisell*
    Producer [Produced By] – Lee Townsend
    Product Manager [Product Development] – Jennifer Liebeskind

Recorded & Mixed August 23–27, 2017 at Flora Recording and Playback, Portland, OR

Label:    Okeh – 19075815002
Country:    Europe
Released:    Mar 16, 2018
Genre:    Jazz
Style:    Contemporary Jazz
https://www.discogs.com/release/11769794-Bill-Frisell-Music-Is?srsltid=AfmBOoqqspNfIV6Ud762r9DDAvpOb9764zX2vyOLWdyzMRNM7vcPnBM8

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