VA • The Birth of Bop - The Savoy 10-Inch LP Collection

 

 

 

Charlie Parker, Dexter Gordon, Fats Navarro, Leo Parker, J.J. Johnson, Milt Jackson, Stan Getz, Buddy Johnson, Don Byas, Kai Winding, Eddie "Lockjaw" Davis, Serge Chaloff ...

craftrecordings.com ...

The Three Sounds • Hey There

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that The Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- The Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

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Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que The Three Sounds mantuvo una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, The Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

Randy Weston • Get Happy

 

From the liner-notes:
It is easy enough for a record company to announce that it has discovered a great new talent. Easy, and frequent - it's done all the time. But it is something else again to find that quite a few people with no axes at all to grind in the matter agree most enthusiastically with your claims. It's particularly gratifying when those enthusiasts include a substantial proportion of the men whose business it is to pass judgment on jazz artists. There's a long-standing gag line about an authority being someone who knows enough to agree with you. By that definition, there are quite a few jazz authorities (some of whose comments are reprinted elsewhere on this album sleeve) on the subject of Randy Weston.

It was with special pride that we noted the naming of Weston, in Down Beat magazine's annual poll of jazz critics, as the "New Star" on piano for 1955. That alone might be considered sufficient cause for titling this new album "Get Happy." There is, however, much more reason than that for naming this LP by the Weston trio after the fine Harold Arlen standard. It's that Randy's swinging, leaping treatment of Get Happy strikes us as one of the happiest and most compelling musical experiences in recent jazz history. We are, admittedly, prejudiced. But after listening to this lead-off tune - and to all that follows it - there's a good chance that you, too, will end up prejudiced in favor of Weston.

This six-foot seven-inch musician, still in his twenties, has been playing piano for nearly half his life. His first thorough exposure to jazz came in the early 1940s, when he began drifting over from Brooklyn to Manhattan's 52nd Street, then in transition from "Swing Street" to "Bop Street". A young pianist could hardly have chosen any more stimulating time and place: the area was alive with what were to be major names of modern jazz, and there was certainly a goodly number of strong piano stylists on hand. Randy absorbed from several of these, probably most notably from Art Tatum and Thelonious Monk.

Different critics have noted in him resemblances to Tatum, to Monk, to Errol Garner, even to Count Basie (jazz writers seem to have an almost compulsive tendency to compare). But such comparisons "are at best only very partially accurate, and undue emphasis on who or what has "influenced" Randy can be highly misleading. For ever since he first began the process of listening-learning-playing-developing, the most important thing happening musically to Weston was that he was becoming himself. By now he has just about arrived.

In general, the top-flight performer masters technique early, and quickly establishes at least the outlines of his approach, of the kind of ideas he wants to work with. From there on it is a matter of gleaning what he finds personally valuable in the work of others, of gathering self-assurance, of broadening and deepening, of exploring his own potentials - in short, of fully "becoming himself." This lime of growing maturity and self-discovery is perhaps the roost fascinating period in the creative life of any artist. As this writer sees it, that is. the stage Weston is at now. It becomes increasingly clear (presumably to Randy himself, as well as to his listeners) that this is a lyrical pianist, who builds with clean, strong, uncluttered lines towards what are often rather complex structures. As this album demonstrates, he has a keen ear for the humor in a piece of music and, even more often, for the beauty.

His playing insists, too, that jazz is a music with a firm beat - Weston never fails to swing, never forgets that the piano is played with two hands. Above all (and this may be the rarest quality of all), this is a relaxed musician, who projects his feeling of ease: his up-tempo numbers never sounding driven or pushed, his slow tunes not mere aimless wanderings.

He benefits also from the firm and cohesive support of his co-workers here. Sam Gill has played with Randy long enough for them develop what John S. Wilson, in High Fidelity Magazine has termed "exceptional rapport." Drummer Wilbert Hogan, recently added to the trio, fits neatly into the close-knit pattern.

The repertoire indicates something of Weston's taste and variety, and his tendency to go as far a field as need be to find suitable and unhackneyed material. There's a rich standard like Summertime; a pair of rocking originals; a couple of highly individualized reworkings of elderly items from different ends of the world: Twelfth Street Rag, and the Russian folk-melody. Dark Eyes. Fire Down There is a lightly Afro-Cubanized treatment of a calypso song. There are a pair of soulful ballads: Where Are You? and the haunting original by Sam Gill; and there's romp through a Duke Ellington riff tune. And of course there is the infectious Get Happy, which can serve as a reminder that, no matter how you look at it, it's a good deal of fun to listen to Randy Weston.

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Notas del álbum:
Es bastante fácil para una compañía discográfica anunciar que ha descubierto un nuevo gran talento. Es fácil y frecuente: se hace todo el tiempo. Pero otra cosa es descubrir que un buen número de personas que no tienen nada que ver con el asunto están de acuerdo con sus afirmaciones de la forma más entusiasta. Es especialmente gratificante cuando entre esos entusiastas se encuentra una parte importante de los hombres que se encargan de juzgar a los artistas de jazz. Hay una frase de broma muy antigua que dice que una autoridad es alguien que sabe lo suficiente como para estar de acuerdo contigo. Según esta definición, hay bastantes autoridades del jazz (algunos de cuyos comentarios se reproducen en la portada de este álbum) sobre el tema de Randy Weston.

Nos sentimos especialmente orgullosos de que la revista Down Beat haya nombrado a Weston, en su encuesta anual de críticos de jazz, como la "nueva estrella" del piano en 1955. Sólo eso podría considerarse motivo suficiente para titular este nuevo álbum "Get Happy". Sin embargo, hay muchas más razones para nombrar este LP del trío Weston con el nombre del excelente estándar de Harold Arlen. Es que el tratamiento de Randy de Get Happy nos parece una de las experiencias musicales más felices y convincentes de la historia reciente del jazz. Es cierto que tenemos prejuicios. Pero después de escuchar este tema principal -y todos los que le siguen- es muy probable que usted también acabe teniendo prejuicios a favor de Weston.

Este músico de dos metros y medio, todavía veinteañero, lleva casi media vida tocando el piano. Su primer contacto profundo con el jazz se produjo a principios de los años 40, cuando empezó a ir de Brooklyn a la calle 52 de Manhattan, entonces en transición de "Swing Street" a "Bop Street". Un joven pianista no podría haber elegido un momento y un lugar más estimulantes: la zona estaba llena de los que iban a ser los principales nombres del jazz moderno, y ciertamente había un buen número de estilistas de piano fuertes. Randy absorbió de varios de ellos, probablemente el más notable de Art Tatum y Thelonious Monk.

Diferentes críticos han observado en él similitudes con Tatum, con Monk, con Errol Garner, incluso con Count Basie (los escritores de jazz parecen tener una tendencia casi compulsiva a comparar). Pero tales comparaciones "son, en el mejor de los casos, sólo parcialmente precisas, y un énfasis excesivo en quién o qué ha "influenciado" a Randy puede ser muy engañoso. Desde que comenzó el proceso de escuchar-aprender-tocar-desarrollar, lo más importante que le ocurría musicalmente a Weston era que se estaba convirtiendo en él mismo. Ahora está a punto de conseguirlo.

En general, el intérprete de primera categoría domina la técnica muy pronto y establece rápidamente al menos las líneas generales de su enfoque, del tipo de ideas con las que quiere trabajar. A partir de ahí, se trata de recoger lo que encuentra personalmente valioso en el trabajo de los demás, de adquirir seguridad en sí mismo, de ampliar y profundizar, de explorar sus propios potenciales; en resumen, de "llegar a ser él mismo". Esta época de creciente madurez y autodescubrimiento es quizá el periodo más fascinante en la vida creativa de cualquier artista. Tal y como lo ve este escritor, esa es la etapa en la que se encuentra Weston ahora. Cada vez está más claro (presumiblemente para el propio Randy, así como para sus oyentes) que se trata de un pianista lírico, que construye con líneas limpias, fuertes y despejadas hacia lo que a menudo son estructuras bastante complejas. Como demuestra este álbum, tiene un gran oído para el humor en una pieza musical y, aún más a menudo, para la belleza.

Su forma de tocar insiste, además, en que el jazz es una música con un ritmo firme: Weston nunca deja de hacer swing, nunca olvida que el piano se toca con las dos manos. Por encima de todo (y esta puede ser la cualidad más rara de todas), se trata de un músico relajado, que proyecta su sensación de soltura: sus números de ritmo alto nunca suenan impulsados o forzados, sus melodías lentas no son meros vagabundeos sin rumbo.

También se beneficia del apoyo firme y cohesivo de sus colaboradores. Sam Gill ha tocado con Randy el tiempo suficiente para que desarrollen lo que John S. Wilson, en High Fidelity Magazine, ha calificado de "compenetración excepcional". El baterista Wilbert Hogan, recientemente incorporado al trío, encaja perfectamente en la estrecha relación.

El repertorio indica algo del gusto y la variedad de Weston, y su tendencia a ir tan lejos como sea necesario para encontrar un material adecuado y no trillado. Hay un rico estándar como Summertime; un par de originales rockeros; un par de reelaboraciones altamente individualizadas de elementos antiguos de diferentes extremos del mundo: Twelfth Street Rag, y la melodía folclórica rusa. Dark Eyes. Fire Down There es un tratamiento ligeramente afrocubano de una canción calipso. Hay un par de baladas conmovedoras: Where Are You? y la inquietante original de Sam Gill; y hay un retozo con una melodía de Duke Ellington. Y, por supuesto, está la contagiosa Get Happy, que puede servir para recordar que, se mire como se mire, es muy divertido escuchar a Randy Weston.

George Barnes • Plays So Good

 

When George Barnes died, I lost a beautiful friend and the world lost a great musician. There have been and still are marvelous guitarists of whom l am well aware and highly respect, yet George Barnes always brought me a special sort of nourishment whenever he played — indeed, whenever I was with him. Notes, patterns, lines, call them what you will, always went where l wanted them to go. This may sound paradoxical since they always moved to unexpected places. He was certainly the wittiest jazz musician l have ever heard. As well, he was a true romanticist. And add to that, his extraordinarily acute and discerning ear resulted in some of the most brilliant solos l have ever heard. His warmth, stylishness and wit never failed to make me feel happy and fulfilled. l once suggested to him a title for an album he was planning to record. The title was Aspects of the Truth. For his concept of music was a constant series of facets of my definition of truth. l loved him very much, am desolated by his death but am delighted that his talent and taste may still be heard on this recording in which he plays the key role in a quartet of sympathetic and musically congenial fellow musicians.

Alec Wilder, from the booklet

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 Cuando George Barnes murió, perdí a un amigo hermoso y el mundo perdió a un gran músico. Ha habido y aún hay guitarristas maravillosos de los cuales soy muy consciente y muy respetado, sin embargo, George Barnes siempre me brindó un tipo de alimento especial cuando tocaba, de hecho, cuando estaba con él. Notas, patrones, líneas, llámenlas como quieran, siempre fueron a donde yo quería que fueran. Esto puede sonar paradójico ya que siempre se trasladaron a lugares inesperados. Fue sin duda el músico de jazz más ingenioso que he escuchado. Además, él era un verdadero romántico. Y a esto se añade, su oído extraordinariamente agudo y exigente resultó en algunos de los solos más brillantes que he escuchado. Su calidez, estilo e ingenio nunca dejaron de hacerme sentir feliz y satisfecho. Una vez le sugerí un título para un álbum que planeaba grabar. El título era Aspectos de la verdad. Para su concepto de música era una serie constante de facetas de mi definición de verdad. Lo quise mucho, estoy desolado por su muerte, pero estoy encantado de que su talento y gusto aún se puedan escuchar en esta grabación en la que desempeña el papel clave en un cuarteto de compañeros músicos compasivos y simpáticos.
Alec Wilder, del folleto.

 

VA • The Greatest Jazz Organists

 

Larry Young, Milt Buckner, Bill Doggett, Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Hammond, Baby Face Willette, Richard ''Groove'' Holmes, Booker T. & The MG's …

Chico Hamilton • Live At The Strollers

 

 

These 1955 performances by the original Chico Hamilton Quintet were recorded live during their first and successful engagement at Harry Rubin’s Strollers, a nightclub in Long Beach, California. Listening to them, we can appreciate the high spirit of the group in its formative period, exploring and developing new sounds through the free interplay of its five talented members. The quintet soon acquired a local following, which grew rapidly when radio station KFOX- through Sleepy Stein’s popular jazz program-began a series of live broadcasts from the club. The gig at The Strollers was due to last for two weeks, but stretched into eight months, giving the Quintet a residency which allowed them to settle in and grow.
https://www.freshsoundrecords.com/chico-hamilton-albums/4905-live-at-the-strollers.html

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Estas actuaciones de 1955 del Quinteto original de Chico Hamilton fueron grabadas en vivo durante su primer y exitoso compromiso en Harry Rubin's Strollers, un club nocturno en Long Beach, California. Escuchándolos, podemos apreciar el gran espíritu del grupo en su período formativo, explorando y desarrollando nuevos sonidos a través de la interacción libre de sus cinco talentosos miembros. El quinteto pronto adquirió seguidores locales, que crecieron rápidamente cuando la estación de radio KFOX, a través del popular programa de jazz de Sleepy Stein, inició una serie de transmisiones en vivo desde el club. El concierto en The Strollers debía durar dos semanas, pero se extendió a ocho meses, lo que le dio al Quinteto una residencia que les permitió establecerse y crecer.
https://www.freshsoundrecords.com/chico-hamilton-albums/4905-live-at-the-strollers.html


chico-hamilton/live-at-the-strollers ...

VA • Studio One Ska

 

 

A blistering collection of non-stop Ska classic tunes from Clement ‘Sir Coxsone’ Dodd’s legendary Studio One Records, Jamaica's foundation label of reggae music. Featuring classic cuts from the originators of Ska alongside a heavy dose of superb rarities from the might vaults of 13 Brentford Road - pure fire!

Studio One Records and the seminal in-house band The Skatalites created and defined Ska in the process making Jamaican music famous throughout the world. This compilation features classic vocal and instrumental tracks from The Skatalites, Bob Marley and The Wailers, Delroy Wilson alongside super-rare tracks from the likes of Ken Boothe, The Maytals, Jackie Mittoo, Tommy McCook and many more.

Clement ‘Sir Coxsone’ Dodd’s musical empire was founded on Ska, the first explosive and most exciting music to come out of the newly independent Jamaica, which soon spread across the world. This album is a celebration of the music of Studio One Records’ seminal Ska releases and features a who’s who of the most important artists and musicians in the history of reggae. Studio One is often described as both the University of Reggae and the Motown of Jamaica.

Reviews
“Ripping Ska compilation. The sound is tremendous as well thanks to Studio One recording techniques - already superior at the birth of Reggae - and Soul Jazz mastering. It's a superior Studio One Ska compilation what's not to like?” The Face

“Every side collected here is a classic” All Music

“Utterly brilliant collection of Ska music. Essential stuff’ Q
https://soundsoftheuniverse.com/sjr/product/studio-one-ska-studio-one-ska

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Una colección vertiginosa de canciones clásicas de Ska sin parar del legendario Studio One Records de Clement 'Sir Coxsone' Dodd, el sello fundacional de la música reggae de Jamaica. Con cortes clásicos de los creadores del Ska junto con una gran dosis de magníficas rarezas de las poderosas bóvedas de 13 Brentford Road: ¡puro fuego !

Studio One Records y la banda seminal The Skatalites crearon y definieron el Ska en el proceso de hacer famosa la música jamaicana en todo el mundo. Esta compilación presenta pistas vocales e instrumentales clásicas de The Skatalites, Bob Marley and The Wailers, Delroy Wilson junto con pistas súper raras de artistas como Ken Boothe, The Maytals, Jackie Mittoo, Tommy McCook y muchos más.

El imperio musical de Clement 'Sir Coxsone' Dodd se fundó en el Ska, la primera música explosiva y más emocionante que surgió de la recién independizada Jamaica, que pronto se extendió por todo el mundo. Este álbum es una celebración de la música de los lanzamientos de Ska seminales de Studio One Records y presenta un quién es quién de los artistas y músicos más importantes de la historia del reggae. Studio One es a menudo descrito como la Universidad de Reggae y la Motown de Jamaica.

Reseñas
"Recopilación de Ripping Ska. El sonido también es tremendo gracias a las técnicas de grabación de Studio One, ya superiores en el nacimiento del Reggae, y la masterización del Soul Jazz. Es una compilación de Ska de Studio One superior, ¿qué no le gusta?"La Cara

"Cada lado recogido aquí es un clásico" Toda la música

"Una colección absolutamente brillante de música Ska. Cosas esenciales ' Q
https://soundsoftheuniverse.com/sjr/product/studio-one-ska-studio-one-ska

Sonny Terry & Brownie McGhee • Live At The New Penelope Cafe

 

Sonny Terry

Saunders Teddell, or Saunders Terrell (or other variants, sources differ) (October 24, 1911 – March 11, 1986), known as Sonny Terry, was an American Piedmont blues and folk musician, who was known for his energetic blues harmonica style, which frequently included vocal whoops and hollers and occasionally imitations of trains and fox hunts.

Terry was born in Greensboro, Georgia. His father, a farmer, taught him to play basic blues harp as a youth. He sustained injuries to his eyes and went blind by the time he was 16, which prevented him from doing farm work, and was forced to play music in order to earn a living. Terry played Campdown Races to the plow horses which improved the efficiency of farming in the area. He began playing blues in Shelby, North Carolina. After his father died, he began playing in the trio of Piedmont blues–style guitarist Blind Boy Fuller. When Fuller died in 1941, Terry established a long-standing musical relationship with Brownie McGhee, and they recorded numerous songs together. The duo became well known among white audiences during the folk music revival of the 1950s and 1960s. This included collaborations with Styve Homnick, Woody Guthrie and Moses Asch, producing classic recordings for Folkways Records (now Smithsonian/Folkways).

In 1938 Terry was invited to play at Carnegie Hall for the first From Spirituals to Swing concert, and later that year he recorded for the Library of Congress. He recorded his first commercial sides in 1940. Some of his most famous works include "Old Jabo", a song about a man bitten by a snake, and "Lost John", which demonstrates his amazing breath control.

Despite their fame as "pure" folk artists, in the 1940s Terry and McGhee fronted a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, which was variously billed as Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five.

Terry was also in the 1947 original cast of the Broadway musical comedy Finian's Rainbow. He also appeared in the film The Color Purple, directed by Steven Spielberg. With McGhee, he appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. Terry collaborated with Ry Cooder on "Walkin' Away Blues". He also performed a cover of Robert Johnson's "Crossroad Blues" for the 1986 film Crossroads.

Terry and McGhee were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

Terry died of natural causes in Mineola, New York in March 1986, three days before Crossroads was released in theaters. He was inducted into the Blues Hall of Fame in the same year.

Brownie McGhee

Walter Brown "Brownie" McGhee (November 30, 1915 – February 16, 1996) was an African-American folk music and Piedmont blues singer and guitarist, best known for his collaboration with the harmonica player Sonny Terry.

McGhee was born in Knoxville, Tennessee, and grew up in Kingsport, Tennessee. At about the age of four he contracted polio, which incapacitated his right leg. His brother Granville "Sticks"(or "Stick") McGhee, who also later became a musician and composed the famous song "Drinkin' Wine Spo-Dee-o-Dee," was nicknamed for pushing young Brownie around in a cart. Their father, George McGhee, was a factory worker, known around University Avenue for playing guitar and singing. Brownie's uncle made him a guitar from a tin marshmallow box and a piece of board.

McGhee spent much of his youth immersed in music, singing with a local harmony group, the Golden Voices Gospel Quartet, and teaching himself to play guitar. He also played the five-string banjo and ukulele and studied piano. Surgery funded by the March of Dimes enabled McGhee to walk.

At age 22, McGhee became a traveling musician, working in the Rabbit Foot Minstrels and befriending Blind Boy Fuller, whose guitar playing influenced him greatly. After Fuller's death in 1941, J. B. Long of Columbia Records promoted McGhee as "Blind Boy Fuller No. 2." By that time, McGhee was recording for Columbia's subsidiary Okeh Records in Chicago, but his real success came after he moved to New York in 1942, when he teamed up with Sonny Terry, whom he had known since 1939, when Terry was Fuller's harmonica player. The pairing was an overnight success. They recorded and toured together until around 1980. As a duo, Terry and McGhee did most of their work from 1958 until 1980, spending 11 months of each year touring and recording dozens of albums.

Despite their later fame as "pure" folk artists playing for white audiences, in the 1940s Terry and McGhee had attempted to be successful recording artists, fronting a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, variously calling themselves Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five, often with Champion Jack Dupree and Big Chief Ellis. They also appeared in the original Broadway productions of Finian's Rainbow and Cat on a Hot Tin Roof.

During the blues revival of the 1960s, Terry and McGhee were popular on the concert and music festival circuits, occasionally adding new material but usually remaining faithful to their roots and playing to the tastes of their audiences.

Late in his life, McGhee appeared in small roles in films and on television. He and Terry appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. In 1987, McGhee gave a small but memorable performance as the ill-fated blues singer Toots Sweet in the supernatural thriller movie Angel Heart. In his review of Angel Heart, the critic Roger Ebert singled out McGhee for praise, declaring that he delivered a "performance that proves [saxophonist] Dexter Gordon isn't the only old musician who can act." McGhee appeared in the television series Family Ties, in a 1988 episode entitled "The Blues, Brother", in which he played the fictional blues musician Eddie Dupre. He also appeared in the television series Matlock, in a 1989 episode entitled "The Blues Singer", playing a friend of an old blues musician (Joe Seneca) who is accused of murder. In the episode, McGhee, Seneca and star Andy Griffith perform a duet of "The Midnight Special".

Happy Traum, a former guitar student of McGhee's, edited a blues guitar instruction guide and songbook, Guitar Styles of Brownie McGhee, published in 1971, in which McGhee, between lessons, talked about his life and the blues. The autobiographical section features McGhee talking about growing up, his musical beginnings, and a history of the blues from the 1930s onward.

McGhee and Terry were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

One of McGhee's last concert appearances was at the 1995 Chicago Blues Festival.

McGhee died of stomach cancer in February 1996 in Oakland, California, at age 80.

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Sonny Terry

Saunders Teddell, o Saunders Terrell (u otras variantes, las fuentes difieren) (24 de octubre de 1911 - 11 de marzo de 1986), conocido como Sonny Terry, fue un músico de blues y folk del Piamonte americano, conocido por su enérgico estilo de armónica de blues, que frecuentemente incluía gritos y chillidos vocales y ocasionalmente imitaciones de trenes y cacerías de zorros.

Terry nació en Greensboro, Georgia. Su padre, un granjero, le enseñó a tocar arpa básica de blues cuando era joven. Sufrió lesiones en los ojos y quedó ciego a los 16 años, lo que le impidió hacer el trabajo de la granja, y se vio obligado a tocar música para ganarse la vida. Terry tocó en Campdown Races con los caballos del arado, lo que mejoró la eficiencia de la agricultura en la zona. Empezó a tocar blues en Shelby, Carolina del Norte. Después de su padre murió, comenzó a jugar en el trío de Piamonte estilo blues guitarrista Blind Boy Fuller. Cuando Fuller murió en 1941, Terry estableció una larga relación musical con Brownie McGhee, y grabaron numerosas canciones juntos. El dúo se hizo muy conocido entre el público blanco durante el resurgimiento de la música folclórica de los años 50 y 60. Esto incluyó colaboraciones con Styve Homnick, Woody Guthrie y Moses Asch, produciendo grabaciones clásicas para Folkways Records (ahora Smithsonian/Folkways).

En 1938 Terry fue invitado a tocar en el Carnegie Hall para el primer concierto de From Spirituals to Swing, y más tarde ese año grabó para la Biblioteca del Congreso. Grabó sus primeros lados comerciales en 1940. Algunas de sus obras más famosas incluyen "Old Jabo", una canción sobre un hombre mordido por una serpiente, y "Lost John", que demuestra su asombroso control de la respiración.

A pesar de su fama de "puros" artistas folclóricos, en la década de 1940 Terry y McGhee encabezaron un combo de jump blues con saxofón y piano, que fue presentado como Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five.

Terry también formó parte del elenco original de 1947 de la comedia musical de Broadway Finian's Rainbow. También apareció en la película El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg. Con McGhee, apareció en la comedia de Steve Martin de 1979, The Jerk. Terry colaboró con Ry Cooder en "Walkin' Away Blues". También interpretó una versión de "Crossroad Blues" de Robert Johnson para la película Crossroads de 1986.

Terry y McGhee recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional otorgada por el National Endowment for the Arts, el más alto honor del gobierno de los Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por el NEA.

Terry murió por causas naturales en Mineola, Nueva York, en marzo de 1986, tres días antes de que Crossroads se estrenara en los cines. Fue admitido en el Salón de la Fama del Blues ese mismo año.

Brownie McGhee

Walter Brown "Brownie" McGhee (30 de noviembre de 1915 - 16 de febrero de 1996) fue un cantante y guitarrista de música folclórica afroamericana y blues piamontés, más conocido por su colaboración con el armonicista Sonny Terry.

McGhee nació en Knoxville, Tennessee, y creció en Kingsport, Tennessee. Alrededor de los cuatro años de edad contrajo la polio, que le incapacitó la pierna derecha. Su hermano Granville "Sticks"(o "Stick") McGhee, que también se convirtió más tarde en músico y compuso la famosa canción "Drinkin' Wine Spo-Dee-o-Dee", fue apodado por empujar al joven Brownie en un carro. Su padre, George McGhee, era un obrero de fábrica, conocido en la Avenida de la Universidad por tocar la guitarra y cantar. El tío de Brownie le hizo una guitarra con una caja de malvaviscos de lata y un trozo de tabla.

McGhee pasó gran parte de su juventud inmerso en la música, cantando con un grupo de armonía local, el Golden Voices Gospel Quartet, y enseñándose a sí mismo a tocar la guitarra. También tocó el banjo de cinco cuerdas y el ukelele y estudió piano. La cirugía financiada por March of Dimes le permitió a McGhee caminar.

A la edad de 22 años, McGhee se convirtió en un músico itinerante, trabajando en los Rabbit Foot Minstrels y trabando amistad con Blind Boy Fuller, cuyo toque de guitarra le influyó mucho. Después de la muerte de Fuller en 1941, J. B. Long de Columbia Records promovió a McGhee como "Blind Boy Fuller No. 2". Por aquel entonces, McGhee estaba grabando para la filial de Columbia, Okeh Records, en Chicago, pero su verdadero éxito llegó después de que se mudara a Nueva York en 1942, cuando se asoció con Sonny Terry, a quien conocía desde 1939, cuando Terry tocaba la armónica de Fuller. El emparejamiento fue un éxito de la noche a la mañana. Grabaron y giraron juntos hasta alrededor de 1980. Como dúo, Terry y McGhee hicieron la mayor parte de su trabajo desde 1958 hasta 1980, pasando 11 meses de cada año de gira y grabando docenas de álbumes.

A pesar de su fama posterior como artistas folclóricos "puros" que tocaban para el público blanco, en la década de 1940 Terry y McGhee habían intentado ser exitosos artistas de grabación, encabezando un combo de jump blues con saxofón y piano, llamándose a sí mismos Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five, a menudo con el campeón Jack Dupree y Big Chief Ellis. También aparecieron en las producciones originales de Broadway de Finian's Rainbow y Cat on a Hot Tin Roof.

Durante el resurgimiento del blues de los años 60, Terry y McGhee fueron populares en los circuitos de conciertos y festivales de música, añadiendo ocasionalmente nuevo material pero generalmente permaneciendo fieles a sus raíces y tocando al gusto de su público.

Más tarde en su vida, McGhee apareció en pequeños papeles en películas y en la televisión. Él y Terry aparecieron en la comedia de Steve Martin de 1979 The Jerk. En 1987, McGhee dio una pequeña pero memorable actuación como el desafortunado cantante de blues Toots Sweet en la película de suspenso sobrenatural Angel Heart. En su reseña de Angel Heart, el crítico Roger Ebert elogió a McGhee, declarando que ofreció una "actuación que demuestra que [el saxofonista] Dexter Gordon no es el único músico antiguo que puede actuar". McGhee apareció en la serie de televisión Family Ties, en un episodio de 1988 titulado "The Blues, Brother", en el que interpretó al músico de blues ficticio Eddie Dupre. También apareció en la serie de televisión Matlock, en un episodio de 1989 titulado "The Blues Singer", interpretando a un amigo de un viejo músico de blues (Joe Séneca) que está acusado de asesinato. En el episodio, McGhee, Séneca y la estrella Andy Griffith interpretan un dúo de "The Midnight Special".

Happy Traum, un antiguo estudiante de guitarra de McGhee's, editó una guía de instrucciones de guitarra de blues y un cancionero, Guitar Styles of Brownie McGhee, publicado en 1971, en el que McGhee, entre lecciones, hablaba de su vida y del blues. La sección autobiográfica presenta a McGhee hablando sobre su crecimiento, sus comienzos musicales y una historia del blues desde los años 30 en adelante.

McGhee y Terry recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes, que es el más alto honor del gobierno de Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por la NEA.

Una de las últimas apariciones de McGhee en un concierto fue en el Festival de Blues de Chicago en 1995.

McGhee murió de cáncer de estómago en febrero de 1996 en Oakland, California, a la edad de 80 años.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Horace Parlan • No Blues

 

Biography by Ron Wynn
Horace Parlan overcame physical disability and thrived as a pianist despite it. His right hand was partially disabled by polio in his childhood, but Parlan made frenetic, highly rhythmic right-hand phrases part of his characteristic style, contrasting them with striking left-hand chords. He also infused blues and R&B influences into his style, playing in a stark, sometimes somber fashion. Parlan always cited Ahmad Jamal and Bud Powell as prime influences. He began playing in R&B bands during the '50s, joining Charles Mingus' group from 1957 to 1959 following a move from Pittsburgh to New York. Mingus aided his career enormously, both through his recordings and his influence. Parlan played with Booker Ervin in 1960 and 1961, then in the Eddie "Lockjaw" Davis-Johnny Griffin quintet in 1962. Parlan played with Rahsaan Roland Kirk from 1963 to 1966, and had a strong series of Blue Note recordings in the '60s. He left America for Copenhagen in 1973, and gained international recognition for some stunning albums on SteepleChase, including a pair of superb duet sessions with Archie Shepp. He also recorded with Dexter Gordon, Red Mitchell, Frank Foster, and Michal Urbaniak, and recorded extensively for Enja and Timeless. He died in Denmark in February 2017 at the age of 86.
https://www.allmusic.com/artist/horace-parlan-mn0000824879

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Biografía de Ron Wynn
Horace Parlan superó la discapacidad física y prosperó como pianista a pesar de ello. Su mano derecha estaba parcialmente discapacitada por la polio en su infancia, pero Parlan hizo que las frases frenéticas y altamente rítmicas de la mano derecha formaran parte de su estilo característico, contrastándolas con llamativos acordes de la mano izquierda. También infundió influencias de blues y R & B en su estilo, tocando de una manera cruda, a veces sombría. Parlan siempre citó a Ahmad Jamal y Bud Powell como influencias principales. Comenzó a tocar en bandas de R & B durante los años 50, uniéndose al grupo de Charles Mingus de 1957 a 1959 luego de mudarse de Pittsburgh a Nueva York. Mingus ayudó enormemente a su carrera, tanto a través de sus grabaciones como de su influencia. Parlan tocó con Booker Ervin en 1960 y 1961, luego en el quinteto Eddie "Lockjaw" Davis-Johnny Griffin en 1962. Parlan tocó con Rahsaan Roland Kirk de 1963 a 1966, y tuvo una sólida serie de grabaciones de Blue Note en los años 60. Dejó Estados Unidos para mudarse a Copenhague en 1973 y ganó reconocimiento internacional por algunos álbumes impresionantes en carreras de obstáculos, incluido un par de excelentes sesiones de duetos con Archie Shepp. También grabó con Dexter Gordon, Red Mitchell, Frank Foster y Michal Urbaniak, y grabó extensamente para Enja y Timeless. Murió en Dinamarca en febrero de 2017 a la edad de 86 años.
https://www.allmusic.com/artist/horace-parlan-mn0000824879

Buck Clayton • Jams Benny Goodman [Expanded Edition]

 

 

Biography by Ron Wynn
An excellent bandleader and accompanist for many vocalists, including Billie Holiday, Buck Clayton was a valued soloist with Count Basie Orchestra during the '30s and '40s, and later was a celebrated studio and jam session player, writer, and arranger. His tart, striking tone and melodic dexterity were his trademark, and Clayton provided several charts for Basie's orchestra and many other groups. Clayton began his career in California, where he organized a big band that had a residency in China in 1934. When he returned, Clayton led a group and played with other local bands. During a 1936 visit to Kansas City, he was invited to join Basie's orchestra as a replacement for Hot Lips Page. Clayton was also featured on sessions with Lester Young, Teddy Wilson, and Holiday in the late '30s. He remained in the Basie band until 1943, when he left for army service. After leaving the army, Clayton did arrangements for Basie, Benny Goodman, and Harry James before forming a sextet in the late '40s. He toured Europe with this group in 1949 and 1950. Clayton continued heading a combo during the '50s, and worked with Joe Bushkin, Tony Parenti, and Jimmy Rushing, among others. He organized a series of outstanding recordings for Columbia in the mid-'50s under the title Jam Session (compiled and reissued by Mosaic in 1993). There were sessions with Rushing, Ruby Braff, and Nat Pierce. Clayton led a combo with Coleman Hawkins and J.J. Johnson at the 1956 Newport Jazz Festival, then reunited with Goodman in 1957 at the Waldorf Astoria. There was another European tour, this time with Mezz Mezzrow. He appeared in the 1956 film The Benny Goodman Story and played the 1958 Brussels World Fair with Sidney Bechet. Clayton later made another European visit with a Newport Jazz Festival tour. He joined Eddie Condon's band in 1959, a year after appearing in the film Jazz on a Summer's Day. Clayton toured Japan and Australia with Condon's group in 1964, and continued to revisit Europe throughout the '60s, often with Humphrey Lyttelton's band, while playing festivals across the country. But lip and health problems virtually ended his playing career in the late '60s. After a period outside of music, Clayton once again became active in music, this time as a non-playing arranger, touring Africa as part of a State Department series in 1977. He provided arrangements and compositions for a 1974 Lyttleton and Buddy Tate album, and did more jam session albums for Chiaroscuro in 1974 and 1975. He also became an educator, teaching at Hunter College in the early '80s. Clayton led a group of Basie sidemen on a European tour in 1983, then headed his own big band in 1987 that played almost exclusively his compositions and arrangements. That same year Clayton's extensive autobiography Buck Clayton's Jazz World, with Nancy Miller-Elliot, was published.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674#biography

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Biografía de Ron Wynn
Buck Clayton, excelente líder de banda y acompañante de muchos vocalistas, incluida Billie Holiday, fue un valioso solista de la Orquesta Count Basie durante los años 30 y 40, y más tarde fue un célebre músico de estudio y sesiones improvisadas, escritor y arreglista. Su tono agrio y llamativo y su destreza melódica eran su marca registrada, y Clayton proporcionó varios gráficos para la orquesta de Basie y muchos otros grupos. Clayton comenzó su carrera en California, donde organizó una big band que tuvo una residencia en China en 1934. Cuando regresó, Clayton dirigió un grupo y tocó con otras bandas locales. Durante una visita a Kansas City en 1936, fue invitado a unirse a la orquesta de Basie como reemplazo de Hot Lips Page. Clayton también apareció en sesiones con Lester Young, Teddy Wilson y Holiday a finales de los años 30. Permaneció en la banda Basie hasta 1943, cuando se fue al servicio militar. Después de dejar el ejército, Clayton hizo arreglos para Basie, Benny Goodman y Harry James antes de formar un sexteto a finales de los años 40. Realizó una gira por Europa con este grupo en 1949 y 1950. Clayton continuó al frente de un combo durante los años 50 y trabajó con Joe Bushkin, Tony Parenti y Jimmy Rushing, entre otros. Organizó una serie de grabaciones destacadas para Columbia a mediados de los años 50 bajo el título Jam Session (compilado y reeditado por Mosaic en 1993). Hubo sesiones con Rushing, Ruby Braff y Nat Pierce. Clayton lideró un combo con Coleman Hawkins y J.J. Johnson en el Festival de Jazz de Newport de 1956 y luego se reunió con Goodman en 1957 en el Waldorf Astoria. Hubo otra gira europea, esta vez con Mezz Mezzrow. Apareció en la película de 1956 The Benny Goodman Story y actuó en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 con Sidney Bechet. Más tarde, Clayton realizó otra visita europea con una gira por el Festival de Jazz de Newport. Se unió a la banda de Eddie Condon en 1959, un año después de aparecer en la película Jazz on a Summer's Day. Clayton realizó una gira por Japón y Australia con el grupo de Condon en 1964, y continuó visitando Europa a lo largo de los años 60, a menudo con la banda de Humphrey Lyttelton, mientras tocaba en festivales por todo el país. Pero los problemas de labios y de salud prácticamente acabaron con su carrera como jugador a finales de los años 60. Después de un período fuera de la música, Clayton volvió a participar activamente en la música, esta vez como arreglista no musical, y realizó una gira por África como parte de una serie del Departamento de Estado en 1977. Proporcionó arreglos y composiciones para un álbum de Lyttleton y Buddy Tate de 1974. e hizo más álbumes de sesiones improvisadas para Chiaroscuro en 1974 y 1975. También se convirtió en educador, enseñando en Hunter College a principios de los años 80. Clayton dirigió un grupo de acompañantes de Basie en una gira europea en 1983, luego encabezó su propia big band en 1987 que tocaba casi exclusivamente sus composiciones y arreglos. Ese mismo año se publicó la extensa autobiografía de Clayton, Buck Clayton's Jazz World, con Nancy Miller-Elliot.
https://www.allmusic.com/artist/buck-clayton-mn0000634674#biography

Stanley Cowell-Billy Harper-Reggie Workman-Billy Hart • Such Great Friends

 

A lost bit of late Strata East -- and an all-star session that never lets up! The album's a quartet effort - led by Stanley Cowell, but equally featuring participation from Billy Harper on tenor, Reggie Workman on bass, and Billy Hart on drums.

The overall feel is a lot like Harper's own work from the time - particularly his late 70s Japanese sessions - driven strongly by Cowell's modal approach to the groove, a sound that's perfectly executed by the team of Workman and Hart. The tracks are all quite long, spinning out with a freely expressive approach.
https://www.jazzmessengers.com/en/83820/stanley-cowell/such-great-friends-w-billy-harper

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Un poco perdido de late Strata East and ¡y una sesión de estrellas que nunca cesa! El álbum es un esfuerzo de cuarteto, liderado por Stanley Cowell, pero igualmente con la participación de Billy Harper al tenor, Reggie Workman al bajo y Billy Hart a la batería.

La sensación general se parece mucho al trabajo del propio Harper de la época, particularmente sus sesiones japonesas de finales de los 70, impulsadas fuertemente por el enfoque modal de Cowell hacia el groove, un sonido que está perfectamente ejecutado por el equipo de Workman y Hart. Las pistas son todas bastante largas, girando con un enfoque libremente expresivo.
https://www.jazzmessengers.com/en/83820/stanley-cowell/such-great-friends-w-billy-harper

VA • Vintage Classic Jazz - 12 Vols

 

Massimo Farao, Thad Jones, Barry Harris, David Hazeltine, Sarah Vaughan, Eric Alexander, Ahmad Jamal, Lonnie Smith, Steve Kuhn, Eddie Higgins, Harold Mabern, Modern Jazz Quartet …

Ramsey Lewis • Upendo Ni Pamoja

 

Biography
Pianist and composer Ramsey Lewis has been a major figure in contemporary jazz since the late '50s, playing music with a warm, open personality that's allowed him to cross over to the pop and R&B charts. Lewis was born in Chicago, Illinois on May 27, 1935, and was introduced to music by his father, who directed the choir at a local church and enjoyed the music of Duke Ellington and Art Tatum. Lewis began studying the piano when he was four years old, and was soon accompanying the choir at Sunday services. At the age of 15, he joined a jazz combo called the Cleffs, who played at parties and dances. Lewis was interested in a leaner, more bebop-oriented sound, and when the group splintered after several members joined the military, he formed the Ramsey Lewis Trio with two other former Cleffs, bassist Eldee Young and percussionist Redd Holt. The trio became a fixture on the Chicago jazz scene, and they were signed to a deal with Chess Records, releasing their first album, Ramsey Lewis & His Gentlemen of Jazz, in 1956.
Lewis and his trio continued to record and tour steadily over the years, building a sizable audience among jazz fans, but their career received a serious boost in 1965, when they recorded a swinging version of Dobie Gray's hit "The In Crowd" at a gig in Washington, D.C. Chess released the track as a single, and it became a sizable pop hit, earning Lewis his first gold record, as well as a Grammy Award for Best Jazz Performance. As Lewis' star rose, he returned to the pop charts in 1966 with versions of "Hang on Sloopy" and "Wade in the Water." Meanwhile, Young and Holt left Lewis' trio to form their own group, Young-Holt Unlimited, and the pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton on bass and Maurice White on drums.
In 1970, White resigned to form his own group, and Morris Jennings signed on as the trio's new percussionist. Lewis continued to record for Chess until 1972, when he moved to Columbia Records, and as his music developed a more contemporary groove, White's group, Earth, Wind & Fire (also on Columbia), was beginning to enjoy considerable success on the R&B charts. White produced Lewis' 1974 album, Sun Goddess, in which he experimented with electronic keyboards for the first time, and several members of EWF played on the sessions; it became a major crossover hit and took Lewis to the upper ranks of the smooth jazz/fusion scene. Lewis would record R&B-influenced material through the '70s, but continued to explore his roots in more traditional jazz sounds as well as Latin rhythms. In 1983, he went into the studio with Eldee Young and Redd Holt for the album Reunion; in 1984, he collaborated with Nancy Wilson on The Two of Us; in 1988, he recorded with London's Philharmonia Orchestra for the album A Classic Encounter, and in 1989, Lewis and Dr. Billy Taylor cut a set of piano duets, We Meet Again.
In 1992, Lewis signed with the successful jazz label GRP Records, and in 1995, he launched the side project Urban Knights, in which he collaborated with a handful of successful crossover jazz stars, including Grover Washington, Jr., Earl Klugh, and Dave Koz. In 1997, Lewis added disc jockey to his résumé, hosting a popular show on Chicago's WNUA-FM that ran until 2009; the show went into syndication in 2006 under the name Legends of Jazz with Ramsey Lewis, and is still on the air. In 2005, Lewis looked back on his roots in gospel music with the album With One Voice, which earned him the Stellar Gospel Music Award for Best Gospel Instrumental Album. In 2007, he was commissioned to write a jazz ballet for the Joffrey Ballet Company, and "To Know Her..." debuted at Highland Park, Illinois' Ravina Music Festival, where Lewis is artistic director of the festival's jazz series, and helped found their Jazz Mentor Program.
Lewis has also written several pieces for string ensemble and orchestra that have premiered at Ravina; highlights were featured on the 2009 album Songs from the Heart: Ramsey Plays Ramsey, his first release from Concord Records. In addition to his work as a performer, composer, educator, and disc jockey, Lewis has received five honorary doctorate degrees, won the National Endowment for the Arts' Jazz Master Award in 2007, and is one of the few noted jazz artists to carry the Olympic Torch, having briefly escorted the flame as it passed through Chicago en route to the 2002 Winter Games. In 2011, he delivered Taking Another Look, a reworking of his classic 1974 electric jazz-funk album Sun Goddess. The album was reissued in a deluxe package with bonus tracks in 2015. Two years later, Lewis was a featured guest on pianist Alan Storeygard's trio album New Directions.

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Biografía
Pianist and composer Ramsey Lewis ha sido la mayor figura en el jazz contemporáneo de los 50 ', la música de la música con el calentamiento, la posibilidad de abrir la puerta a través de que el punto de intersección hacia el pop y los R & B. , Que se estrenó en Chicago, Illinois el 27 de mayo de 1935, y fue introducida a la música por su padre, quien dirigió el choir a la iglesia local y disfrutó de la música de Duke Ellington y Tatu. Lewis inició el piano cuando era cuatro años, y estaba pronto acompañando el choir at Sunday services. En la edad de 15, he unido el jazz combo llamado los Cleffs, que jugó en partidos y danzas. Y en el caso de que el grupo se filtró después de varios miembros se unió al ejército, se formó el Ramsey Lewis Trio con otros dos viejos Cleffs, bassist Eldee Young y percussionist Redd Holt. En el año 1956, Ramsey Lewis y su grupo de jazz, en 1956, se convirtieron en el primer álbum, Ramsey Lewis y su Gentlemen de Jazz.
En el año 1965, cuando se registró la swinging version de Dobie Gray, el éxito "The In Crowd" en el gigantes de la banda, en Washington, DC Chess liberado el track a a single, y se convirtió en el pop pop pop, earning Lewis su primer oro de registro, así como el Premio Grammy para el mejor Jazz Performance. En el año 1966 con las versiones de "Hang on Sloopy" y "Wade in the Water." , Y el pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton on bass y Maurice White on drums.
En 1970, White resigned a formar su propio grupo, y Morris Jennings firmado en el trio's new percussionist. En el caso de que se trate de una película de la saga de la saga de la saga de la saga de la saga, . "White Chain Lewis '1974 álbum, Sun Goddess, in que he experimentado con las teclas electrónicas para el primer equipo, y varios miembros de EWF jugado en las sesiones; que se convirtió en el mayor crossover hit y tomó Lewis a las ranas ranas del jazz / fusión de la música. En el caso de que se produzca un error en el registro de R & B-sustan material a través de los 70, pero continúe explorando su raíz en más tradicional jazz de los sonidos así como Latin rhythms. En 1983, he estado en el estudio con Eldee Young y Redd Holt para el álbum Reunion; en 1984, había colaborado con Nancy Wilson en los dos de nosotros; y en el año 1989, Lewis y el Dr. Billy Taylor cortaron el set del piano duets, We Meet Again.
En 1992, Lewis firmó con el éxito de la película de jazz Recordset, y en 1995, he lanzado el lado del proyecto Urban Knights, en el que he colaborado con el handful de exitoso crossover jazz estrellas, incluyendo Grover Washington, Jr., Earl Klugh, y Dave Koz. En 1997, Lewis agregó disc jockey a su résumé, hospedaje el popular show en Chicago's WNUA-FM que ran hasta 2009; , que se estrenará en el mes de septiembre. En el año 2005, Lewis miró sobre su raíz en la música de la música con el álbum con una voz, que fue el himno de la música de la música de la música. En el año 2007, se le pidió a escribir el jazz ballet para la Joffrey Ballet Company, y "To Know Her ..." debuted at Highland Park, Illinois 'Ravina Music Festival, donde Lewis es director artístico del festival de las series de jazz, su Jazz Mentor Program.
Lewis también ha escrito varias piezas para la cadena de conjuntos y orquestaciones que han premiered at Ravina; , que se estrenará en el 2009 álbum de canciones del Heart: Ramsey Plays Ramsey, su primera versión de Concord Records. En el año 2007, el Premio de la Academia de los Premios Musicales en el 2007, es uno de los músicos de jazz, el Olympic Torch, que tiene briefly escorted la llama que pasa a través de Chicago en la ruta a los Juegos de invierno de invierno. En el 2011, he emprendido otra cara, la reworking de su clásico 1974 jazz jazz-funk álbum Sun Goddess. El álbum fue reestablecido en el paquete de lujo con las canciones de las primas en el 2015. Dos años, Lewis fue un famoso huésped en el pianist Alan Storeygard's trío álbum New Directions.

https://www.ramseylewis.com/  

 

Wayne Shorter • Native Dancer

 

Biography by Richard S. Ginell
Wayne Shorter was one of jazz's leading figures in the late 20th and early 21st centuries as both a composer and saxophonist. Though indebted to John Coltrane, with whom he practiced in the mid-'50s, Shorter developed his own voice and style on the tenor horn, retaining the tough tone quality and intensity and, in later years, adding elements of funk. On soprano, Shorter was almost another player entirely, his lovely tone attuned more to lyrical thoughts, his choice of notes more spare. As a composer, he wrote complex, long-limbed tunes, many of which are now standards. On his '60s albums for Blue Note, most notably Juju and Night Dreamer, the composer and the saxophone stylist meet. He co-founded Weather Report in 1970 and through 1986 released Grammy-winning albums. He issued jazz-funk recordings for Columbia and Verve in the late '80s and early '90s, including Joy Ryder and High Life. On 2002's Footprints Live!, and 2003's Alegria, Shorter showcased a new acoustic quartet dedicated to performing his compositions. As he entered his eighties, Shorter focused on impressively complex projects, including 2018's Emanon, a graphic novel combined with four-part studio suite and 2021's opera based on Greek myths titled Iphigenia.

Shorter started playing the clarinet at 16 but switched to tenor sax before entering New York University in 1952. After graduating with a BME in 1956, he played with Horace Silver for a short time until he was drafted into the Army for two years. Once out of the service, he joined Maynard Ferguson's band, meeting Ferguson's pianist Joe Zawinul in the process. The following year (1959), Shorter joined Art Blakey's Jazz Messengers, where he remained until 1963, eventually becoming the band's music director. During the Blakey period, Shorter also made his debut on record as a leader, cutting several albums for Chicago's Vee-Jay label. After a few prior attempts to hire him away from Blakey, Miles Davis finally convinced Shorter to join his quintet in September 1964.

Staying with Davis until 1970, Shorter became one of the band's most prolific composer, contributing tunes like "E.S.P.," "Pinocchio," "Nefertiti," "Sanctuary," "Footprints," "Fall," and the signature description of Davis, "Prince of Darkness." While playing through Davis' transition from loose, post-bop acoustic jazz into electronic jazz-rock, Shorter also took up the soprano in late 1968, an instrument that turned out to be more suited to riding above the new electronic timbres than the tenor. As a prolific solo artist for Blue Note during this period, Shorter expanded his palette from hard bop almost into the atonal avant-garde, with fascinating excursions into jazz-rock territory toward the turn of the decade.

In November 1970, Shorter teamed up with old cohort Joe Zawinul and Miroslav Vitous to form Weather Report where, after a fierce start, Shorter's playing grew mellower and more consciously melodic in order to fit into Zawinul's concepts. By now he was playing mostly on soprano, though the tenor would re-emerge toward the end of the group's run. Shorter's solo career was mostly put on hold during the Weather Report days, though 1975's Native Dancer was an attractive side trip into Brazilian-American tropicalismo made in tandem with Milton Nascimento. Shorter also revisited the past in the late '70s by touring with Freddie Hubbard and ex-Davis sidemen Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams as V.S.O.P.

Shorter finally left Weather Report in 1985. Still committed to electronics and fusion, his recorded compositions from the period feature welcoming rhythms and harmonically complex arrangements. After three Columbia albums between 1986 and 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator, and Joy Ryder -- and a tour with Santana (represented by the 2005 album Montreux 1988), he lapsed into silence, emerging again in 1992 with Wallace Roney and the V.S.O.P. rhythm section in the "A Tribute to Miles" band. In 1994, now on Verve, Shorter released High Life, an engaging electric collaboration with keyboardist Rachel Z.

He continued playing concerts with a wide range of groups and appeared on a number of recordings as a guest including the Rolling Stones' Bridges to Babylon in 1997 and Herbie Hancock's Gershwin's World in 1998. In 2001, he was back with Hancock for Future 2 Future and on Marcus Miller's M². Footprints Live! was released in 2002 under his own name with a new band that included pianist Danilo Pérez, bassist John Patitucci, and drummer Brian Blade, followed by Alegria in 2003 and Beyond the Sound Barrier in 2005.

Though absent from recording, Shorter continued to tour regularly with the same quartet after 2005. They re-emerged to record again in February of 2013 with a live outing from their 2011 tour. Without a Net, his first recording for Blue Note in 43 years, was issued in February of 2013 as a precursor to his 80th birthday. Just after that release, the Wayne Shorter Quartet performed four of the leader's compositions with the Orpheus Chamber Orchestra at Carnegie Hall in New York City. Shorter immediately brought the quartet and orchestra into the studio to record those same four pieces: "Pegasus," "Prometheus Unbound," "Lotus," and "The Three Marias," as a unified suite. The title of this four-composition orchestral suite is also Shorter’s title character for the graphic novel Emanon, or "no name" spelled backward. Each of the four movements has a corresponding theme in a graphic novel penned by Shorter and Monica Sly and illustrated by Randy DeBurke. It draws inspiration from the concept of a multiverse (where numerous universes co-exist simultaneously) and features a character named Emanon, an action-hero proxy of Shorter, a comic book aficionado since he was a boy. The story alludes to dystopian oppression and was clearly informed by the saxophonist's Buddhist studies. All told, the music -- performed by the quartet with and without the chamber orchestra -- was recorded live in London as well as in the studio, creating a triple album accompanied by the 84-page graphic novel. Emanon was issued in September of 2018, just after Shorter's 85th birthday. His next project proved just as ambitious, writing an opera based around the myth of Iphigenia, a Greek princess. Shorter co-created the work with librettist esperanza spalding and set designer Frank Gehry. The work merged jazz and classical themes and premiered in New York at the end of 2021. The following year Candid released Live at the Detroit Jazz Festival. Recorded at the 2017 event, it featured Shorter in a one-off quartet setting that included drummer Terri Lyne Carrington, bassist/vocalist esperanza spalding, and Argentine pianist Leo Genovese. It proved to be the last music issued during his lifetime, as he passed away in March of 2023 at the age of 89.

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Biografía de Richard S. Ginell
Wayne Shorter fue una de las figuras más destacadas del jazz de finales del siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista. Aunque deudor de John Coltrane, con quien practicó a mediados de los años 50, Shorter desarrolló su propia voz y estilo en la trompa tenor, conservando la calidad e intensidad del tono duro y, en años posteriores, añadiendo elementos de funk. En la soprano, Shorter era casi otro intérprete, con un timbre encantador más acorde con los pensamientos líricos y una elección de notas más sobria. Como compositor, escribía melodías complejas y de largo aliento, muchas de las cuales se han convertido en estándares. En sus álbumes de los años 60 para Blue Note, entre los que destacan Juju y Night Dreamer, el compositor y el saxofonista se encuentran. Fue cofundador de Weather Report en 1970 y hasta 1986 publicó álbumes ganadores del Grammy. Publicó grabaciones de jazz-funk para Columbia y Verve a finales de los 80 y principios de los 90, entre ellas Joy Ryder y High Life. En Footprints Live!, de 2002, y Alegria, de 2003, Shorter presentó un nuevo cuarteto acústico dedicado a interpretar sus composiciones. Al entrar en la década de los ochenta, Shorter se centró en proyectos impresionantemente complejos, como Emanon, de 2018, una novela gráfica combinada con una suite de estudio en cuatro partes, y la ópera de 2021 basada en los mitos griegos titulada Ifigenia.

Shorter empezó a tocar el clarinete a los 16 años, pero cambió al saxo tenor antes de ingresar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras licenciarse en 1956, tocó con Horace Silver durante un breve periodo hasta que fue reclutado por el ejército durante dos años. Una vez fuera del servicio, se unió a la banda de Maynard Ferguson, conociendo en el proceso al pianista de Ferguson, Joe Zawinul. Al año siguiente (1959), Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde permaneció hasta 1963, llegando a convertirse en el director musical de la banda. Durante el periodo de Blakey, Shorter también debutó en el mundo discográfico como líder, grabando varios álbumes para el sello Vee-Jay de Chicago. Tras varios intentos previos de contratarle lejos de Blakey, Miles Davis convenció finalmente a Shorter para que se uniera a su quinteto en septiembre de 1964.

Permaneciendo con Davis hasta 1970, Shorter se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de la banda, contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti", "Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la descripción característica de Davis, "Prince of Darkness". Durante la transición de Davis del jazz acústico post-bop al jazz-rock electrónico, Shorter también tocó la soprano a finales de 1968, un instrumento que resultó ser más adecuado que el tenor para navegar por encima de los nuevos timbres electrónicos. Como prolífico solista para Blue Note durante este periodo, Shorter amplió su paleta desde el hard bop casi hasta la vanguardia atonal, con fascinantes incursiones en el territorio del jazz-rock hacia el final de la década.

En noviembre de 1970, Shorter se unió a su viejo amigo Joe Zawinul y a Miroslav Vitous para formar Weather Report, donde, tras un feroz comienzo, la forma de tocar de Shorter se hizo más suave y más conscientemente melódica para encajar en los conceptos de Zawinul. Para entonces tocaba sobre todo como soprano, aunque el tenor resurgiría hacia el final de la carrera del grupo. La carrera en solitario de Shorter quedó en suspenso durante la época de Weather Report, aunque Native Dancer, de 1975, fue un atractivo viaje paralelo al tropicalismo brasileño-estadounidense realizado en colaboración con Milton Nascimento. Shorter también revisitó el pasado a finales de los 70 haciendo giras con Freddie Hubbard y los ex-compañeros de Davis Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams como V.S.O.P.

Shorter abandonó finalmente Weather Report en 1985. Aún comprometido con la electrónica y la fusión, sus composiciones grabadas de la época presentan ritmos acogedores y arreglos armónicamente complejos. Después de tres álbumes de Columbia entre 1986 y 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator y Joy Ryder -- y una gira con Santana (representada por el álbum de 2005 Montreux 1988), se sumió en el silencio, emergiendo de nuevo en 1992 con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en la banda "A Tribute to Miles". En 1994, ahora en Verve, Shorter publicó High Life, una atractiva colaboración eléctrica con la teclista Rachel Z.

Siguió dando conciertos con una amplia gama de grupos y apareció en varias grabaciones como invitado, entre ellas Bridges to Babylon, de los Rolling Stones, en 1997, y Gershwin's World, de Herbie Hancock, en 1998. En 2001, volvió con Hancock para Future 2 Future y en M² de Marcus Miller. Footprints Live! se publicó en 2002 bajo su propio nombre con una nueva banda que incluía al pianista Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y el batería Brian Blade, seguido de Alegria en 2003 y Beyond the Sound Barrier en 2005.

Aunque ausente de las grabaciones, Shorter siguió girando regularmente con el mismo cuarteto después de 2005. Volvieron a grabar en febrero de 2013 con una grabación en directo de su gira de 2011. Without a Net, su primera grabación para Blue Note en 43 años, se publicó en febrero de 2013 como antesala de su 80 cumpleaños. Justo después de ese lanzamiento, el Wayne Shorter Quartet interpretó cuatro de las composiciones del líder con la Orpheus Chamber Orchestra en el Carnegie Hall de Nueva York. Shorter llevó inmediatamente al cuarteto y a la orquesta al estudio para grabar esas mismas cuatro piezas: "Pegasus", "Prometheus Unbound", "Lotus" y "The Three Marias", como una suite unificada. El título de esta suite orquestal de cuatro composiciones es también el título del personaje de Shorter para la novela gráfica Emanon, o "sin nombre" deletreado al revés. Cada uno de los cuatro movimientos tiene su correspondiente tema en una novela gráfica escrita por Shorter y Monica Sly e ilustrada por Randy DeBurke. Se inspira en el concepto de multiverso (donde coexisten simultáneamente numerosos universos) y presenta a un personaje llamado Emanon, un héroe de acción apoderado de Shorter, aficionado a los cómics desde niño. La historia alude a la opresión distópica y está claramente inspirada en los estudios budistas del saxofonista. En total, la música -interpretada por el cuarteto con y sin la orquesta de cámara- se grabó en directo en Londres, así como en el estudio, creando un álbum triple acompañado de la novela gráfica de 84 páginas. Emanon se publicó en septiembre de 2018, justo después del 85 cumpleaños de Shorter. Su siguiente proyecto resultó igual de ambicioso: escribir una ópera basada en el mito de Ifigenia, una princesa griega. Shorter co-creó la obra con la libretista Esperanza Spalding y el escenógrafo Frank Gehry. La obra fusionaba temas de jazz y clásicos y se estrenó en Nueva York a finales de 2021. Al año siguiente, Candid publicó Live at the Detroit Jazz Festival. Grabado en el evento de 2017, presentaba a Shorter en un cuarteto único que incluía a la baterista Terri Lyne Carrington, la bajista/vocalista Esperanza Spalding y el pianista argentino Leo Genovese. Fue el último disco que Shorter publicó en vida, ya que falleció en marzo de 2023 a la edad de 89 años.

 

wayneshorter.com ...

Gene Ammons • Bad! Bossa Nova

Review by Scott Yanow

This was Ammons' final recording before "being made an example of" and getting a lengthy jail sentence for possession of heroin; his next record would be cut over seven years later. The music is surprisingly upbeat, with Ammons joined by two guitars (Bucky Pizzarelli and Kenny Burrell), a fine rhythm section (pianist Hank Jones, bassist Norman Edge, and drummer Oliver Jackson), and the bongos of Al Hayes for a set of Latin-flavored jazz that was masquerading as bossa nova. The music is offbeat if not all that memorable, a decent effort but not essential.

https://www.allmusic.com/album/bad%21-bossa-nova-mw0000653495

Artist Biography by Scott Yanow

Gene Ammons, who had a huge and immediately recognizable tone on tenor, was a very flexible player who could play bebop with the best (always battling his friend Sonny Stitt to a tie) yet was an influence on the R&B world. Some of his ballad renditions became hits and, despite two unfortunate interruptions in his career, Ammons remained a popular attraction for 25 years.

Son of the great boogie-woogie pianist Albert Ammons, Gene Ammons (who was nicknamed "Jug") left Chicago at age 18 to work with King Kolax's band. He originally came to fame as a key soloist with Billy Eckstine's orchestra during 1944-1947, trading off with Dexter Gordon on the famous Eckstine record Blowing the Blues Away. Other than a notable stint with Woody Herman's Third Herd in 1949 and an attempt at co-leading a two tenor group in the early '50s with Sonny Stitt, Ammons worked as a single throughout his career, recording frequently (most notably for Prestige) in settings ranging from quartets and organ combos to all-star jam sessions. Drug problems kept him in prison during much of 1958-1960 and, due to a particularly stiff sentence, 1962-1969. When Ammons returned to the scene in 1969, he opened up his style a bit, including some of the emotional cries of the avant-garde while utilizing funky rhythm sections, but he was still able to battle Sonny Stitt on his own terms. Ironically the last song that he ever recorded (just a short time before he was diagnosed with terminal cancer) was "Goodbye."

https://www.allmusic.com/artist/gene-ammons-mn0000160198/biography

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Reseña de Scott Yanow

Esta fue la última grabación de Ammon antes de "ser un ejemplo" y obtener una larga sentencia en la cárcel por posesión de heroína; su próximo disco se cortaría siete años más tarde. La música es sorprendentemente alegre, con Ammons acompañado por dos guitarras (Bucky Pizzarelli y Kenny Burrell), una buena sección rítmica (pianista Hank Jones, bajista Norman Edge y batería Oliver Jackson), y los bongos de Al Hayes para un conjunto de jazz de sabor latino que se hacía pasar por bossa nova. La música es insólita si no memorable, un esfuerzo decente pero no esencial.

https://www.allmusic.com/album/bad%21-bossa-nova-mw0000653495

Biografía del artista por Scott Yanow

Gene Ammons, que tenía un tono enorme e inmediatamente reconocible en el tenor, era un jugador muy flexible que podía tocar el bebop con los mejores (siempre luchando contra su amigo Sonny Stitt con un empate) y, sin embargo, era una influencia en el mundo del R&B. Algunas de sus interpretaciones de baladas se convirtieron en éxitos y, a pesar de dos desafortunadas interrupciones en su carrera, Ammons siguió siendo una atracción popular durante 25 años.

Hijo del gran pianista de boogie-woogie Albert Ammons, Gene Ammons (apodado "Jug") dejó Chicago a los 18 años para trabajar con la banda de King Kolax. Originalmente llegó a la fama como solista clave con la orquesta de Billy Eckstine durante 1944-1947, intercambiando con Dexter Gordon en el famoso disco de Eckstine Blowing the Blues Away. Aparte de una notable temporada con Woody Herman's Third Herd en 1949 y un intento de co-liderar un grupo de dos tenor a principios de los'50 con Sonny Stitt, Ammons trabajó como single a lo largo de su carrera, grabando frecuentemente (más notablemente para Prestige) en escenarios que iban desde cuartetos y combos de órgano hasta jam sessions de estrellas. Los problemas de drogas lo mantuvieron en prisión durante gran parte de 1958-1960 y, debido a una sentencia particularmente dura, de 1962-1969. Cuando Ammons regresó a la escena en 1969, abrió un poco su estilo, incluyendo algunos de los gritos emocionales de la vanguardia mientras utilizaba secciones rítmicas funky, pero aún así fue capaz de luchar contra Sonny Stitt en sus propios términos. Irónicamente, la última canción que grabó (poco antes de que le diagnosticaran un cáncer terminal) fue "Goodbye".

https://www.allmusic.com/artist/gene-ammons-mn0000160198/biography

The Hot Club Of San Francisco • John Paul George & Django

The Hot Club of San Francisco is an American gypsy jazz band. Led by guitarist, songwriter, and arranger Paul 'Pazzo' Mehling, the group uses the instrumentation of violin, bass, and guitars from Django Reinhardt and Stephane Grappelli’s Quintette du Hot Club de France and performs arrangements of gypsy jazz standards, pop songs, and original compositions by Mehling. The Hot Club of San Francisco includes violinist Evan Price, the vocals of various members, and a swing rhythm section. In the book, Django Reinhardt and the Illustrated History of Gypsy Jazz, Michael Dregni refers to the Hot Club of San Francisco as "one of the first American gypsy jazz bands."

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El Hot Club de San Francisco es un grupo estadounidense de jazz gitano. Liderado por el guitarrista, compositor y arreglista Paul 'Pazzo' Mehling, el grupo utiliza la instrumentación de violín, bajo y guitarras del Quintette du Hot Club de France de Django Reinhardt y Stephane Grappelli e interpreta arreglos de estándares de jazz gitano, canciones pop y composiciones originales de Mehling. El Hot Club de San Francisco incluye al violinista Evan Price, las voces de varios miembros y una sección rítmica de swing. En el libro Django Reinhardt and the Illustrated History of Gypsy Jazz, Michael Dregni se refiere al Hot Club of San Francisco como "una de las primeras bandas americanas de gypsy jazz".

 

www.hotclubsf.com ...

Joshua Redman • Blues for Pat

 

 

Joshua Redman is one of the most acclaimed and charismatic jazz artists to have emerged in the decade of the 1990s. Born in Berkeley, California, he is the son of legendary saxophonist Dewey Redman and dancer Renee Shedroff. He was exposed at an early age to a variety of musics (jazz, classical, rock, soul, Indian, Indonesian, Middle-Eastern, African) and instruments (recorder, piano, guitar, gatham, gamelan), and began playing clarinet at age nine before switching to what became his primary instrument, the tenor saxophone, one year later. The early influences of John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley and his father, Dewey Redman, as well as The Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police and Led Zeppelin drew Joshua more deeply into music. But although Joshua loved playing the saxophone and was a dedicated member of the award-winning Berkeley High School Jazz Ensemble and Combo from 1983-86, academics were always his first priority, and he never seriously considered becoming a professional musician.

In 1991 Redman graduated from Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa with a B.A. in Social Studies. He had already been accepted by Yale Law School, but deferred entrance for what he believed was only going to be one year. Some of his friends (former students at the Berklee College of Music whom Joshua had met while in Boston) had recently relocated to Brooklyn, and they were looking for another housemate to help with the rent. Redman accepted their invitation to move in, and almost immediately he found himself immersed in the New York jazz scene. He began jamming and gigging regularly with some of the leading jazz musicians of his generation: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy and Mark Turner (to name just a few). In November of that year, five months after moving to New York, Redman was named the winner of the prestigious Thelonious Monk International Saxophone Competition. This was only one of the more visible highlights from a year that saw Redman beginning to tour and record with jazz masters such as his father, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian, and Clark Terry. For Joshua, this was a period of tremendous growth, invaluable experience and endless inspiration.

Now fully committed to a life in music, Redman was quickly signed by Warner Bros. Records and issued his first, self-titled album in the spring of 1993, which subsequently earned Redman his first Grammy nomination. That fall saw the release of Wish, where Joshua was joined by the all-star cast of Pat Metheny, Charlie Haden and Billy Higgins. He toured extensively with Metheny throughout the latter half of that year. His next recording, MoodSwing, was released in 1994, and it introduced his first permanent band, which included three other young musicians who have gone on to become some of the most important and influential artists in modern jazz: pianist Brad Mehldau, bassist Christian McBride and drummer Brian Blade. A later edition of this ensemble included guitarist Peter Bernstein, pianist Peter Martin, bassist Chris Thomas and Blade. Over a series of celebrated recordings including Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove and Timeless Tales (for Changing Times), Redman established himself as one of the music’s most consistent and successful bandleaders, and added soprano and alto saxophones to his instrumental arsenal. Joshua’s second acclaimed quartet, featuring pianist Aaron Goldberg, bassist Reuben Rogers and drummer Gregory Hutchinson, was formed in 1998 and made its recorded debut on the 2000 album Beyond. The dynamic interplay and uncommon rapport of this group inspired Redman to write and record his first long-form composition, Passage of Time, which was released in 2001.

A year later, Redman began to channel his jazz sensibilities through new instrumentation and formed The Elastic Band, a flexible, electrified, groove-based trio built on an ongoing collaboration with keyboardist Sam Yahel and drummer Brian Blade. The band debuted on the 2002 releases yaya3 and Elastic. Drummer Jeff Ballard began to play regularly with the Elastic Band later that year, and he (along with Blade and Yahel) played a central role in their next recording, the Grammy-nominated Momentum, which was released in 2005 to inaugurate Redman’s affiliation with Nonesuch Records, and featured a diverse and exciting lineup of special guests.

In 2000, Redman was named Artistic Director for the Spring Season of the non-profit jazz-presenting organization SFJAZZ. Redman and SFJAZZ Executive Director Randall Kline had an idea that The New York Times called a “eureka moment”; the creation of the SFJAZZ Collective, an ensemble distinguished both by the creativity of its members and a unique primary emphasis on composition. Inaugurated in 2004, the eight-piece band consists of a multi-generational cast of accomplished musicians. The Collective’s repertoire features both commissioned works and new arrangements of the work of great modern jazz composers. In March 2007, Redman announced that he was taking a hiatus from both the SFJAZZ Artistic Directorship and the SFJAZZ Collective in order to focus on new projects.

The following month, Nonesuch released Redman’s first ever piano-less trio record, Back East, featuring Joshua alongside three stellar bass and drum rhythm sections (Larry Grenadier & Ali Jackson, Christian McBride & Brian Blade, Reuben Rogers & Eric Harland) and three very special guest saxophonists (Chris Cheek, Joe Lovano and Dewey Redman). On Compass, released in January 2009 (Nonesuch), Joshua continues to explore the expansive trio format, and with a group of collaborators as intrepid as he is – bassists Larry Grenadier and Rueben Rogers, and drummers Brian Blade and Gregory Hutchinson – Redman literally and figuratively stretches the shape of the trio approach; on the most audacious of these tunes, he performs with the entire lineup in a double-trio setting.

Starting in late 2009, Joshua will be performing with a new collaborative band called James Farm featuring pianist Aaron Parks, bassist Matt Penman, and drummer Eric Harland. The band infuses traditional acoustic jazz quartet instrumentation with a progressive attitude and modern sound, creating music that is rhythmically and technically complex and at the same time harmonically rich, melodically satisfying, and emotionally compelling.

In addition to his own projects, Redman has recorded and performed with musicians such as Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, The Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, B.B. King, The Lincoln Center Jazz Orchestra, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, The Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, The Trondheim Jazz Orchestra, Mark Turner, McCoy Tyner, Umphrey’s McGee, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder and Sam Yahel. Joshua Redman has been nominated for 2 Grammys and has garnered top honors in critics and readers polls of DownBeat, Jazz Times, The Village Voice and Rolling Stone. He wrote and performed the music for Louis Malle’s final film Vanya on 42nd Street, and is both seen and heard in the Robert Altman film Kansas City.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

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Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de 1990. Nacido en Berkeley, California, es hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y de la bailarina Renee Shedroff. Estuvo expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, India, Indonesia, Oriente Medio, Africana) e instrumentos (flauta dulce, piano, guitarra, gatham, gamelan), y comenzó a tocar el clarinete a los nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después. Las primeras influencias de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como de los Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente a la música. Pero aunque a Joshua le encantaba tocar el saxofón y fue un miembro dedicado del galardonado Conjunto y Combo de Jazz de Berkeley High School de 1983 a 1986, lo académico siempre fue su primera prioridad, y nunca consideró seriamente convertirse en músico profesional.

En 1991, Redman se graduó de Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa con una licenciatura en Estudios Sociales. Ya había sido aceptado por la Facultad de Derecho de Yale, pero postergó la entrada por lo que creía que solo iba a ser un año. Algunos de sus amigos (exalumnos del Berklee College of Music a quienes Joshua había conocido mientras estaba en Boston) se habían mudado recientemente a Brooklyn y estaban buscando otro compañero de casa que los ayudara con el alquiler. Redman aceptó su invitación para mudarse y casi de inmediato se encontró inmerso en la escena del jazz de Nueva York. Comenzó a tocar y tocar regularmente con algunos de los principales músicos de jazz de su generación: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy y Mark Turner (por nombrar solo algunos). En noviembre de ese año, cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman fue nombrado ganador del prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk. Este fue solo uno de los aspectos más destacados de un año en el que Redman comenzó a hacer giras y grabar con maestros del jazz como su padre, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian y Clark Terry. Para Joshua, este fue un período de tremendo crecimiento, experiencia invaluable e inspiración infinita.

Ahora totalmente comprometido con una vida en la música, Redman firmó rápidamente con Warner Bros.Records y lanzó su primer álbum homónimo en la primavera de 1993, que posteriormente le valió a Redman su primera nominación al Grammy. Ese otoño vio el lanzamiento de Wish, donde Joshua se unió al elenco estelar de Pat Metheny, Charlie Haden y Billy Higgins. Realizó numerosas giras con Metheny durante la segunda mitad de ese año. Su siguiente grabación, MoodSwing, fue lanzada en 1994, y presentó su primera banda permanente, que incluía a otros tres jóvenes músicos que se han convertido en algunos de los artistas más importantes e influyentes del jazz moderno: el pianista Brad Mehldau, el bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade. Una edición posterior de este conjunto incluyó al guitarrista Peter Bernstein, el pianista Peter Martin, el bajista Chris Thomas y Blade. A lo largo de una serie de grabaciones célebres que incluyeron Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove y Timeless Tales (for Changing Times), Redman se estableció como uno de los líderes de banda más consistentes y exitosos de la música, y agregó saxofones soprano y alto a su arsenal instrumental. El segundo cuarteto aclamado de Joshua, con el pianista Aaron Goldberg, el bajista Reuben Rogers y el baterista Gregory Hutchinson, se formó en 1998 e hizo su debut grabado en el álbum Beyond de 2000. La interacción dinámica y la relación poco común de este grupo inspiraron a Redman a escribir y grabar su primera composición de formato largo, Passage of Time, que se lanzó en 2001.

Un año después, Redman comenzó a canalizar su sensibilidad jazzística a través de una nueva instrumentación y formó Elastic Band, un trío flexible, electrificado y basado en el groove construido en una colaboración continua con el tecladista Sam Yahel y el baterista Brian Blade. La banda debutó en los lanzamientos de 2002 yaya3 y Elastic. El baterista Jeff Ballard comenzó a tocar regularmente con Elastic Band más tarde ese año, y él (junto con Blade y Yahel) desempeñó un papel central en su próxima grabación, Momentum, nominada al Grammy, que se lanzó en 2005 para inaugurar la afiliación de Redman con Nonesuch Records, y contó con una alineación diversa y emocionante de invitados especiales.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico de la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro SFJAZZ, que presenta jazz. Redman y el director ejecutivo de SFJAZZ, Randall Kline, tuvieron una idea que The New York Times llamó un "momento eureka" ; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consta de un elenco multigeneracional de músicos consumados. El repertorio del Colectivo presenta tanto obras encargadas como nuevos arreglos de la obra de grandes compositores de jazz moderno. En marzo de 2007, Redman anunció que se tomaría un descanso tanto de la Dirección Artística de SFJAZZ como del Colectivo SFJAZZ para concentrarse en nuevos proyectos.

Al mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados muy especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua continúa explorando el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépidos como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, Redman extiende literal y figurativamente la forma del enfoque de trío; en la más audaz de estas melodías, se presenta con toda la formación en un ambiente de doble trío.

A partir de finales de 2009, Joshua se presentará con una nueva banda colaborativa llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde la instrumentación tradicional de cuarteto de jazz acústico con una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo armónicamente rica, melódicamente satisfactoria y emocionalmente convincente.

Además de sus propios proyectos, Redman ha grabado y actuado con músicos como Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, BB. King, La Orquesta de Jazz del Lincoln Center, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, Los Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, la Orquesta de Jazz de Trondheim, Mark Turner, McCoy Tyner, McGee de Umphrey, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder y Sam Yahel. Joshua Redman ha sido nominado a 2 Grammys y ha obtenido los máximos honores en las encuestas de críticos y lectores de DownBeat, Jazz Times, Village Voice y Rolling Stone. Escribió e interpretó la música de la última película de Louis Malle, Vania on 42nd Street, y se ve y se escucha en la película de Robert Altman Kansas City.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

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