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Wednesday, December 21, 2022
Carl Perkins • The Rockin’ Guitar Man - The Singles 1955-1962
Biography by Matt Collar
One of the quintessential rockabilly performers, Carl Perkins was a singer, guitarist, and songwriter whose humble sharecropping roots informed his twangy, boogie rhythm style and innovative blend of country and R&B. Along with Elvis Presley, Perkins helped define the early rockabilly sound and put Memphis' Sun Records on the map in the process with classic songs like "Blue Suede Shoes," "Matchbox," "Honey, Don't," and "Everybody's Trying to Be My Baby," all included on 1957's Dance Album. While he was slow to gain the pop culture status of some of his Million Dollar Quartet peers (including Presley, Johnny Cash, and Jerry Lee Lewis), he enjoyed extended revivals from the '60s onward, touring with Chuck Berry and influencing the work of countless artists like the Beatles, Brian Setzer, U2, and more. He also composed hits for other performers, including "Daddy Sang Bass" for Johnny Cash, "I Was So Wrong" for Patsy Cline, and "Let Me Tell You About Love" for the Judds. Prior to his death in 1998, Perkins was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame and the Rock & Roll Hall of Fame and saw his landmark 1955 recording of "Blue Suede Shoes" honored with a Grammy Hall of Fame Award.
Carl Lee Perkins was born in 1932 in Tipton, Tennessee to sharecroppers Buck and Louise Perkins (misspelled on his birth certificate as "Perkings"). Starting early in his childhood, he worked in the fields picking cotton and living in a shack with his parents, older brother Jay, and his younger brother Clayton. Gifted a second-hand guitar, he took lessons from a local Black sharecropper, learning firsthand the boogie rhythm that he would later build a career on. By his teens, Perkins was playing electric guitar, mixing R&B traditions with bluegrass and country techniques. He soon recruited his brothers Jay on vocals and rhythm guitar and Clayton on vocals and string bass. The Perkins Brothers Band quickly established itself as the hottest band in the get-hot-or-go-home cutthroat Jackson, Tennessee honky tonk circuit. It was here that Carl started composing his first songs with an eye toward the future. Watching the dancefloor at all times for a reaction, Perkins kept reshaping these loosely structured songs until he had a completed composition, which would then finally be put to paper. He was already sending demos to New York record companies, who kept rejecting him, sometimes explaining that this strange new hybrid of country and R&B fit no current commercial trend. But once Perkins heard Elvis on the radio, he not only knew what to call it, but knew that there was a record company person who finally understood it and was also willing to gamble on promoting it. That man was Sam Phillips and the record company was Sun Records, and that's exactly where Perkins headed in 1954 to get an audition.
It was here at his first Sun audition that the structure of the Perkins Brothers Band changed forever. Phillips didn't show the least bit of interest in Jay's Ernest Tubb-styled vocals but flipped over Carl's singing and guitar playing. A scant four months later, he had issued the first Carl Perkins record, "Movie Magg"/"Turn Around," both sides written by the artist. By his second session, he had added W.S. Holland -- a friend of Clayton's -- to the band playing drums, a relatively new innovation to country music at the time. Phillips was still channeling Perkins in a strictly hillbilly vein, feeling that two artists doing the same type of music (in this case, Elvis and rockabilly) would cancel each other out. But after selling Elvis' contract to RCA Victor in December, Perkins was encouraged to finally let his rocking soul come up for air at his next Sun session. And rock he did, with a double-whammy blast that proved to be his ticket to the bigs. The chance overhearing of a conversation at a dance one night between two teenagers, coupled with a song idea suggestion from labelmate Johnny Cash, inspired Perkins to approach Phillips with a new song he had written called "Blue Suede Shoes." After cutting two sides that Phillips planned on releasing as a single by the Perkins Brothers Band, Perkins laid down three takes each of "Blue Suede Shoes" and another rocker, "Honey Don't." A month later, Phillips decides to shelve the two country sides and go with the rockers as Perkins' next single. Three months later, "Blue Suede Shoes," a tune that borrowed stylistically from pop, country, and R&B music, sat at the top of all charts, the first record to accomplish such a feat while becoming Sun's first million-seller in the bargain.
Ready to cash in on a national basis, Perkins and the boys headed up to New York for the first time to appear on The Perry Como Show. While en route their car rammed the back of a poultry truck, putting Carl and his brother Jay in the hospital with a cracked skull and broken neck, respectively. While in traction, Perkins saw Presley performing his song on The Dorsey Brother Stage Show, his moment of fame and recognition snatched away from him. Perkins shrugged his shoulders and went back to the road and the Sun studios, trying to pick up where he left off.
The follow-ups to "Shoes" were, in many ways, superior to his initial hit, but each succeeding Sun single held diminishing sales, and it wasn't until the British Invasion and the subsequent rockabilly revival of the early '70s that the general public got to truly savor classics like "Boppin' the Blues," "Matchbox," "Everybody's Trying to Be My Baby," "Your True Love," "Dixie Fried," "Put Your Cat Clothes On," and "All Mama's Children." While labelmates Cash and Jerry Lee Lewis (who played piano on "Matchbox" during the legendary Million Dollar Quartet session) were scoring hit after hit, Perkins was becoming disillusioned with his fate, fueled by his increasing dependence on alcohol and the death of his brother Jay to cancer. He kept plugging along, and when Cash left Sun to go to Columbia in 1958, Perkins followed him over. The royalty rate was better, and Perkins had no shortage of great songs to record, but Columbia's Nashville watch-the-clock production methods killed the spontaneity that was the charm of the Sun records.
By the early '60s, after being dropped by Columbia and moving over to Decca with little success, Perkins was back playing the honky tonks and contemplating getting out of the business altogether. A call from a booking agent in 1964 offering a tour of England alongside Chuck Berry changed all of that. Temporarily swearing off the bottle, Perkins was greeted in Britain as a conquering hero, playing to sold-out audiences and being particularly lauded by a young beat group on the top of the charts named the Beatles. George Harrison had cut his musical teeth on Perkins' Sun recordings (as had most British guitarists) and the Fab Four ended up recording more tunes by him than any other artist except themselves. The British tour not only rejuvenated his outlook, but suddenly made him realize that he had gone -- through no maneuvering of his own -- from has-been to legend in a country he had never played in before. Upon his return to the States, he hooked up with old friend and former labelmate Cash and was a regular fixture of his road show for the next ten years, bringing his battle with alcohol to an end. He kept recording, releasing My Kind of Country in 1973 and covering classic rock & roll and country hits on 1978's Ol' Blue Suede's Back.
As the '80s dawned, Perkins found himself at the epicenter of the rockabilly revival, touring on his own with a new band consisting of his sons backing him (including future Rockabilly Hall of Famer Stan Perkins). In 1982, he collaborated with Paul McCartney on the song "Get It," included on Tug of War. He also joined with Stray Cats members Lee Rocker and Slim Jim Phantom for a re-recording of "Blue Suede Shoes" for the soundtrack to the comedy Porky's Revenge. 1985 proved a banner year for Perkins, who was featured in a live television special, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, recorded at London's Limehouse Studios and featuring guests including George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash, and Ringo Starr. He also made a cameo, alongside David Bowie, in director John Landis' film Into the Night. 1985 was also the year he was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame. Two years later, he was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame and, soon after, the Rockabilly Hall of Fame. In 1986, his original 1955 recording of "Blue Suede Shoes" was inducted into the Grammy Hall of Fame. That same year, he reunited with fellow rock & roll legends Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, and Roy Orbison for Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, a tribute to their early years at Sun Records. In 1989, he scored a number one country hit with the Judds on "Let Me Tell You About Love" and released his own album, Born to Rock.
In 1992, Perkins released Friends, Family, & Legends, a star-studded production featuring appearances by Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer, and others. He then collaborated with Duane Eddy and the Mavericks, contributing a version of "Matchbox" to the 1994 AIDS benefit album Red Hot + Country. Perkins' final album, Go Cat Go!, arrived in 1996 and featured guest spots from many performers who had drawn inspiration from him, including both George Harrison and Paul McCartney, Bono, John Fogerty, and Tom Petty, among others. After a long battle with throat cancer, Perkins died in early 1998 at the age of 65, his place in the history books assured.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
One of the quintessential rockabilly performers, Carl Perkins was a singer, guitarist, and songwriter whose humble sharecropping roots informed his twangy, boogie rhythm style and innovative blend of country and R&B. Along with Elvis Presley, Perkins helped define the early rockabilly sound and put Memphis' Sun Records on the map in the process with classic songs like "Blue Suede Shoes," "Matchbox," "Honey, Don't," and "Everybody's Trying to Be My Baby," all included on 1957's Dance Album. While he was slow to gain the pop culture status of some of his Million Dollar Quartet peers (including Presley, Johnny Cash, and Jerry Lee Lewis), he enjoyed extended revivals from the '60s onward, touring with Chuck Berry and influencing the work of countless artists like the Beatles, Brian Setzer, U2, and more. He also composed hits for other performers, including "Daddy Sang Bass" for Johnny Cash, "I Was So Wrong" for Patsy Cline, and "Let Me Tell You About Love" for the Judds. Prior to his death in 1998, Perkins was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame and the Rock & Roll Hall of Fame and saw his landmark 1955 recording of "Blue Suede Shoes" honored with a Grammy Hall of Fame Award.
Carl Lee Perkins was born in 1932 in Tipton, Tennessee to sharecroppers Buck and Louise Perkins (misspelled on his birth certificate as "Perkings"). Starting early in his childhood, he worked in the fields picking cotton and living in a shack with his parents, older brother Jay, and his younger brother Clayton. Gifted a second-hand guitar, he took lessons from a local Black sharecropper, learning firsthand the boogie rhythm that he would later build a career on. By his teens, Perkins was playing electric guitar, mixing R&B traditions with bluegrass and country techniques. He soon recruited his brothers Jay on vocals and rhythm guitar and Clayton on vocals and string bass. The Perkins Brothers Band quickly established itself as the hottest band in the get-hot-or-go-home cutthroat Jackson, Tennessee honky tonk circuit. It was here that Carl started composing his first songs with an eye toward the future. Watching the dancefloor at all times for a reaction, Perkins kept reshaping these loosely structured songs until he had a completed composition, which would then finally be put to paper. He was already sending demos to New York record companies, who kept rejecting him, sometimes explaining that this strange new hybrid of country and R&B fit no current commercial trend. But once Perkins heard Elvis on the radio, he not only knew what to call it, but knew that there was a record company person who finally understood it and was also willing to gamble on promoting it. That man was Sam Phillips and the record company was Sun Records, and that's exactly where Perkins headed in 1954 to get an audition.
It was here at his first Sun audition that the structure of the Perkins Brothers Band changed forever. Phillips didn't show the least bit of interest in Jay's Ernest Tubb-styled vocals but flipped over Carl's singing and guitar playing. A scant four months later, he had issued the first Carl Perkins record, "Movie Magg"/"Turn Around," both sides written by the artist. By his second session, he had added W.S. Holland -- a friend of Clayton's -- to the band playing drums, a relatively new innovation to country music at the time. Phillips was still channeling Perkins in a strictly hillbilly vein, feeling that two artists doing the same type of music (in this case, Elvis and rockabilly) would cancel each other out. But after selling Elvis' contract to RCA Victor in December, Perkins was encouraged to finally let his rocking soul come up for air at his next Sun session. And rock he did, with a double-whammy blast that proved to be his ticket to the bigs. The chance overhearing of a conversation at a dance one night between two teenagers, coupled with a song idea suggestion from labelmate Johnny Cash, inspired Perkins to approach Phillips with a new song he had written called "Blue Suede Shoes." After cutting two sides that Phillips planned on releasing as a single by the Perkins Brothers Band, Perkins laid down three takes each of "Blue Suede Shoes" and another rocker, "Honey Don't." A month later, Phillips decides to shelve the two country sides and go with the rockers as Perkins' next single. Three months later, "Blue Suede Shoes," a tune that borrowed stylistically from pop, country, and R&B music, sat at the top of all charts, the first record to accomplish such a feat while becoming Sun's first million-seller in the bargain.
Ready to cash in on a national basis, Perkins and the boys headed up to New York for the first time to appear on The Perry Como Show. While en route their car rammed the back of a poultry truck, putting Carl and his brother Jay in the hospital with a cracked skull and broken neck, respectively. While in traction, Perkins saw Presley performing his song on The Dorsey Brother Stage Show, his moment of fame and recognition snatched away from him. Perkins shrugged his shoulders and went back to the road and the Sun studios, trying to pick up where he left off.
The follow-ups to "Shoes" were, in many ways, superior to his initial hit, but each succeeding Sun single held diminishing sales, and it wasn't until the British Invasion and the subsequent rockabilly revival of the early '70s that the general public got to truly savor classics like "Boppin' the Blues," "Matchbox," "Everybody's Trying to Be My Baby," "Your True Love," "Dixie Fried," "Put Your Cat Clothes On," and "All Mama's Children." While labelmates Cash and Jerry Lee Lewis (who played piano on "Matchbox" during the legendary Million Dollar Quartet session) were scoring hit after hit, Perkins was becoming disillusioned with his fate, fueled by his increasing dependence on alcohol and the death of his brother Jay to cancer. He kept plugging along, and when Cash left Sun to go to Columbia in 1958, Perkins followed him over. The royalty rate was better, and Perkins had no shortage of great songs to record, but Columbia's Nashville watch-the-clock production methods killed the spontaneity that was the charm of the Sun records.
By the early '60s, after being dropped by Columbia and moving over to Decca with little success, Perkins was back playing the honky tonks and contemplating getting out of the business altogether. A call from a booking agent in 1964 offering a tour of England alongside Chuck Berry changed all of that. Temporarily swearing off the bottle, Perkins was greeted in Britain as a conquering hero, playing to sold-out audiences and being particularly lauded by a young beat group on the top of the charts named the Beatles. George Harrison had cut his musical teeth on Perkins' Sun recordings (as had most British guitarists) and the Fab Four ended up recording more tunes by him than any other artist except themselves. The British tour not only rejuvenated his outlook, but suddenly made him realize that he had gone -- through no maneuvering of his own -- from has-been to legend in a country he had never played in before. Upon his return to the States, he hooked up with old friend and former labelmate Cash and was a regular fixture of his road show for the next ten years, bringing his battle with alcohol to an end. He kept recording, releasing My Kind of Country in 1973 and covering classic rock & roll and country hits on 1978's Ol' Blue Suede's Back.
As the '80s dawned, Perkins found himself at the epicenter of the rockabilly revival, touring on his own with a new band consisting of his sons backing him (including future Rockabilly Hall of Famer Stan Perkins). In 1982, he collaborated with Paul McCartney on the song "Get It," included on Tug of War. He also joined with Stray Cats members Lee Rocker and Slim Jim Phantom for a re-recording of "Blue Suede Shoes" for the soundtrack to the comedy Porky's Revenge. 1985 proved a banner year for Perkins, who was featured in a live television special, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, recorded at London's Limehouse Studios and featuring guests including George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash, and Ringo Starr. He also made a cameo, alongside David Bowie, in director John Landis' film Into the Night. 1985 was also the year he was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame. Two years later, he was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame and, soon after, the Rockabilly Hall of Fame. In 1986, his original 1955 recording of "Blue Suede Shoes" was inducted into the Grammy Hall of Fame. That same year, he reunited with fellow rock & roll legends Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, and Roy Orbison for Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, a tribute to their early years at Sun Records. In 1989, he scored a number one country hit with the Judds on "Let Me Tell You About Love" and released his own album, Born to Rock.
In 1992, Perkins released Friends, Family, & Legends, a star-studded production featuring appearances by Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer, and others. He then collaborated with Duane Eddy and the Mavericks, contributing a version of "Matchbox" to the 1994 AIDS benefit album Red Hot + Country. Perkins' final album, Go Cat Go!, arrived in 1996 and featured guest spots from many performers who had drawn inspiration from him, including both George Harrison and Paul McCartney, Bono, John Fogerty, and Tom Petty, among others. After a long battle with throat cancer, Perkins died in early 1998 at the age of 65, his place in the history books assured.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
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Biografía de Matt Collar
Carl Perkins, uno de los intérpretes de rockabilly por excelencia, era cantante, guitarrista y compositor cuyas humildes raíces aparceras informaron su estilo vibrante y rítmico boogie y su innovadora combinación de country y R&B. Junto con Elvis Presley, Perkins ayudó a definir el sonido rockabilly temprano y puso a Sun Records de Memphis en el mapa en el proceso con canciones clásicas como "Blue Suede Shoes", "Matchbox", "Honey, Don't" y "Everybody's Trying to Be My Baby", todas incluidas en el Álbum Dance de 1957. Si bien tardó en ganar el estatus de cultura pop de algunos de sus compañeros de Cuarteto de Un Millón de Dólares (incluidos Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis), disfrutó de avivamientos extendidos desde los años 60 en adelante, haciendo giras con Chuck Berry e influyendo en el trabajo de innumerables artistas como los Beatles, Brian Setzer, U2 y más. También compuso éxitos para otros artistas, incluidos "Daddy Sang Bass" para Johnny Cash, "I Was So Wrong " para Patsy Cline y" Let Me Tell You About Love " para the Judds. Antes de su muerte en 1998, Perkins fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville y en el Salón de la Fama del Rock & Roll y vio su histórica grabación de 1955 de "Blue Suede Shoes" honrada con un premio Grammy Hall of Fame.
Carl Lee Perkins nació en 1932 en Tipton, Tennessee, de los aparceros Buck y Louise Perkins (mal escrito en su certificado de nacimiento como "Perkings"). Comenzando temprano en su infancia, trabajó en los campos recogiendo algodón y viviendo en una choza con sus padres, su hermano mayor Jay y su hermano menor Clayton. Dotado con una guitarra de segunda mano, tomó lecciones de un aparcero negro local, aprendiendo de primera mano el ritmo boogie con el que más tarde construiría una carrera. En su adolescencia, Perkins tocaba la guitarra eléctrica, mezclando tradiciones de R & B con bluegrass y técnicas country. Pronto reclutó a sus hermanos Jay en la voz y la guitarra rítmica y a Clayton en la voz y el bajo de cuerda. The Perkins Brothers Band se estableció rápidamente como la banda más candente en el despiadado circuito honky tonk de Jackson, Tennessee. Fue aquí donde Carl comenzó a componer sus primeras canciones con la vista puesta en el futuro. Observando la pista de baile en todo momento en busca de una reacción, Perkins siguió remodelando estas canciones vagamente estructuradas hasta que tuvo una composición completa, que finalmente se pondría en papel. Ya estaba enviando demos a las compañías discográficas de Nueva York, que seguían rechazándolo, a veces explicando que este extraño nuevo híbrido de country y R&B no encajaba con ninguna tendencia comercial actual. Pero una vez que Perkins escuchó a Elvis en la radio, no solo supo cómo llamarlo, sino que supo que había una persona de la compañía discográfica que finalmente lo entendió y también estaba dispuesta a apostar por promocionarlo. Ese hombre era Sam Phillips y la compañía discográfica era Sun Records, y ahí es exactamente a donde se dirigió Perkins en 1954 para conseguir una audición.
Fue aquí, en su primera audición para Sun, donde la estructura de la Perkins Brothers Band cambió para siempre. Phillips no mostró el más mínimo interés en la voz al estilo Ernest Tubb de Jay, pero le dio la vuelta al canto y la guitarra de Carl. Apenas cuatro meses después, había publicado el primer disco de Carl Perkins, "Movie Magg"/"Turn Around", ambas caras escritas por el artista. Para su segunda sesión, había agregado a W. S. Holland, un amigo de Clayton, a la banda tocando la batería, una innovación relativamente nueva para la música country en ese momento. Phillips todavía estaba canalizando a Perkins en una vena estrictamente hillbilly, sintiendo que dos artistas que hacían el mismo tipo de música (en este caso, Elvis y rockabilly) se cancelarían mutuamente. Pero después de vender el contrato de Elvis a RCA Victor en diciembre, Perkins se animó a finalmente dejar que su alma rockera saliera al aire en su próxima sesión de Sun. Y rock lo hizo, con una explosión de doble golpe que resultó ser su boleto a los grandes. La casualidad de escuchar una conversación en un baile una noche entre dos adolescentes, junto con una sugerencia de una idea de canción de su compañero de sello Johnny Cash, inspiró a Perkins a acercarse a Phillips con una nueva canción que había escrito llamada "Blue Suede Shoes". Después de cortar dos lados que Phillips planeaba lanzar como sencillo de The Perkins Brothers Band, Perkins grabó tres tomas cada una de "Blue Suede Shoes" y otra rockera, "Honey Don't". Un mes después, Phillips decide dejar de lado los dos lados country e ir con the rockers como el próximo sencillo de Perkins . Tres meses después, "Blue Suede Shoes", una canción que tomaba prestado estilísticamente de la música pop, country y R&B, se ubicó en la cima de todas las listas, el primer disco en lograr tal hazaña y se convirtió en el primer millón de ventas de Sun en el negocio.
Listos para sacar provecho a nivel nacional, Perkins y los muchachos se dirigieron a Nueva York por primera vez para aparecer en The Perry Como Show. Mientras se dirigían, su automóvil embistió la parte trasera de un camión avícola, lo que llevó a Carl y su hermano Jay al hospital con el cráneo partido y el cuello roto, respectivamente. Mientras estaba en traction, Perkins vio a Presley interpretar su canción en el espectáculo teatral Dorsey Brother, su momento de fama y reconocimiento le fue arrebatado. Perkins se encogió de hombros y regresó a la carretera y a los estudios Sun, tratando de continuar donde lo dejó.
Los seguimientos de "Shoes" fueron, en muchos sentidos, superiores a su éxito inicial, pero cada sencillo sucesivo de Sun mantuvo ventas decrecientes, y no fue hasta la Invasión británica y el posterior resurgimiento del rockabilly de principios de los 70 que el público en general pudo saborear verdaderamente clásicos como "Boppin 'the Blues", "Matchbox", "Everybody's Trying to Be My Baby", "Your True Love", "Dixie Fried", "Put Your Cat Clothes On" y "All Mama's Children"."Mientras sus compañeros de sello Cash y Jerry Lee Lewis (que tocaron el piano en "Matchbox" durante la legendaria sesión del Cuarteto Million Dollar) anotaban éxito tras éxito, Perkins se estaba desilusionando con su destino, impulsado por su creciente dependencia del alcohol y la muerte de su hermano Jay a causa del cáncer. Siguió conectándose, y cuando Cash dejó Sun para irse a Columbia en 1958, Perkins lo siguió. La tasa de regalías era mejor, y a Perkins no le faltaban grandes canciones para grabar, pero los métodos de producción de relojería de Nashville de Columbia acabaron con la espontaneidad que era el encanto de The Sun Records.
A principios de los 60, después de que Columbia lo abandonara y se mudara a Decca con poco éxito, Perkins volvió a tocar honky tonks y contemplaba dejar el negocio por completo. Una llamada de un agente de reservas en 1964 ofreciendo una gira por Inglaterra junto a Chuck Berry cambió todo eso. Renunciando temporalmente a la botella, Perkins fue recibido en Gran Bretaña como un héroe conquistador, tocando para audiencias agotadas y siendo particularmente elogiado por un joven grupo beat en lo más alto de las listas llamado The Beatles. George Harrison se había hecho un hueco musical en las grabaciones de Sun de Perkins (al igual que la mayoría de los guitarristas británicos) y los Fab Four terminaron grabando más canciones suyas que cualquier otro artista, excepto ellos mismos. La gira británica no solo rejuveneció su perspectiva, sino que de repente le hizo darse cuenta de que había pasado, sin maniobras propias, de haber sido una leyenda en un país en el que nunca antes había tocado. A su regreso a los Estados Unidos, se conectó con un viejo amigo y excompañero de sello Cash y fue un elemento habitual de su gira durante los siguientes diez años, poniendo fin a su batalla con el alcohol. Siguió grabando, lanzando My Kind of Country en 1973 y versionando éxitos clásicos de rock & roll y country en Ol ' Blue Suede de 1978.
Al amanecer de los 80, Perkins se encontró en el epicentro del renacimiento del rockabilly, de gira solo con una nueva banda formada por sus hijos que lo respaldaban (incluido el futuro miembro del Salón de la Fama del Rockabilly, Stan Perkins). En 1982, colaboró con Paul McCartney en la canción "Get It", incluida en Tug of War. También se unió a los miembros de Stray Cats Lee Rocker y Slim Jim Phantom para una regrabación de "Blue Suede Shoes" para la banda sonora de la comedia Porky's Revenge. 1985 resultó ser un año excepcional para Perkins, quien apareció en un especial de televisión en vivo, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, grabado en los Limehouse Studios de Londres y con invitados como George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash y Ringo Starr. También hizo un cameo, junto a David Bowie,en la película Into the Night del director John Landis. 1985 también fue el año en que fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville. Dos años más tarde, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y, poco después, en el Salón de la Fama del Rockabilly. En 1986, su grabación original de 1955 de "Blue Suede Shoes" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. Ese mismo año, se reunió con sus compañeros leyendas del rock & roll Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison para Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, un tributo a sus primeros años en Sun Records. En 1989, obtuvo un éxito country número uno con The Judds en "Let Me Tell You About Love" y lanzó su propio álbum, Born to Rock.
En 1992, Perkins lanzó Friends, Family, & Legends, una producción repleta de estrellas con apariciones de Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer y otros. Luego colaboró con Duane Eddy y The Mavericks, contribuyendo con una versión de "Matchbox" al álbum benéfico contra el SIDA de 1994 Red Hot + Country. El último álbum de Perkins, Go Cat Go!, llegó en 1996 y contó con anuncios invitados de muchos artistas que se habían inspirado en él, incluidos George Harrison y Paul McCartney, Bono, John Fogerty y Tom Petty, entre otros. Después de una larga batalla contra el cáncer de garganta, Perkins murió a principios de 1998 a la edad de 65 años, su lugar en los libros de historia asegurado.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
Carl Perkins, uno de los intérpretes de rockabilly por excelencia, era cantante, guitarrista y compositor cuyas humildes raíces aparceras informaron su estilo vibrante y rítmico boogie y su innovadora combinación de country y R&B. Junto con Elvis Presley, Perkins ayudó a definir el sonido rockabilly temprano y puso a Sun Records de Memphis en el mapa en el proceso con canciones clásicas como "Blue Suede Shoes", "Matchbox", "Honey, Don't" y "Everybody's Trying to Be My Baby", todas incluidas en el Álbum Dance de 1957. Si bien tardó en ganar el estatus de cultura pop de algunos de sus compañeros de Cuarteto de Un Millón de Dólares (incluidos Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis), disfrutó de avivamientos extendidos desde los años 60 en adelante, haciendo giras con Chuck Berry e influyendo en el trabajo de innumerables artistas como los Beatles, Brian Setzer, U2 y más. También compuso éxitos para otros artistas, incluidos "Daddy Sang Bass" para Johnny Cash, "I Was So Wrong " para Patsy Cline y" Let Me Tell You About Love " para the Judds. Antes de su muerte en 1998, Perkins fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville y en el Salón de la Fama del Rock & Roll y vio su histórica grabación de 1955 de "Blue Suede Shoes" honrada con un premio Grammy Hall of Fame.
Carl Lee Perkins nació en 1932 en Tipton, Tennessee, de los aparceros Buck y Louise Perkins (mal escrito en su certificado de nacimiento como "Perkings"). Comenzando temprano en su infancia, trabajó en los campos recogiendo algodón y viviendo en una choza con sus padres, su hermano mayor Jay y su hermano menor Clayton. Dotado con una guitarra de segunda mano, tomó lecciones de un aparcero negro local, aprendiendo de primera mano el ritmo boogie con el que más tarde construiría una carrera. En su adolescencia, Perkins tocaba la guitarra eléctrica, mezclando tradiciones de R & B con bluegrass y técnicas country. Pronto reclutó a sus hermanos Jay en la voz y la guitarra rítmica y a Clayton en la voz y el bajo de cuerda. The Perkins Brothers Band se estableció rápidamente como la banda más candente en el despiadado circuito honky tonk de Jackson, Tennessee. Fue aquí donde Carl comenzó a componer sus primeras canciones con la vista puesta en el futuro. Observando la pista de baile en todo momento en busca de una reacción, Perkins siguió remodelando estas canciones vagamente estructuradas hasta que tuvo una composición completa, que finalmente se pondría en papel. Ya estaba enviando demos a las compañías discográficas de Nueva York, que seguían rechazándolo, a veces explicando que este extraño nuevo híbrido de country y R&B no encajaba con ninguna tendencia comercial actual. Pero una vez que Perkins escuchó a Elvis en la radio, no solo supo cómo llamarlo, sino que supo que había una persona de la compañía discográfica que finalmente lo entendió y también estaba dispuesta a apostar por promocionarlo. Ese hombre era Sam Phillips y la compañía discográfica era Sun Records, y ahí es exactamente a donde se dirigió Perkins en 1954 para conseguir una audición.
Fue aquí, en su primera audición para Sun, donde la estructura de la Perkins Brothers Band cambió para siempre. Phillips no mostró el más mínimo interés en la voz al estilo Ernest Tubb de Jay, pero le dio la vuelta al canto y la guitarra de Carl. Apenas cuatro meses después, había publicado el primer disco de Carl Perkins, "Movie Magg"/"Turn Around", ambas caras escritas por el artista. Para su segunda sesión, había agregado a W. S. Holland, un amigo de Clayton, a la banda tocando la batería, una innovación relativamente nueva para la música country en ese momento. Phillips todavía estaba canalizando a Perkins en una vena estrictamente hillbilly, sintiendo que dos artistas que hacían el mismo tipo de música (en este caso, Elvis y rockabilly) se cancelarían mutuamente. Pero después de vender el contrato de Elvis a RCA Victor en diciembre, Perkins se animó a finalmente dejar que su alma rockera saliera al aire en su próxima sesión de Sun. Y rock lo hizo, con una explosión de doble golpe que resultó ser su boleto a los grandes. La casualidad de escuchar una conversación en un baile una noche entre dos adolescentes, junto con una sugerencia de una idea de canción de su compañero de sello Johnny Cash, inspiró a Perkins a acercarse a Phillips con una nueva canción que había escrito llamada "Blue Suede Shoes". Después de cortar dos lados que Phillips planeaba lanzar como sencillo de The Perkins Brothers Band, Perkins grabó tres tomas cada una de "Blue Suede Shoes" y otra rockera, "Honey Don't". Un mes después, Phillips decide dejar de lado los dos lados country e ir con the rockers como el próximo sencillo de Perkins . Tres meses después, "Blue Suede Shoes", una canción que tomaba prestado estilísticamente de la música pop, country y R&B, se ubicó en la cima de todas las listas, el primer disco en lograr tal hazaña y se convirtió en el primer millón de ventas de Sun en el negocio.
Listos para sacar provecho a nivel nacional, Perkins y los muchachos se dirigieron a Nueva York por primera vez para aparecer en The Perry Como Show. Mientras se dirigían, su automóvil embistió la parte trasera de un camión avícola, lo que llevó a Carl y su hermano Jay al hospital con el cráneo partido y el cuello roto, respectivamente. Mientras estaba en traction, Perkins vio a Presley interpretar su canción en el espectáculo teatral Dorsey Brother, su momento de fama y reconocimiento le fue arrebatado. Perkins se encogió de hombros y regresó a la carretera y a los estudios Sun, tratando de continuar donde lo dejó.
Los seguimientos de "Shoes" fueron, en muchos sentidos, superiores a su éxito inicial, pero cada sencillo sucesivo de Sun mantuvo ventas decrecientes, y no fue hasta la Invasión británica y el posterior resurgimiento del rockabilly de principios de los 70 que el público en general pudo saborear verdaderamente clásicos como "Boppin 'the Blues", "Matchbox", "Everybody's Trying to Be My Baby", "Your True Love", "Dixie Fried", "Put Your Cat Clothes On" y "All Mama's Children"."Mientras sus compañeros de sello Cash y Jerry Lee Lewis (que tocaron el piano en "Matchbox" durante la legendaria sesión del Cuarteto Million Dollar) anotaban éxito tras éxito, Perkins se estaba desilusionando con su destino, impulsado por su creciente dependencia del alcohol y la muerte de su hermano Jay a causa del cáncer. Siguió conectándose, y cuando Cash dejó Sun para irse a Columbia en 1958, Perkins lo siguió. La tasa de regalías era mejor, y a Perkins no le faltaban grandes canciones para grabar, pero los métodos de producción de relojería de Nashville de Columbia acabaron con la espontaneidad que era el encanto de The Sun Records.
A principios de los 60, después de que Columbia lo abandonara y se mudara a Decca con poco éxito, Perkins volvió a tocar honky tonks y contemplaba dejar el negocio por completo. Una llamada de un agente de reservas en 1964 ofreciendo una gira por Inglaterra junto a Chuck Berry cambió todo eso. Renunciando temporalmente a la botella, Perkins fue recibido en Gran Bretaña como un héroe conquistador, tocando para audiencias agotadas y siendo particularmente elogiado por un joven grupo beat en lo más alto de las listas llamado The Beatles. George Harrison se había hecho un hueco musical en las grabaciones de Sun de Perkins (al igual que la mayoría de los guitarristas británicos) y los Fab Four terminaron grabando más canciones suyas que cualquier otro artista, excepto ellos mismos. La gira británica no solo rejuveneció su perspectiva, sino que de repente le hizo darse cuenta de que había pasado, sin maniobras propias, de haber sido una leyenda en un país en el que nunca antes había tocado. A su regreso a los Estados Unidos, se conectó con un viejo amigo y excompañero de sello Cash y fue un elemento habitual de su gira durante los siguientes diez años, poniendo fin a su batalla con el alcohol. Siguió grabando, lanzando My Kind of Country en 1973 y versionando éxitos clásicos de rock & roll y country en Ol ' Blue Suede de 1978.
Al amanecer de los 80, Perkins se encontró en el epicentro del renacimiento del rockabilly, de gira solo con una nueva banda formada por sus hijos que lo respaldaban (incluido el futuro miembro del Salón de la Fama del Rockabilly, Stan Perkins). En 1982, colaboró con Paul McCartney en la canción "Get It", incluida en Tug of War. También se unió a los miembros de Stray Cats Lee Rocker y Slim Jim Phantom para una regrabación de "Blue Suede Shoes" para la banda sonora de la comedia Porky's Revenge. 1985 resultó ser un año excepcional para Perkins, quien apareció en un especial de televisión en vivo, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, grabado en los Limehouse Studios de Londres y con invitados como George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash y Ringo Starr. También hizo un cameo, junto a David Bowie,en la película Into the Night del director John Landis. 1985 también fue el año en que fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville. Dos años más tarde, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y, poco después, en el Salón de la Fama del Rockabilly. En 1986, su grabación original de 1955 de "Blue Suede Shoes" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. Ese mismo año, se reunió con sus compañeros leyendas del rock & roll Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison para Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, un tributo a sus primeros años en Sun Records. En 1989, obtuvo un éxito country número uno con The Judds en "Let Me Tell You About Love" y lanzó su propio álbum, Born to Rock.
En 1992, Perkins lanzó Friends, Family, & Legends, una producción repleta de estrellas con apariciones de Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer y otros. Luego colaboró con Duane Eddy y The Mavericks, contribuyendo con una versión de "Matchbox" al álbum benéfico contra el SIDA de 1994 Red Hot + Country. El último álbum de Perkins, Go Cat Go!, llegó en 1996 y contó con anuncios invitados de muchos artistas que se habían inspirado en él, incluidos George Harrison y Paul McCartney, Bono, John Fogerty y Tom Petty, entre otros. Después de una larga batalla contra el cáncer de garganta, Perkins murió a principios de 1998 a la edad de 65 años, su lugar en los libros de historia asegurado.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
Canadian Jazz Quartet • Just Friends
The Canadian Jazz Quartet plays mainstream jazz with a swinging and graceful treatment of standards and original material. Well known in the Toronto jazz scene, in the clubs, festivals and on the concert stage the CJQ has produced a high standard of excellence in jazz for more than a decade.
"If I'm lying on a beach, I'm reading, dozing, or pondering, and the laid-back Canadian Jazz Quartet: Just Friends – an album of recognizable jazz and show tunes such as "Embraceable You," "Time After Time" and "Joy Spring" – is good accompaniment for all. The combination of guest flautist (Bill McBirnie) and vibes (Frank Wright) gives buoyancy to the traditional small combo, rounded out by bassist Duncan Hopkins, guitarist Gary Benson and drummer Don Vickery. The band of vets ... ably cover swing, ballads, blues and bossa nova on this disc"
Ashante Infantry
Toronto Star
https://www.cornerstonerecordsinc.com/pages/cat133.html
///////
El Canadian Jazz Quartet interpreta jazz convencional con un tratamiento swing y elegante de estándares y material original. Muy conocido en la escena del jazz de Toronto, en los clubes, festivales y en el escenario de conciertos, el CJQ ha producido un alto nivel de excelencia en el jazz durante más de una década.
"Si estoy tumbado en una playa, estoy leyendo, dormitando o reflexionando, y el relajado Canadian Jazz Quartet: Just Friends -un álbum de reconocibles temas de jazz y espectáculo como "Embraceable You", "Time After Time" y "Joy Spring"- es un buen acompañamiento para todos. La combinación del flautista invitado (Bill McBirnie) y el vibráfono (Frank Wright) da dinamismo al pequeño combo tradicional, completado por el bajista Duncan Hopkins, el guitarrista Gary Benson y el batería Don Vickery. La banda de veteranos ... cubre hábilmente el swing, las baladas, el blues y la bossa nova en este disco".
Ashante Infantry
Toronto Star
https://www.cornerstonerecordsinc.com/pages/cat133.html
website ...
Eumir Deodato • Prelude
Brazilian-born
Eumir Deodato has racked up 16 platinum records to his credit as
artist, arranger or producer with combined sales of well over 25 million
records in the USA alone. His discography, including compilations and
all his work as arranger, producer and keyboardist, surpasses 450
albums. He has also had the honor of performing with the St. Louis
Symphony (which backed him on his superb Artistry album), the Cincinnati
Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra di Musica Leggera
dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists over the
years have covered his songs, including George Benson, Lee Ritenour,
Sarah Vaughan and The Emotions to mention just a few.
And yet, in
spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions over the
years, the multi-talented, multi-instrumentalist will probably forever
be associated with one song - his innovative rendition of Richard
Strauss' classical opus “Also Sprach Zarathustra” (or more commonly
known as the theme to 2001: A Space Odyssey). That single compelling
song, which first appeared on his 1973 debut album for CTI “Prelude,”
sold at least five million copies and earned Deodato his first Grammy
Award, instantly moved him to international stardom and setting a course
for his remarkable ongoing career in music. Thirty years later, that
same tune has found its way into the repertoire of the jam band Phish, a
testament to Deodato's enduring influence.
Born in Rio de
Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin, Eumir Deodato got
his start by playing the accordion at age 12. Shortly thereafter, he
started studying piano as well as orchestration, arranging and
conducting. Strictly self-taught, he immersed himself in theory books
while spending countless evenings sitting behind orchestras and
carefully observing how each part was played. His first break came at
age 17 when he arranged and conducted his first recording session for a
28-piece orchestra. It wasn't long before Deodato became one of the most
active and respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene,
recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis
Regina and Antonio Carlos Jobim.
In 1968, Deodato moved to New
York and began working with Luiz Bonfa, the legendary composer of Black
Orpheus, while also doing extensive studio work for Astrud Gilberto,
Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle and many other
Brazilian artists who were living in the Big Apple at the time. When
writing the arrangements for Astrud Gilberto's “Beach Samba,” he became
acquainted with producer Creed Taylor, who hired him to arrange for
other CTI artists like Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George
Benson, Paul Desmond and Tom Jobim. His reputation in the fields of pop
and black music was strengthened by his arrangement work for Frank
Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter
Two, Quiet Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Following
a performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in
1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as a
leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison Square
Garden in New York City in 1973.
After seven years of world-wide
touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe) and
eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to concentrate
on studio work once again. Besides highly successful solo albums for
the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work as a
producer/arranger earned him several more laurels. One of his first
productions was Kool & The Gang's #1 pop single Celebration. He
followed that success with production or arranging work for Earth, Wind
& Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast
Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison,
Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion and Brenda K. Starr,
for whom he produced the pop hit I Still Believe in 1987. Deodato also
had three other multi-platinum albums for Kool & The Gang's Ladies'
Night, Something Special and As One.
In the 90's, Deodato
continued to be a vital force on the pop scene through his work with
Icelandic singer Bjork. In addition to arranging her last three albums:
1995's Post, 1996's Telegram and 1997's Homogenic, Deodato produced a
highly praised acoustic version of Bjork's “Isobel,” sub-titled Deodato
Mix, which became a club scene favorite. He has also produced material
for French singer Clementine (also touring Japan with her as a special
guest in 1994), arranged and produced a top 10 single for Brazilian
singer Gal Costa (1996) and has performed as guest conductor with Bjork
both in Brazil (1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts
at Downing Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop
acts Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos
Brown (Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band
Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a
project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London during
the summer of 1998. In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film
starring Amy Irving, and the following year produced the CD of that
score for Verve Records. His most recent projects including production
work for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa
Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.
Deodato has also
worked on several movie scores, including The Onion Field, The Black
Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From Ipanema, The
Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London Symphony
Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter, Beat Street,
Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been widely used on
major movies such as Being There and The Exorcist.
In November
2001, Deodato participated in a benefit concert in New York City where
he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra: 2001). The reaction was
so fantastic he got encouraged to go back doing concerts. By 2002 he
lined up a few selected presentations, starting with a concert at the
Vienna Opera House, as part of the Vienna Summer Jazz Festival. That was
followed by Villach (Austria), Pori (Finland), The Hague (North Sea
Jazz Festival), and many others that followed, like Capetown (South
Africa), Rome and Rimini (Italy), Amenia, NY (World Peace Organization),
Antigua, Guatemala etc.
Meanwhile, in 2002 he worked with Milton
Nascimento in Rio de Janeiro, which generated a Latin Grammy for the
song Tristesse as best Brazilian song of the year, then miscellaneous
work with different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina,
Fernanda Abreu and more recently, KD Lang for her record released in
2004.
In 2007 Brazilian Record company "Biscoito Fino", releases
the “Deodato Trio in Rio” CD and DVD (end of month), filmed and recorded
at the Sala Cecilia Meirelles in Rio last Summer, featuring Marcelo
Mariano on Bass and Renato Massa on Drums. It also includes performances
of some of the most memorable Antonio Carlos Jobim's songs and also
comemorates his postumous anniversary. Verve has also released “Do It
Again.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato
///////
El
brasileño Eumir Deodato tiene en su haber 16 discos de platino como
artista, arreglista o productor, con unas ventas combinadas de más de 25
millones de discos sólo en Estados Unidos. Su discografía, incluyendo
recopilaciones y todo su trabajo como arreglista, productor y teclista,
supera los 450 álbumes. También ha tenido el honor de actuar con la St.
Louis Symphony (que le respaldó en su magnífico álbum Artistry), la
Cincinnati Symphony, la New York Philharmonic y la Orchestra di Musica
Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. Además, varios artistas han
versionado sus canciones a lo largo de los años, como George Benson, Lee
Ritenour, Sarah Vaughan y The Emotions, por mencionar sólo algunos.
Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.
Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.
En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.
Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.
En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.
Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.
En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.
Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.
En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".
Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.
Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.
En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.
Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.
En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.
Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.
En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.
Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.
En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".
B.B. King • Live & Well
Biography
Born on a plantation in Itta Bena, Mississippi in 1925, Riley B. King
would start from very humble beginnings. His family moved around the
area, and the young Riley experienced early a life of constant motion.
As a youngster he was a farm laborer, but drawn to music, he took up the
guitar; he played on street corners, and would sometimes play in as
many as four towns a night. In 1946, he hitchhiked to Memphis, to pursue
his music career. Memphis was a large musical community where every
style of music could be found, a good place for a young man who wanted
to play the blues. Riley stayed with his cousin Bukka White, a
celebrated bluesman in his own right, who was able to show him first
hand the guitar foundations of the blues.
Playing an acoustic set of rural blues, he kicked around a lot of the
clubs in Memphis, getting a break in 1948 when he performed on Sonny Boy
Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to
steady engagements at the 16th St. Grill in West Memphis, and later to a
ten-minute spot on black Memphis radio station WDIA. “King's Spot,”
became so popular, it was expanded and became the “Sepia Swing Club.”
Becoming a popular local disc jockey, Riley needed a professional
sounding name. He was the Beale Street Blues Boy then Blues Boy King,
and eventually B.B. King. This led to the studio recording of “Miss
Martha King” for the local Bullet label, which didn’t cause much of a
stir, but it did stimulate B.B. to pursue a recording contract.
He recorded a couple of singles for Bullet, and then signed with
Modern’s RPM where he did “Three O’Clock Blues”, in 1951. This song
proved to be a major hit, and he quickly followed that with “Please Love
Me”, “You Upset Me Baby”, “Every Day”, (which would become his theme
song), “Ten Long Years”, and “Sweet Little Angel”. These are available
as “The RPM Hits 1951-1957” (Ace). These recordings rose to the tops of
the R&B charts, and he went on the road to promote the songs, thus
starting his life of incessant touring. This is how he developed his
unique and signature style, every night, playing the blues. By 1955 he
had a full time band, and hit the road, where he’s been ever since.
Riding the wave of popularity generated by the RPM records, he churned
out a string of hits for their subsidiary Kent label, and stayed with
them throughout the ‘50’s. This is the period where he made a name for
himself, both in the record charts, and promoting the records by playing
live. But by 1961, he had decided to change labels, looking to get a
better deal than he was getting at RPM/Kent. He signed with
ABC/Paramount records, which had just scored big by signing Ray Charles
from Atlantic, they were aware of a bigger market, knew how to market
B.B.’s music and were willing to pay for it. B.B. King received a
$25,000 signing bonus. The overall environ was much more professional,
and though they brought in first class arrangers and musicians, they
pretty much gave B.B. a free reign, or so he thought.
There was in this period of the early ‘60’s a change of direction that
took away from the blues essence he was known for and the record sales
were not what everyone expected. Then producer/arranger Johnny Pate had
the idea of recording B.B. on his home turf, a black nightspot, with his
own band. The result was “Live at the Regal”, released in January 1965.
It blew everyone away, and changed contemporary guitar forever. This
album is responsible for the acceptance and adherence of a whole new
generation, mostly white, to the blues. The guitar players alone who
were influenced by it is staggering, and includes every blues and rock
player from then on. It reestablished the way to play electric blues and
made B.B. King “King of the Blues”!!
B.B. King has one of the world's most identifiable guitar styles, and
his guitar Lucille is probably the most famous. Lucille is a Custom Shop
Gibson ES-355. His first guitar back in his early days in Mississippi
was a Stella acoustic. He borrowed from Django Reinhardt, Charlie
Christian, Lonnie Johnson, of course T-Bone Walker and others,
integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left
hand vibrato, both of which have become indispensable components of
guitar vocabulary. Drawing heavily from the sweet single string T-bone
style patterns, he plays with a short stinging attack, often in a
cluster pattern. Starting with a five note signature, he follows with
delicate phrases, sliding into notes, and allowing space for them to
build. He listened a lot to jazz horn players, and it is portrayed in
his use of dynamics, tension and tone, he is the undisputed master of an
economical method of expression.
By 1968, B.B. was playing at the Newport Folk Festival and at Bill
Graham's Fillmore West on bills with the hottest rock artists of the
day, all which were huge fans. The Rolling Stones chose him to open
their ’69 tour, thus gaining even broader exposure. He was able to
capitalize on the Blues Revival at the time, but then again he was
always around, and perennially on the road. In 1969 he was the premier
act on the new ABC label Bluesway where he came out with “The Thrill is
Gone”, which is his signature tune, and is his biggest hit to date. This
opened up new venues and he was soon playing Las Vegas, in the same
clubs where Sinatra played. By 1970 he was on the Tonight Show, and on
the Ed Sullivan Show, the blues makes it to prime time America.
The 1970’s saw B.B.King sitting on top of the world, so then he decided
to go back to his blues roots and did two excellent albums “Live at the
Cook County Jail”, and “Completely Well/Live in Cook County Jail”. These
showcase what he does best, playing in front of a live audience. Both
for the ABC/MCA label where he continued to record for years to come.
He would go on to record many commercially successful albums, and of
course stayed on the road performing around the world, known as the
Ambassador of the Blues, as certainly no one has played the blues in so
many places. MCA released a four cd box set “B.B.King, King of the
Blues”, as a compilation of his recording history up to 1991. B.B. was
inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984,the Rock and
Roll Hall of Fame in 1987, and the Songwriters Hall of Fame in 1990.He
received a Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received
honorary doctorates from several colleges as Yale University in 1977;
Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990 and
Mississippi Valley State University in 2002. In 1992, he received the
National Award of Distinction from the University of Mississippi. There
is also a star on the Hollywood Walk of Fame, and Presidential Medal of
Honor.
In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and
in 1994, a second club was launched in Los Angeles. A third club in New
York City's Times Square opened in June 2000 and two clubs opened in
Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom “On the Road with B.B.
King: An Interactive Autobiography”, and his book “Blues All Around Me”
(Avon Books) was published. “The Arrival of B.B. King” (Doubleday) by
Charles Sawyer, a biography was published in 1980. Between 1951 and 1985
he listed an amazing 75 entries in Billboard’s R&B charts. There
are multiple Grammy’s (over 15 last count) sitting on his shelf at home,
and a wall full of Gold and Platinum Records representing millions in
album sales. “Deuces Wild”, an all-star collection of duets, released in
1997, returned B.B. to the limelight. His 1998 album, “Blues on the
Bayou”, was well received, and his annual B.B. King Blues Festival Tour
is a top attraction. The1999 release of “Let the Good Times Roll—The
Music of Louis Jordan” was a musical tribute to one of his heroes. B.B.
teamed up with Eric Clapton on the multi-platinum release of “Riding
with the King”, (Reprise 2000) which was Clapton’s tribute to him, an
excellent record, a master and his pupil so many years later, so many
roads traveled both still playing the blues.On the occasion of his 80th
birthday in 2005, he recorded a star- studded duets album “80”(Geffen)
as a testament to his will as an enduring musician.
B.B. King has released another gem of a album. “One Kind Favor” on
Geffen Records.Recorded at The Village Recorder in Los Angeles, CA
“OneKind Favor” is meant to sound like an album recorded in the50s. To
get this sound producer T-Bone Burnett and King replicated the kind of
blues band King had back in the day.Studio conditions of the time were
reproduced. The result is a vintage sounding album filled with the songs
that influenced King in his early days as an artist. Highly
Recommended!
B.B. King was the most fortunate and unusual of bluesmen; a success on
his own terms, and in his own time. He was the best known, most
recognized bluesman on the planet. He stayed true to himself and his
music, and made it on that.
B.B. King passed on May 15, 2015.
///////
Biografía
Nacido en una plantación en Itta Bena, Mississippi, en 1925, Riley B.
King comenzaría desde un principio muy humilde. Su familia se trasladó
por la zona, y el joven Riley experimentó a temprana edad una vida de
constante movimiento. De joven era obrero agrícola, pero atraído por la
música, tomó la guitarra; tocaba en las esquinas de las calles, y a
veces tocaba en hasta cuatro pueblos por noche. En 1946, hizo autostop a
Memphis, para continuar su carrera musical. Memphis era una gran
comunidad musical donde se podían encontrar todos los estilos de música,
un buen lugar para un joven que quería tocar blues. Riley se quedó con
su primo Bukka White, un famoso bluesista por derecho propio, que pudo
mostrarle de primera mano los fundamentos de la guitarra del blues.
Tocando un conjunto acústico de blues rural, dio una patada a muchos de
los clubes de Memphis, consiguiendo un descanso en 1948 cuando actuó en
el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM fuera de Memphis
Oeste. Esto condujo a compromisos constantes en el 16th St. Grill en
West Memphis, y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de
radio negra de Memphis WDIA. "King's Spot", se hizo tan popular, que se
expandió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Convirtiéndose en un
popular disc-jockey local, Riley necesitaba un nombre que sonara
profesional. Era el Beale Street Blues Boy, luego el Blues Boy King, y
finalmente el B.B. King. Esto llevó a la grabación en estudio de "Miss
Martha King" para el sello local Bullet, que no causó mucho revuelo,
pero sí estimuló a B.B. a buscar un contrato de grabación.
Grabó un par de sencillos para Bullet, y luego firmó con Modern's RPM
donde hizo "Three O'Clock Blues", en 1951. Esta canción resultó ser un
gran éxito, y rápidamente la siguió con "Please Love Me", "You Upset Me
Meter Baby", "Every Day", (que se convertiría en su tema principal),
"Ten Long Years", y "Sweet Little Angel". Están disponibles como "The
RPM Hits 1951-1957" (Ace). Estas grabaciones llegaron a lo más alto de
las listas de éxitos del R&B, y se puso en camino para promocionar
las canciones, iniciando así su vida de incesante gira. Así fue como
desarrolló su estilo único y característico, cada noche, tocando el
blues. Para 1955 tenía una banda de tiempo completo, y se fue de viaje,
donde ha estado desde entonces.
Aprovechando la ola de popularidad generada por los discos RPM, produjo
una serie de éxitos para su subsidiaria Kent, y permaneció con ellos a
lo largo de los años 50. Este es el período en el que se hizo un nombre,
tanto en las listas de éxitos como en la promoción de los discos
tocando en vivo. Pero para 1961, había decidido cambiar de discográfica,
buscando conseguir un mejor precio que el que obtenía en RPM/Kent.
Firmó con ABC/Paramount Records, que acababa de obtener una gran
puntuación con Ray Charles de Atlantic, conocían un mercado más grande,
sabían cómo comercializar la música de B.B. y estaban dispuestos a pagar
por ella. B.B. King recibió un bono de 25.000 dólares por la firma. El
ambiente en general era mucho más profesional, y aunque trajeron
arreglistas y músicos de primera clase, le dieron a B.B. un reinado
libre, o eso pensó.
Hubo en este período de principios de los'60 un cambio de dirección que
le quitó la esencia del blues por el que era conocido y las ventas de
discos no fueron lo que todo el mundo esperaba. Entonces el productor y
arreglista Johnny Pate tuvo la idea de grabar a B.B. en su territorio
natal, un local nocturno negro, con su propia banda. El resultado fue
"Live at the Regal", publicado en enero de 1965. Voló por los aires a
todo el mundo y cambió la guitarra contemporánea para siempre. Este
álbum es responsable de la aceptación y adhesión de toda una nueva
generación, en su mayoría blanca, al blues. Los guitarristas que fueron
influenciados por ella son asombrosos, e incluye a todos los
guitarristas de blues y rock a partir de entonces. Restableció la forma
de tocar blues eléctrico e hizo que B.B. King "King of the Blues"!
B.B. King tiene uno de los estilos de guitarra más conocidos del mundo, y
su guitarra Lucille es probablemente la más famosa. Lucille es una
tienda personalizada Gibson ES-355. Su primera guitarra en sus primeros
días en Mississippi fue una Stella acústica. Tomó prestado de Django
Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, por supuesto T-Bone Walker
y otros, integrando sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales y
su vibrato de la mano izquierda, que se han convertido en componentes
indispensables del vocabulario de la guitarra. Basándose en gran medida
en los dulces patrones en forma de T-bone de una sola cuerda, juega con
un ataque corto y punzante, a menudo en forma de racimo. Comenzando con
una firma de cinco notas, sigue con frases delicadas, deslizándose en
notas y dejando espacio para que se construyan. Escuchó mucho a los
trompetistas de jazz, y se refleja en su uso de la dinámica, la tensión y
el tono, es el maestro indiscutible de un método económico de
expresión.
En 1968, B.B. tocaba en el Festival Folklórico de Newport y en Fillmore
West de Bill Graham con los artistas de rock más populares del momento,
todos los cuales eran grandes fans. Los Rolling Stones lo eligieron para
abrir su gira del'69, ganando así una exposición aún más amplia. Fue
capaz de sacar provecho del avivamiento del Blues en ese momento, pero
luego siempre estaba alrededor, y perennemente en la carretera. En 1969
fue el primer acto del nuevo sello ABC Bluesway, donde salió con "The
Thrill is Gone", que es su tema característico, y es su mayor éxito
hasta la fecha. Esto abrió nuevos lugares y pronto tocó en Las Vegas, en
los mismos clubes donde tocaba Sinatra. Para 1970 estaba en el Tonight
Show, y en el Ed Sullivan Show, el blues llega al horario de máxima
audiencia en Estados Unidos.
La década de 1970 vio a B.B.King sentado en la cima del mundo, así que
decidió volver a sus raíces blues e hizo dos excelentes álbumes "Live at
the Cook County Jail", y "Completely Well/Live in Cook County Jail".
Éstas muestran lo que él hace mejor, tocando frente a un público en
vivo. Tanto para el sello ABC/MCA donde continuó grabando en los
próximos años.
Siguió grabando muchos discos de éxito comercial y, por supuesto, se
quedó de gira por todo el mundo, conocido como el Embajador de los
Blues, ya que ciertamente nadie ha tocado el blues en tantos lugares.
MCA lanzó un set de cuatro cd's "B.B.King, King of the Blues", como una
compilación de su historia discográfica hasta 1991. B.B. fue admitido en
el Salón de la Fama de la Fundación Blues en 1984, en el Salón de la
Fama del Rock and Roll en 1987, y en el Salón de la Fama de los
Compositores de Canciones en 1990, recibió un premio Grammy en 1987, y
ha recibido doctorados honoris causa de varias universidades como la
Universidad de Yale en 1977, el Colegio de Música de Berklee en 1982, el
Colegio de Música de Rhodes en Memphis en 1990 y la Universidad Estatal
del Valle de Mississippi en 2002. En 1992, recibió el Premio Nacional
de Distinción de la Universidad de Mississippi. También hay una estrella
en el Paseo de la Fama de Hollywood y una Medalla Presidencial de
Honor.
En 1991, B.B. King's Blues Club abrió sus puertas en Beale Street en
Memphis, y en 1994, se fundó un segundo club en Los Ángeles. Un tercer
club en el Times Square de la ciudad de Nueva York abrió en junio de
2000 y dos clubes abrieron en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el
CD-Rom "On the Road with B.B. King: Una autobiografía interactiva", y su
libro "Blues All Around Me" (Avon Books). "The Arrival of B.B. King"
(Doubleday) de Charles Sawyer, se publicó una biografía en 1980. Entre
1951 y 1985 enumeró una sorprendente lista de 75 entradas en las listas
de R&B de Billboard. Hay varios Grammy's (más de 15 en el último
recuento) sentados en su estantería de casa, y una pared llena de discos
de oro y platino que representan millones en ventas de álbumes. "Deuces
Wild", una colección de dúos de estrellas, lanzada en 1997, volvió a
poner a B.B. en el candelero. Su álbum de 1998, "Blues on the Bayou",
fue bien recibido, y su gira anual B.B. King Blues Festival Tour es una
de las principales atracciones. El lanzamiento en 1999 de "Let the Good
Times Roll-The Music of Louis Jordan" fue un tributo musical a uno de
sus héroes. B.B. se unió a Eric Clapton en el lanzamiento multi-platino
de "Riding with the King", (Reprise 2000) que fue el tributo de Clapton a
él, un excelente disco, un maestro y su alumno tantos años más tarde,
tantos caminos recorridos por ambos aún tocando el blues, y con motivo
de su 80 cumpleaños en 2005 grabó un álbum de dúos "80" (Geffen) como
testimonio de su voluntad como músico perdurable.
B.B. King ha lanzado otra joya de un álbum. "Grabado en The Village
Recorder en Los Angeles, CA "OneKind Favor" tiene la intención de sonar
como un álbum grabado en la década de 1950. Para conseguir este sonido,
el productor T-Bone Burnett y King replicaron el tipo de banda de blues
que King tenía en su día, reproduciendo las condiciones del estudio de
la época. El resultado es un álbum de sonido vintage lleno de las
canciones que influenciaron a King en sus primeros días como artista.
Altamente Recomendado!
B.B. King fue el más afortunado e inusual de los bluesmen; un éxito en
sus propios términos, y en su propio tiempo. Era el bluesista más
conocido y reconocido del planeta. Se mantuvo fiel a sí mismo y a su
música, y lo hizo con ella.
B.B. King falleció el 15 de mayo de 2015.
Al Cohn • Nonpareil
Biography
An excellent tenor saxophonist and a superior arranger/composer, Al Cohn
was greatly admired by his fellow musicians. Early gigs included
associations with Joe Marsala (1943), Georgie Auld, Boyd Raeburn (1946),
Alvino Rey, and Buddy Rich (1947). But it was when he replaced Herbie
Steward as one of the "Four Brothers" with Woody Herman's Second Herd
(1948-1949) that Cohn began to make a strong impression. He was actually
overshadowed by Stan Getz and Zoot Sims during this period but, unlike
the other two tenors, he also contributed arrangements, including "The
Goof and I." He was with Artie Shaw's short-lived bop orchestra (1949),
and then spent the 1950s quite busy as a recording artist (making his
first dates as a leader in 1950), arranger for both jazz and non-jazz
settings, and a performer. Starting in 1956, and continuing on an
irregular basis for decades, Cohn co-led a quintet with Zoot Sims. The
two tenors were so complementary that it was often difficult to tell
them apart. Al Cohn continued in this fashion in the 1960s (although
playing less), in the 1970s he recorded many gems for Xanadu, and during
his last few years, when his tone became darker and more distinctive,
Cohn largely gave up writing to concentrate on playing. He made many
excellent bop-based records throughout his career for such labels as
Prestige, Victor, Xanadu, and Concord; his son Joe Cohn is a talented
cool-toned guitarist.
///////
Biografía
Un excelente saxofonista tenor y un arreglista/compositor superior, Al
Cohn fue muy admirado por sus compañeros músicos. Las primeras
actuaciones incluyeron asociaciones con Joe Marsala (1943), Georgie
Auld, Boyd Raeburn (1946), Alvino Rey y Buddy Rich (1947). Pero fue
cuando reemplazó a Herbie Steward como uno de los "Cuatro Hermanos" por
Woody Herman's Second Herd (1948-1949) que Cohn comenzó a causar una
fuerte impresión. En realidad fue eclipsado por Stan Getz y Zoot Sims
durante este período pero, a diferencia de los otros dos tenores,
también contribuyó con arreglos, incluyendo "The Goof and I." Estuvo con
la breve orquesta de bop de Artie Shaw (1949), y luego pasó la década
de 1950 bastante ocupado como artista de grabación (haciendo sus
primeras citas como líder en 1950), arreglista para escenarios de jazz y
no-jazz, y como intérprete. Comenzando en 1956, y continuando de forma
irregular durante décadas, Cohn co-lideró un quinteto con Zoot Sims. Los
dos tenores eran tan complementarios que a menudo era difícil
distinguirlos. Al Cohn continuó de esta manera en la década de 1960
(aunque tocando menos), en la década de 1970 grabó muchas joyas para
Xanadu, y durante sus últimos años, cuando su tono se volvió más oscuro y
distintivo, Cohn dejó de escribir para concentrarse en tocar. Hizo
muchos discos excelentes basados en el bop a lo largo de su carrera para
sellos como Prestige, Victor, Xanadu y Concord; su hijo Joe Cohn es un
talentoso guitarrista de tonos fríos.
Laurel Canyon: The Inside Story of Rock-and-Roll's Legendary Neighborhood
In the late sixties and early seventies, an impromptu collection
of musicians colonized a eucalyptus-scented canyon deep in the Hollywood
Hills of Los Angeles and melded folk, rock, and savvy American pop into
a sound that conquered the world as thoroughly as the songs of the
Beatles and the Rolling Stones had before them. Thirty years later, the
music made in Laurel Canyon continues to pour from radios, iPods, and
concert stages around the world. During the canyon's golden era, the
musicians who lived and worked there scored dozens of landmark hits,
from "California Dreamin'" to "Suite: Judy Blue Eyes" to "It's Too
Late," selling tens of millions of records and resetting the thermostat
of pop culture.
In Laurel Canyon,
veteran journalist Michael Walker tells the inside story of this
unprecedented gathering of some of the baby boomer's leading musical
lights―including Joni Mitchell; Jim Morrison; Crosby, Stills, and Nash;
John Mayall; the Mamas and the Papas; Carole King; the Eagles; and Frank
Zappa, to name just a few―who turned Los Angeles into the music capital
of the world and forever changed the way popular music is recorded,
marketed, and consumed.
Tuesday, December 20, 2022
Mich Music #15
en este episodio ... / in this episode ...
Dean Fraser & Ernie Ranglin, David Reinhardt Trio & Guests, Tchavolo Schmitt, Jon Delaney Trio, The Django Reinhardt Festival.
Chris Columbo Quintette • Jazz Re-Discovering Old Favorites
Joseph Christoffer Columbus Morris, better known as Crazy Chris Columbo, was an American jazz drummer, born June 17, 1902 in Greenville, North Carolina, USA, died August 20, 2002 in New Jersey, USA. Prior to a stroke which partially paralyzed him in 1993, Columbo was the oldest working musician in Atlantic City.
Columbo got his first professional gig playing with Fletcher Henderson in 1921. Between the 1920s and the 1960s, he played at most of the city's nightclubs, and lead the Club Harlem orchestra for 34 years until 1978, when the club shut its doors. Thereafter, Columbo's band went on to perform at practically every Atlantic City casino hotel. At the time of his stroke, he was playing regularly at the Showboat.
Columbo has worked, recorded, and toured with such luminaries as Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Louis Jordan, Louis Armstrong and Ella Fitzgerald.
Columbo was the father of drummer Sonny Payne.
https://www.discogs.com/artist/833448-Chris-Columbo
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Joseph Christoffer Columbus Morris, más conocido como Crazy Chris Columbo, fue un batería de jazz estadounidense, nacido el 17 de junio de 1902 en Greenville, Carolina del Norte, EE.UU., fallecido el 20 de agosto de 2002 en Nueva Jersey, EE.UU.. Antes de sufrir un derrame cerebral que le paralizó parcialmente en 1993, Columbo era el músico en activo más veterano de Atlantic City.
Columbo consiguió su primera actuación profesional tocando con Fletcher Henderson en 1921. Entre los años 20 y los 60, tocó en la mayoría de los clubes nocturnos de la ciudad y dirigió la orquesta del Club Harlem durante 34 años, hasta 1978, cuando el club cerró sus puertas. A partir de entonces, la banda de Columbo pasó a actuar en prácticamente todos los hoteles casino de Atlantic City. En el momento de su apoplejía, tocaba regularmente en el Showboat.
Columbo trabajó, grabó y realizó giras con figuras de la talla de Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Louis Jordan, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.
Columbo era el padre del batería Sonny Payne.
https://www.discogs.com/artist/833448-Chris-Columbo
Workout: The Music of Hank Mobley
Among the great American modern jazz saxophonists, Hank Mobley has been the most unjustly neglected - the truly forgotten man. Yet he played and recorderd prolifically with the greatest legends of his era such as Miles Davis, John Coltrane, Dizzy Gilespie, Lee Morgan, Johnny Griffin and Art Blakey, helping to create some of their finest work. His best recordings are classics, characterized by an instantly identifiable sound and style, and constant musical inventiveness. But his loner personality made him his own worst enemy, many of his records remained unissued in his lifetime, and he died forgotten and destitute. Now, at last, most of his recorded legacy is available on CD and he is increasingly recognized as one of the major figures of modern jazz. In this book, the first to be published about Hank Mobley, Derek Ansell provides a detailed critical introduction to his music and a timely reassessment of his contribution to the jazz art.
Ron Jackson • A Guitar Thing
Review
by Scott Yanow
Guitarist Ron Jackson's debut as a leader is an impressive outing with pianist Benny Green, bassist Lonnie Plaxico, and drummer Cecil Brooks III. Very much a straight-ahead date, Jackson (who describes himself as a "modern traditionalist") performs standards and originals (of which "On the Edge" is most memorable) with a reasonably original voice. His music always swings.
https://www.allmusic.com/album/a-guitar-thing-mw0000078586
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Reseña
por Scott Yanow
El debut del guitarrista Ron Jackson como líder es una salida impresionante con el pianista Benny Green, el bajista Lonnie Plaxico, y el baterista Cecil Brooks III. Jackson (que se describe a sí mismo como un "tradicionalista moderno") interpreta estándares y originales (de los cuales "On the Edge" es el más memorable) con una voz razonablemente original. Su música siempre tiene ritmo.
https://www.allmusic.com/album/a-guitar-thing-mw0000078586
Buddy Morrow & His Orchestra • Night Train
American jazz trombonist and bandleader, born February 8, 1919 in New Haven, Connecticut, died September 27, 2010 in Ormond Beach, Florida.
Morrow played with Tommy Dorsey (1938), Paul Whiteman (1939), Tony Pastor (1940), Bob Crosby, Billy Butterfield, and Red McKenzie. In 1951 he formed his own band which got its first hit in 1952 with "Night Train" (written by Jimmy Forrest) of wich one million copies were sold.
https://www.discogs.com/artist/336415-Buddy-Morrow
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Trombonista de jazz y director de orquesta estadounidense, nacido el 8 de febrero de 1919 en New Haven, Connecticut, fallecido el 27 de septiembre de 2010 en Ormond Beach, Florida.
Morrow tocó con Tommy Dorsey (1938), Paul Whiteman (1939), Tony Pastor (1940), Bob Crosby, Billy Butterfield y Red McKenzie. En 1951 formó su propia banda, que obtuvo su primer éxito en 1952 con "Night Train" (escrito por Jimmy Forrest), del que se vendieron un millón de copias.
https://www.discogs.com/artist/336415-Buddy-Morrow
Barney Kessel • Easy Like
Review by Scott Yanow
Other than four songs apiece released by Onyx and Verve, the CD reissue of Easy Like, Vol. 1 has guitarist Barney Kessel's first sessions as a leader, performances which launched his longtime association with the Contemporary label. Augmented by two "new" alternate takes, the set features Kessel in boppish form with quintets in 1953 and 1956 featuring, either Bud Shank or Buddy Collette doubling on flute and alto. Kessel shows off the influence of Charlie Christian throughout the performances, with the highlights including "Easy Like," "Lullaby of Birdland," "North of the Border," and the accurately titled "Salute to Charlie Christian."
https://www.allmusic.com/album/easy-like-vol-1-mw0000197295
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Reseña de Scott Yanow
Además de cuatro canciones editadas por Onyx y Verve, el CD reeditado de Easy Like, Vol. 1 cuenta con las primeras sesiones del guitarrista Barney Kessel como líder, actuaciones que lanzaron su larga asociación con el sello Contemporary. Aumentado por dos "nuevas" tomas alternas, el conjunto presenta a Kessel en forma boppish con quintetos en 1953 y 1956, ya sea Bud Shank o Buddy Collette doblando sobre flauta y contralto. Kessel muestra la influencia de Charlie Christian a lo largo de las actuaciones, con lo más destacado, incluyendo "Easy Like", "Lullaby of Birdland", "North of the Border" y el exactamente titulado "Salute to Charlie Christian".
https://www.allmusic.com/album/easy-like-vol-1-mw0000197295Colaborador / Contribuitor: Michel