Friday, April 30, 2021
Billy May • Plays For Fancy Dancin'
Biography by Richard S. Ginell
The last of the great arrangers who wrote regularly for Frank Sinatra, Billy May had several varied careers in and out of jazz. His first notable gig was as an arranger/trumpeter with Charlie Barnet (1938-1940), for whom he wrote the wah-wah-ing hit arrangement of Ray Noble's "Cherokee." Later, he worked in the same capacities for Glenn Miller (1940-1942) and Les Brown (1942) before settling into staff jobs, first at NBC studios, then at Capitol Records, where he led his own studio big band from 1951 to 1954. His arrangements for Sinatra, beginning with Come Fly With Me (1957) and ending with Trilogy (1979), are often in a walloping, brassy, even taunting swing mode, generating some of the singer's most swaggering vocals. May also did extensive scoring for television, film, and commercials. Although May was largely inactive in the '80s and '90s , he unexpectedly surfaced in 1996 with some typically bright big band charts for comic Stan Freberg's The United States of America, Vol. 2 (Rhino), 25 years after his contributions to Vol. 1. The veteran arranger died quietly at home on January 22, 2004 at the age of 87.
https://www.allmusic.com/artist/billy-may-mn0000769388/biography
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Biografía de Richard S. Ginell
El último de los grandes arreglistas que escribió regularmente para Frank Sinatra, Billy May tuvo varias carreras variadas dentro y fuera del jazz. Su primera actuación notable fue como arreglista/trompetista con Charlie Barnet (1938-1940), para quien escribió el exitoso arreglo wah-wah-ing de "Cherokee" de Ray Noble. Más tarde, trabajó en las mismas funciones para Glenn Miller (1940-1942) y Les Brown (1942) antes de establecerse en puestos de trabajo, primero en los estudios de la NBC, y luego en Capitol Records, donde dirigió su propia big band de estudio desde 1951 hasta 1954. Sus arreglos para Sinatra, que comenzaron con Come Fly With Me (1957) y terminaron con Trilogy (1979), son a menudo en un modo de swing valiente, descarado, incluso burlón, generando algunas de las voces más arrogantes del cantante. May también realizó numerosas composiciones para la televisión, el cine y los anuncios publicitarios. Aunque May estuvo bastante inactivo en los años 80 y 90, apareció inesperadamente en 1996 con unos brillantes y típicos arreglos de big band para el cómico Stan Freberg's The United States of America, Vol. 2 (Rhino), 25 años después de sus contribuciones al Vol. 1. El veterano arreglista murió tranquilamente en su casa el 22 de enero de 2004 a la edad de 87 años.
https://www.allmusic.com/artist/billy-may-mn0000769388/biography
Jim Hall • Jazzpar Quartet 4
There has been growing interest, increased mention in the world's media and the realization that the Danish jazz scene has given something of great value (and not only financially) to the international community. Jim Hall's work has covered more than 40 years and evokes past associations with people such as Chico Hamilton, Jimmy Giuffre, Sonny Rollins and Art Farmer, and the fact that they had some of their most interesting and unusual groups when Jim Hall happened to be in them. What these great artists (and many more) find in Hall is an artist of great sensitivity and intelligence, to whom the idea of co-operation is second nature but whoose approach is completely individual.
https://www.storyvillerecords.com/products/jazzpar-quartet-4-stcd4230
Review by Ken Dryden
Jim Hall was the winner of the 1998 Jazzpar Prize, given annually by the Danish Jazz Center; the resulting concerts which followed are a valuable addition to Hall's considerable discography. The veteran guitarist is joined by tenor saxophonist Chris Potter, bassist Thomas Ovesen and drummer Terry Clarke for a rousing "Stella By Starlight" and a very soft, captivating interpretation of "Chelsea Bridge." The Zaploski String Quartet takes the place of Hall's group on several tracks, joining him for his intriguing "Thesis," written in 1953 while he was a student at the Cleveland Institute of Music; this version is more stripped down than his 1990 Town Hall performance but every bit as compelling. Hall & Co. join the string quartet for a run through Jimi Hendrix's "Purple Haze," proving he's as open minded as ever to trying new things. Hall's sensitive duet with Potter on the closer, "In A Sentimental Mood," brings things full circle on this very successful album.
https://www.allmusic.com/album/jazzpar-quartet-4-mw0000745786
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Ha habido un interés creciente, una mayor mención en los medios de comunicación de todo el mundo y la constatación de que la escena jazzística danesa ha aportado algo de gran valor (y no sólo económico) a la comunidad internacional. El trabajo de Jim Hall abarca más de 40 años y evoca asociaciones pasadas con gente como Chico Hamilton, Jimmy Giuffre, Sonny Rollins y Art Farmer, y el hecho de que tenían algunos de sus grupos más interesantes e inusuales cuando Jim Hall estaba en ellos. Lo que estos grandes artistas (y muchos más) encuentran en Hall es un artista de gran sensibilidad e inteligencia, para quien la idea de la cooperación es una segunda naturaleza, pero cuyo enfoque es completamente individual.
https://www.storyvillerecords.com/products/jazzpar-quartet-4-stcd4230
Reseña de Ken Dryden
Jim Hall fue el ganador del Premio Jazzpar 1998, otorgado anualmente por el Centro Danés de Jazz; los conciertos resultantes son una valiosa adición a la considerable discografía de Hall. El veterano guitarrista está acompañado por el saxofonista tenor Chris Potter, el bajista Thomas Ovesen y el baterista Terry Clarke para una entusiasta "Stella By Starlight" y una interpretación muy suave y cautivadora de "Chelsea Bridge". El Zaploski String Quartet sustituye al grupo de Hall en varios temas, uniéndose a él para su intrigante "Thesis", escrita en 1953 mientras era estudiante en el Cleveland Institute of Music; esta versión es más despojada que su interpretación en el Town Hall de 1990, pero igual de convincente. Hall y compañía se unen al cuarteto de cuerda para interpretar "Purple Haze" de Jimi Hendrix, demostrando que está tan abierto como siempre a probar cosas nuevas. El sensible dúo de Hall con Potter en el cierre, "In A Sentimental Mood", cierra el círculo de este exitoso álbum.
https://www.allmusic.com/album/jazzpar-quartet-4-mw0000745786
www.storyvillerecords.com ...
Jimmy McGriff • Countdown
Review by Scott Yanow
Jimmy McGriff's Milestone debut, which has been reissued on CD, features the soulful organist heading a group of lesser-known players -- including three horns and the fine guitarist Melvin Sparks -- and doing his best to emulate the sound of a big band. The material ("I'm Walkin'," a couple of Frank Foster numbers including "Shiny Stockings," Benny Green's "Blow Your Horn," "Since I Fell for You" and a McGriff original) is strong and inspires the musicians to play funky, grease-filled solos. Few surprises occur, but the music is quite enjoyable and easily recommended to fans of this genre.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
Jimmy McGriff's Milestone debut, which has been reissued on CD, features the soulful organist heading a group of lesser-known players -- including three horns and the fine guitarist Melvin Sparks -- and doing his best to emulate the sound of a big band. The material ("I'm Walkin'," a couple of Frank Foster numbers including "Shiny Stockings," Benny Green's "Blow Your Horn," "Since I Fell for You" and a McGriff original) is strong and inspires the musicians to play funky, grease-filled solos. Few surprises occur, but the music is quite enjoyable and easily recommended to fans of this genre.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
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Reseña de Scott Yanow
El debut de Jimmy McGriff en Milestone, que ha sido reeditado en CD, presenta al conmovedor organista al frente de un grupo de músicos menos conocidos -incluyendo tres trompas y el excelente guitarrista Melvin Sparks- y haciendo todo lo posible por emular el sonido de una gran banda. El material ("I'm Walkin'", un par de números de Frank Foster incluyendo "Shiny Stockings", "Blow Your Horn" de Benny Green, "Since I Fell for You" y un original de McGriff) es fuerte e inspira a los músicos a tocar solos funky y llenos de grasa. Hay pocas sorpresas, pero la música es bastante agradable y fácilmente recomendable para los aficionados a este género.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
El debut de Jimmy McGriff en Milestone, que ha sido reeditado en CD, presenta al conmovedor organista al frente de un grupo de músicos menos conocidos -incluyendo tres trompas y el excelente guitarrista Melvin Sparks- y haciendo todo lo posible por emular el sonido de una gran banda. El material ("I'm Walkin'", un par de números de Frank Foster incluyendo "Shiny Stockings", "Blow Your Horn" de Benny Green, "Since I Fell for You" y un original de McGriff) es fuerte e inspira a los músicos a tocar solos funky y llenos de grasa. Hay pocas sorpresas, pero la música es bastante agradable y fácilmente recomendable para los aficionados a este género.
https://www.allmusic.com/album/countdown-mw0000263700
Barbara Dennerlein • Studio Konzert for Headphones
Born in Munich, Germany, in 1964, Barbara Dennerlein fell in love with the Hammond organ sound at an early age. She was eleven when the first home organ was given to her for Christmas. After only one and a half years of lessons she decided to continue autodidactic, relying upon her highly visible talent. She began to develop her own inimitable style and finally her jazz enthusiastic parents decided to buy an original Hammond B3.
Barbara became acquainted with the history of the instrument and went on her own journey of discovery in the world of music. In addition to studying the classical repertoire of standards, she also began to compose her own numbers very early on. Following first performances as a thirteen-year-old, she began to play in clubs at the age of fifteen. In the early eighties she was already fêted as the “organ tornado from Munich”.
After her first TV appearances in 1982 Barbara began to record for LP's and included own compositions right from the beginning. Her third LP “Bebab” (a compound of 'bebop' and 'Barbara') was released by her likewise named own record label which she established at age 20. Having received the German jazz critics award for it, her popularity increased tremendously in Europe and finally grew into a world wide reputation. “Harper's Bazaar” wondered: “How did this Fräulein get so funky?“ and the Los Angeles Times headlined with: ”German Organist Pumps You Out”.
Since MIDI technology came up Barbara adds synthesizers and samplers to her sound. She replaced the rather weak Hammond pedal sound by an original double bass sample that allows her to play an accentuated bass line with one foot, chords with the left hand and melody with the right.
Being a band leader from the very beginning, and often the youngest among elder, Barbara is a perfectionist, though anything but a soulless technician. She attaches the greatest importance to musical integration in the collective. Her live bands play superbly well together. Her CD productions for e.g. “ENJA” or “Verve” feature hand- picked line-ups of prominent musicians versed in different styles, such as Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker, Jeff “Tain” Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David Sanchez, Roy Hargrove, Bob Berg and Dennis Chambers.
From time to time, Barbara allows herself sufficient time to give musical expression to her innermost thoughts and aspirations and to capture these on strikingly original and very personal solo CD's. ”Solo” (1993) and “In a Silent Mood” (2004) provide a revealing insight into her musical personality, as she energetically celebrates the free flow of musical ideas which mirror her remarkable career as a brilliant exponent of the organ.
Besides her “Bebab Band” and solo work, Barbara Dennerlein has also collaborated with big bands like Peter Herbolzheimer's Rythm combination & brass and with the unforgettable pianist Friedrich Gulda, who used his full musical genius to create a symbiosis of classical music and jazz beyond all limitations of style or genre.
Barbara Dennerlein takes the same approach to music in her work as she says: “To me, jazz is a synonym for freedom. Freedom from prejudice and discrimination, freedom from constraints and convention. This is my own definition of jazz that I want to convey to the listener. Whether young or old, traditionalist or modernist, jazz fan or non-jazz fan.“
Thus, she continuously explores new terrain. Her first invitation to play a church organ concert in 1994 stimulated an intensive period of activity with the “queen of instruments”, the church organ. Thanks to her complete mastery of the pedals, Barbara managed to fully exploit the immense musical potential, sometimes with works that she composed especially for the pipe organ, and make the somewhat sluggish instrument swing. In many concerts since then the audience has been carried off to new worlds of sound, a mixture of jazz in the widest sense and classical elements. In 2002 Barbara recorded for the first time exclusively on the pipe organ (”Spiritual Movement No.1”).
In 2003 Barbara started a true outstanding project in regard of a jazz trio and a philharmonic orchestra playing together. She derived the project from the fact that she, to put it into her own words, ”has approached the cosmos of classical music by playing on the church organ”. Barbara Dennerlein performed her complex compositions on the church organ but she aimed to realize them by a much bigger musical body, which ensures the full richness of colours and dynamics. To let a symphonic orchestra swing is even more difficult than to achieve this on the pipe organ. A real task for Barbara, who likes to bear challenges.
Barbara Dennerlein's compositional work varies from traditional blues schemes, romantic, melancholic ballads to tempo driven compositions with elements of swing, bebop, funk and Latin rhythms. The fast rhythms require artistic pedal foot work in many of her own compositions. Dennerlein often uses changing bars, as well as unconventional harmonic changes to confer narrative and figurative expression to her compositions.
https://musicians.allaboutjazz.com/barbaradennerlein
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Nacida en Múnich, Alemania, en 1964, Barbara Dennerlein se enamoró del sonido del órgano Hammond a una edad temprana. Tenía once años cuando le regalaron el primer órgano casero por Navidad. Tras sólo un año y medio de clases, decidió continuar con su autodidactismo, confiando en su visible talento. Comenzó a desarrollar su propio e inimitable estilo y finalmente sus padres, entusiastas del jazz, decidieron comprar un Hammond B3 original.
Barbara se familiarizó con la historia del instrumento y emprendió su propio viaje de descubrimiento en el mundo de la música. Además de estudiar el repertorio clásico de estándares, también empezó a componer sus propios números muy pronto. Tras sus primeras actuaciones a los trece años, empezó a tocar en clubes a los quince. A principios de los años ochenta ya se la conocía como el "tornado del órgano de Múnich".
Tras sus primeras apariciones en televisión, en 1982, Barbara comenzó a grabar en LPs e incluyó composiciones propias desde el principio. Su tercer LP "Bebab" (un compuesto de 'bebop' y 'Barbara') fue publicado por su propio sello discográfico, también llamado así, que creó a los 20 años. Tras recibir el premio de la crítica de jazz alemana por él, su popularidad aumentó enormemente en Europa y, finalmente, alcanzó una reputación mundial. "Harper's Bazaar" se preguntaba: "¿Cómo ha llegado esta Fräulein a ser tan funky?" y Los Angeles Times tituló con: "La organista alemana te hace vibrar".
Desde que apareció la tecnología MIDI, Barbara añade sintetizadores y samplers a su sonido. Sustituyó el sonido más bien débil del pedal Hammond por una muestra original de contrabajo que le permite tocar una línea de bajo acentuada con un pie, acordes con la mano izquierda y melodía con la derecha.
Líder de la banda desde el principio, y a menudo la más joven entre los mayores, Barbara es una perfeccionista, aunque cualquier cosa menos un técnico sin alma. Concede la máxima importancia a la integración musical en el colectivo. Sus bandas en directo tocan magníficamente bien juntas. Sus producciones de CD para, por ejemplo, "ENJA" o "Verve" cuentan con formaciones escogidas a mano de destacados músicos versados en diferentes estilos, como Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker, Jeff "Tain" Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David Sánchez, Roy Hargrove, Bob Berg y Dennis Chambers.
De vez en cuando, Barbara se permite el tiempo suficiente para dar expresión musical a sus pensamientos y aspiraciones más íntimos y plasmarlos en CDs en solitario sorprendentemente originales y muy personales. "Solo" (1993) y "In a Silent Mood" (2004) ofrecen una visión reveladora de su personalidad musical, ya que celebra con energía el libre flujo de ideas musicales que reflejan su notable carrera como brillante exponente del órgano.
Además de su "Bebab Band" y de su trabajo en solitario, Barbara Dennerlein ha colaborado con grandes bandas como la Rythm combination & brass de Peter Herbolzheimer y con el inolvidable pianista Friedrich Gulda, que utilizó todo su genio musical para crear una simbiosis de música clásica y jazz más allá de toda limitación de estilo o género.
Barbara Dennerlein adopta el mismo enfoque de la música en su trabajo, como dice: "Para mí, el jazz es sinónimo de libertad. Libertad de prejuicios y discriminación, libertad de limitaciones y convenciones. Esta es mi propia definición del jazz que quiero transmitir al oyente. Ya sea joven o mayor, tradicionalista o modernista, aficionado al jazz o no aficionado".
Así, explora continuamente nuevos terrenos. Su primera invitación para tocar un concierto de órgano de iglesia en 1994 estimuló un intenso periodo de actividad con la "reina de los instrumentos", el órgano de iglesia. Gracias a su completo dominio de los pedales, Barbara consiguió explotar al máximo el inmenso potencial musical, a veces con obras que compuso especialmente para el órgano de tubos, y hacer oscilar este instrumento un tanto perezoso. En muchos conciertos desde entonces, el público se ha visto transportado a nuevos mundos sonoros, una mezcla de jazz en el sentido más amplio y elementos clásicos. En 2002 Barbara grabó por primera vez exclusivamente con el órgano de tubos ("Spiritual Movement No.1").
En 2003, Barbara inició un proyecto verdaderamente excepcional en lo que respecta a un trío de jazz y una orquesta filarmónica que tocan juntos. El proyecto surgió del hecho de que ella, para decirlo con sus propias palabras, "se ha acercado al cosmos de la música clásica tocando en el órgano de la iglesia". Barbara Dennerlein interpretaba sus complejas composiciones en el órgano de la iglesia, pero pretendía realizarlas con un cuerpo musical mucho más grande, que garantizara toda la riqueza de colores y dinámicas. Dejar que una orquesta sinfónica se balancee es aún más difícil que conseguirlo en el órgano de tubos. Una verdadera tarea para Barbara, a quien le gustan los retos.
El trabajo compositivo de Barbara Dennerlein varía desde los esquemas tradicionales del blues, las baladas románticas y melancólicas hasta las composiciones impulsadas por el tempo con elementos de swing, bebop, funk y ritmos latinos. Los ritmos rápidos exigen un trabajo artístico con el pedal en muchas de sus composiciones. Dennerlein utiliza a menudo compases cambiantes, así como cambios armónicos no convencionales para conferir expresión narrativa y figurativa a sus composiciones.
https://musicians.allaboutjazz.com/barbaradennerlein
www.barbaradennerlein.com ...
In Search of the Blues
Leadbelly, Robert Johnson, Charley Patton-we are all familiar with the
story of the Delta blues. Fierce, raw voices; tormented drifters; deals
with the devil at the crossroads at midnight.
In this
extraordinary reconstruction of the origins of the Delta blues,
historian Marybeth Hamilton demonstrates that the story as we know it is
largely a myth. The idea of something called Delta blues only emerged
in the mid-twentieth century, the culmination of a longstanding white
fascination with the exotic mysteries of black music.
Hamilton
shows that the Delta blues was effectively invented by white pilgrims,
seekers, and propagandists who headed deep into America's south in
search of an authentic black voice of rage and redemption. In their
quest, and in the immense popularity of the music they championed, we
confront America's ongoing love affair with racial difference.
Van Gogh in Saint Remy and Auvers
Van Gogh in Saint-Remy and Auvers is the sequel to the highly acclaimed exhibition catalogue Van Gogh in Arles. The seventy paintings, eighteen drawings, and one etching selected for the present volume―drawn from public and private collections throughout Europe, the United States, and Asia for exhibition at the Metropolitan Museum of Art―include some of Vincent van Gogh’s most famous images. Remarkable for their intensity and clarity of expression, they trace the development of van Gogh as an artist from May 1889, when he left Arles for a private asylum in Saint-Remy-de-Provence, some fifteen miles northeast of Arles, to his death in Auvers-sur-Oise, near Paris, in July 1890.
Thursday, April 29, 2021
Little Walter • The Best of
Review
If there's a blues harmonica player alive today who doesn't have a copy of this landmark album in their collection, they're either lying or had their copy of it stolen by another harmonica player. This 12-song collection is the one that every harmonica player across the board cut their teeth on. All the hits are here: "My Babe," "Blues with a Feeling," "You Better Watch Yourself," "Off the Wall," "Mean Old World" and the instrumental that catapulted him from the sideman chair in Muddy Waters' band to the top of the R&B charts in 1952, "Juke." Walter's influence to this very day is so pervasive over the landscape of the instrument that this collection of singles is truly: 1) one of the all-time greatest blues harmonica albums, 2) one of the all-time greatest Chicago blues albums, and 3) one of the first ten albums you should purchase if you're building your blues collection from the ground floor up. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción Automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en Muddy Waters ' banda a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
If there's a blues harmonica player alive today who doesn't have a copy of this landmark album in their collection, they're either lying or had their copy of it stolen by another harmonica player. This 12-song collection is the one that every harmonica player across the board cut their teeth on. All the hits are here: "My Babe," "Blues with a Feeling," "You Better Watch Yourself," "Off the Wall," "Mean Old World" and the instrumental that catapulted him from the sideman chair in Muddy Waters' band to the top of the R&B charts in 1952, "Juke." Walter's influence to this very day is so pervasive over the landscape of the instrument that this collection of singles is truly: 1) one of the all-time greatest blues harmonica albums, 2) one of the all-time greatest Chicago blues albums, and 3) one of the first ten albums you should purchase if you're building your blues collection from the ground floor up. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción Automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en Muddy Waters ' banda a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
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Reseña
Si hay un armonicista de blues vivo hoy en día que no tenga una copia de este álbum de referencia en su colección, o bien está mintiendo o su copia ha sido robada por otro armonicista. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo han utilizado. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Watch Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que le catapultó desde la silla de sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R&B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan penetrante en el paisaje del instrumento que esta colección de singles es realmente 1) uno de los mejores álbumes de armónica de blues de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago de todos los tiempos, y 3) uno de los diez primeros álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde cero. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
Si hay un armonicista de blues vivo hoy en día que no tenga una copia de este álbum de referencia en su colección, o bien está mintiendo o su copia ha sido robada por otro armonicista. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo han utilizado. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Watch Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que le catapultó desde la silla de sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R&B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan penetrante en el paisaje del instrumento que esta colección de singles es realmente 1) uno de los mejores álbumes de armónica de blues de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago de todos los tiempos, y 3) uno de los diez primeros álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde cero. ~ Cub Koda, All Music Guide
Traducción automática:
Si hay un jugador de armónica de blues vivo hoy que no tiene una copia de este álbum emblemático en su colección, están mintiendo o han robado su copia de otro jugador de armónica. Esta colección de 12 canciones es la que todos los intérpretes de armónica de todo el mundo aprenden. Todos los éxitos están aquí: "My Babe", "Blues with a Feeling", "You Better Yourself", "Off the Wall", "Mean Old World" y el instrumental que lo catapultó desde la silla sideman en la banda de Muddy Waters a la cima de las listas de R & B en 1952, "Juke". La influencia de Walter hasta el día de hoy es tan omnipresente en el panorama del instrumento que esta colección de singles es verdaderamente: 1) uno de los mejores álbumes de blues de armónica de todos los tiempos, 2) uno de los mejores álbumes de blues de Chicago, y 3) uno de los primeros diez álbumes que deberías comprar si estás construyendo tu colección de blues desde la planta baja. ~ Cub Koda, guía de toda la música
Charlie Earland Trio feat. George Coleman • Soul Crib
Review:
This album has never seen the light of day on CD. Some tracks were later released on a few of Charles' Muse albums; namely Smokin' and Mama Roots, but careful checking of track timings reveals slightly different versions. In this regard they may have not been from the same session. George Coleman's addition to Charles Earland’s Trio truly makes this LP magnificent. He plays beautifully right throughout the whole session. In addition the listener cannot disregard the intuitive playing of Jimmy Ponder whereby he at times gets some marvelous opportunities to really stretch out. Of course as always Charles Earland beyond any doubt greatly entertains with his vivacious mastery of the B-3. Similarly without Walter Perkins’ driving the beat on drums and the inclusion of some very innovative percussive effects the tunes wouldn't be as dynamic. "Soul Crib" leans more toward the jazz side of things, featuring no fewer than five standards, one swinging original ‘The Dozens’ and a psychedelic free improvisation piece called ‘Mus’ Be LSD’ that seems completely out of place. Taken together the album truly entertains and clearly showcases George Coleman’s tenor blending seamlessly with Charles' big organ sounds. A masterful gem for its time and is highly recommended.
This album has never seen the light of day on CD. Some tracks were later released on a few of Charles' Muse albums; namely Smokin' and Mama Roots, but careful checking of track timings reveals slightly different versions. In this regard they may have not been from the same session. George Coleman's addition to Charles Earland’s Trio truly makes this LP magnificent. He plays beautifully right throughout the whole session. In addition the listener cannot disregard the intuitive playing of Jimmy Ponder whereby he at times gets some marvelous opportunities to really stretch out. Of course as always Charles Earland beyond any doubt greatly entertains with his vivacious mastery of the B-3. Similarly without Walter Perkins’ driving the beat on drums and the inclusion of some very innovative percussive effects the tunes wouldn't be as dynamic. "Soul Crib" leans more toward the jazz side of things, featuring no fewer than five standards, one swinging original ‘The Dozens’ and a psychedelic free improvisation piece called ‘Mus’ Be LSD’ that seems completely out of place. Taken together the album truly entertains and clearly showcases George Coleman’s tenor blending seamlessly with Charles' big organ sounds. A masterful gem for its time and is highly recommended.
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Reseña:
Este álbum nunca ha visto la luz en CD. Algunos temas se publicaron posteriormente en algunos de los álbumes Muse de Charles, concretamente en Smokin' y Mama Roots, pero una cuidadosa comprobación de los tiempos de los temas revela versiones ligeramente diferentes. En este sentido, es posible que no procedan de la misma sesión. La incorporación de George Coleman al trío de Charles Earland hace que este LP sea realmente magnífico. Toca maravillosamente durante toda la sesión. Además, el oyente no puede pasar por alto la interpretación intuitiva de Jimmy Ponder, que a veces tiene maravillosas oportunidades para estirarse. Por supuesto, como siempre, Charles Earland entretiene enormemente con su vivaz dominio de la B-3. Igualmente, sin el impulso de Walter Perkins en la batería y la inclusión de algunos efectos de percusión muy innovadores, las melodías no serían tan dinámicas. "Soul Crib" se inclina más hacia el lado del jazz, presentando no menos de cinco estándares, un original de swing 'The Dozens' y una pieza de improvisación libre psicodélica llamada 'Mus' Be LSD' que parece completamente fuera de lugar. En conjunto, el álbum es realmente entretenido y muestra claramente que el tenor de George Coleman se combina a la perfección con los grandes sonidos del órgano de Charles. Una joya magistral para su época y muy recomendable.
Mike Hurst Orchestra • Drivetime
Review by Dave Thompson:
Originally recorded in 1969 but unreleased for 34 years, Drivetime was a grandiose concept that attempted to translate American radio's penchant for "drive-time" music to the British airwaves. A massively orchestrated blend of movie themes, pop gems and rock & roll classics, all were selected with one thing in mind: It was music to drive to. The fact that Britain could scarcely boast anything even remotely approaching the American culture of motorvating does not appear to have crossed Mike Hurst's mind. Armed with a 49-strong backing band drawn from both classical and jazz circles, he not only rearranged, but utterly reinvigorated the likes of "Route 66" and "Sounds of Silence". He tackled "Good Vibrations" with an aplomb that might have given Brian Wilson pause for thought, and he sent themes from The Wild Ones and West Side Story soaring. Although it could readily be filed alongside the similarly orchestral albums being issued by other top producers of the age (Larry Page, Tony Hatch, George Martin, and Andrew Loog Oldham all tried their hands at such things), the result towers above almost all of them.
Editorial Reviews:
MIKE HURST became a record producer more by luck than judgement. When the SPRINGFIELDS broke up in 1963 he started his own band with JIMMY PAGE, ALBERT LEE and TONY ASHTON but found little success! So in 1965 he became a record producer initially working for ANDREW LOOG OLDHAM and MICKIE MOST before finding in 1965 a very joung CAT STEVENS. He then became 'hot' and over the next 5 years produced SPENCER DAVIS GROUP, MARC BOLAN, MANFRED MANN, PP ARNOLD, to name a few. During 1969 The Mike Hurst Orchestra recordings originated from an idea by Len Levy of Metromedia, and ex Pres of Epic Records to make an orchestral album in Phase 4 stereo. Phase 4 was originally a Decca concept. Simply put, it was a stereo mix wth with very litle in the centre, thus creating, through echo, a wall of sound across the spectrum as a whole. Metromedia collapsed in 1969 so the album was never released. Mike sat on the tapes, and now, they can be listened to having just been remastered in another century.
Originally recorded in 1969 but unreleased for 34 years, Drivetime was a grandiose concept that attempted to translate American radio's penchant for "drive-time" music to the British airwaves. A massively orchestrated blend of movie themes, pop gems and rock & roll classics, all were selected with one thing in mind: It was music to drive to. The fact that Britain could scarcely boast anything even remotely approaching the American culture of motorvating does not appear to have crossed Mike Hurst's mind. Armed with a 49-strong backing band drawn from both classical and jazz circles, he not only rearranged, but utterly reinvigorated the likes of "Route 66" and "Sounds of Silence". He tackled "Good Vibrations" with an aplomb that might have given Brian Wilson pause for thought, and he sent themes from The Wild Ones and West Side Story soaring. Although it could readily be filed alongside the similarly orchestral albums being issued by other top producers of the age (Larry Page, Tony Hatch, George Martin, and Andrew Loog Oldham all tried their hands at such things), the result towers above almost all of them.
Editorial Reviews:
MIKE HURST became a record producer more by luck than judgement. When the SPRINGFIELDS broke up in 1963 he started his own band with JIMMY PAGE, ALBERT LEE and TONY ASHTON but found little success! So in 1965 he became a record producer initially working for ANDREW LOOG OLDHAM and MICKIE MOST before finding in 1965 a very joung CAT STEVENS. He then became 'hot' and over the next 5 years produced SPENCER DAVIS GROUP, MARC BOLAN, MANFRED MANN, PP ARNOLD, to name a few. During 1969 The Mike Hurst Orchestra recordings originated from an idea by Len Levy of Metromedia, and ex Pres of Epic Records to make an orchestral album in Phase 4 stereo. Phase 4 was originally a Decca concept. Simply put, it was a stereo mix wth with very litle in the centre, thus creating, through echo, a wall of sound across the spectrum as a whole. Metromedia collapsed in 1969 so the album was never released. Mike sat on the tapes, and now, they can be listened to having just been remastered in another century.
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Reseña de Dave Thompson:
Grabado originalmente en 1969 pero inédito durante 34 años, Drivetime era un concepto grandioso que intentaba trasladar la afición de la radio americana por la música "drive-time" a las ondas británicas. Una mezcla masivamente orquestada de temas de películas, joyas del pop y clásicos del rock & roll, todo ello seleccionado con una cosa en mente: Era música para conducir. No parece que a Mike Hurst se le pasara por la cabeza el hecho de que Gran Bretaña no pudiera presumir de nada que se acercara ni remotamente a la cultura americana del motor. Armado con una banda de acompañamiento de 49 personas procedentes de los círculos de la música clásica y el jazz, no sólo reorganizó, sino que revitalizó completamente temas como "Route 66" y "Sounds of Silence". Abordó "Good Vibrations" con un aplomo que podría haber hecho reflexionar a Brian Wilson, y elevó los temas de The Wild Ones y West Side Story. Aunque podría archivarse fácilmente junto a los álbumes orquestales similares publicados por otros grandes productores de la época (Larry Page, Tony Hatch, George Martin y Andrew Loog Oldham probaron sus manos en este tipo de cosas), el resultado se eleva por encima de casi todos ellos.
Reseñas editoriales:
MIKE HURST se convirtió en productor discográfico más por suerte que por criterio. Cuando los SPRINGFIELDS se separaron en 1963, empezó su propia banda con JIMMY PAGE, ALBERT LEE y TONY ASHTON, pero no tuvo mucho éxito. Así que en 1965 se convirtió en productor discográfico trabajando inicialmente para ANDREW LOOG OLDHAM y MICKIE MOST antes de encontrar en 1965 a un jovencísimo CAT STEVENS. A continuación, se convirtió en "caliente" y en los próximos 5 años produjo SPENCER DAVIS GROUP, MARC BOLAN, MANFRED MANN, PP ARNOLD, por nombrar algunos. Durante 1969, las grabaciones de la Mike Hurst Orchestra se originaron a partir de una idea de Len Levy de Metromedia, y ex presidente de Epic Records, para hacer un álbum orquestal en estéreo de Fase 4. La fase 4 era originalmente un concepto de Decca. En pocas palabras, se trataba de una mezcla estéreo con muy poco en el centro, creando así, a través del eco, un muro de sonido en todo el espectro. Metromedia se derrumbó en 1969, por lo que el álbum nunca se publicó. Mike guardó las cintas y ahora se pueden escuchar recién remasterizadas en otro siglo.
Grabado originalmente en 1969 pero inédito durante 34 años, Drivetime era un concepto grandioso que intentaba trasladar la afición de la radio americana por la música "drive-time" a las ondas británicas. Una mezcla masivamente orquestada de temas de películas, joyas del pop y clásicos del rock & roll, todo ello seleccionado con una cosa en mente: Era música para conducir. No parece que a Mike Hurst se le pasara por la cabeza el hecho de que Gran Bretaña no pudiera presumir de nada que se acercara ni remotamente a la cultura americana del motor. Armado con una banda de acompañamiento de 49 personas procedentes de los círculos de la música clásica y el jazz, no sólo reorganizó, sino que revitalizó completamente temas como "Route 66" y "Sounds of Silence". Abordó "Good Vibrations" con un aplomo que podría haber hecho reflexionar a Brian Wilson, y elevó los temas de The Wild Ones y West Side Story. Aunque podría archivarse fácilmente junto a los álbumes orquestales similares publicados por otros grandes productores de la época (Larry Page, Tony Hatch, George Martin y Andrew Loog Oldham probaron sus manos en este tipo de cosas), el resultado se eleva por encima de casi todos ellos.
Reseñas editoriales:
MIKE HURST se convirtió en productor discográfico más por suerte que por criterio. Cuando los SPRINGFIELDS se separaron en 1963, empezó su propia banda con JIMMY PAGE, ALBERT LEE y TONY ASHTON, pero no tuvo mucho éxito. Así que en 1965 se convirtió en productor discográfico trabajando inicialmente para ANDREW LOOG OLDHAM y MICKIE MOST antes de encontrar en 1965 a un jovencísimo CAT STEVENS. A continuación, se convirtió en "caliente" y en los próximos 5 años produjo SPENCER DAVIS GROUP, MARC BOLAN, MANFRED MANN, PP ARNOLD, por nombrar algunos. Durante 1969, las grabaciones de la Mike Hurst Orchestra se originaron a partir de una idea de Len Levy de Metromedia, y ex presidente de Epic Records, para hacer un álbum orquestal en estéreo de Fase 4. La fase 4 era originalmente un concepto de Decca. En pocas palabras, se trataba de una mezcla estéreo con muy poco en el centro, creando así, a través del eco, un muro de sonido en todo el espectro. Metromedia se derrumbó en 1969, por lo que el álbum nunca se publicó. Mike guardó las cintas y ahora se pueden escuchar recién remasterizadas en otro siglo.
Elaine Delmar • A Swingin' Chick [EP]
She was born as Elaine Hutchinson in Harpenden, Hertfordshire. Her father was the jazz trumpeter Leslie "Jiver" Hutchinson.
She was educated at Rhodes Avenue and Trinity Grammar schools in Wood Green. She studied piano between the ages of six and eleven, reaching Grade VII of the Associated Board examinations.
She made her first broadcast playing the piano on Children's Hour, aged 13, and she later sang with her father's band at American bases. In 1952/1953, she appeared in Finian's Rainbow in Liverpool. She sang with Coleridge Goode's group 'The Dominoes' for a month in Germany in the mid-1950s, before going solo. She performed in clubs and on overseas tours. She appeared in the Ken Russell film Mahler (1974).
During 2010 she featured in concert with Wynton Marsalis's Lincoln Center Jazz Orchestra.
During 2012 Delmar appeared on P & O Cruise liners where her performances featured songs by Cole Porter and others. - wiki -
She was educated at Rhodes Avenue and Trinity Grammar schools in Wood Green. She studied piano between the ages of six and eleven, reaching Grade VII of the Associated Board examinations.
She made her first broadcast playing the piano on Children's Hour, aged 13, and she later sang with her father's band at American bases. In 1952/1953, she appeared in Finian's Rainbow in Liverpool. She sang with Coleridge Goode's group 'The Dominoes' for a month in Germany in the mid-1950s, before going solo. She performed in clubs and on overseas tours. She appeared in the Ken Russell film Mahler (1974).
During 2010 she featured in concert with Wynton Marsalis's Lincoln Center Jazz Orchestra.
During 2012 Delmar appeared on P & O Cruise liners where her performances featured songs by Cole Porter and others. - wiki -
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Nació como Elaine Hutchinson en Harpenden, Hertfordshire. Su padre era el trompetista de jazz Leslie "Jiver" Hutchinson.
Fue educada en las escuelas Rhodes Avenue y Trinity Grammar de Wood Green. Estudió piano entre los seis y los once años, y alcanzó el grado VII de los exámenes del Associated Board.
Hizo su primera emisión tocando el piano en Children's Hour, a los 13 años, y más tarde cantó con la banda de su padre en las bases americanas. En 1952/1953, actuó en Finian's Rainbow en Liverpool. A mediados de la década de 1950, cantó con el grupo de Coleridge Goode, "The Dominoes", durante un mes en Alemania, antes de seguir en solitario. Actuó en clubes y en giras por el extranjero. Apareció en la película de Ken Russell Mahler (1974).
En 2010 actuó con la Lincoln Center Jazz Orchestra de Wynton Marsalis.
En 2012, Delmar apareció en los cruceros P & O, donde sus actuaciones incluyeron canciones de Cole Porter y otras. - wiki -
Fue educada en las escuelas Rhodes Avenue y Trinity Grammar de Wood Green. Estudió piano entre los seis y los once años, y alcanzó el grado VII de los exámenes del Associated Board.
Hizo su primera emisión tocando el piano en Children's Hour, a los 13 años, y más tarde cantó con la banda de su padre en las bases americanas. En 1952/1953, actuó en Finian's Rainbow en Liverpool. A mediados de la década de 1950, cantó con el grupo de Coleridge Goode, "The Dominoes", durante un mes en Alemania, antes de seguir en solitario. Actuó en clubes y en giras por el extranjero. Apareció en la película de Ken Russell Mahler (1974).
En 2010 actuó con la Lincoln Center Jazz Orchestra de Wynton Marsalis.
En 2012, Delmar apareció en los cruceros P & O, donde sus actuaciones incluyeron canciones de Cole Porter y otras. - wiki -
Being Prez The Life and Music of Lester Young
Lester Young was one of the great jazz masters, and his impact on the
course of the art form was profound. He fundamentally changed the way
the saxophone was played--his long, flowing lines brought new levels of
expressiveness and subtlety to the jazz language, setting the standard
for all
modern players.
In Being Prez, renowned British
critic Dave Gelly follows Lester Young through his life in a rapidly
changing world, showing how the music of this exceptionally sensitive
man was shaped by his experiences. The reader meets a complicated,
vulnerable, gentle individual who was brought up in his
father's
traveling carnival band. His early career was spent in the nightclubs
and dancehalls of Kansas City and the Southwest, and he made his
landmark recording debut at the peak of the Swing Era. But at the height
of his powers, he was drafted into the US Army, where racism and his
own
unworldliness landed him in military prison. Following these
events, Young grew increasingly withdrawn and suspicious, changes in his
character reflected in the darkening mood of his music. Gelly, himself a
jazz saxophonist, examines many of Young's classic recordings in
illuminating detail. He
reveals how as a saxophonist--and as major
contributor to the Count Basie band--Young created a strong personal
voice, a cool modernism, and a new rhythmic flexibility in the freely
dancing rhythms of 4-beat swing.
With his sax jutting oddly to one
side, his bizarre oblique use of language, and his unique musical
rapport with Billie Holiday (who famously nicknamed him "Prez"), Lester
Young has become an icon and a cult figure. This marvelous biography
illuminates the life and work of this giant of jazz.
Being Prez: The Life and Music of Lester Young
Accordion Dreams A Journey into Cajun and Creole Music
By age thirty-nine, Blair Kilpatrick had settled into life as a practicing psychologist, wife, and mother. Then a chance encounter in New Orleans turned her world upside down. She returned home to Chicago with unlikely new passions for Cajun music and its defining instrument, the accordion. Captivated by recurring dreams of playing the Cajun accordion, she set out to master it. Yet she was not a musician, was too self-conscious to dance, and didn't even sing in the shower.
Kilpatrick's obsession took her from Chicago's Cajun dance scene to a folk music camp in West Virginia, back and forth to south Louisiana, and even to a Cajun festival in France. An unexpected family move brought her to the San Francisco Bay Area, home to the largest Cajun-zydeco music scene outside the Gulf Coast. There she became a protégé of renowned accordionist Danny Poullard, a Louisiana-born Creole and the guiding spirit of the local Louisiana French music community.
Engaging, uplifting, and illuminating a unique patch of the American cultural landscape, Accordion Dreams is Kilpatrick's account of the possibility of passion, risk-taking, and change--at any age.
Blair Kilpatrick has an independent practice in psychotherapy in the San Francisco Bay Area. She also performs and records with Sauce Piquante, a traditional Cajun-Creole band she founded in the late 1990s. Learn more at www.blairkilpatrick.com
Botticelli (Basic Art Series 2.0)
With the patronage of the powerful Medici family, a canon of secular and religious work, and contributions to the celebrated Sistine Chapel, Sandro Botticelli (1444/45–1510) was well placed for fame. After his death, however, his work was eclipsed for some four hundred years. It wasn’t until the 19th century that the painter began to gain major art-historical recognition.
Today, Botticelli is hailed as a towering figure of the Florentine Early Renaissance. His secular works The Birth of Venus and Primavera, mostly read as an allegory of Spring, are among the most recognized paintings in the world, resplendent in their delicate details, graceful lines, and compositional balance. His arrangements are fluid yet poised, his figures serene yet sensual. Venus, in particular, is held up as art-historical icon of beauty: pale-skinned, delicately featured, soft with fecund promise.
This essential introduction presents key works from Botticelli’s oeuvre to understand the making of a Renaissance legend. Through the painter’s most famous mythological and allegorical scenes, as well as his radiant religious works, we explore a mastery of figuration, movement, and line, which has gone on to inspire artists from Edgar Degas to Andy Warhol, René Magritte to Cindy Sherman.
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Con el mecenazgo de la poderosa familia Médicis, un canon de obras seculares y religiosas, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/45-1510) estaba bien situado para la fama. Sin embargo, tras su muerte, su obra quedó eclipsada durante unos cuatrocientos años. No fue hasta el siglo XIX cuando el pintor comenzó a obtener un mayor reconocimiento histórico-artístico.
Hoy en día, Botticelli es aclamado como una figura destacada del primer Renacimiento florentino. Sus obras seculares El nacimiento de Venus y La Primavera, interpretadas en su mayoría como una alegoría de la primavera, se encuentran entre las pinturas más reconocidas del mundo, resplandecientes por sus delicados detalles, sus elegantes líneas y su equilibrio compositivo. Sus arreglos son fluidos y a la vez equilibrados, y sus figuras, serenas y sensuales. Venus, en particular, se considera un icono de la belleza en la historia del arte: de piel pálida, con delicados rasgos, suave y fecunda.
Esta introducción esencial presenta obras clave de la obra de Botticelli para entender la creación de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas mitológicas y alegóricas más famosas del pintor, así como de sus radiantes obras religiosas, exploramos un dominio de la figuración, el movimiento y la línea, que ha pasado a inspirar a artistas desde Edgar Degas a Andy Warhol, René Magritte a Cindy Sherman.
Wednesday, April 28, 2021
Suggested video: Richard Galliano Trio feat. Gary Burton - Leverkusener Jazztage 2007
● Tracklist:
1. Heavy Tango
2. Milonga Is Coming
3. Laurita
4. Bach Symphonia
5. Waltz for Debby
6. L'Hymne à l'Amour
7. Waltz for Nicky
8. Il Postino
● Personnel:
Richard Galliano - accordion, accordina
Gary Burton - vibraphone
Philippe Aerts - bass
Clarence Penn - drums
● Richard Galliano Trio feat. Gary Burton:
Filmed live by WDR JAZZline at 28. Leverkusener Jazztage, Germany, 2007
YT: Jazz³+
Joe Henderson • Mode For Joe
Review by Eric Starr
Given the recording date of Mode for Joe and the band lineup, it's easy to assume this is a straight-up hard bop album. However, this 1966 Joe Henderson record -- featuring trumpeter Lee Morgan, trombonist Curtis Fuller, vibraphonist Bobby Hutcherson, pianist Cedar Walton, bassist Ron Carter, and drummer Joe Chambers -- is a great example of modern jazz at its best. It was recorded during a time of sweeping musical changes due to developments in free jazz, soul-jazz, and even early experiments with fusion. It was a time when the bluesy and funky leanings of hard boppers were giving way to more individualized contemporary approaches. One of the best examples of this shift, Mode for Joe sounds more like the experimental work of Branford Marsalis than the groovy musings of Art Blakey & the Jazz Messengers. The last track here, "Free Wheelin'," is the only dyed-in-the-wool hard bop tune heard here. Other than that, this outing's mostly uptempo songs serve as vehicles for solos. Henderson himself proves that the template for players such as Marsalis, Joe Lovano, and Joshua Redman was invented a generation earlier, as evidenced on "A Shade of Jade," "Black," and others, making this one of the sax legend's most intriguing albums.
https://www.allmusic.com/album/mode-for-joe-mw0000196145
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Reseña de Eric Starr
Dada la fecha de grabación de Mode para Joe y la formación de la banda, es fácil asumir que se trata de un álbum de hard bop directo. Sin embargo, este disco de 1966 de Joe Henderson - con el trompetista Lee Morgan, el trombonista Curtis Fuller, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter y el baterista Joe Chambers - es un gran ejemplo de jazz moderno en su mejor momento. Se grabó en una época de cambios musicales radicales debido al desarrollo del free jazz, el soul-jazz e incluso los primeros experimentos con la fusión. Era una época en la que las inclinaciones blueseras y funky de los hard boppers estaban dando paso a enfoques contemporáneos más individualizados. Uno de los mejores ejemplos de este cambio, Mode for Joe, suena más a la obra experimental de Branford Marsalis que a las reflexiones groovy de Art Blakey & the Jazz Messengers. El último tema, "Free Wheelin'", es el único tema de hard bop que se escucha aquí. Aparte de eso, la mayoría de las canciones de ritmo rápido sirven como vehículos para los solos. El propio Henderson demuestra que la plantilla de músicos como Marsalis, Joe Lovano y Joshua Redman se inventó una generación antes, como se evidencia en "A Shade of Jade", "Black" y otros, lo que hace que este sea uno de los álbumes más intrigantes de la leyenda del saxo.
https://www.allmusic.com/album/mode-for-joe-mw0000196145
www.bluenote.com/joe-henderson ...
Gene Ammons • Gene Ammons' All Stars. Complete Recordings
These three albums are from a series of Gene Ammons-led sessions recorded for Prestige starting in 1955, when the tenor headed what amounted to the labels house group in after-hours collaborations that, despite their take-no-prisoners approach, yielded much swinging and imaginative excitement. Amid the fierce blowing Ammons displays power and intensity, and Jackie McLean reveals his concern for linear development, exhibiting a warm tone and phrasing firmly based on Bird. Three great trumpet players are featured in these albums.
On Jammin with Gene, Donald Byrd is in incisive and in arresting form, and Art Farmer is his usual elegant, fluent self, both on this album and Funky, while Idrees Sulieman is lyrical and forceful on Jammin in Hi-Fi. Guitarist Kenny Burrell offers some typically fleet choruses on two of the sessions. On piano, Mal Waldrons spare solos offer some piquant moments and leanly provocative statements, supported splendidly by Doug Watkins blues-rooted drive (he is replaced by the powerful Paul Chambers in the last date) and Art Taylors intelligent rhythmic patterns.
The last three bonus tracks on the second CD come from Ammons album The Happy Blues, again with Farmer, McLean and Taylor, but with pianist Duke Jordan instead of Waldron, and bassist Addison Farmer and Candido Camero on conga.
https://www.freshsoundrecords.com/gene-ammons-albums/5962-complete-recordings-with-jackie-mclean-mal-waldron-3-lps-on-2-cds-bonus-tracks.html?search_query=Gene+Ammons%27+All+Stars.+Complete+Recordings&results=1
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Estos tres álbumes proceden de una serie de sesiones dirigidas por Gene Ammons y grabadas para Prestige a partir de 1955, cuando el tenor encabezaba lo que era el grupo de la casa discográfica en colaboraciones a deshoras que, a pesar de su enfoque de no tomar prisioneros, producían mucho swing y emoción imaginativa. En medio del feroz soplido, Ammons muestra potencia e intensidad, y Jackie McLean revela su preocupación por el desarrollo lineal, exhibiendo un tono cálido y un fraseo firmemente basado en Bird. Tres grandes trompetistas aparecen en estos álbumes.
En Jammin with Gene, Donald Byrd es incisivo y está en forma, y Art Farmer es su habitual elegancia y fluidez, tanto en este álbum como en Funky, mientras que Idrees Sulieman es lírico y contundente en Jammin in Hi-Fi. El guitarrista Kenny Burrell ofrece algunos coros típicos en dos de las sesiones. En el piano, Mal Waldron ofrece algunos momentos picantes y declaraciones ligeramente provocativas, apoyado espléndidamente por el empuje de Doug Watkins con raíces de blues (es reemplazado por el poderoso Paul Chambers en la última fecha) y los inteligentes patrones rítmicos de Art Taylors.
Los tres últimos temas extra del segundo CD proceden del álbum de Ammons The Happy Blues, de nuevo con Farmer, McLean y Taylor, pero con el pianista Duke Jordan en lugar de Waldron, y el bajista Addison Farmer y Cándido Camero en la conga.
https://www.freshsoundrecords.com/gene-ammons-albums/5962-complete-recordings-with-jackie-mclean-mal-waldron-3-lps-on-2-cds-bonus-tracks.html?search_query=Gene+Ammons%27+All+Stars.+Complete+Recordings&results=1
www.freshsoundrecords.com ...
Herb Ellis • Softly ... But With That Feeling
Review by Scott Yanow
This somewhat obscure Herb Ellis LP (the fifth and final one that the guitarist led for Verve) is a relaxed affair. Joined by vibraphonist Victor Feldman, bassist Leroy Vinnegar and drummer Ronnie Zito, Ellis swings lightly and easily on such songs as "One Note Samba" (which had not become a bossa nova standard yet), "Like Someone in Love," "John Brown's Body" and Ray Brown's "Gravy Waltz."
https://www.allmusic.com/album/softlybut-with-that-feeling-mw0000872002
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Reseña de Scott Yanow
Este LP algo oscuro de Herb Ellis (el quinto y último que el guitarrista dirigió para Verve) es un asunto relajado. Acompañado por el vibrafonista Victor Feldman, el bajista Leroy Vinnegar y el baterista Ronnie Zito, Ellis se balancea con ligereza y facilidad en temas como "One Note Samba" (que aún no se había convertido en un estándar de bossa nova), "Like Someone in Love", "John Brown's Body" y "Gravy Waltz" de Ray Brown.
https://www.allmusic.com/album/softlybut-with-that-feeling-mw0000872002
Les doigts de l'homme • 1910
Les Doigts De L'Homme: 1910
The French quartet Les Doigts de L'Homme plays gypsy jazz, inspired very directly by the work of Django Reinhardt, and like much of Reinhardt's own music 1910 swings. In fact, it swings like the clappers. Acoustic guitars, double-bass, and an occasional clarinet create a wave of musical energy, of sheer danceable fun, that would do justice to almost any electrically powered-up group or full-scale big band around.
1910 was the year of Django Reinhardt's birth. The title of the album (released in Europe in 2010) thus pays tribute to a man whose impact on the guitar, and on jazz, continues over 100 years later. The music is an even greater tribute: a mix of Reinhardt's own tunes; American Songbook classics; and a handful of numbers by Les Doigts de L'Homme's lead guitarist, Olivier Kikteff, all played with panache and breathtaking precision, even when the tempos are blindingly swift.
Much of the music's energy comes from Les Doigts de L'Homme's rhythm section: guitarists Yannick Alcocer and Benoit Convert, and bassist Tanguy Blum. Convert also takes on a share of lead playing and solos, matching Kikteff's precision and swing with a fluid style that contrasts with Kikteff's more muscular approach.
The musicians perform every number with the same high level of energy and enthusiasm. The faster tunes, such as Reinhardt's "Appel Indirect" and Kikteef's "Niglo 1 Waltz" and "1910" seem impossibly quick at times, but the players never lose their ability to swing however fast their fingers may be flying. The slower tunes show Les Doigts de L'Homme's more considered and reflective side—"St James Infirmary Blues" as arranged by Kikteff is lightened by brief phrases from "Hernando's Hideaway" but does a fine job of capturing the song's melancholy and desperation; Kikteff's lovely "Improsture No.1," which he performs solo, is recorded to sound like a scratchy old 78. The addition of Stéphane Chausse's clarinet on "Boléro" and "Russian Melody" broadens the tonal range to good effect. Blum's inventive arrangement of Reinhardt's famous "Swing 48" features fine solos from Convert and Kikteff as well as Blum's own punchy double bass solo.
https://www.allaboutjazz.com/1910-alma-records-review-by-bruce-lindsay.php
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Les Doigts De L'Homme: 1910
El cuarteto francés Les Doigts de L'Homme interpreta jazz gitano, inspirado directamente en la obra de Django Reinhardt, y al igual que gran parte de la música de Reinhardt, 1910 se balancea. De hecho, se balancea como un rayo. Las guitarras acústicas, los contrabajos y algún clarinete ocasional crean una ola de energía musical, de pura diversión bailable, que haría justicia a casi cualquier grupo eléctrico o big band de la zona.
1910 fue el año de nacimiento de Django Reinhardt. El título del álbum (publicado en Europa en 2010) rinde así homenaje a un hombre cuyo impacto en la guitarra, y en el jazz, continúa más de 100 años después. La música es un tributo aún mayor: una mezcla de temas propios de Reinhardt; clásicos del American Songbook; y un puñado de números del guitarrista principal de Les Doigts de L'Homme, Olivier Kikteff, todos ellos interpretados con garbo y una precisión impresionante, incluso cuando los tempos son cegadores.
Gran parte de la energía de la música proviene de la sección rítmica de Les Doigts de L'Homme: los guitarristas Yannick Alcocer y Benoit Convert, y el bajista Tanguy Blum. Convert también asume una parte de la dirección y los solos, igualando la precisión y el swing de Kikteff con un estilo fluido que contrasta con el enfoque más muscular de Kikteff.
Los músicos interpretan cada número con el mismo nivel de energía y entusiasmo. Las melodías más rápidas, como "Appel Indirect" de Reinhardt y "Niglo 1 Waltz" y "1910" de Kikteef, parecen a veces imposiblemente rápidas, pero los músicos nunca pierden su capacidad de swing por mucho que sus dedos vuelen. Las melodías más lentas muestran el lado más considerado y reflexivo de Les Doigts de L'Homme: "St James Infirmary Blues", arreglado por Kikteff, se aligera con breves frases de "Hernando's Hideaway", pero hace un buen trabajo al capturar la melancolía y la desesperación de la canción; la encantadora "Improsture No.1" de Kikteff, que interpreta en solitario, está grabada para que suene como un viejo 78 rayado. La adición del clarinete de Stéphane Chausse en "Boléro" y "Russian Melody" amplía la gama tonal con buenos resultados. El ingenioso arreglo de Blum de la famosa "Swing 48" de Reinhardt cuenta con excelentes solos de Convert y Kikteff, así como con el contundente solo de contrabajo del propio Blum.
https://www.allaboutjazz.com/1910-alma-records-review-by-bruce-lindsay.php
Chicago Skinny • Keg O' Dynamite
Editorial Reviews
Keg O' Dynamite, the debut release by Chicago Skinny, demonstrates the up-and-coming band's taste, energy and distinctive sound. The all-original disc contains a dozen hard-drivin' blues tunes, played with gusto. Here's what Real Blues Magazine had to say about the effort:
Its hard to believe that this is a debut disc. The level of professionalism, talent and the song-writing especially is top-notch. they mustve played a heck of a lot of gigs to get this polished. loads of talent and a fresh sound.
About the Artist
Chicago Skinny is a four-piece blues band that takes traditional rhythms and gritty expressiveness and blends it with a diverse combination of instruments and voices.
So much for our dictionary definition.
Chicago Skinny is about original Big Fat Blues: two guitars (that don't fight each other), two voices (that harmonize), all flavors of harmonica (big 'n' crunchy, clean & pretty, honkin' like a train whistle), a rhythm section that chugs like a '59 Coupe de Ville, and occasionally some squeezebox to indulge your taste for Cajun spice.
With this kind of firepower, Chicago Skinny is able to produce a variety of blues sounds: grinding Chicago-style shuffles, West Coast swing and jump tunes, urban funk blues, Texas twang, and New Orleans second-line and zydeco. Chicago Skinny does smokin' versions of classic blues tunes, and the band has created its own "vintemporary" sound with original songs. The band uses fine vintage equipment and tones to drive songs with more contemporary subjects and grooves. BAND_MEMBERS: Steve Chapek: Guitar, Vocals Leo LaDell: Vocals, Harmonica, Guitar, Accordion Scott Johnson: Bass Paul Hildebrandt: Drums, Percussion
https://www.amazon.com/Keg-Dynamite-Chicago-Skinny/dp/B00000IAL1
Keg O' Dynamite, the debut release by Chicago Skinny, demonstrates the up-and-coming band's taste, energy and distinctive sound. The all-original disc contains a dozen hard-drivin' blues tunes, played with gusto. Here's what Real Blues Magazine had to say about the effort:
Its hard to believe that this is a debut disc. The level of professionalism, talent and the song-writing especially is top-notch. they mustve played a heck of a lot of gigs to get this polished. loads of talent and a fresh sound.
About the Artist
Chicago Skinny is a four-piece blues band that takes traditional rhythms and gritty expressiveness and blends it with a diverse combination of instruments and voices.
So much for our dictionary definition.
Chicago Skinny is about original Big Fat Blues: two guitars (that don't fight each other), two voices (that harmonize), all flavors of harmonica (big 'n' crunchy, clean & pretty, honkin' like a train whistle), a rhythm section that chugs like a '59 Coupe de Ville, and occasionally some squeezebox to indulge your taste for Cajun spice.
With this kind of firepower, Chicago Skinny is able to produce a variety of blues sounds: grinding Chicago-style shuffles, West Coast swing and jump tunes, urban funk blues, Texas twang, and New Orleans second-line and zydeco. Chicago Skinny does smokin' versions of classic blues tunes, and the band has created its own "vintemporary" sound with original songs. The band uses fine vintage equipment and tones to drive songs with more contemporary subjects and grooves. BAND_MEMBERS: Steve Chapek: Guitar, Vocals Leo LaDell: Vocals, Harmonica, Guitar, Accordion Scott Johnson: Bass Paul Hildebrandt: Drums, Percussion
https://www.amazon.com/Keg-Dynamite-Chicago-Skinny/dp/B00000IAL1
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Reseñas editoriales
Keg O' Dynamite, el álbum de debut de Chicago Skinny, demuestra el gusto, la energía y el sonido distintivo de esta prometedora banda. El disco, totalmente original, contiene una docena de temas de blues de gran intensidad, interpretados con gusto. Esto es lo que la revista Real Blues Magazine ha dicho sobre este trabajo:
Es difícil creer que este es un disco de debut. El nivel de profesionalidad, el talento y la composición de las canciones es de primera categoría. Deben haber tocado en un montón de conciertos para llegar a este nivel.
Sobre el artista
Chicago Skinny es una banda de blues de cuatro piezas que toma los ritmos tradicionales y la expresividad descarnada y los mezcla con una combinación diversa de instrumentos y voces.
Hasta aquí la definición del diccionario.
Chicago Skinny es el Big Fat Blues original: dos guitarras (que no se pelean entre sí), dos voces (que armonizan), armónicas de todos los sabores (grandes y crujientes, limpias y bonitas, que suenan como el silbato de un tren), una sección rítmica que funciona como un Coupe de Ville del 59 y, de vez en cuando, algún squeezebox para satisfacer tu gusto por el sabor cajún.
Con este tipo de potencia de fuego, Chicago Skinny es capaz de producir una variedad de sonidos de blues: shuffles al estilo de Chicago, swing de la Costa Oeste y melodías de salto, funk blues urbano, twang de Texas, y second-line y zydeco de Nueva Orleans. Chicago Skinny hace versiones de temas clásicos de blues, y la banda ha creado su propio sonido "vintemporal" con canciones originales. La banda utiliza equipos y tonos finos de época para impulsar canciones con temas y grooves más contemporáneos. BAND_MEMBERS: Steve Chapek Guitarra, Voz Leo LaDell: Voz, Armónica, Guitarra, Acordeón Scott Johnson: Bajo Paul Hildebrandt: Batería, Percusión
https://www.amazon.com/Keg-Dynamite-Chicago-Skinny/dp/B00000IAL1
Tuesday, April 27, 2021
Houston Person • Very Personal
Review by Ron Wynn
A departure for tenor saxophonist Houston Person, normally a soul jazz, blues, funk, and ballads player. This is more mainstream jazz and hard bop, with Person working alongside pianist Cedar Walton, trombonist Curtis Fuller, bassist Buster Williams, and drumer Vernell Fournier. All those who felt that Person couldn't play bop changes were left looking silly when this came out in 1980.
https://www.allmusic.com/album/very-personal-mw0000870509
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Reseña de Ron Wynn
Un cambio para el saxofonista tenor Houston Person, normalmente un intérprete de soul jazz, blues, funk y baladas. Esto es más jazz convencional y hard bop, con Person trabajando junto al pianista Cedar Walton, el trombonista Curtis Fuller, el bajista Buster Williams y el batería Vernell Fournier. Todos los que pensaban que Person no podía tocar cambios de bop se quedaron con cara de tontos cuando esto salió en 1980.
https://www.allmusic.com/album/very-personal-mw0000870509