egroj world: julio 2019
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miércoles, 31 de julio de 2019

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Joe's Blues



Editorial Reviews
Second installment in this four volume series from the celebrated jazzmen with deep Blues roots, a prolific musical team with exquisite chemistry. Volume Two includes the two complete albums Joe's Blues and Wings & Things, in which guitarist Grant Green plays with the two masters. Lonehill.

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Reseñas editoriales
Segunda entrega de esta serie de cuatro volúmenes de los célebres jazzmen con profundas raíces Blues, un prolífico equipo musical con exquisita química. El volumen dos incluye los dos álbumes completos Joe's Blues y Wings & Things, en los que el guitarrista Grant Green toca con los dos maestros. Lonehill.


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Sandy Mosse • Relaxin' With Sandy Mosse



Artist Biography by Eugene Chadbourne
The man whose name sounds like a description of the ground near a brook was a jazz tenor saxophonist who is remembered fondly on both the Chicago and European jazz scenes. Several times in his life he left America for extended stays, eventually marrying a Dutch woman and fulfilling what is many an American musician's lifelong dream: to retire in Amsterdam. Not that Sandy Mosse ever really retired; he kept playing til the end, showing off a lovely fuzzy tone that he was personally happy to trace back to Lester Young, his first and biggest influence. Mosse's final decades were a battle against ill health, as he was first diagnosed with cancer in the '60s. The man who apparently coined the expression "oh well, you can't have anything" always managed to keep a good sense of humor concerning life's ups and downs, as evidenced from this anecdote from "some posh jobbing date on the North Shore," as recalled by a fan writing to the Jazz Institute of Chicago: "Sandy had just been diagnosed with cancer. He showed up at the gig right after undergoing some kind of chemotherapy that had turned his skin a very distinct and lovely shade of green. If you ever saw Sandy Mosse, you know he had bright red hair. Well, the combination of the green skin and the red hair for a Christmas party was just too much. We just couldn't help laughing, but we would never have laughed if Sandy hadn't been first and loudest."

The saxophonist was born in Detroit, but spent much of his American playing time based out of Chicago. He switched to tenor saxophone in the early '50s after learning his way around a reed on both the clarinet and alto saxophone. His first move to Europe happened early on, when at 22 he skipped to Paris and established a relationship with Wallace Bishop. He also recorded historical sides in the band of Henri Renaud, originally released as some of the first-ever picture discs. Mosse also was involved in some orchestral efforts behind gypsy guitar virtuoso Django Reinhardt, and then was picked up in 1953 for a spot as a soloist in the front line of the Woody Herman band as it roared its way across Europe. Encouraged to come back home, he showed up back in the Windy City in 1955 and began working with Bill Russo, rhythm & blues and doo wop howler Chubby Jackson, and the interesting bandleader Cy Touff. The emerging Chess Records empire with its subsidiaries Argo and Cadet provided opportunities for Mosse to grow; he cut several sessions as a leader as well as recording with Touff and in a large band under the direction of the brilliant saxophonist and flautist James Moody. The latter session was something of a Chicago all-star get-together and found Mosse in the company of baritone Pat Patrick of Sun Ra Arkestra fame, among others. With Touff, Mosse co-led an octet in the late '50s and early '60s called the Pieces of Eight. This was reportedly a wonderful and unique small band with great arrangements, often featuring undersung trumpet player John Howell.

In the late '50s, Mosse was profiled in Downbeat in an article with this promising title: "Mosse Grows: A Warm, Fluent Tenor Saxophonist Is Finally Being Heard After Long Struggle." He received an award from the magazine as well as one from Playboy, at that point almost as concerned with jazz as with curves. Mosse was able to tour Europe with his own groups as well as with others as a guest soloist. A highlight was his appearance at the North Sea Jazz Festival. As the '50s wound down and rock & roll became more popular, Mosse was heard more frequently tucked into the ranks of big bands such as that led by the demanding drummer Buddy Rich, or high-note trumpeter Maynard Ferguson. He continued working in Chicago into the '60s, including appearing in the band of Dave Remington.

His Dutch wife lured him back to Europe and her hometown of Amsterdam in the 1970s, and while Mosse continued both playing on radio and teaching at the Royal Dutch Conservatory, there was definitely a drop in recording activity. Fans of his playing and the European scene still hope that the scores of avid home tapers who have been collecting jazz radio broadcasts might have some tasty material on their shelves that could see the light as an official release someday. There were sometimes trips back home, such as the '70s tour in which Mosse played the Chicago venue the Jazz Showcase alongside fellow tenor giants Zoot Sims and Al Cohn. On the Dutch side of things, one of Mosse's last major bands was the superb Volume Two, also featuring Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen, and Lex Cohen. One of Mosse's last recordings was a sideman in a band led by Hekkema.

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Biografía del artista por Eugene Chadbourne
El hombre cuyo nombre suena como una descripción del terreno cerca de un arroyo era un saxofonista tenor de jazz que es recordado con cariño en las escenas de jazz de Chicago y Europa. Varias veces en su vida se fue de Estados Unidos para estancias prolongadas, casándose con una mujer holandesa y cumpliendo lo que es el sueño de toda una vida de un músico estadounidense: jubilarse en Ámsterdam. No es que Sandy Mosse se haya retirado realmente; siguió tocando hasta el final, mostrando un hermoso tono borroso que estaba personalmente feliz de remontarse a Lester Young, su primera y más grande influencia. Las últimas décadas de Mosse fueron una batalla contra la mala salud, ya que fue diagnosticado por primera vez con cáncer en los años 60. El hombre que aparentemente acuñó la expresión "oh bien, no se puede tener nada" siempre logró mantener un buen sentido del humor con respecto a los altibajos de la vida, como se evidencia en esta anécdota de "una cita de trabajo elegante en la costa norte", como recordó un fanático que escribió al Jazz Institute of Chicago: "Sandy acababa de ser diagnosticada con cáncer. Apareció en el concierto justo después de recibir algún tipo de quimioterapia que le había dado a su piel un tono de verde muy distintivo y encantador. Si alguna vez viste a Sandy Mosse, sabes que tenía el pelo rojo brillante. Bueno, la combinación de la piel verde y el pelo rojo para una fiesta de Navidad fue demasiado. No podíamos evitar reírnos, pero nunca nos habríamos reído si Sandy no hubiera sido la primera".

El saxofonista nació en Detroit, pero pasó gran parte de su tiempo tocando en Estados Unidos fuera de Chicago. Se cambió al saxo tenor a principios de los años 50 después de aprender a tocar la lengüeta tanto en el clarinete como en el saxo alto. Su primer traslado a Europa tuvo lugar al principio, cuando a los 22 años se fue a París y estableció una relación con Wallace Bishop. También grabó lados históricos en la banda de Henri Renaud, originalmente lanzados como algunos de los primeros discos de imagen. Mosse también estuvo involucrado en algunos esfuerzos orquestales detrás del virtuoso de la guitarra gitana Django Reinhardt, y luego fue elegido en 1953 para un puesto como solista en la primera línea de la banda de Woody Herman mientras se abría camino por toda Europa. Animado a volver a casa, se presentó en la Ciudad de los Vientos en 1955 y comenzó a trabajar con Bill Russo, rhythm & blues y doo wop howler Chubby Jackson, y el interesante director de orquesta Cy Touff. El imperio emergente de Chess Records con sus subsidiarias Argo y Cadet proporcionó oportunidades para que Mosse creciera; cortó varias sesiones como líder, además de grabar con Touff y en una gran banda bajo la dirección del brillante saxofonista y flautista James Moody. Esta última sesión fue una especie de reunión de estrellas de Chicago y encontró a Mosse en compañía del barítono Pat Patrick de Sun Ra Arkestra, entre otros. Con Touff, Mosse co-lideró un octeto a finales de los'50 y principios de los'60 llamado los Pieces of Eight. Se dice que esta fue una maravillosa y única banda pequeña con grandes arreglos, a menudo con el trompetista John Howell.

A finales de los años 50, Mosse fue perfilado en Downbeat en un artículo con este prometedor título: "Mosse Grows: Un cálido y fluido saxofonista de tenores finalmente está siendo escuchado después de una larga lucha". Recibió un premio de la revista y otro de Playboy, en ese momento casi tan preocupado por el jazz como por las curvas. Mosse pudo viajar por Europa con sus propios grupos y con otros como solista invitado. Un punto culminante fue su participación en el Festival de Jazz del Mar del Norte. A medida que los años 50 se fueron acabando y el rock & roll se hizo más popular, Mosse se escuchó con más frecuencia en las filas de las grandes bandas, como la dirigida por el exigente baterista Buddy Rich, o el trompetista de notas altas Maynard Ferguson. Continuó trabajando en Chicago hasta los años 60, incluyendo su participación en la banda de Dave Remington.

Su esposa holandesa lo atrajo de vuelta a Europa y a su ciudad natal de Ámsterdam en la década de 1970, y mientras Mosse seguía tocando en la radio y enseñando en el Real Conservatorio Holandés, definitivamente hubo un descenso en la actividad discográfica. Los aficionados a su música y a la escena europea siguen esperando que las partituras de los ávidos aficionados a la música casera que han estado coleccionando programas de radio de jazz tengan algún material sabroso en sus estanterías que pueda ver la luz como un estreno oficial algún día. A veces hubo viajes de vuelta a casa, como la gira de los'70 en la que Mosse tocó en Chicago en el Jazz Showcase junto a otros gigantes del tenor Zoot Sims y Al Cohn. En el lado holandés, una de las últimas grandes bandas de Mosse fue el magnífico Volume Two, con Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen y Lex Cohen. Una de las últimas grabaciones de Mosse fue un sideman en una banda liderada por Hekkema.


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Lynn August • The Legendary Lynn August Then And Now



One of zydeco's most versatile performers, Lynn August spiked his native southwestern Louisiana sound with elements of pop, gospel and R&B. Born in Lafayette on August 7, 1948, the blind August was encouraged by his mother and father to pursue a career in music, and he was raised on a steady diet of zydeco, New Orleans rhythm and blues and swamp-pop. After learning to play drums on an old wash basin, at the age of 12 he was recruited to play percussion with the legendary Esquerita, who convinced him to also take up the piano; a few years later, August made the switch to the Hammond B-3 organ as well. During the mid-1960s, he played with a young Stanley "Buckwheat" Dural, later mounting a solo career as well as sitting in with a variety of local swamp-pop combos; he also led a big band, and even directed a church choir. In 1988, August turned to the accordion and began his zydeco career in earnest; forming the Hot August Knights with tenor saxophonist John Hart, he also studied field recordings made in 1934 by archivist Alan Lomax to absorb the original Creole style of "jure" singing into his own contemporary aesthetic. After signing to the Maison de Soul label, August debuted with It's Party Time, followed in 1989 by Zydeco Groove; a move to Black Top heralded the release of 1992's Creole Cruiser, with the acclaimed Sauce Piquante appearing a year later.

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Uno de los intérpretes más versátiles de zydeco, Lynn August le puso a su sonido nativo del suroeste de Louisiana elementos de pop, gospel y R&B. Nacido en Lafayette el 7 de agosto de 1948, el ciego August fue animado por su madre y su padre a seguir una carrera en la música, y se crió con una dieta constante de zydeco, rhythm and blues de Nueva Orleans y swamp-pop. Después de aprender a tocar la batería en un viejo lavabo, a la edad de 12 años fue reclutado para tocar la percusión con el legendario Esquerita, quien lo convenció de que también tocara el piano; unos años después, August también hizo el cambio al órgano Hammond B-3. A mediados de la década de 1960, tocó con un joven Stanley "Buckwheat" Dural, más tarde montó una carrera en solitario, además de participar en una variedad de combos locales de swamp-pop; también dirigió una gran banda, e incluso dirigió un coro de la iglesia. En 1988, August se convirtió al acordeón y comenzó su carrera zydeco en serio; formando los Hot August Knights con el saxofonista tenor John Hart, también estudió grabaciones de campo hechas en 1934 por el archivista Alan Lomax para absorber el estilo criollo original del canto "jure" en su propia estética contemporánea. Después de firmar con el sello Maison de Soul, August debutó con It's Party Time, seguido en 1989 por Zydeco Groove; un cambio a Black Top anunció el lanzamiento de Creole Cruiser en 1992, con la aclamada Sauce Piquante apareciendo un año después.


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Beegie Adair • My Romance



Review by William Ruhlmann
The Richard Rodgers entry in jazz pianist Beegie Adair's series of songbook albums for classic pop songwriters consists entirely of songs the composer wrote with lyricist Lorenz Hart, whose name goes unmentioned in the title, perhaps because there is no singing on the album. (If there were, one might wonder how "The Lady Is a Tramp" could be considered a romantic song.) As on albums devoted to George Gershwin, Hoagy Carmichael, and Irving Berlin, Adair leads a piano trio in low-key instrumental interpretations of these standards from the Golden Age of American Songwriting, hewing to the melodies for the most part, with some modest jazz improvising that never gets very far from the main themes. The goal here is to come up with high-quality cocktail jazz, like the tinkling you might hear in the background at a good restaurant. In this case, listeners have the opportunity to use this album and its related ones as background for a romantic evening at home.
https://www.allmusic.com/album/my-romance-mw0000488661


Artist Biography
Once in a while a musician comes along with impeccable technique, deep understanding of the jazz repertoire, an innate tendency to swing and the rare ability to communicate the heart and soul of a tune to listeners. That musician is Beegie Adair.

About her music Adair says, “Falling in love with jazz is like falling in love with a person, except with jazz you never get over it.” About Beegie (say B-G) Adair, what do others say?

Jazz great Helen Merrill salutes her “inventive jazz sense, her wonderful sense of time and improvised melody.”

Christopher Louden of Jazz Times magazine says Adair is “an accomplished artist with a delicate touch.”

The Los Angeles Times calls her music “Elegant.”

Entertainment News writes, “Beegie Adair is one of the finest piano players in the world.”

Intrigued? So are thousands of jazz fans, who agree with critics about Adair’s sophisticated and listenable jazz performances, and who have made her recordings among the biggest sellers in the jazz world.

Citing George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson and Erroll Garner among her influences, Adair has recorded 24 CDs, ranging from Cole Porter standards to Frank Sinatra classics to romantic World War II ballads. Her 6-CD Centennial Composers Collection of tunes by Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael and Berlin became an instant collectible classic when it was released in 2002.

Kentucky born and raised, Adair lives and records in Nashville �” something of a surprise to people who associate the city solely with country music. In fact Nashville lives up to its “Music City” nickname by hosting a vibrant jazz scene, in which she has been a leading light for decades. A sought-after studio musician in her early days there, Adair accompanied such legendary performers as Chet Atkins, Dolly Parton and Johnny Cash �” and also worked with Lucille Ball, Dinah Shore, Mama Cass Elliott and Peggy Lee.

Her guests on Improvised Thoughts, Beegie’s radio talk/music show on the local NPR affiliate, included such greats as Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson and Helen Merrill. She has guested on McPartland’s Piano Jazz show and has performed with Nat Adderley, Bill Watrous, Lew Tabackin, Terry Clarke, Urbie Green and Jim Ferguson, among many others.

When she’s not in the studio or appearing in clubs and concert halls around the country, Adair wears a variety of hats, from adjunct professor at Vanderbilt University to teacher and mentor at the Nashville Jazz Workshop. Recently she co-wrote and scored an innovative theatrical production, Betsy, which in April 2006 premiered off-Broadway in New York.

She has recorded eight projects for Village Square Records in Nashville; her most recent CDs are Sentimental Journey, a popular collection of World War II-era songs, and a solo piano recording, Quiet Romance.

She performs solo and with the Beegie Adair Trio, whose members include drummer Chris Brown, a veteran of the Maynard Ferguson ensemble, and bassist Roger Spencer, who has played with the Les Brown Band, Ray Conniff, the Page Cavanaugh Trio and Pete Jolly. They are, she says, “my main guys. They’re so tuned into the way I visualize music that it’s effortless to play with them.”

In clubs and concert venues from Los Angeles to New York, Beegie and her “main guys” win kudos from audiences and critics alike who appreciate her unique take on classic jazz. She fell in love with the music a long time ago, and indeed she’s never gotten over it — a love affair the jazz world is much the better for.
https://musicians.allaboutjazz.com/beegieadair

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Reseña de William Ruhlmann
La entrada de Richard Rodgers en la serie de álbumes de la pianista de jazz Beegie Adair para compositores de pop clásico consiste enteramente en canciones que el compositor escribió con el letrista Lorenz Hart, cuyo nombre no se menciona en el título, quizás porque no hay canciones en el álbum. (Si los hubiera, uno podría preguntarse cómo "La Dama es una Vagabunda" podría ser considerada una canción romántica.) Al igual que en los álbumes dedicados a George Gershwin, Hoagy Carmichael e Irving Berlin, Adair dirige un trío de piano en interpretaciones instrumentales de bajo perfil de estos estándares de la Edad de Oro de la Canción Americana, en su mayor parte con melodías, con una modesta improvisación de jazz que nunca se aleja mucho de los temas principales. El objetivo es crear un cóctel de jazz de alta calidad, como el tintineo que se oye al fondo en un buen restaurante. En este caso, los oyentes tienen la oportunidad de usar este álbum y los relacionados como fondo para una velada romántica en casa.
https://www.allmusic.com/album/my-romance-mw0000488661


Biografía del artista
De vez en cuando un músico llega con una técnica impecable, un profundo conocimiento del repertorio de jazz, una tendencia innata al swing y la rara habilidad de comunicar el corazón y el alma de una melodía a los oyentes. Ese músico es Beegie Adair.

Sobre su música, Adair dice: "Enamorarse del jazz es como enamorarse de una persona, excepto que con el jazz nunca se supera". Acerca de Beegie Adair, ¿qué dicen los demás?

La gran Helen Merrill del jazz saluda su "inventivo sentido del jazz, su maravilloso sentido del tiempo y su improvisada melodía".

Christopher Louden de la revista Jazz Times dice que Adair es "un artista consumado con un toque delicado".

El Los Angeles Times llama a su música "Elegante".

"Beegie Adair es una de las mejores pianistas del mundo".

¿Intrigado? También lo son los miles de fans del jazz, que están de acuerdo con los críticos sobre las sofisticadas y escuchables actuaciones de jazz de Adair, y que han hecho de sus grabaciones uno de los más vendidos en el mundo del jazz.

Citando a George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson y Erroll Garner entre sus influencias, Adair ha grabado 24 CDs, desde los estándares de Cole Porter hasta los clásicos de Frank Sinatra y las románticas baladas de la Segunda Guerra Mundial. Su colección de canciones de Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael y Berlín de 6 CD Centennial Composers se convirtió en un clásico coleccionable instantáneo cuando fue lanzado en 2002.

Nacido y criado en Kentucky, Adair vive y graba en Nashville �" algo así como una sorpresa para la gente que asocia la ciudad únicamente con la música country. De hecho, Nashville hace honor a su apodo de "Music City" al albergar una vibrante escena de jazz, en la que ha sido una de las principales figuras durante décadas. Adair acompañó a artistas legendarios como Chet Atkins, Dolly Parton y Johnny Cash �" y también trabajó con Lucille Ball, Dinah Shore, Mama Cass Elliott y Peggy Lee.

Sus invitados en Improvised Thoughts, el programa de radio de Beegie sobre la filial local de NPR, incluyó a grandes como Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson y Helen Merrill. Ha sido invitada en el espectáculo de Piano Jazz de McPartland y ha actuado con Nat Adderley, Bill Watrous, Lew Tabackin, Terry Clarke, Urbie Green y Jim Ferguson, entre muchos otros.

Cuando no está en el estudio o en clubes y salas de conciertos en todo el país, Adair usa una variedad de sombreros, desde profesor adjunto en la Universidad de Vanderbilt hasta profesor y mentor en el Taller de Jazz de Nashville. Recientemente co-escribió una innovadora producción teatral, Betsy, que en abril de 2006 se estrenó fuera de Broadway en Nueva York.

Ha grabado ocho proyectos para Village Square Records en Nashville; sus CDs más recientes son Sentimental Journey, una colección popular de canciones de la era de la Segunda Guerra Mundial, y una grabación de piano en solitario, Quiet Romance.

Actúa en solitario y con el Beegie Adair Trio, entre cuyos miembros se encuentran el baterista Chris Brown, un veterano del conjunto Maynard Ferguson, y el bajista Roger Spencer, que ha tocado con la Les Brown Band, Ray Conniff, el Page Cavanaugh Trio y Pete Jolly. Ellos son, dice ella, "mis principales hombres. Están tan sintonizados en la forma en que visualizo la música que es fácil tocar con ellos".

En clubes y salas de conciertos desde Los Ángeles hasta Nueva York, Beegie y sus "principales muchachos" ganan elogios tanto del público como de la crítica, que aprecian su visión única del jazz clásico. Ella se enamoró de la música hace mucho tiempo, y de hecho nunca la ha superado - una historia de amor para la que el mundo del jazz es mucho mejor.
https://musicians.allaboutjazz.com/beegieadair


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American Drawings Watercolors Pastels And Collages • Corcoran Gallery Of Art



This volume, the first printed catalog of the holdings of American drawings, watercolors, pastels, and collages of the Corcoran Gallery of Art, documents 1,784 works by 645 artists, acquired through 1982. Black-and-white thumbnail illustrations accompany the entries, which are organized chronologically first by the birthdate of the artists and then by the works’ dates of execution. While watercolor, gouache, pastel, acrylic, and collage are well represented, the collection is especially rich in drawings in pencil, ink, charcoal, and crayon. The greatest strength of the collection lies in the works executed from the 1840s to the early 1900s, including large portfolios by John Singer Sargent, Emanuel Leutze, and Elihu Vedder, as well as a solid representation of Hudson River school works. Contemporary works by artists such as Robert Motherwell, Lee Bontecou, and Richard Diebenkorn are also included. (When the Corcoran Gallery of Art closed in 2014 the National Gallery of Art accessioned much of its collection and became custodian of its publications.
Linda Crocker Simmons with the assistance of Adrianne J. Humphrey, Margaret Kinzer, Edward J. Nygren, Martha Pennigar, Marcy Silver, David Knowlton Tozer, and Jan Clark, Joanna DeGilio, Carol Geu, Irene K. Picar, and Nani Yale
Published 1983
290 pages


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Stanley Turrentine & The Three Sounds • Blue Hour - The Complete Sessions



The Three Sounds were pianist Gene Harris, bassist Andy Simpkins, and drummer Bill Dowdy, and they swung in-the-pocket. Although they were not as acclaimed as the Modern Jazz Quartet, the Ramsey Lewis Trio, and other marquee combos, their streamlined sound bridged Count Basie and bebop into a modern yet grooving sensibility. This two-CD set features the trio's entire 1960 Blue Hour sessions with saxophonist Stanley Turrentine. With Turrentine's robust, storytelling tenor sound, these dates are no-nonsense straight-ahead numbers and ballads, including "Willow Weep for Me," Andy Razaf's "Gee Baby, Ain't I Been Good to You," and Oscar Pettiford's "Blues in the Closet." Harris's lyrical ivory ticklings, Dowdy's zesty drum work, and Simpkins's deep and delicious bass lines get Turrentine's driving tenor as a topping and show that this ensemble was the real deal. --Eugene Holley Jr.

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Los Tres Sonidos fueron el pianista Gene Harris, el bajista Andy Simpkins, y el baterista Bill Dowdy, y se balancearon en el bolsillo. Aunque no fueron tan aclamados como el Modern Jazz Quartet, el Ramsey Lewis Trio, y otros combos de carpa, su sonido aerodinámico unió a Count Basie y al bebop en una sensibilidad moderna y a la vez grooveante. Este set de dos CD incluye todas las sesiones del trío de 1960 de Blue Hour con el saxofonista Stanley Turrentine. Con el robusto sonido de tenor de Turrentine, estas fechas son números y baladas sin sentido, incluyendo "Willow Weep for Me", "Gee Baby, Ain't I Been Good to You", de Andy Razaf, y "Blues in the Closet", de Oscar Pettiford. Los cosquillas líricas de marfil de Harris, el trabajo de Dowdy en el tambor y las profundas y deliciosas líneas de bajo de Simpkins consiguen que el tenor impulsor de Turrentine se convierta en un toque final y demuestren que este conjunto era lo mejor. --Eugene Holley Jr. 




Fred Boehler Mit Rhythmusgruppe • Hammond-Party

Bernard Purdie • Soul Is... Pretty Purdie



Artist Biography by Ron Wynn
Soul Is...Pretty Purdie
An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

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Artist Biography by Ron Wynn
Soul Is...Pretty Purdie
An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography


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The Quartette Trés Bien • Bully!



The Quartette Trés Bien was an American jazz combo based in St. Louis led by pianist Jeter Thompson. The group was founded in 1959 and began recording in 1962. Jeter Thompson played with Jimmy Forrest, Oliver Nelson and Emmett Carter in his early years. The bassist of the group is Richard Simmons, the drummer Albert St. James who accompanied also Charlie Parker, Tab Smith and Jimmy Forrest. Percussionist Percy James added a latin flavor to the quartet who played more than ten years, before splitting in 1973. Jeter Thompson later assembled the Trio Tres Bien with his brothers Harold Thompson (bass) and Howard Thompson (drums).
https://www.discogs.com/artist/1433721-Quartette-Tr%C3%A9s-Bien

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El Quartette Trés Bien era un combo de jazz americano con sede en St. Louis dirigido por el pianista Jeter Thompson. El grupo fue fundado en 1959 y comenzó a grabar en 1962. Jeter Thompson tocó con Jimmy Forrest, Oliver Nelson y Emmett Carter en sus primeros años. El bajista del grupo es Richard Simmons, el baterista Albert St. James que también acompañó a Charlie Parker, Tab Smith y Jimmy Forrest. El percusionista Percy James añadió un sabor latino al cuarteto que tocó durante más de diez años, antes de separarse en 1973. Jeter Thompson más tarde montó el Trío Tres Bien con sus hermanos Harold Thompson (bajo) y Howard Thompson (batería).
https://www.discogs.com/artist/1433721-Quartette-Tr%C3%A9s-Bien


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Wayne Horvitz ⁄ The President ‎• Miracle Mile



Review by AllMusic
Keyboardist Wayne Horvitz first made a name for himself in New York's early '80s downtown avant-garde scene, most notably as a member of John Zorn's genre-bending experimental supergroup Naked City. Horvitz has since relocated to Seattle to pursue a variety of projects, including work with his band President. True to his highly individual aesthetic, MIRACLE MILE features a heady, instrumental cross-pollination of jazz, ambient, groove, and modern chamber music. Horvitz's use of textural space and rhythmically complex interplay often recalls Phillip Glass, Steve Reich and the work of electronica artists such as Aphex Twin.

There is no evidence here of the hyper-aggressive sonic assault Horvitz helped mount with Naked City. Instead, the feeling tends toward subtly evocative, trance inducing atmospheres. In "The Front," the album's opener, a lyrical saxophone melody floats over a shifting rhythm track of odd sounds. Throughout the album, moods shift--from the loping, cool jazz themes of "Variations on a Theme by W.C. Handy," to the quietly anxious electronic pulse of "I'm Downstairs," to the gorgeously hypnotic "and sing this song"--to create a whole that is delicately varied, yet unified in approach. This is intelligent, accessible hybrid music that indicates new possibilities for contemporary jazz.
https://www.allmusic.com/album/miracle-mile-mw0000071458

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Reseña escrita por AllMusic
El tecladista Wayne Horvitz se hizo un nombre por primera vez en la escena vanguardista de principios de los'80 en el centro de Nueva York, sobre todo como miembro del supergrupo experimental de John Zorn Naked City. Desde entonces, Horvitz se ha trasladado a Seattle para llevar a cabo una variedad de proyectos, incluyendo el trabajo con su presidente de la banda. Fiel a su estética altamente individual, MIRACLE MILE presenta una embriagadora e instrumental polinización cruzada de jazz, ambient, groove y música de cámara moderna. El uso de Horvitz del espacio textural y la interacción rítmicamente compleja a menudo recuerda a Phillip Glass, Steve Reich y el trabajo de artistas electrónicos como Aphex Twin.

No hay evidencia aquí del asalto sónico hiperagresivo que Horvitz ayudó a montar con Naked City. En cambio, el sentimiento tiende hacia atmósferas sutilmente evocadoras que inducen al trance. En "The Front", el estreno del álbum, una melodía lírica de saxofón flota sobre una pista rítmica cambiante de sonidos extraños. A lo largo del álbum, los estados de ánimo cambian -desde los temas de jazz de "Variations on a Theme by W.C. Handy," hasta el pulso electrónico silenciosamente ansioso de "I'm Downstairs", pasando por el magníficamente hipnótico "and sing this song" - para crear un conjunto delicadamente variado, pero unificado en su enfoque. Se trata de una música híbrida inteligente y accesible que indica nuevas posibilidades para el jazz contemporáneo.
https://www.allmusic.com/album/miracle-mile-mw0000071458


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Al Hirt • Cotton Candy



A phenomenally proficient trumpet player, Al Hirt was one of the most successful instrumental recording artists of the 1960s. Perhaps modeling his genial stage personality after Louis Armstrong, Hirt was a tremendously popular performer, easily capturing the center of attention with his massive 300-pound, 6-foot-2 frame (among his nicknames were “Jumbo” and “The Round Mound of Sound”) but holding it with his joyful spirit and jaw-dropping virtuosity.

Although Hirt came out of New Orleans leading a Dixieland band, he never let himself get stereotyped in that narrow genre. He was honest about his choice of style, never calling what he played “jazz”: “I'm a pop commercial musician,” he once said. “and I've got a successful format. I'm not a jazz trumpet and never was a jazz trumpet.”

Hirt's father bought him his first trumpet from a pawnshop, and by the time he was in high school, he was sounding post time at the local race track. Hirt was always very serious about perfecting his mastery of his instrument, and he studied at the Cincinnati Conservatory for three years in the early 1940s. After playing with Army bands during World War Two, he worked with Tommy Dorsey, Ray McKinley, and Benny Goodman's big bands--usually as first chair, but not a soloist--until he returned to New Orleans and formed his own band in 1950.

For most of the 1950s, he was comfortable staying close to home--musically and professionally. Raising eight kids with his first wife probably had something to do with it, but Hirt was always happy to have a strong association with the music and lifestyle of New Orleans. He often performed with clarinet player Pete Fountain, who achieved nearly the same level of national fame, and the two remained close friends and colleagues until Hirt's death. Hirt recorded a number of mainstream Dixieland albums for Audio Fidelity and others during this period.

In 1960, Hirt's group, the Dixieland Six, played Las Vegas and was spotted by Dinah Shore, who booked them onto her television variety show. Television and Hirt took to each other, and RCA quickly signed him and began promoting him as a major artist. To get and keep a national audience, Hirt had to loosen his ties to Dixieland. Virtually none of his RCA albums have a strong Dixieland flavor, most of them featuring large studio ensembles and arrangements by veterans like Marty Paich, Billy May, and Marty Gold. His albums “Honey in the Horn,” and “Cotton Candy,” were both gold records, and he was named “Top Instrumentalist” by Billboard magazine in 1965. His recording of “Java,” won him a Grammy.

Hirt never turned his back on his roots, though, and at the same time he was coming to fame, he opened his own night club in the French Quarter and appeared there regularly. Although he toured steadily well into the 1980s, often in pops concerts with symphony orchestras, he tried to work his schedules to bring him back home quickly. His 1965 album with Arthur Fiedler and the Boston Pops was among his best-selling records, and Hirt enjoyed playing classical showpieces as well as popular numbers.

Hirt's weight and lifestyle eventually took its toll on his body, and in later years, he had to perform in a wheelchair. He closed his club in 1983, fed up with the deterioration of the French Quarter, but he continued to play there, mostly at Fountain's club, until a few months before his death in 1999.

Al Hirt recorded more than 50 albums in his career, and played for millions of people around the world including Pope John Paul II and 8 U.S. Presidents. He earned 4 gold albums and 1 platinum, and a Lifetime Achievement Award from the Charlie “Bird” Parker Memorial Foundation.

He is a legend in his native New Orleans, where there is a live sized statue of him in the French Quarter.
Source: James Nadal

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Un trompetista fenomenal, Al Hirt fue uno de los artistas instrumentales más exitosos de la década de 1960. Tal vez modelando su genial personalidad escénica después de Louis Armstrong, Hirt fue un artista tremendamente popular, capturando fácilmente el centro de atención con su enorme marco de 300 libras y 2 pies (entre sus apodos se encontraban "Jumbo" y "The Round Mound of Sound"), pero sosteniéndolo con su espíritu alegre y su virtuosismo asombroso.

Aunque Hirt salió de Nueva Orleans liderando una banda de Dixieland, nunca se dejó estereotipar por ese género tan estrecho. Fue honesto en su elección de estilo, sin llamar nunca "jazz" a lo que tocaba: "Soy un músico comercial de pop", dijo una vez. "y tengo un formato exitoso. No soy una trompeta de jazz y nunca fui una trompeta de jazz".

El padre de Hirt le compró su primera trompeta en una casa de empeño, y para cuando estaba en la escuela secundaria, ya estaba sonando en el hipódromo local. Hirt siempre se tomó muy en serio el perfeccionamiento de su instrumento, y estudió en el Conservatorio de Cincinnati durante tres años a principios de la década de 1940. Después de tocar con bandas del Army durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó con las grandes bandas de Tommy Dorsey, Ray McKinley y Benny Goodman, generalmente como primer presidente, pero no como solista, hasta que regresó a Nueva Orleáns y formó su propia banda en 1950.

Durante la mayor parte de la década de 1950, se sintió cómodo estando cerca de casa, musical y profesionalmente. Criar ocho hijos con su primera esposa probablemente tuvo algo que ver con ello, pero Hirt siempre estuvo feliz de tener una fuerte asociación con la música y el estilo de vida de Nueva Orleáns. A menudo tocaba con el clarinetista Pete Fountain, que alcanzó casi el mismo nivel de fama nacional, y los dos permanecieron como amigos y colegas hasta la muerte de Hirt. Hirt grabó varios álbumes de Dixieland para Audio Fidelity y otros durante este periodo.

En 1960, el grupo de Hirt, los Seis de Dixieland, jugó en Las Vegas y fue visto por Dinah Shore, que lo contrató en su programa de variedades de televisión. La televisión y Hirt se llevaron bien, y la RCA rápidamente lo contrató y comenzó a promocionarlo como un artista importante. Para conseguir y mantener una audiencia nacional, Hirt tuvo que aflojar sus lazos con Dixieland. Prácticamente ninguno de sus álbumes de RCA tiene un fuerte sabor a Dixieland, la mayoría de ellos con grandes conjuntos de estudio y arreglos de veteranos como Marty Paich, Billy May y Marty Gold. Sus álbumes "Honey in the Horn" y "Cotton Candy" fueron discos de oro, y fue nombrado "Top Instrumentalist" por la revista Billboard en 1965. Su grabación de "Java" le valió un Grammy.

Sin embargo, Hirt nunca le dio la espalda a sus raíces, y al mismo tiempo que llegaba a la fama, abrió su propio club nocturno en el Barrio Francés y apareció allí regularmente. Aunque hizo giras constantes hasta bien entrada la década de 1980, a menudo en conciertos de música pop con orquestas sinfónicas, trató de trabajar sus horarios para traerlo de vuelta a casa rápidamente. Su álbum de 1965 con Arthur Fiedler y los Boston Pops fue uno de sus discos más vendidos, y Hirt disfrutó tocando obras de teatro clásicas así como números populares.

El peso y el estilo de vida de Hirt finalmente afectaron su cuerpo, y en años posteriores, tuvo que actuar en una silla de ruedas. Cerró su club en 1983, harto del deterioro del French Quarter, pero siguió jugando allí, sobre todo en el club de Fountain, hasta unos meses antes de su muerte en 1999.

Al Hirt grabó más de 50 álbumes en su carrera, y tocó para millones de personas en todo el mundo, incluyendo al Papa Juan Pablo II y a 8 presidentes de los Estados Unidos. Obtuvo 4 discos de oro y 1 de platino, y un premio a la Trayectoria de la Fundación Charlie "Bird" Parker Memorial.

Es una leyenda en su Nueva Orleans natal, donde hay una estatua de él en el Barrio Francés.
Fuente: James Nadal


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martes, 30 de julio de 2019

Larry Goldings Trio • Moonbird



Review by Alex Henderson
Like Barbara Dennerlein, Larry Goldings was among the few organists who, in the 1980s and '90s, refused to stick to a grits-and-gravy approach to the instrument. This isn't to say that Goldings has escaped Jimmy Smith's influence altogether or that he lacks funk, blues, and soul-jazz credentials -- one of his employers, after all, was Maceo Parker, who spent many years in James Brown's band. But Goldings hasn't ignored the post-bop challenges that Larry Young presented, and Young's influence can be felt on Moonbird. Joined by drummer Bill Stewart and the Grant Green-influenced guitarist Peter Bernstein, Goldings delivers a rewarding post-bop date that will hardly be mistaken for Smith-minded soul-jazz. Goldings originals like the congenial "Christine," the intriguing "Empty Oceans," and the cerebal "Xoloft" aren't innovative -- 35 years earlier, Young was playing post-bop on the Hammond B-3. But Goldings nonetheless comes across as his own man, and his refusal to be yet another Jimmy Smith clone is commendable. The Bostonian also deserves applause for successfully transforming Randy Newman's "I Think It's Going to Rain Today" and Joni Mitchell's "Woodstock" into improvisatory jazz -- at a time when too many jazzmen were content to play the same old Cole Porter and Irving Berlin songs time and time again, Goldings had enough imagination to find the jazz potential in pop/rock songs that more myopic improvisers were ignoring. Not quite a gem but definitely solid, Moonbird is a CD that post-bop fans will enjoy.
https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403



 Artist Biography by Matt Collar
A highly regarded pianist, Larry Goldings is an in-demand sideman and bandleader known for his balance of hard-swinging, harmonically nuanced post-bop and funky organ jazz. Emerging in the early '90s, Goldings established himself as a premier soloist on the New York scene, playing often in his trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart. He has issued a stream of highly regarded albums, including 1995's Whatever It Takes, 2002's Sweet Science, and 2007's Grammy-nominated Saudades with drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield. He is a longtime touring member of James Taylor's band, and has been sought out by a wide array of performers, including Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, and others.

Born in Boston, Massachusetts in 1968, Goldings took classical piano lessons until age 12, encouraged by his father, a classical aficionado. It was while in high school at Concord Academy that he became interested in jazz. Around this time, a friend of his father's introduced him to pianist Dave McKenna, whose music had a profound influence on Goldings. From there, he embarked on a deeper study of jazz, listening to artists like Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland, and Bill Evans. He also sought out private lessons with pianists Ran Blake and Keith Jarrett.

After high school, he enrolled in the jazz program at New York's The New School, where he further honed his skills studying with Jaki Byard and Fred Hersch. It was during this period that he accompanied pianist Roland Hanna to Copenhagen for a three-day series of private concerts, where he performed with Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison, and Al Cohn. Also prior to graduating, Goldings toured with singer Jon Hendricks, an association that led to work with guitarist Jim Hall.

Graduating in 1988, he began leading his own trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart, playing regularly at Augie's Jazz Bar (later named Smoke). In 1991, he made his debut as a leader with Intimacy of the Blues, which featured his trio along with guest saxophonist David "Fathead" Newman. A second trio effort, Light Blue, appeared a year later, followed by the bossa nova-tinged organ session Caminhos Cruzados, which included several tracks with saxophonist Joshua Redman.

In 1995, Goldings signed with Warner Bros. and released two highly regarded organ-centric albums, starting with Whatever It Takes. A funky, hard-bop-leaning date, it featured his trio with Bernstein and Stewart along with guest spots from saxophonists Maceo Parker, David Sanborn, and Redman, as well as trombonist Fred Wesley. Released in 1996, Big Stuff showcased a similar sound, and found the pianist joined by Bernstein, veteran drummer Idris Muhammad, and guitarist Kurt Rosenwinkel. For his final Warner Bros. album, 1997's Awareness, Goldings shifted back to piano, working with longtime Keith Jarrett associates bassist Larry Grenadier and drummer Paul Motian.

Goldings then moved to Palmetto, issuing the trio album As One with Bernstein and Stewart. Several more albums followed for the indie label, including the Hammond organ-soaked Sweet Science and 2006's aptly named Quartet with trumpeter/cornetist John Sneider, bassist Ben Allison, and drummer Matt Wilson.

Also during this period, he joined drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield for a live 2004 concert at London's Queen Elizabeth's Hall. Released as Saudades in 2006, it earned Goldings a Grammy nomination for Best Instrumental Jazz Album of the Year. In 2010, he joined the Dutch Metropole Orkest for two albums, When Larry Met Harry with saxophonist Harry Allen and Scenes from a Dream with Peter Erskine and Chris Minh Doky.

The solo piano album In My Room followed in 2011. That same year, he rejoined Bernstein and Stewart for the concert album Live at Smalls. The trio were also together for 2014's Ramshackle Serenade. He then guested with Ron Carter, Gerry Gibbs, and Kenny Barron on We're Back. In 2017, he joined John Mayer on the singer/songwriter's "The Search for Everything" tour, and returned a year later with his own trio album, Toy Tunes, with Bernstein and Stewart.
https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography

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Reseña de Alex Henderson
Al igual que Barbara Dennerlein, Larry Goldings fue uno de los pocos organistas que, en los años ochenta y noventa, se negó a seguir un enfoque de grano y salsa para el instrumento. Esto no quiere decir que Goldings haya escapado por completo a la influencia de Jimmy Smith o que carezca de credenciales de funk, blues y soul-jazz - uno de sus empleadores, después de todo, era Maceo Parker, que pasó muchos años en la banda de James Brown. Pero Goldings no ha ignorado los desafíos post-bop que Larry Young presentó, y la influencia de Young se puede sentir en Moonbird. Acompañado por el baterista Bill Stewart y el guitarrista influenciado por Grant Green Peter Bernstein, Goldings ofrece una gratificante cita post-bop que difícilmente se confundirá con el soul-jazz de Smith. Los originales de Goldings como el simpático "Christine", el intrigante "Empty Oceans" y el cerebal "Xoloft" no son innovadores: 35 años antes, Young jugaba al post-bop en el Hammond B-3. Sin embargo, Goldings parece ser su propio hombre, y su negativa a ser otro clon de Jimmy Smith es encomiable. El bostoniano también merece un aplauso por haber transformado con éxito "I Think It's Going to Rain Today" de Randy Newman y "Woodstock" de Joni Mitchell en jazz improvisado, en un momento en el que demasiados jazzistas se contentaron con tocar las mismas viejas canciones de Cole Porter e Irving Berlin una y otra vez, Goldings tuvo suficiente imaginación para encontrar el potencial del jazz en canciones de pop/rock que los improvisadores más miopes estaban ignorando. No es una joya, pero definitivamente sólido, Moonbird es un CD que los fans del post-bop disfrutarán.
https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403



 Biografía del artista por Matt Collar
Un pianista muy respetado, Larry Goldings es un sideman y director de orquesta muy solicitado, conocido por su equilibrio entre el swing duro, el post-bop con matices armónicos y el jazz funky de órgano. Surgido a principios de los años 90, Goldings se estableció como uno de los principales solistas de la escena neoyorquina, tocando a menudo en su trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. Ha publicado una serie de álbumes de gran prestigio, entre los que se incluyen Whatever It Takes (1995), Sweet Science (2002) y Saudades (2007), nominados al Grammy, con el baterista Jack DeJohnette y el guitarrista John Scofield. Es miembro de la banda de James Taylor desde hace mucho tiempo, y ha sido buscado por una amplia gama de intérpretes, incluyendo a Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, y otros.

Nacido en Boston, Massachusetts en 1968, Goldings tomó clases de piano clásico hasta los 12 años, alentado por su padre, un aficionado a la música clásica. Fue durante el bachillerato en la Academia Concord cuando se interesó por el jazz. Por esa época, un amigo de su padre le presentó al pianista Dave McKenna, cuya música tuvo una profunda influencia en Goldings. A partir de ahí, se embarcó en un estudio más profundo del jazz, escuchando a artistas como Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland y Bill Evans. También buscó clases particulares con los pianistas Ran Blake y Keith Jarrett.

Después de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de jazz de The New School de Nueva York, donde perfeccionó sus habilidades estudiando con Jaki Byard y Fred Hersch. Fue durante este período que acompañó al pianista Roland Hanna a Copenhague para una serie de conciertos privados de tres días, donde actuó con Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison y Al Cohn. También antes de graduarse, Goldings hizo una gira con el cantante Jon Hendricks, una asociación que llevó a trabajar con el guitarrista Jim Hall.

Graduado en 1988, comenzó a dirigir su propio trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, tocando regularmente en el Augie's Jazz Bar (más tarde llamado Smoke). En 1991, debutó como líder con Intimacy of the Blues, en el que participó su trío junto con el saxofonista invitado David "Fathead" Newman. Un año después apareció un segundo trío, Light Blue, seguido de la sesión de órgano de bossa nova, Caminhos Cruzados, que incluyó varios temas con el saxofonista Joshua Redman.

En 1995, Goldings firmó con Warner Bros. y lanzó dos álbumes muy respetados centrados en el órgano, comenzando con Whatever It Takes. Una cita funky y de tendencia hard-bop, que contó con su trío con Bernstein y Stewart junto a los saxofonistas Maceo Parker, David Sanborn y Redman, así como con el trombonista Fred Wesley. Lanzado en 1996, Big Stuff mostró un sonido similar, y encontró al pianista acompañado por Bernstein, el veterano baterista Idris Muhammad, y el guitarrista Kurt Rosenwinkel. Para su último álbum de Warner Bros., Awareness de 1997, Goldings regresó al piano, trabajando con el bajista Larry Grenadier y el baterista Paul Motian, asociados de Keith Jarrett desde hace mucho tiempo.

Luego, Goldings se trasladó a Palmetto, donde publicó el trío As One con Bernstein y Stewart. Varios álbumes más fueron seguidos por el sello independiente, incluyendo Sweet Science, empapado de órgano de Hammond, y el Cuarteto de 2006, acertadamente nombrado con el trompetista/cornetista John Sneider, el bajista Ben Allison, y el baterista Matt Wilson.
También durante este período, se unió al baterista Jack DeJohnette y al guitarrista John Scofield en un concierto en vivo en el Queen Elizabeth's Hall de Londres en 2004. Lanzado como Saudades en 2006, le valió a Goldings una nominación al Grammy como Mejor Álbum Instrumental de Jazz del Año. En 2010, se unió al Metropole Orkest holandés en dos álbumes, When Larry Met Harry con el saxofonista Harry Allen y Scenes from a Dream con Peter Erskine y Chris Minh Doky.

El álbum de piano en solitario In My Room le siguió en 2011. Ese mismo año, volvió a unirse a Bernstein y Stewart para el álbum de conciertos Live at Smalls. El trío también estuvieron juntos para la Serenata Destartalada de 2014. Luego invitó a Ron Carter, Gerry Gibbs y Kenny Barron en We're Back. En 2017, se unió a John Mayer en la gira del cantautor "The Search for Everything", y regresó un año después con su propio trío, Toy Tunes, con Bernstein y Stewart.
https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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Joe Sample • Invitation



Review by Jim Newsom
A luscious outing from piano great Joe Sample, this disc includes beautiful interpretations of ten standards and near standards. Featuring plush orchestral arrangements by Dale Oehler wrapped over and around Sample's piano trio, Invitation is simply one of the loveliest recordings of Sample's career. With a rhythm section made up of bassist Cecil McBee and drummer Victor Lewis, augmented by Lenny Castro on percussion, the music is of a piece from start to finish. Producer Tommy Lipuma has found a wonderful setting for Sample to show his gorgeous, acoustic piano stylings, and the orchestra feels like part of the trio instead of an add-on. When Sample uses synths, they are indistinguishable from the orchestra. Overall, a smooth, romantic, highly recommended recording.
https://www.allmusic.com/album/invitation-mw0000618430


Artist Biography
 Joe Sample is a pianist of great energy, versatility, and enterprise. He has constantly sought out novel directions to express his ideas. Since his days with the Jazz Crusaders to his multiple solo efforts and countless sideman sessions, though never seeking the spotlight, is recognized by both his peers and the knowing public as a first class musical artist

Born on February 1, 1939, in Houston, Texas, Joe Sample grew up in a fertile musical Creole neighborhood hearing zydeco and Louis Armstrong. He started playing the piano at age five, and he incorporated a range of local traditions into his music: jazz, gospel, blues, and even Latin and classical forms.

In high school in the 1950s, Sample teamed up with two friends, saxophonist Wilton Felder and drummer Nesbert “Stix” Hooper, to form a group called the Swingsters. While studying piano at Texas Southern University, Sample met and added trombonist Wayne Henderson and several other players to the Swingsters, which became the Modern Jazz Sextet and then the Jazz Crusaders, in emulation of one of the leading progressive jazz bands of the day, Art Blakey's Jazz Messengers. Sample never took a degree from the university; instead in 1960, he and the Jazz Crusaders made the move from Houston to Los Angeles.

The group quickly found opportunities on the West Coast, making its first recording, “Freedom Sounds” in 1961 and releasing up to four albums a year over much of the 1960s. The Jazz Crusaders played at first in the dominant hard bop style of the day, standing out by virtue of their unusual front-line combination of saxophone (played by Wilton Felder) and Henderson's trombone. Another distinctive quality was the funky, rhythmically appealing acoustic piano playing of Sample, who helped steer the group's sound into a fusion between jazz and soul in the late 1960s. The Jazz Crusaders became a strong concert draw during those years.
https://musicians.allaboutjazz.com/joesample

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Reseña de Jim Newsom
Una salida deliciosa del gran Joe Sample de piano, este disco incluye hermosas interpretaciones de diez estándares y estándares cercanos. Con arreglos orquestales de Dale Oehler envueltos en el trío de piano de Sample, Invitación es simplemente una de las grabaciones más hermosas de la carrera de Sample. Con una sección rítmica compuesta por el bajista Cecil McBee y el baterista Victor Lewis, aumentada por Lenny Castro en percusión, la música es de una pieza de principio a fin. El productor Tommy Lipuma ha encontrado un escenario maravilloso para que Sample muestre su magnífico estilo de piano acústico, y la orquesta se siente como parte del trío en lugar de un complemento. Cuando Sample utiliza sintetizadores, son indistinguibles de la orquesta. En general, una grabación suave, romántica y muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/invitation-mw0000618430


Biografía del artista
 Joe Sample es un pianista de gran energía, versatilidad y espíritu emprendedor. Ha buscado constantemente nuevas direcciones para expresar sus ideas. Desde sus días con los Jazz Crusaders hasta sus múltiples esfuerzos en solitario e incontables sesiones de sideman, aunque nunca buscando el foco de atención, es reconocido tanto por sus pares como por el público conocedor como un artista musical de primera clase.

Nacido el 1 de febrero de 1939 en Houston, Texas, Joe Sample creció en un fértil barrio musical criollo escuchando zydeco y Louis Armstrong. Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, e incorporó una serie de tradiciones locales en su música: jazz, gospel, blues, e incluso formas latinas y clásicas.

En el instituto, en los años 50, Sample se asoció con dos amigos, el saxofonista Wilton Felder y el baterista Nesbert "Stix" Hooper, para formar un grupo llamado los Swingsters. Mientras estudiaba piano en la Texas Southern University, Sample conoció y agregó al trombonista Wayne Henderson y a varios otros músicos a los Swingsters, que se convirtieron en el Modern Jazz Sextet y luego en los Jazz Crusaders, en emulación de una de las principales bandas de jazz progresivo de la época, Art Blakey's Jazz Messengers. Sample nunca se graduó en la universidad; en cambio, en 1960, él y los Jazz Crusaders se mudaron de Houston a Los Ángeles.

El grupo encontró rápidamente oportunidades en la costa oeste, haciendo su primera grabación, "Freedom Sounds" en 1961 y editando hasta cuatro álbumes al año durante gran parte de la década de 1960. Los Jazz Crusaders tocaron al principio en el estilo hard bop dominante de la época, destacando por su inusual combinación de saxofón (interpretado por Wilton Felder) y trombón de Henderson. Otra cualidad distintiva fue el funky y rítmicamente atractivo piano acústico de Sample, que ayudó a dirigir el sonido del grupo hacia una fusión entre el jazz y el soul a finales de la década de 1960. Los Jazz Crusaders se convirtieron en un fuerte atractivo para los conciertos durante esos años.
https://musicians.allaboutjazz.com/joesample


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Johnny Lytle • The Soulful Rebel + People & Love



Editorial Reviews
Two lost smokers from the man Lionel Hampton called "The greatest vibes player in the world," Johnny Lytle both very different from anything else he ever recorded! 1971's The Soulful Rebel has a great blend of Hammond and Fender Rhodes along with the vibes soaring out in a massively funky sextet with bass from Ron Carter and congas from Ray Barretto both of whom take Johnny's earlier groove into a 70s jazz funk mode. 1972's People & Love is even more impressive and has Lytle's vibes working with impressionistic larger arrangements in a style that's like Bobby Hutcherson on mid-'70s Blue Note, or Milt Jackson on CTI. Notes by Scott Yanow explore the recordings and career of this unsung jazz giant.


 Artist Biography by Craig Lytle
Considered one of the top vibes players in the world, Johnny Lytle was known for his great hand speed and showmanship. He was also a songwriter and wrote many of his own hits, including "The Loop," "The Man," "Lela," "Selim," and the jazz classic "The Village Caller." Lytle recorded more than 30 albums for various jazz labels including Tuba, Jazzland, Solid State, and Muse. Throughout his career he performed and recorded with jazz greats the likes of Louis Armstrong, Lionel Hampton, Miles Davis, Nancy Wilson, Bobby Timmons, and Roy Ayers. The devoted father of three also featured his son, Marcel Lytle, on several of his recordings as a vocalist and drummer. Lytle was such an admirer of the music of the late great Miles Davis that he wrote "Selim" (Miles spelled backwards) in honor of Davis, which features Davis' former pianist Wynton Kelly. Lytle never recorded with any of the major record labels, and that could be why he never gained the status of a jazz icon like some of his peers. Lytle felt that he would lose control of his music and creative development; Lytle liked to play what came natural to him, and being with a major label might not have afforded him that opportunity.

Johnny Lytle grew up in a family of music, the son of a trumpeter father and an organist mother. He began playing the drums and piano at an early age. Before studying music in earnest, Lytle lent his hands to boxing, and was a successful Golden Gloves champion. During the late '50s, Lytle landed jobs as a drummer for Ray Charles and others, and he also continued to box. But by 1960, the energetic Lytle had laid down his gloves and, inspired by the great Lionel Hampton, picked up the mallets, turning his full attention toward the vibraphone. He started a jazz band and began recording for the famed jazz label Riverside Records under the direction of Grammy-winning producer Orrin Keepnews.

Lytle found success early in his career with chart-topping albums like A Groove, The Loop, and Moon Child. From his swinging uptempo tracks to his soul-satisfying ballads, Lytle knew how to keep a groove. And with a nickname like "Fast Hands," he could always keep the attention of an audience. In addition to his musicianship, his gregarious personality made him a popular attraction on the jazz circuit. Even though Lytle did not experience the same success he was privileged to during the '60s, he did continue to record and build a respectable catalog of music with recordings in the '70s,'80s, and '90s. Lytle remained a popular concert attraction in the U.S. and Europe; his last performance was with the Springfield (Ohio) Symphony Orchestra in his hometown in November 1995. At the time of his death in the following month, Lytle was scheduled to begin recording a new CD on the Muse label.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-lytle-mn0000243164/biography

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Reseñas editoriales
Dos fumadores perdidos del hombre que Lionel Hampton llamó "El mejor jugador de vibráfono del mundo", Johnny Lytle, ambos muy diferentes de cualquier otra cosa que haya grabado. The Soulful Rebel de 1971 tiene una gran mezcla de Hammond y Fender Rhodes junto con las vibraciones que se elevan en un sexteto masivamente funky con bajo de Ron Carter y congas de Ray Barretto, ambos de los cuales llevan el ritmo anterior de Johnny a un modo de jazz funk de los años 70. People & Love de 1972 es aún más impresionante y tiene las vibraciones de Lytle trabajando con arreglos impresionistas más grandes en un estilo que es como Bobby Hutcherson a mediados de los 70's Blue Note, o Milt Jackson en CTI. Notas de Scott Yanow exploran las grabaciones y la carrera de este gigante del jazz no reconocido.


 Biografía del artista por Craig Lytle
Considerado uno de los mejores jugadores de vibráfono del mundo, Johnny Lytle era conocido por su gran velocidad de mano y su espectacularidad. También fue compositor y escribió muchos de sus propios éxitos, incluyendo "The Loop", "The Man", "Lela", "Selim" y el clásico de jazz "The Village Caller". Lytle grabó más de 30 álbumes para varios sellos de jazz, incluyendo Tuba, Jazzland, Solid State y Muse. A lo largo de su carrera tocó y grabó con grandes figuras del jazz como Louis Armstrong, Lionel Hampton, Miles Davis, Nancy Wilson, Bobby Timmons y Roy Ayers. El devoto padre de tres hijos también presentó a su hijo, Marcel Lytle, en varias de sus grabaciones como vocalista y baterista. Lytle era tan admirador de la música del gran Miles Davis que escribió "Selim" (Miles deletreado al revés) en honor de Davis, en el que aparece el ex pianista de Davis Wynton Kelly. Lytle nunca grabó con ninguno de los principales sellos discográficos, y es por eso que nunca se convirtió en un icono del jazz como algunos de sus colegas. Lytle sentía que perdería el control de su música y su desarrollo creativo; a Lytle le gustaba tocar lo que le resultaba natural, y estar con un sello importante no le habría dado esa oportunidad.

Johnny Lytle creció en una familia de músicos, hijo de un padre trompetista y de una madre organista. Comenzó a tocar la batería y el piano a una edad temprana. Antes de estudiar música en serio, Lytle prestó sus manos al boxeo, y fue un exitoso campeón de los Guantes de Oro. A finales de los años 50, Lytle consiguió trabajo como baterista para Ray Charles y otros, y también siguió boxeando. Pero en 1960, el enérgico Lytle se había dejado los guantes y, inspirado por el gran Lionel Hampton, recogió los mazos, volviendo toda su atención hacia el vibráfono. Comenzó una banda de jazz y comenzó a grabar para el famoso sello de jazz Riverside Records bajo la dirección del productor ganador del Grammy Orrin Keepnews.

Lytle encontró el éxito al principio de su carrera con álbumes de éxito como A Groove, The Loop y Moon Child. Desde sus pistas de swinging uptempo hasta sus baladas que satisfacen el alma, Lytle sabía cómo mantener el ritmo. Y con un apodo como "Fast Hands", siempre podía mantener la atención del público. Además de su musicalidad, su personalidad gregaria lo convirtió en una atracción popular en el circuito de jazz. Aunque Lytle no tuvo el mismo éxito del que tuvo el privilegio durante los años 60, continuó grabando y construyendo un catálogo respetable de música con grabaciones en los años 70, 80 y 90. Lytle siguió siendo una atracción popular de conciertos en los Estados Unidos y Europa; su última actuación fue con la Orquesta Sinfónica de Springfield (Ohio) en su ciudad natal en noviembre de 1995. En el momento de su muerte, al mes siguiente, Lytle tenía previsto comenzar a grabar un nuevo CD en el sello Muse.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-lytle-mn0000243164/biography


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VA ‎• When I Fall in Love



Steve Kuhn Trio, Eddie Higgins Trio, John Hicks Trio, Richard Wyands Trio, Claude Williamson Trio


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Ray Brown Trio • Black Orpheus



Review by Ron Wynn
Whether accompanying or leading a band, bassist Ray Brown was long among jazz's greatest players. These cuts, mostly from 1989 escept for two numbers done in 1991, feature Brown backing soulful pianist Gene Harris and steady drummer Jeff Hamilton on a program combining Afro-Latin material with standards from Johnny Mercer, Fats Waller and others, as well as an excellent rendition of Percy Mayfield's blues/R&B standard "Please Send Me Someone to Love." The songs are long enough to display each musician's skills, but not so lengthy that they become repetitious. It's a well-played, delightful example of the kind of high-powered material that was Ray Brown's stock-in-trade.


Artist Biography
Ray Brown was born in Pittsburgh, Pennsylvania, and had piano lessons from the age of eight. After noticing how many pianists attended his high school, he thought of taking up the trombone, but was unable to afford one. With a vacancy in the high school jazz orchestra, he took up the double bass.

A major early influence on Brown's bass playing was the bassist in the Duke Ellington band, Jimmy Blanton. As a young man Ray Brown became steadily more well known in the Pittsburgh jazz scene, with his first experiences playing in bands with the Jimmy Hinsley Sextet and the Snookum Russel band. After graduating from high school, hearing stories about the burgeoning jazz scene on 52nd Street, in New York City, he bought a one way ticket to New York.

Arriving in New York at the age of twenty, he met up with Hank Jones, with whom he had previously worked, and was introduced to Dizzy Gillespie, who was looking for a bass player. Gillespie hired Brown on the spot and he soon played with such established musicians as Art Tatum and Charlie Parker.

From 1946 to 1951 he played in Gillespie's band. Brown, along with the vibraphonist Milt Jackson, drummer Kenny Clarke, and the pianist John Lewis formed the rhythm section of the Gillespie band, and their work together eventually led to the creation of the Modern Jazz Quartet.

Around this time Brown was also appearing in Jazz at the Philharmonic concerts, organised by Norman Granz. It was at these concerts that he met the jazz singer Ella Fitzgerald, whom he married in 1947. Together they adopted a child born to Fitzgerald's half-sister Francis, whom they christened Ray Brown, Jr. Fitzgerald and Brown divorced in 1952.

It was at a Jazz at the Philharmonic concert in 1949 that Brown first worked with the jazz pianist Oscar Peterson, in whose trio Brown would play from 1951 to 1966. After leaving the Trio he became a manager and promoter as well as a performer.

In 1966, he settled in Los Angeles where he was in high demand working for various television show orchestras. He also accompanied some of the leading artists of the day, including Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan, and Nancy Wilson. He also managed his former musical partners, the Modern Jazz Quartet, as well as a young Quincy Jones, produced some shows for the Hollywood Bowl, wrote jazz double bass instruction books, and developed a jazz cello.

It was whilst in Los Angeles that he composed music for films and television shows. He was awarded his first Grammy for his composition, “Gravy Waltz”, a tune which would later be used as the theme song for The Steve Allen Show.

In the 1980s and 1990s he led his own trios and continued to refine his bass playing style. In his later years he recorded and toured extensively with pianist Gene Harris. In the early 1980s, he discovered Diana Krall in a restaurant in Nanaimo, British Columbia.

He continued to perform until his death; he died while taking a nap before a show in Indianapolis.
https://musicians.allaboutjazz.com/raybrown

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Reseña de Ron Wynn
Ya sea acompañando o dirigiendo una banda, el bajista Ray Brown fue durante mucho tiempo uno de los mejores músicos de jazz. Estos cortes, la mayoría de los cuales datan de 1989, excepto por dos números realizados en 1991, presentan al pianista Gene Harris y al baterista Jeff Hamilton en un programa que combina material afrolatino con los estándares de Johnny Mercer, Fats Waller y otros, así como una excelente interpretación del estándar de Percy Mayfield de blues/R&B "Please Send Me Someone to Love" (Por favor, envíenme a alguien para amar). Las canciones son lo suficientemente largas como para mostrar las habilidades de cada músico, pero no tan largas como para que se vuelvan repetitivas. Es un ejemplo bien jugado y delicioso del tipo de material de alta potencia que era la mercancía de Ray Brown.


Biografía del artista
Ray Brown nació en Pittsburgh, Pennsylvania, y recibió clases de piano desde los ocho años. Después de darse cuenta de cuántos pianistas asistían a su escuela secundaria, pensó en tomar el trombón, pero no pudo permitírselo. Con una vacante en la orquesta de jazz de la escuela secundaria, tomó el contrabajo.

Una de las primeras influencias en el bajo de Brown fue el bajista de la banda de Duke Ellington, Jimmy Blanton. De joven, Ray Brown se hizo cada vez más conocido en la escena del jazz de Pittsburgh, con sus primeras experiencias tocando en bandas con el Jimmy Hinsley Sextet y la banda Snookum Russel. Después de graduarse de la escuela secundaria, escuchar historias sobre la floreciente escena de jazz en la calle 52, en la ciudad de Nueva York, compró un boleto de ida a Nueva York.

Al llegar a Nueva York a la edad de veinte años, se encontró con Hank Jones, con quien había trabajado anteriormente, y conoció a Dizzy Gillespie, que estaba buscando un bajista. Gillespie contrató a Brown en el acto y pronto tocó con músicos tan consagrados como Art Tatum y Charlie Parker.

De 1946 a 1951 tocó en la banda de Gillespie. Brown, junto con el vibrafonista Milt Jackson, el baterista Kenny Clarke y el pianista John Lewis formaron la sección rítmica de la banda Gillespie, y su trabajo en conjunto llevó finalmente a la creación del Modern Jazz Quartet.

En esta época, Brown también se presentaba en el Jazz en los conciertos de la Filarmónica, organizados por Norman Granz. En estos conciertos conoció a la cantante de jazz Ella Fitzgerald, con quien se casó en 1947. Juntos adoptaron a un niño nacido de la hermanastra de Fitzgerald, Francis, a quien bautizaron como Ray Brown, Jr. Fitzgerald y Brown se divorciaron en 1952.

Fue en un concierto de Jazz en la Filarmónica en 1949 cuando Brown trabajó por primera vez con el pianista de jazz Oscar Peterson, en cuyo trío tocaría Brown de 1951 a 1966. Después de dejar el trío se convirtió en gerente y promotor, además de intérprete.

En 1966, se estableció en Los Ángeles, donde tuvo una gran demanda trabajando para varias orquestas de televisión. También acompañó a algunos de los principales artistas de la época, como Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan y Nancy Wilson. También dirigió a sus antiguos socios musicales, el Modern Jazz Quartet, así como a un joven Quincy Jones, produjo algunos espectáculos para el Hollywood Bowl, escribió libros de instrucción de contrabajo de jazz y desarrolló un violonchelo de jazz.

Fue durante su estancia en Los Ángeles cuando compuso música para películas y programas de televisión. Fue galardonado con su primer Grammy por su composición, "Gravy Waltz", un tema que más tarde se usaría como tema para The Steve Allen Show.

En las décadas de 1980 y 1990 dirigió sus propios tríos y continuó perfeccionando su estilo de tocar el bajo. En sus últimos años grabó y realizó numerosas giras con el pianista Gene Harris. A principios de la década de 1980, descubrió a Diana Krall en un restaurante de Nanaimo, Columbia Británica.

Continuó actuando hasta su muerte; murió mientras dormía una siesta antes de un espectáculo en Indianápolis.
https://musicians.allaboutjazz.com/raybrown


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