egroj world: mayo 2019

viernes, 31 de mayo de 2019

Jimmy Heath ‎• On The Trail



Review by Scott Yanow
Unlike some of his other Riverside recordings, the accent on this Jimmy Heath CD reissue is very much on his tenor playing (rather than his arrangements).
Heath is in excellent form with a quintet that also includes pianist Wynton Kelly, guitarist Kenny Burrell, bassist Paul Chambers, and drummer Albert "Tootie" Heath. The instantly recognizable hard bop saxophonist performs four standards and three of his own compositions, including the original versions of "Gingerbread Boy" and "Project S." It's a good example of his playing talents.

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Reseña de Scott Yanow
A diferencia de algunas de sus otras grabaciones de Riverside, el acento en la reedición de este CD de Jimmy Heath está en su interpretación de tenor (más que en sus arreglos).
Heath está en excelente forma con un quinteto que también incluye al pianista Wynton Kelly, al guitarrista Kenny Burrell, al bajista Paul Chambers y al baterista Albert "Tootie" Heath. El reconocido saxofonista de hard bop interpreta cuatro estándares y tres de sus propias composiciones, incluyendo las versiones originales de "Gingerbread Boy" y "Project S.". Es un buen ejemplo de su talento como músico.


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Jim Mullen Organ Trio • Make Believe



"The classic line-up of organ, guitar and drums, but not what you might be expecting. Instead of the strutting blues and soul of Sixties pioneers, this band goes for subtlety and tonal variety, regularly building up to a kind of subdued, bubbling excitement. It's the perfect setting for Mullen's mellow, soulful guitar and his legendary fluency. He and organist Mike Gorman have evolved a whole new vocabulary, while drummer Matt Skelton supports it all with the lightest of touches. As a welcome bonus, saxophonist Stan Sulzmann guests on three tracks." - Dave Gelly, The Observer

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"La clásica formación de órgano, guitarra y batería, pero no lo que se espera. En lugar del blues y soul de los pioneros de los años sesenta, esta banda apuesta por la sutileza y la variedad tonal, creando regularmente una especie de emoción tenue y burbujeante. Es el escenario perfecto para la suave y conmovedora guitarra de Mullen y su legendaria fluidez. Él y el organista Mike Gorman han desarrollado un vocabulario completamente nuevo, mientras que el baterista Matt Skelton lo apoya todo con los toques más ligeros. Como bono de bienvenida, el saxofonista Stan Sulzmann invita en tres pistas." - Dave Gelly, El Observador (Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator )


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Jaki Byard • Solo-Strings



Few jazz pianists could honestly claim to be more eclectic than the late Jaki Byard. Depending on the mood he was in, the Bostonian could acknowledge anyone from Dave Brubeck to James P. Johnson to Cecil Taylor. Byard wasn't afraid to take chances, and his open-mindedness served him well. The pianist's eclectic nature is impossible to miss on Solo/Strings, which is the 2000 reissue of his Prestige dates Jaki Byard with Strings (1968) and Solo Piano (1969) on a single 78-minute CD (minus, unfortunately, "Hello, Young Lovers" from Solo Piano). While Solo Piano is exactly that -- an album of unaccompanied solo piano -- Jaki Byard With Strings is somewhat misleading. That title implies that Byard is accompanied by a large string orchestra, but in fact, he leads a sextet that includes four string instruments (George Benson's guitar, Ray Nance's violin, Ron Carter's cello, and Richard Davis' bass) along with Byard's piano and Alan Dawson's drums. Byard is unpredictable in both settings, although Solo Piano is even more of a rollercoaster ride. Unaccompanied, Byard shows his appreciation of different eras of jazz piano and has fun with everything from stride and boogie woogie to modal post-bop, free jazz, and the avant-garde. "The Hollis Stomp" manages to combine stride piano à la James P. Johnson or Fats Waller with elements of Cecil Taylor, while "New Orleans Stomp" is a playful blues that offers an unlikely combination of Taylor, McCoy Tyner, and Professor Longhair. "Spanish Tinge #2," meanwhile, isn't as Jelly Roll Morton-influenced as its title implies (Morton described the Latin influences in his music as "the Spanish tinge"). Rather, the tune brings to mind Miles Davis' work with Gil Evans on the innovative Sketches of Spain. Full of surprises, this superb CD is recommended to anyone who appreciates a wide variety of jazz.

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Pocos pianistas de jazz podrían decir honestamente que son más eclécticos que el difunto Jaki Byard. Dependiendo de su estado de ánimo, el bostoniano podía reconocer a cualquiera, desde Dave Brubeck hasta James P. Johnson y Cecil Taylor. Byard no tenía miedo de arriesgarse, y su apertura mental le sirvió de mucho. El carácter ecléctico del pianista es imperdible en Solo/Strings, que es la reedición en 2000 de sus citas de Prestige Jaki Byard con Strings (1968) y Solo Piano (1969) en un solo CD de 78 minutos (menos, desafortunadamente, "Hello, Young Lovers" de Solo Piano). Mientras que Solo Piano es exactamente eso -- un álbum de piano solo no acompañado -- Jaki Byard With Strings es algo engañoso. Ese título implica que Byard está acompañado por una gran orquesta de cuerdas, pero de hecho, dirige un sexteto que incluye cuatro instrumentos de cuerda (la guitarra de George Benson, el violín de Ray Nance, el violín de Ron Carter y el bajo de Richard Davis) junto con el piano de Byard y la batería de Alan Dawson. Byard es impredecible en ambos escenarios, aunque Solo Piano es más bien una montaña rusa. Sin compañía, Byard muestra su aprecio por las diferentes épocas del piano de jazz y se divierte con todo, desde el stride y el boogie woogie hasta el post-bop modal, el free jazz y las vanguardias. "The Hollis Stomp" logra combinar el piano de pasos a la James P. Johnson o Fats Waller con elementos de Cecil Taylor, mientras que "New Orleans Stomp" es un blues juguetón que ofrece una combinación improbable de Taylor, McCoy Tyner y el Profesor Pelo Largo. "Spanish Tinge #2," mientras tanto, no es tan influenciado por Jelly Roll Morton como lo implica su título (Morton describió las influencias latinas en su música como "el teñido español"). Más bien, la melodía recuerda el trabajo de Miles Davis con Gil Evans en los innovadores Sketches of Spain. Lleno de sorpresas, este magnífico CD es recomendable para cualquiera que aprecie una amplia variedad de jazz.


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Jr. Walker and The All Stars • Shotgun



Autry DeWalt Mixon, Jr. (14 de junio de 1931 - 23 de noviembre de 1995), conocido con el nombre artístico de Junior Walker, era un músico estadounidense. Su grupo, Junior Walker & the All Stars, fue firmado por el sello Motown en la década de 1960, y se convirtió en uno de los actos emblemáticos del sello.




Autry DeWalt Mixon, Jr. (June 14, 1931 – November 23, 1995), known by the stage name Junior Walker, was an American musician. His group, Junior Walker & the All Stars, were signed to the Motown label in the 1960s, and became one of the label's signature acts.




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Bill Heid • Dark Secrets



Review by Scott Yanow
Bill Heid is a fine organist whose style has touches of Jimmy Smith, Don Patterson, and Larry Young. Although all nine selections on Dark Secrets are his originals, the music is very much in the mid-'60s tradition, with a couple blues ("Boppin' and Eatin'" is particularly enjoyable), bits of groove pieces, and some more adventurous explorations. Tenor saxophonist Scott Peterson also gets in some good solos, trumpeter Joe Margarelli is an asset, and drummer Randy Gelispie (sometimes joined by one of two percussionists) keeps the music moving. Easily recommended to fans of soul-jazz and organ-based hard bop.

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Reseña de Scott Yanow
Bill Heid es un fino organista cuyo estilo tiene toques de Jimmy Smith, Don Patterson y Larry Young. Aunque las nueve selecciones de Dark Secrets son sus originales, la música está muy en la tradición de mediados de los 60, con un par de blues ("Boppin' and Eatin'" es particularmente agradable), trozos de piezas de groove, y algunas exploraciones más aventureras. El saxofonista tenor Scott Peterson también tiene algunos buenos solos, el trompetista Joe Margarelli es una ventaja, y el baterista Randy Gelispie (a veces acompañado por uno de dos percusionistas) mantiene la música en movimiento. Fácilmente recomendable para los fans del soul-jazz y del hard bop basado en el órgano.


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Lemmy, Slim Jim & Danny B • Lemmy, Slim Jim & Danny B



You probably don't think of Motorhead's Lemmy in the same way as you think of Johnny Cash, Elvis Presley and Buddy Holly (even though you should; he's every bit as much a legend in our eyes) but this CD could change all that.

On this apparently untitled CD (there's no title anywhere on our copy), Lemmy, Slim Jim Phantom and Danny B. Harvey play tribute to some of the legends of rock'n'roll. And they do it with a vintage sound; not with a modern Motorhead twist. In other words, except for the fact that it's obviously Lemmy singing, these tunes sound almost exactly as they did when they were originally recorded way back when.

The first tune, "Big River," is instantly recognizable as a Johnny Cash cover. The rest of the CD is more of the same. "Not Fade Away" and the many other Buddy Holly tunes on this CD sound the way Buddy Holly would have recorded them back in the '50s - not the way Lemmy et al could have recorded them in 1999 with the vast difference in studio and instrument technology. Only the last tune, "Heartbreak Hotel" is somewhat surprising and then only because it's an instrumental and not a vocal version. (Oh, yeah - and Lemmy's intro of "How's it fuckin' start?" at the beginning of "Peggy Sue Got Married" is a little anachronistic, too).

But that attention to keeping it classic is all part of the charm. This CD is a loving tribute to music that Lemmy, Slim Jim and Danny obviously keep close to their heart. It's not for those who want their music loud, fast and nothing else but - for fans of music of all types - it's a delightfully nostalgic and outrageously quaint celebration of the early days of rock'n'roll.

On this CD, Lemmy handles vocals, acoustic guitar and harmonica; Slim Jim Phantom offers backing vocals, drums and percussion; Danny B. Harvey plays electric guitar, keyboards and bass.

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Probablemente no pienses en Motorhead's Lemmy de la misma manera que piensas en Johnny Cash, Elvis Presley y Buddy Holly (aunque deberías hacerlo; es una leyenda a nuestros ojos) pero este CD podría cambiar todo eso.

En este CD aparentemente sin título (no hay ningún título en nuestra copia), Lemmy, Slim Jim Phantom y Danny B. Harvey hacen un tributo a algunas de las leyendas del rock'n'roll. Y lo hacen con un sonido vintage; no con un giro moderno de Motorhead. En otras palabras, excepto por el hecho de que es obviamente el canto de Lemmy, estas melodías suenan casi exactamente igual que cuando fueron grabadas originalmente hace mucho tiempo.

La primera canción, "Big River", se reconoce instantáneamente como una portada de Johnny Cash. El resto del CD es más de lo mismo. "Not Fade Away" y las muchas otras canciones de Buddy Holly en este CD suenan como Buddy Holly las habría grabado en los años 50 - no como Lemmy et al podrían haberlas grabado en 1999 con la gran diferencia en tecnología de estudio e instrumentos. Sólo la última canción, "Heartbreak Hotel", es un poco sorprendente y sólo porque es una versión instrumental y no vocal. (Oh, sí - y la introducción de Lemmy de "How's it fuckin' start? al principio de "Peggy Sue Got Married" es un poco anacrónico, también).

Pero esa atención a mantenerlo clásico es parte del encanto. Este CD es un amoroso tributo a la música que Lemmy, Slim Jim y Danny obviamente mantienen cerca de su corazón. No es para aquellos que quieren que su música sea alta, rápida y nada más que - para los fanáticos de la música de todo tipo - es una celebración deliciosamente nostálgica y escandalosamente pintoresca de los primeros días del rock'n'roll.

En este CD, Lemmy maneja voz, guitarra acústica y armónica; Slim Jim Phantom ofrece coros, batería y percusión; Danny B. Harvey toca guitarra eléctrica, teclados y bajo.






Bobby Hutcherson, David Sanborn, Joey DeFrancesco Featuring Billy Hart • Enjoy The View



Review by Matt Collar
Bobby Hutcherson's 2014 album, Enjoy the View, finds the vibraphonist joining forces with saxophonist David Sanborn, organist/trumpeter Joey DeFrancesco, and drummer Billy Hart on a set of swinging, funky, and adventurous songs. This is Hutcherson's first album of studio material since 2009's Coltrane-inspired Wise One, and follows his 2012 live album, Somewhere in the Night, which also featured DeFrancesco. In a similar vein to Sanborn's more straight-ahead acoustic collaboration with keyboardist Bob James, 2013's Quartette Humaine, Enjoy the View eschews Hutcherson's more contemporary leanings for a visceral hard bop- and soul-jazz-influenced sound. Here we get a bevy of inspired original compositions, including the moody opening cut, "Delia," the impressionistic and driving modal soul of "Hey Harold," and the swinging, funky "Teddy." Ultimately, Enjoy the View is an album of expansive, highly engaging music that harks back to the best of Hutcherson's '60s and '70s work.

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Reseña escrita por Matt Collar
El álbum de Bobby Hutcherson de 2014, Enjoy the View, encuentra al vibrafonista uniendo fuerzas con el saxofonista David Sanborn, el organista y trompetista Joey DeFrancesco y el baterista Billy Hart en un conjunto de canciones swinging, funky y aventureras. Este es el primer álbum de material de estudio de Hutcherson desde el Wise One inspirado en Coltrane de 2009, y sigue su álbum en vivo de 2012, Somewhere in the Night, que también incluye a DeFrancesco. En una línea similar a la colaboración acústica más directa de Sanborn con el tecladista Bob James, el Cuarteto Humaine de 2013, Enjoy the View evita las tendencias más contemporáneas de Hutcherson para un sonido visceral influenciado por el hard bop y el soul-jazz. Aquí tenemos una bandada de inspiradas composiciones originales, incluyendo la incipiente canción de apertura, "Delia", el alma impresionista y modal de "Hey Harold", y el funky "Teddy". En última instancia, Enjoy the View es un álbum de música expansiva y muy atractiva que recuerda lo mejor de la obra de Hutcherson de los años 60 y 70.


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Pat Dodd • Piano Magic



Pat Dodd [1909-1991] desconocido pianista inglés, que ha tocado con Stephane Grappelli y Benny Carter. Estas son grabaciones de los '50, piano-jazz tranquilo a lo inglés.

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Pat Dodd [1909-1991] unknown English pianist who has played with Stéphane Grappelli and Benny Carter. These are recordings of '50, piano-jazz quiet Englishness.


Art Simmons • Quartet



Arthur Eugene Simmons (February 5, 1926 – April 23, 2018) was an American jazz pianist.

Simmons was born in Glen White, West Virginia in February 1926. He played in a band while serving in the U.S. military in 1946, then remained in Germany after the war, studying music, and moved to Paris in 1949. There he studied at the Paris Conservatory and the Ecole Normale de Musique, playing with Charlie Parker and Kenny Clarke at the Paris Jazz Festival; he also played with Aaron Bridgers, Don Byas, Robert Mavounzy, and Nelson Williams. Simmons led his own group at the Ringside Club in 1951. In the early 1950s he played with Dizzy Gillespie and Quincy Jones, and toured London with singers such as Bertice Reading. As resident pianist at the Mars Club, he worked with Michel Gaudry, Pierre Cullaz, and Elek Bacsik, and accompanied touring singers such as Carmen McRae and Billie Holiday (1958). In the early 1960s he played in a duo with Art Taylor.

Simmons also did arranging work for Barclay Records. In 1971 he played in Spain; following this he returned to the United States and retired. He died on April 23, 2018 at the age of 92 at his home in Beckley, West Virginia.

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Arthur Eugene Simmons (5 de febrero de 1926 - 23 de abril de 2018) fue un pianista de jazz estadounidense.

Simmons nació en Glen White, West Virginia, en febrero de 1926. Tocó en una banda mientras servía en las fuerzas armadas de Estados Unidos en 1946, luego permaneció en Alemania después de la guerra, estudiando música, y se mudó a París en 1949. Allí estudió en el Conservatorio de París y en la Escuela Normal de Música, tocando con Charlie Parker y Kenny Clarke en el Festival de Jazz de París; también tocó con Aaron Bridgers, Don Byas, Robert Mavounzy y Nelson Williams. Simmons dirigió su propio grupo en el Ringside Club en 1951. A principios de la década de 1950 tocó con Dizzy Gillespie y Quincy Jones, y realizó giras por Londres con cantantes como Bertice Reading. Como pianista residente en el Mars Club, trabajó con Michel Gaudry, Pierre Cullaz y Elek Bacsik, y acompañó a cantantes en gira como Carmen McRae y Billie Holiday (1958). A principios de los años 60 tocó a dúo con Art Taylor.

Simmons también hizo arreglos para Barclay Records. En 1971 jugó en España, tras lo cual regresó a Estados Unidos y se retiró. Murió el 23 de abril de 2018 a la edad de 92 años en su casa en Beckley, West Virginia.


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Georgie Fame • Rhythm & Blues At The Flamingo



El Flamingo Club fue uno de los clubes de jazz y R&B mas importantes de Londres desde principios de los 50 hasta mediados de los 60. En sus años de historia el Flamingo vivió la guerra entre el trad Jazz y el Modern Jazz en los 50, la llegada del R&B, el Soul y los sonidos jamaicanos a principios de los 60, fue centro de turbias historias que acabaron agitando a la sociedad inglesa y asistió al nacimiento de la escena mod.
En septiembre de 1963 Georgie Fame and the Blue Flames grabaron su primer LP "Rhythm and Blues at the Flamingo", grabado en directo en el Flamingo bajo la producción de Ian Samwell y con Glyn Johns como ingeniero de sonido.
El disco salió publicado en 1964 y en el se puede escuchar la voz de John Gunnell que era el presentador del club.






London from early 50s to mid 60s In its long history the Flamingo lived war between the trad Jazz and Modern Jazz in the 50s, the arrival of R & B, Soul and Jamaican sounds in the early 60 it was center of murky stories that ended waving English society and attended the birth of the mod scene.In September 1963 Georgie Fame and the Blue Flames recorded their first LP "Rhythm and Blues at the Flamingo", recorded live at the Flamingo in the production of Ian Samwell and Glyn Johns as a sound engineer. The album was published in 1964 and can be heard in the voice of John Gunnell who was the host of the club.
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 AllMusic Review by Richie Unterberger
Recorded live at a London club in 1963, this is a bit stiffer than Fame's mid-'60s peak, but finds him gravitating toward his idiosyncratic blend of R&B and jazz. This R&B-oriented set includes covers of classics by Mose Allison, Smokey Robinson, Sonny Boy Williamson, and Rufus Thomas.

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 Reseña de AllMusic por Richie Unterberger
Grabado en directo en un club londinense en 1963, es un poco más rígido que el pico de Fame a mediados de los 60, pero lo encuentra gravitando hacia su mezcla idiosincrásica de R&B y jazz. Este juego orientado al R&B incluye portadas de clásicos de Mose Allison, Smokey Robinson, Sonny Boy Williamson y Rufus Thomas.


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Sandy Bull • Inventions



Artist Biography by Richie Unterberger
Long before Ry Cooder, Leo Kottke, Richard Thompson, and others were impressing listeners with their ability to hop from genre to genre, Sandy Bull glided from classical and jazz to ethnic music and rock & roll with grace and verve. Accompanied on his first two albums by renowned jazz drummer Billy Higgins, Bull produced some of the first extended instrumental compositions for guitar that incorporated elements of folk, jazz, and Indian and Arabic-influenced dronish modes. Not "rock" by any stretch of the imagination, it's nevertheless easy to see that it could have had an influence on the rock musicians who began incorporating eclectic and Middle Eastern sensibilities into their music a few years later. After his debut, Bull expanded his arsenal from the acoustic guitar and banjo to include oud, bass, and electric guitar. After his second album, however, his recordings were less focused and less impressive. In the 1970s, he dropped out of music altogether due to drug problems, although he began recording again in the late '80s. On April 11, 2001, Sandy Bull died of lung cancer at his home just outside of Nashville.

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Biografía del artista por Richie Unterberger
Mucho antes de que Ry Cooder, Leo Kottke, Richard Thompson y otros impresionaran a los oyentes con su habilidad para saltar de género en género, Sandy Bull se deslizó desde el clásico y el jazz hasta la música étnica y el rock & roll con gracia y entusiasmo. Acompañado en sus dos primeros álbumes por el renombrado baterista de jazz Billy Higgins, Bull produjo algunas de las primeras composiciones instrumentales extendidas para guitarra que incorporaron elementos de folk, jazz y modos dronísticos de influencia india y árabe. No se trata de "rock" en absoluto, pero es fácil ver que podría haber influido en los músicos de rock que empezaron a incorporar sensibilidades eclécticas y de Oriente Medio a su música unos años más tarde. Después de su debut, Bull amplió su arsenal de la guitarra acústica y el banjo para incluir el oud, el bajo y la guitarra eléctrica. Sin embargo, después de su segundo álbum, sus grabaciones fueron menos enfocadas y menos impresionantes. En los años 70, abandonó la música por problemas de drogas, aunque empezó a grabar de nuevo a finales de los 80. El 11 de abril de 2001, Sandy Bull murió de cáncer de pulmón en su casa en las afueras de Nashville.


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jueves, 30 de mayo de 2019

Dave Baby Cortez • The Whistling Organ



 Born David Cortez Clowney, 13 August 1938, Detroit, Michigan
Pianist / organist / vocalist / songwriter.
Nowadays, Dave "Baby" Cortez (Clowney) is almost solely remembered for his # 1 record "The Happy Organ" (1959), but he had a long and, at times, successful recording career both before and after this hit. Growing up in Detroit, Dave showed musical aptitude at an early age and was guided toward the piano by his father, who also played the instrument. His musical career took off when he joined the Five Pearls in 1954 as second tenor and pianist, and he moved with them to New York the next year. The group, which became better known as the Pearls, recorded for Aladdin, Atco and Onyx. Clowney then had a short tenure with the group The Valentines, led by Richard Barrett, and recorded two singles with them for Rama. In the autumn of 1956 he recorded two piano instrumentals, "Movin' 'n' Groovin'" and "Soft Lights" (Ember 1010), which were credited to The David Clowney Band and got a good review in Billboard. This was followed by another great unknown R&B instrumental single, "Hoot Owl"/"Shakin'" (Paris 513) in early 1958, with King Curtis on tenor sax, Jimmy Spruill on guitar and Dave himself on pounding piano. A few months later, he cut a Little Richard-styled vocal single, "Honey Baby" and "You Give Me Heebie Jeebies" (Okeh 7102) as Baby Cortez. None of these records registered, good was they were. Meanwhile he did work as a session musician behind such artists as The Chantels, The Isley Brothers, The Aquatones ("She's the One For Me") and Little Anthony and the Imperials.

In 1958, his previous association with Ember Records brought Dave to Clock Records, a brand new label, which was run by veteran English-born EMI record man Wally Moody and his son Doug, and initially distributed by Ember. Now billed as Dave "Baby" Cortez, the young pianist/singer had his first Clock single released in August 1958, "You're the Girl"/"Eenie Meeny Miny Mo", which did nothing at all. But then came "The Happy Organ".

It was a Saturday morning in the fall of 1958 at Allegro Recording Studio in the basement of 1650 Broadway in New York City. Dave was supposed to cut a few vocal numbers, but he lost his voice during the session and said, "Let me try an instrumental". They had a huge Hammond B-3 organ in the corner, and though Dave had never played the organ before, he started doing a tune based on "Shortnin' Bread". The backing musicians (who included Jimmy Spruill on guitar, Buddy Lucas on sax and Panama Francis on drums) started picking up the rhythm. The end of the take was rough, it went on and on and was full of wrong notes, reason why it was faded out on the record after 1:58. The resulting single was called "The Happy Organ", a # 1 pop smash in the spring of 1959 (also # 5 R&B). It did much to popularise the Hammond organ amongst the huge teen market and soon Johnny and the Hurricanes and Bill Black's Combo would score chart hits with organ-led instrumentals.

The follow-up, "The Whistling Organ" was a poor record by comparison and went only to # 61. No further hits on Clock followed, despite strong 45s such as "Piano Shuffle", "Cat Nip" and "Dave's Special". After Clock's distribution deal with Ember ended, RCA Victor stepped in and the album "Dave 'Baby' Cortez And His Happy Organ" came out on RCA in September 1959. Clock later issued the LP on its own label, but not before RCA sold thousands of copies. In 1962, Dave was back in the Top 10 with "Rinky Dink" on Chess (picked up from Julia Records, which was probably Dave's own label), followed by some minor hits on Chess. The mid-sixties saw him recording for the Roulette label and, keeping in tune with the times, Cortez soon moved into funky soul music. In 1973, he had his last chart entry with "Someone Has Taken Your Place" on All Platinum (# 45 R&B). His final single was also released in that year, "Hell Street Junction", which was an imitation of Sly and the Family Stone's "Life". By the 1980s he had turned his back on the music business and was living in Jamaica, New York, with a day-time job. Since then he has always refused to be interviewed about his career as a musician.

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 Nacido David Cortez Clowney, 13 de agosto de 1938, Detroit, Michigan
Pianista / organista / vocalista / compositor.
Hoy en día, Dave "Baby" Cortez (Clowney) es recordado casi exclusivamente por su disco número 1 "The Happy Organ" (1959), pero tuvo una larga y, a veces, exitosa carrera discográfica tanto antes como después de este éxito. Creciendo en Detroit, Dave demostró aptitud musical a una edad temprana y fue guiado hacia el piano por su padre, quien también tocó el instrumento. Su carrera musical despegó cuando se unió a las Cinco Perlas en 1954 como segundo tenor y pianista, y se trasladó con ellos a Nueva York al año siguiente. El grupo, que se hizo más conocido como las Perlas, grabó para Aladino, Atco y Onyx. Clowney luego tuvo una corta permanencia con el grupo The Valentines, dirigido por Richard Barrett, y grabó dos sencillos con ellos para Rama. En el otoño de 1956 grabó dos instrumentos para piano, "Movin''n' Groovin'" y "Soft Lights" (Ember 1010), que fueron acreditados a The David Clowney Band y recibieron una buena crítica en Billboard. A esto le siguió otro gran single instrumental desconocido de R&B, "Hoot Owl"/"Shakin'" (Paris 513) a principios de 1958, con King Curtis al saxo tenor, Jimmy Spruill a la guitarra y el mismo Dave al piano. Unos meses más tarde, grabó un sencillo vocal al estilo de Little Richard, "Honey Baby" y "You Give Me Heebie Jeebies" (Okeh 7102) como Baby Cortez. Ninguno de estos registros fue registrado, lo bueno fue que lo fueron. Mientras tanto, trabajó como músico de sesión detrás de artistas como The Chantels, The Isley Brothers, The Aquatones ("She's the One For Me") y Little Anthony and the Imperials.

En 1958, su asociación anterior con Ember Records llevó a Dave a Clock Records, un nuevo sello discográfico, que fue dirigido por el veterano músico inglés de EMI Wally Moody y su hijo Doug, e inicialmente distribuido por Ember. Ahora conocido como Dave "Baby" Cortez, el joven pianista/cantante tuvo su primer single de Clock en agosto de 1958, "You're the Girl"/"Eenie Meeny Miny Mo", que no hizo nada en absoluto. Pero luego vino "El órgano feliz".

Era un sábado por la mañana en el otoño de 1958 en el estudio de grabación Allegro en el sótano de 1650 Broadway en la ciudad de Nueva York. Se suponía que Dave iba a cortar algunos números vocales, pero perdió la voz durante la sesión y dijo: "Déjame probar un instrumento". Tenían un gran órgano Hammond B-3 en la esquina, y aunque Dave nunca antes había tocado el órgano, empezó a hacer una melodía basada en "Shortnin' Bread". Los músicos de apoyo (que incluían a Jimmy Spruill en la guitarra, Buddy Lucas en el saxo y Panama Francis en la batería) comenzaron a recoger el ritmo. El final de la toma fue duro, siguió y siguió y estaba lleno de notas equivocadas, por lo que se desvaneció en el disco después de 1:58. El single resultante se llamó "The Happy Organ", un # 1 pop smash en la primavera de 1959 (también # 5 R&B). Hizo mucho para popularizar el órgano de Hammond entre el enorme mercado de adolescentes y pronto Johnny y los huracanes y Bill Black's Combo anotarían éxitos en las listas de éxitos con instrumentos dirigidos por el órgano.

La continuación, "The Whistling Organ" (El órgano silbador) fue un pobre récord en comparación y sólo llegó hasta el número 61. No siguieron más éxitos en Clock, a pesar de los fuertes 45 como "Piano Shuffle", "Cat Nip" y "Dave's Special". Después de que el acuerdo de distribución de Clock con Ember terminó, RCA Victor intervino y el álbum "Dave 'Baby' Cortez And His Happy Organ" salió a la venta en RCA en septiembre de 1959. Más tarde, Clock emitió el LP en su propia etiqueta, pero no antes de que RCA vendiera miles de copias. En 1962, Dave volvió al Top 10 con "Rinky Dink" en Chess (tomado de Julia Records, que probablemente era el sello de Dave), seguido de algunos éxitos menores en Chess. A mediados de los años sesenta lo vio grabar para el sello Roulette y, manteniéndose en sintonía con los tiempos, Cortez pronto se dedicó a la música soul funky. En 1973, tuvo su última entrada en la lista de éxitos con "Someone Has Taken Your Place" en All Platinum (# 45 R&B). Su último single también fue lanzado en ese año, "Hell Street Junction", que fue una imitación de "Life" de Sly and the Family Stone. En la década de 1980 había dado la espalda al negocio de la música y vivía en Jamaica, Nueva York, con un trabajo diurno. Desde entonces siempre se ha negado a ser entrevistado sobre su carrera como músico.


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Dave Brubeck • Brubeck A La Mode



Artist Biography by Mark Deming
In the 1950s and '60s, few American jazz artists were as influential, and fewer still were as popular, as Dave Brubeck. At a time when the cooler sounds of West Coast jazz began to dominate the public face of the music, Brubeck proved there was an audience for the style far beyond the confines of the in-crowd, and with his emphasis on unusual time signatures and adventurous tonalities, Brubeck showed that ambitious and challenging music could still be accessible. And as rock & roll began to dominate the landscape of popular music at the dawn of the '60s, Brubeck enjoyed some of his greatest commercial and critical success, expanding the audience for jazz and making it hip with young adults and college students.

David Warren Brubeck was born in Concord, California on December 6, 1920. Brubeck grew up surrounded by music -- his mother was a classically trained pianist and his two older brothers would become professional musicians -- and he began receiving piano lessons when he was four years old. Brubeck showed an initial reluctance to learn to read music, but his natural facility for the keyboard and his ability to pick up melodies by ear allowed him to keep this a secret for several years. His father worked as a cattle rancher, and in 1932, his family moved from Concord to a 45,000-acre spread near the foothills of the Sierras. As a teenager, Brubeck was passionate about music and performed with a local dance band in his spare time, but he planned to follow a more practical career path and study veterinary medicine. However, after enrolling in the College of the Pacific in Stockton, California, Brubeck played piano in local night spots to help pay his way, and his enthusiasm for performing was such that one of his professors suggested he would be better off studying music. Brubeck followed this advice and graduated in 1942, though several of his instructors were shocked to learn that he still couldn't read music.

Brubeck left college as World War II was in full swing, and he was soon drafted into the Army; he served under Gen. George S. Patton, and would have fought in the Battle of the Bulge had he not been asked to play piano in a Red Cross show for the troops. Brubeck was requested to put together a jazz band with his fellow soldiers, and he formed a combo called "the Wolfpack," a multi-racial ensemble at a time when the military was still largely segregated. Brubeck was honorably discharged in 1946, and enrolled at Mills College in Oakland, California, where he studied under the French composer Darius Milhaud. Unlike many composers in art music, Milhaud had a keen appreciation for jazz, and Brubeck began incorporating many of Milhaud's ideas about unusual time signatures and polytonality into his jazz pieces. In 1947, Brubeck formed a band with several other Mills College students, the Dave Brubeck Octet. However, the Octet's music was a bit too adventurous for the average jazz fan at the time, and Brubeck moved on to a more streamlined trio with Cal Tjader on vibes and percussion and Ron Crotty on bass. Brubeck made his first commercial recordings with this trio for California's Fantasy Records, and while he developed a following in the San Francisco Bay Area, a back injury Brubeck received during a swimming accident prevented him from performing for several months and led him to restructure his group.

In 1951, the Dave Brubeck Quartet made their debut, with the pianist joined by Paul Desmond on alto sax; Desmond's easygoing but adventurous approach was an ideal match for Brubeck. While the Quartet's rhythm section would shift repeatedly over the next several years, in 1956 Joe Morello became their permanent drummer, and in 1958, Eugene Wright took over as bassist. By this time, Brubeck's fame had spread far beyond Northern California; Brubeck's recordings for Fantasy had racked up strong reviews and impressive sales, and along with regular performances at jazz clubs, the Quartet began playing frequent concerts at college campuses across the country, exposing their music to a new and enthusiastic audience that embraced their innovative approach. Brubeck and the Quartet had become popular enough to be the subject of a November 8, 1954 cover story in Time Magazine, only the second time that accolade had been bestowed on a jazz musician (Louis Armstrong made the cover in 1949). In 1955, Brubeck signed with Columbia Records, then America's most prestigious record company, and his first album for the label, Brubeck Time, appeared several months later.

A steady stream of live and studio recordings followed as the Dave Brubeck Quartet became the most successful jazz act in the United States, and in 1959, they released one of their most ambitious albums yet, Time Out, a collection of numbers written in unconventional time signatures, such as 5/4 and 9/8. While Columbia were initially reluctant to release an album they felt was too arty for the mainstream, their fears proved groundless -- Time Out became the first jazz album to sell a million copies, and in 1961, it bounded back into the charts when "Take Five" unexpectedly took off as a single, rising to 25 on the pop charts and five on the adult contemporary survey.

As Brubeck enjoyed increasing commercial success, he began exploring new musical avenues; in 1959, the Brubeck Quartet performed with the New York Philharmonic, performing "Dialogues for Jazz Combo and Orchestra," a piece written by Howard Brubeck, Dave's brother. Dave's own composition "Elementals," written for orchestra and jazz ensemble, debuted in 1962; "Elementals" was later adapted into a dance piece by choreographer Lar Lubovitch. And Brubeck and his wife, Iola, wrote a song cycle called "The Real Ambassadors" that celebrated the history of jazz while decrying racism; it was performed at the 1962 Monterey Jazz Festival, with contributions from Louis Armstrong, Carmen McRae, and Lambert, Hendricks & Ross. The Brubeck Quartet also became international stars, with the State Department arranging for them to perform in locales rarely visited by jazz artists, including Poland, Turkey, India, Afghanistan, Iraq, and Sri Lanka.

In 1967, Brubeck dissolved the Dave Brubeck Quartet and began devoting more time to composing longer works that often focused on his spiritual beliefs, including an oratorio for jazz ensemble and orchestra, "The Light in the Wilderness," which debuted in 1968; "The Gates of Justice," first performed in 1969, which melded passages from the Bible with the writings of Martin Luther King, and "Upon This Rock," which was written for Pope John Paul II's visit to San Francisco in 1987. Brubeck continued to perform in a more traditional jazz format as well, forming a new combo in 1968 featuring Jack Six on bass, Alan Dawson on drums, and Gerry Mulligan on baritone sax. In the '70s, Brubeck also toured with a group featuring his sons Darius (keyboards), Chris (bass and trombone), and Dan (drums); dubbed Two Generations of Brubeck, the ensemble performed a bracing fusion of jazz, rock, and blues. In 1976, Brubeck reassembled the classic lineup of the Dave Brubeck Quartet for a 25th anniversary tour; the reunion was cut short by the death of Paul Desmond in 1977.

From the mid-'80s onward, Brubeck maintained a schedule that would befit a rising star eager to make a name for himself rather than a respected elder statesman. He continued to compose orchestral works as well as fresh jazz pieces, and recorded and performed on a regular basis with a variety of accompanists. Perhaps the most honored jazz artist of his generation, Brubeck received awards from two sitting United States Presidents -- Bill Clinton presented him with the National Medal of the Arts in 1994, and Barack Obama presented him with the Kennedy Center Honors in 2009. Brubeck also received a star on the Hollywood Walk of Fame, a lifetime achievement Grammy from the National Academy of Recording Arts and Sciences, the Smithsonian Medal, and honorary degrees from universities in five different countries, among many other awards for his life in music. When he died of heart failure late in 2012, just one day before his 92nd birthday, his life and his work were celebrated around the world.

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Biografía del artista por Mark Deming
En los años cincuenta y sesenta, pocos artistas de jazz estadounidenses eran tan influyentes, y menos aún tan populares como Dave Brubeck. En un momento en que los sonidos más fríos del jazz de la costa oeste comenzaron a dominar la cara pública de la música, Brubeck demostró que había una audiencia para el estilo mucho más allá de los confines de la multitud, y con su énfasis en las firmas de tiempo inusuales y las tonalidades aventureras, Brubeck demostró que la música ambiciosa y desafiante todavía podía ser accesible. Y a medida que el rock & roll comenzó a dominar el paisaje de la música popular en los albores de los años 60, Brubeck disfrutó de algunos de sus mayores éxitos comerciales y críticos, ampliando la audiencia del jazz y haciéndolo más atractivo para los jóvenes adultos y los estudiantes universitarios.

David Warren Brubeck nació en Concord, California el 6 de diciembre de 1920. Brubeck creció rodeado de música -- su madre era una pianista de formación clásica y sus dos hermanos mayores se convertirían en músicos profesionales -- y comenzó a recibir clases de piano cuando tenía cuatro años. Brubeck mostró una reticencia inicial a aprender a leer música, pero su facilidad natural para el teclado y su habilidad para recoger melodías de oído le permitieron mantener esto en secreto durante varios años. Su padre trabajaba como ganadero, y en 1932, su familia se mudó de Concord a una finca de 45.000 acres cerca de las estribaciones de las Sierras. En su adolescencia, Brubeck era un apasionado de la música y tocaba con una banda de baile local en su tiempo libre, pero planeaba seguir una carrera más práctica y estudiar medicina veterinaria. Sin embargo, después de inscribirse en el College of the Pacific en Stockton, California, Brubeck tocaba el piano en lugares nocturnos locales para ayudar a pagar sus estudios, y su entusiasmo por tocar era tal que uno de sus profesores sugirió que estaría mejor estudiando música. Brubeck siguió este consejo y se graduó en 1942, aunque varios de sus instructores se sorprendieron al saber que aún no sabía leer música.

Brubeck dejó la universidad cuando la Segunda Guerra Mundial estaba en pleno apogeo, y pronto fue reclutado por el Ejército; sirvió bajo el mando del General George S. Patton, y habría luchado en la Batalla de las Ardenas si no se le hubiera pedido que tocara el piano en un espectáculo de la Cruz Roja para las tropas. A Brubeck se le pidió que formara una banda de jazz con sus compañeros soldados, y formó un combo llamado "The Wolfpack", un conjunto multirracial en una época en la que los militares aún estaban muy segregados. Brubeck fue dado de baja con honores en 1946 y se matriculó en el Mills College de Oakland, California, donde estudió con el compositor francés Darius Milhaud. A diferencia de muchos compositores en la música artística, Milhaud tenía un gran aprecio por el jazz, y Brubeck comenzó a incorporar muchas de las ideas de Milhaud sobre las firmas de tiempo inusuales y la politonalidad en sus piezas de jazz. En 1947, Brubeck formó una banda con varios otros estudiantes de Mills College, el Dave Brubeck Octet. Sin embargo, la música del Octeto era un poco demasiado aventurera para el aficionado medio del jazz de la época, y Brubeck pasó a un trío más aerodinámico con Cal Tjader en las vibraciones y la percusión y Ron Crotty en el bajo. Brubeck hizo sus primeras grabaciones comerciales con este trío para Fantasy Records de California, y mientras desarrollaba un seguimiento en el área de la bahía de San Francisco, una lesión en la espalda que Brubeck sufrió durante un accidente de natación le impidió actuar durante varios meses y lo llevó a reestructurar su grupo.

En 1951, el Cuarteto Dave Brubeck hizo su debut, con el pianista acompañado por Paul Desmond en el saxo alto; el enfoque desenfadado pero aventurero de Desmond fue una combinación ideal para Brubeck. Mientras que la sección rítmica del Cuarteto cambiaría repetidamente durante los siguientes años, en 1956 Joe Morello se convirtió en su baterista permanente, y en 1958, Eugene Wright tomó el relevo como bajista. Para entonces, la fama de Brubeck se había extendido mucho más allá del norte de California; las grabaciones de Brubeck para Fantasy habían generado fuertes críticas y ventas impresionantes, y junto con las actuaciones regulares en clubes de jazz, el Cuarteto comenzó a ofrecer conciertos frecuentes en los campus universitarios de todo el país, exponiendo su música a un público nuevo y entusiasta que adoptó su enfoque innovador. Brubeck y el Cuarteto se habían vuelto lo suficientemente populares como para ser el tema de un artículo de portada del 8 de noviembre de 1954 en la revista Time, sólo la segunda vez que un músico de jazz había sido galardonado con ese premio (Louis Armstrong hizo la portada en 1949). En 1955, Brubeck firmó con Columbia Records, la compañía discográfica más prestigiosa de Estados Unidos, y su primer álbum para el sello, Brubeck Time, apareció varios meses después.

Un flujo constante de grabaciones en vivo y en estudio siguió cuando el Dave Brubeck Quartet se convirtió en el grupo de jazz más exitoso de los Estados Unidos, y en 1959, lanzaron uno de sus álbumes más ambiciosos hasta la fecha, Time Out, una colección de números escritos con firmas de tiempo no convencionales, tales como 5/4 y 9/8. Mientras que al principio Columbia se mostraba reacio a lanzar un álbum que consideraban demasiado artístico para la corriente dominante, sus temores resultaron infundados: Time Out se convirtió en el primer álbum de jazz en vender un millón de copias y, en 1961, volvió a entrar en las listas de éxitos cuando "Take Five" despegó inesperadamente como single, alcanzando los 25 en las listas de éxitos de pop y los cinco en la encuesta de adultos contemporáneos.

En 1959, el Brubeck Quartet actuó con la Filarmónica de Nueva York, interpretando "Dialogues for Jazz Combo and Orchestra", una pieza escrita por Howard Brubeck, el hermano de Dave. La propia composición de Dave "Elementals", escrita para orquesta y conjunto de jazz, debutó en 1962; "Elementals" fue adaptada posteriormente a una pieza de danza por el coreógrafo Lar Lubovitch. Y Brubeck y su esposa, Iola, escribieron un ciclo de canciones llamado "The Real Ambassadors" (Los verdaderos embajadores) que celebraba la historia del jazz al tiempo que denunciaba el racismo; fue presentado en el Festival de Jazz de Monterey en 1962, con contribuciones de Louis Armstrong, Carmen McRae y Lambert, Hendricks & Ross. El Cuarteto Brubeck también se convirtió en una estrella internacional, y el Departamento de Estado hizo arreglos para que se presentaran en lugares raramente visitados por artistas de jazz, como Polonia, Turquía, India, Afganistán, Irak y Sri Lanka.

En 1967, Brubeck disolvió el Cuarteto Dave Brubeck y comenzó a dedicar más tiempo a componer obras más largas que a menudo se centraban en sus creencias espirituales, incluyendo un oratorio para conjunto y orquesta de jazz, "The Light in the Wilderness", que debutó en 1968; "The Gates of Justice", que se estrenó en 1969, y que fusionó pasajes de la Biblia con los escritos de Martin Luther King, y "Upon This Rock", que fue escrito para la visita del Papa Juan Pablo II a San Francisco en 1987. Brubeck continuó tocando en un formato de jazz más tradicional, formando un nuevo combo en 1968 con Jack Six al bajo, Alan Dawson a la batería y Gerry Mulligan al saxo barítono. En los años 70, Brubeck también realizó una gira con un grupo que incluía a sus hijos Darius (teclados), Chris (bajo y trombón) y Dan (batería); apodado Two Generations of Brubeck, el conjunto interpretó una vigorosa fusión de jazz, rock y blues. En 1976, Brubeck volvió a montar la alineación clásica del Cuarteto Dave Brubeck para una gira por el 25º aniversario; la reunión se interrumpió con la muerte de Paul Desmond en 1977.

Desde mediados de los años 80 en adelante, Brubeck mantuvo un calendario que le convenía a una estrella en ascenso deseosa de hacerse un nombre en lugar de un respetado anciano estadista. Continuó componiendo obras orquestales y piezas frescas de jazz, y grabó y tocó regularmente con una variedad de acompañantes. Tal vez el artista de jazz más honorable de su generación, Brubeck recibió premios de dos presidentes de los Estados Unidos en ejercicio: Bill Clinton le otorgó la Medalla Nacional de las Artes en 1994, y Barack Obama le otorgó los honores del Kennedy Center en 2009. Brubeck también recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, un Grammy de por vida de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, la Medalla Smithsonian, y títulos honoríficos de universidades en cinco países diferentes, entre muchos otros premios por su vida en la música. Cuando murió de insuficiencia cardíaca a finales de 2012, justo un día antes de cumplir 92 años, su vida y su trabajo se celebraron en todo el mundo. (https://www.deepl.com/es/translator)


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Gene Ludwig • Live In Las Vegas



Artist Biography by Dave Nathan
Gene Ludwig started performing professionally in 1949 at the age of 12. Born near Pittsburgh, PA, one of the major cradles of jazz artists, Ludwig was initially a pianist. He took formal piano training for more than 12 years. Then in the late '50s he saw Jimmy Smith perform at Pittsburgh's Hurricane Club, that city's mecca for the jazz organ sound. He put aside the piano and turned to the B3 Hammond organ and has been a steady performer for more than 40 years. Major events during this career include working and recording with Sonny Stitt and touring with Arthur Prysock. He has also appeared with guitarist Pat Martino. Ludwig has appeared at such major events as the Montreux and Mellon Jazz Festivals. He has cut albums for such labels as Muse and most recently for Loose Leaf Records. His long tenure as a performing artist has influenced other Hammond B3 performers, including Joe DeFrancesco.

Ludwig, along with other practitioners of the instrument, helped contribute to revive the popularity of jazz played by the B3 Hammond organ. Over the years, he has honed a recognizable jazz soul sound which he has successfully transferred to his latest albums. He has favored the organ quartet complete with a tenor sax player who combines his sone with that of the wide range and timbre afforded by the organ. This puts him four square in the tradition established by such organ/sax combinations as Richard "Groove" Holmes and Gene Ammons, Jimmy McGriff, and Hank Crawford and Shirley Scott with Stanley Turrentine. Ludwig continues to perform at jazz venues in and around the Pittsburgh area.
https://www.allmusic.com/artist/gene-ludwig-mn0000163959/biography

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Biografía del artista por Dave Nathan
Gene Ludwig comenzó a actuar profesionalmente en 1949 a la edad de 12 años. Nacido cerca de Pittsburgh, PA, una de las principales cunas de los artistas de jazz, Ludwig fue inicialmente un pianista. Se formó formalmente como pianista durante más de 12 años. Luego, a finales de los años 50, vio a Jimmy Smith tocar en el Hurricane Club de Pittsburgh, la meca del sonido de los órganos de jazz en esa ciudad. Dejó de lado el piano y se dedicó al órgano Hammond de B3 y ha sido un intérprete constante durante más de 40 años. Los principales eventos durante esta carrera incluyen el trabajo y la grabación con Sonny Stitt y las giras con Arthur Prysock. También ha aparecido con el guitarrista Pat Martino. Ludwig ha participado en eventos tan importantes como los Festivales de Jazz de Montreux y Mellon. Ha grabado discos para sellos como Muse y más recientemente para Loose Leaf Records. Su larga trayectoria como artista ha influido en otros artistas de Hammond B3, entre ellos Joe DeFrancesco.

Ludwig, junto con otros practicantes del instrumento, contribuyó a revivir la popularidad del jazz interpretado por el órgano B3 Hammond. A lo largo de los años, ha perfeccionado un reconocido sonido de jazz soul que ha transferido con éxito a sus últimos álbumes. Ha favorecido al cuarteto de órgano con un saxofonista tenor que combina su sone con el de la amplia gama y timbre que ofrece el órgano. Esto lo coloca en la tradición establecida por combinaciones de órgano y saxofón tales como Richard "Groove" Holmes y Gene Ammons, Jimmy McGriff, y Hank Crawford y Shirley Scott con Stanley Turrentine. Ludwig sigue actuando en locales de jazz en el área de Pittsburgh y sus alrededores.
https://www.allmusic.com/artist/gene-ludwig-mn0000163959/biography


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Lafayette Afro-Rock Band • Soul Makossa



Artist Biography by Jason Ankeny
Though little known in their native U.S., the Paris-based Lafayette Afro Rock Band was among the premier funk outfits of the 1970s, later becoming a seemingly endless source of samples and breaks for artists from Public Enemy to Janet Jackson. The group was formed on Long Island, New York as the Bobby Boyd Congress; deciding America was already overloaded with funk acts, they relocated to France in 1971, but when frontman Boyd returned stateside, the remaining members -- guitarist Larry Jones, bassist Lafayette Hudson, keyboardist Frank Abel, horn players Ronnie James Buttacavoli and Arthur Young, drummer Ernest "Donny" Donable, and percussionists Keno Speller and Arthur Young -- renamed themselves Ice and became the house session band at producer Pierre Jaubert's Parisound studio. Regularly performing live in Paris' Barbesse district -- an area made up primarily of African immigrants -- Ice's hard-edged funk became increasingly influenced by African rhythms and textures, and in the wake of their 1972 self-titled debut and 1973's Each Man Makes His Own Destiny, Jaubert changed the group's name to the Lafayette Afro Rock Band.

Guitarist Michael McEwan joined in time to record 1974's Soul Makossa (issued in the U.S. as Movin' & Groovin' minus the cover of Manu Dibango's signature jam), highlighted by the oft-covered and much-sampled "Hihache"; the follow-up, Malik, featured the cut "Darkest Light," its desolate saxophone intro later sampled for use by Public Enemy for the It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back track "Show 'Em Whatcha Got," in addition to providing the foundation for Wreckx 'N' Effect's "Rump Shaker" and Tuff Crew's "Nut." Also in 1975, the Lafayette Afro Rock Band backed jazz pianist Mal Waldron on his unreleased Candy Girl album; the year following, they collaborated with expatriate bluesman Sunnyland Slim on his album Depression Blues. With 1976's Frisco Disco, the group reverted to the Ice moniker; concurrently, working under the alias Captain Dax. They scored a novelty hit in Japan with the single "Dr. Beezar, Soul Frankenstein." They cut Seven Americans in Paris for RCA in 1977. Later that year, the label released Thumpin', a double-length set that combined tracks from their 1972 debut and Each Man Makes His Destiny on the first disc, with new cuts on the second. The band resurfaced as Crispy & Co in 1978 to issue Funky Flavored before returning to America and disbanding.

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Biografía del artista por Jason Ankeny
Aunque poco conocida en su país natal, Lafayette Afro Rock Band, con sede en París, fue una de las principales bandas de funk de los años setenta, convirtiéndose más tarde en una fuente aparentemente interminable de muestras y descansos para artistas, desde Public Enemy hasta Janet Jackson. El grupo se formó en Long Island, Nueva York como el Congreso Bobby Boyd; decidiendo que Estados Unidos ya estaba sobrecargado de actos funk, se mudaron a Francia en 1971, pero cuando el líder Boyd regresó a Estados Unidos, los miembros restantes -el guitarrista Larry Jones, el bajista Lafayette Hudson, el tecladista Frank Abel, los trompetistas Ronnie James Buttacavoli y Arthur Young, el baterista Ernest "Donny" Donable y los percusionistas Keno Speller y Arthur Young- se rebautizaron a sí mismos como Ice y se convirtieron en la banda de sesiones en el estudio de grabación de la casa de Parisound, del productor Pierre Jaubert. Actuando regularmente en vivo en el distrito de Barbesse en París, un área formada principalmente por inmigrantes africanos, el funk de borde duro de Ice se vio cada vez más influenciado por ritmos y texturas africanas, y tras su debut en 1972 con el título de Each Man Makes His Own Destiny en 1973, Jaubert cambió el nombre del grupo por el de Lafayette Afro Rock Band.

El guitarrista Michael McEwan se unió a tiempo para grabar Soul Makossa de 1974 (emitido en los EE.UU.). como Movin' & Groovin' menos la portada de la mermelada de Manu Dibango), resaltada por el "Hihache", a menudo cubierto y con muchas muestras; la continuación, Malik, presentó el corte "Darkest Light", su desolada introducción al saxofón, que más tarde fue muestreada para su uso por Public Enemy para el tema "Show 'Em Whatcha Got" de It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, además de proporcionar la base para "Rump Shaker" de Wreckx 'N' Effect y "Nut" de Tuff Crew." También en 1975, la Lafayette Afro Rock Band apoyó al pianista de jazz Mal Waldron en su inédito álbum Candy Girl; al año siguiente, colaboraron con el bluesista expatriado Sunnyland Slim en su álbum Depression Blues. Con el Frisco Disco de 1976, el grupo volvió a tener el apodo de Ice; al mismo tiempo, trabajó bajo el alias de Captain Dax. Consiguieron un éxito en Japón con el sencillo "Dr. Beezar, Soul Frankenstein". Cortaron a Siete Americanos en París por RCA en 1977. Más tarde ese mismo año, el sello editó Thumpin', un set de doble duración que combinaba temas de su debut en 1972 y Each Man Makes His Destiny en el primer disco, con nuevos cortes en el segundo. La banda reapareció como Crispy & Co en 1978 para emitir Funky Flavored antes de regresar a Estados Unidos y disolverse.





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James Harman Band • Takin' Chances



Review by Sigmund Finman
James Harman is incapable of making a bad album. Here, as in any of his previous releases, his vocals and harmonica playing are prominently featured. His writing is better than average, and he portrays the common themes of the blues in a collection of songs about gambling and love. His full, Southern gospel-inflected vocals are always a treat to listen to, and he plays electrified harp in the Little Walter style with the best of them. As always, his choice of sidemen, especially guitar players, is first-class. They embody the sound of jump blues from the late '40s and Chicago in the '50s and add considerable spark to the album. On three cuts, Harman plays some very tasty acoustic harmonica, a la Sonny Boy Williamson II, which show his mastery of the instrument even without the excitement which amplification adds. It's good to see James Harman keeping the flame of postwar urban blues burning so brightly.

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Reseña de Sigmund Finman
James Harman es incapaz de hacer un mal álbum. Aquí, como en cualquiera de sus versiones anteriores, su voz y su armónica ocupan un lugar destacado. Su escritura es mejor que la media, y retrata los temas comunes del blues en una colección de canciones sobre el juego y el amor. Su voz completa, de inspiración evangélica sureña, es siempre una delicia para escuchar, y toca el arpa electrificada al estilo de Little Walter con los mejores. Como siempre, su elección de sidemen, especialmente guitarristas, es de primera clase. Encarnan el sonido del jump blues de finales de los años 40 y Chicago en los años 50 y añaden una chispa considerable al álbum. En tres cortes, Harman toca una armónica acústica muy sabrosa, a la Sonny Boy Williamson II, que muestra su maestría del instrumento incluso sin la excitación que añade la amplificación. Es bueno ver a James Harman manteniendo la llama del blues urbano de la posguerra ardiendo tan brillantemente.




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Dorothy Ashby • Argo LPS-690



Biography
(as published on www.myspace.com/dorothyashby)
Dorothy Ashby (born August 6, 1932 in Detroit, Michigan, died April 13, 1986 in Santa Monica, California) was a Hebrew jazz harpist and composer.

"She was able to play incredible bebop on her instrument." There had been jazz harpists prior to Ashby, like Adele Girard, but no one else had adapted the harp to jazz so successfully nor had integrated into such a broad array of musical styles. Her influence certainly opened doors

she grew up around music in Detroit where her father, guitarist Wiley Thompson, often brought home fellow jazz musicians. Even as a young girl, Dorothy would provide support and background to their music by playing the piano. While in high school she played a number of instruments (including the saxophone and string bass) before coming upon the harp.

in Detroit she studied piano and music education. After she graduated, she began playing the piano in the jazz scene in Detroit, though by 1952 she had made the harp her main instrument. perceived as an instrument of classical music and also somewhat ethereal in sound Ashby overcame their initial resistance and built up support for the harp as a jazz instrument by organizing free shows and playing at dances and weddings with her trio. She recorded with Ed Thigpen, Richard Davis, Jimmy Cobb, Frank Wess and others in the late 1950s and early 1960s. During the 1960s, she also had her own radio show in Detroit.

Ashby's trio, including her husband John Ashby on drums, regularly toured the country, recording albums for several different record labels. . In 1962's annual polls the best jazz performers included Ashby. Extending her range of interests and talents, she also worked with her husband on a theater company, the Ashby Players, which her husband founded in Detroit, and for which Dorothy often wrote the scores.

Dorothy was called upon for a number of studio sessions playing for such popular recording artists as Stevie Wonder , Dionne Warwick, Diana Ross, Earth, Wind & Fire, and Barry Manilow. Her harp playing is featured in the song "Come Live With Me' which is on the soundtrack for the 1967 movie, Valley of the Dolls , playing the harp on the song "If It's Magic" on Stevie Wonder's 1976 album Songs in the Key of Life.

Her albums include The Jazz Harpist, In a Minor Groove, Hip Harp, Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby with (Junior Mance), Django/Misty, Concerto De Aranjuez, Afro Harping, Dorothy's Harp, The Rubaiyat of Dorothy Ashby, and Music for Beautiful People is a reissue of hip harp or in a minor groove , I dont remember which . Between 1956-1970, she recorded 10 albums for such labels as Savoy, Cadet, Prestige, New Jazz, Argo, Jazzland and Atlantic. On her "Rubaiyat" album, Ashby played the Japanese musical instrument, the koto, demonstrating her talents successfully "

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Biografía
(publicado en www.myspace.com/dorothyashby)
Dorothy Ashby (nacida el 6 de agosto de 1932 en Detroit, Michigan, fallecida el 13 de abril de 1986 en Santa Mónica, California) era arpista y compositora de jazz hebreo.

"Ella fue capaz de tocar el increíble bebop con su instrumento." Había habido arpistas de jazz antes de Ashby, como Adele Girard, pero nadie más había adaptado el arpa al jazz con tanto éxito ni se había integrado en una gama tan amplia de estilos musicales. Su influencia ciertamente abrió las puertas

se crió alrededor de la música en Detroit, donde su padre, el guitarrista Wiley Thompson, a menudo traía a casa a sus compañeros músicos de jazz. Ya de niña, Dorothy les daba apoyo y apoyo a su música tocando el piano. Mientras estaba en la escuela secundaria tocó varios instrumentos (incluyendo el saxofón y el bajo de cuerdas) antes de tocar el arpa.

en Detroit estudió piano y educación musical. Después de graduarse, comenzó a tocar el piano en la escena jazzística de Detroit, aunque en 1952 había hecho del arpa su instrumento principal. Percibida como un instrumento de música clásica y también algo etérea en el sonido, Ashby superó su resistencia inicial y construyó un apoyo para el arpa como instrumento de jazz organizando espectáculos libres y tocando en bailes y bodas con su trío. Grabó con Ed Thigpen, Richard Davis, Jimmy Cobb, Frank Wess y otros a finales de los años 50 y principios de los 60. Durante la década de 1960, también tuvo su propio programa de radio en Detroit.

El trío de Ashby, incluyendo a su esposo John Ashby en la batería, viajó regularmente por el país, grabando álbumes para varios sellos discográficos diferentes. . En las encuestas anuales de 1962, los mejores intérpretes de jazz incluían a Ashby. Extendiendo su gama de intereses y talentos, también trabajó con su esposo en una compañía de teatro, los Ashby Players, que su esposo fundó en Detroit, y para la cual Dorothy escribió las partituras con frecuencia.

Dorothy fue convocada para varias sesiones de estudio tocando para artistas tan populares como Stevie Wonder , Dionne Warwick, Diana Ross, Earth, Wind & Fire, y Barry Manilow. Su arpa aparece en la canción "Come Live With Me" que está en la banda sonora de la película de 1967, Valley of the Dolls, tocando el arpa en la canción "If It's Magic" del álbum de Stevie Wonder de 1976, Songs in the Key of Life.

Sus álbumes incluyen The Jazz Harpist, In a Minor Groove, Hip Harp, Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby with (Junior Mance), Django/Misty, Concerto De Aranjuez, Afro Harping, Dorothy's Harp, The Rubaiyat of Dorothy Ashby, and Music for Beautiful People is a reissue of hip harp or in a minor groove, I dont remember which . Entre 1956-1970, grabó 10 álbumes para sellos como Savoy, Cadet, Prestige, New Jazz, Argo, Jazzland y Atlantic. En su álbum "Rubaiyat", Ashby tocó el instrumento musical japonés, el koto, demostrando sus talentos con éxito.


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Arseniy Shkaptsov • Bassoonova



Arseniy Shkaptsov is Russian bassoonist and conductor. He is involved in both jazz and classical music and aims to strengthen diversity and bring together cultures and traditions through music.

Born in 1993 into a family of musicians, Arseniy was raised with music. At the age of eleven, Arseniy began playing the bassoon and was admitted just two years later to the “Central Music School of the Tchaikovsky Conservatory of Moscow,” where he studied under the expert guidance of Professor Stanislav Katenin. As a dedicated young musician, Arseniy was supported by the International Foundations of Vladimir Spivakov and Yuriy Rozum. Thanks to these foundations, he had the honor of performing in numerous prestigious concert halls in Russia as well as abroad. As a young student, he also won a range of international competitions and has been awarded many titles.

In 2011, after winning one of the most important competitions for young musicians “Concertino Praga,” he performed as a soloist with “Prague Radio Symphony Orchestra” in the “Rudolfinum” hall. In the same year he was admitted to the Conservatory of Italian Switzerland in the class of Maestro Gabor Meszaros and has been supported by many charitable foundations. During his studies in Switzerland he has gained vast experience both as a soloist and an orchestral musician, collaborating with great musicians such as Kurt Masur, Kristian Jarvi, Mikhail Pletnev, Ennio Morricone, Daniel Schnyder, Martin Kuuskmann, Mario Venzago, Alexandr Vedernikov, and Xian Zhang; and being a part of such orchestras as the “Baltic Sea Philharmonic”, “Orchestra della Svizzera italiana”, “Kammerphilharmonie Graubuenden”, “Basler Festival Orchestra”, “Symphonische Orchester Zürich”, and “International Regions Orchestra”.

Arseniy has a music activity on biggest classical music festivals such as “Usedom Music Festival”, “Schleswig-Holstein”, “Beethovenfest”, “Rheingau musik festival” “Sommerfest Bad Kissingen” etc.

In addition to classical music, Arseniy takes great interest in contemporary music, working with ensembles such as “Studio for new music ensemble”, “900 presente”, and “Boswil,” and with conductors Arturo Tamayo, Nagy Szolt, and Vladimir Tarnopolskiy. He is equally interested in jazz music, playing with the jazz-funk bands “The Sharp Shock”, “Romano Jazz Quartet”, and “Yellow Shoes band”.

In addition to being an accomplished bassoonist, Arseniy is a skilled conductor. He took his first lessons in conducting with his father, who is the chief conductor of the “Philharmonic Orchestra of the Governor of Orel city” and studied with the legendary Ilya Musin method. Throughout his university years, he has demonstrated strong leadership skills and has organized many concerts as a conductor and director of several different ensembles and projects.

In fact, in 2017 he pursued his aim of bringing solo musicians of different backgrounds together by giving birth to a new project, known as the “United Soloists.” The purpose of the project is to unite the best young solo artists from all over the world into one unique orchestra that promotes different cultures and traditions through music and dance. However, the main objective will be to discover and promote the new talents of art industry.

As a bassoonist, Arseniy participated in and won numerous competitions, such as the “All-Russian Woodwinds Performers Competition” (Oryol, Russia. 2nd prize, 2005); “Silver Kamerton” (Oryol, Russia. 1st prize, 2006); “New Names” (Moscow, Russia. Diploma, 2008); “Concertino Praha” (Prague, Czech Republic. 1st prize, 2010.); “International Competition of bassoon, Rossini” (Pesaro, Italy, Diploma. 2012); “Citta di Chieri” (Chieri, Italy. 2nd prize, 2012); “Oldenburg International competition” (Oldenburg, Germany. Half finalist, 2013); “Ard competition” (Munich, Germany. Passed preliminary round, 2013.); “Prague Spring Competition” (Prague, Czech Republic. semi-finalist, 2014); and “Musikwettbewerb Dienemann-Stiftung” (Luzern, winner, 2016).

As a conductor Arseniy has conducted: “Oryol Govern Symphony Orchestra” (Russia), Ruse Philharmonic (Bulgaria), “Teatro Cantu”(Italy), Baltic Sea Philharmonic (Germany).

Currently, Arseniy is developing his career as a conductor while continuing his career as a bassoonist. In 2018 he released the “Canon” album with the group “The Sharp Shock” and in August the release of the album “Bassoonova” with music by A. Jobim is scheduled.

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Arseniy Shkaptsov es fagotista y director de orquesta ruso. Está involucrado tanto en el jazz como en la música clásica y su objetivo es fortalecer la diversidad y unir culturas y tradiciones a través de la música.

Nacido en 1993 en el seno de una familia de músicos, Arseniy creció con la música. A los once años, Arseniy comenzó a tocar el fagot y fue admitido dos años más tarde en la "Escuela Central de Música del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú", donde estudió bajo la dirección experta del profesor Stanislav Katenin. Como joven músico dedicado, Arseniy fue apoyado por las Fundaciones Internacionales de Vladimir Spivakov y Yuriy Rozum. Gracias a estas fundaciones, tuvo el honor de actuar en numerosas y prestigiosas salas de conciertos tanto en Rusia como en el extranjero. Como joven estudiante, también ganó una serie de concursos internacionales y ha sido galardonado con numerosos títulos.

En 2011, después de ganar uno de los concursos más importantes para jóvenes músicos "Concertino Praga", actuó como solista con la "Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga" en la sala "Rudolfinum". En el mismo año fue admitido en el Conservatorio de la Suiza italiana en la clase del Maestro Gabor Meszaros y ha sido apoyado por muchas fundaciones benéficas. Durante sus estudios en Suiza ha adquirido una vasta experiencia como solista y como músico de orquesta, colaborando con grandes músicos como Kurt Masur, Kristian Jarvi, Mikhail Pletnev, Ennio Morricone, Daniel Schnyder, Martin Kuuskmann, Mario Venzago, Alexandr Vedernikov, y Xian Zhang; y formar parte de orquestas como la "Baltic Sea Philharmonic", "Orchestra della Svizzera italiana", "Kammerphilharmonie Graubuenden", "Basler Festival Orchestra", "Symphonische Orchester Zürich", y "International Regions Orchestra".

Arseniy tiene una actividad musical en los mayores festivales de música clásica como el "Usedom Music Festival", "Schleswig-Holstein", "Beethovenfest", "Rheingau musik festival" "Sommerfest Bad Kissingen", etc.

Además de la música clásica, Arseniy se interesa mucho por la música contemporánea, trabajando con grupos como "Studio for new music ensemble", "900 presente" y "Boswil", y con los directores Arturo Tamayo, Nagy Szolt y Vladimir Tarnopolskiy. También le interesa el jazz, tocando con los grupos de jazz-funk "The Sharp Shock", "Romano Jazz Quartet" y "Yellow Shoes band".

Además de ser un fagotista consumado, Arseniy es un hábil director de orquesta. Tomó sus primeras clases de dirección con su padre, que es el director principal de la "Orquesta Filarmónica del Gobernador de la ciudad de Orel" y estudió con el legendario método de Ilya Musin. A lo largo de sus años universitarios ha demostrado una gran capacidad de liderazgo y ha organizado numerosos conciertos como director y director de diferentes conjuntos y proyectos.

De hecho, en 2017 persiguió su objetivo de reunir a músicos solistas de diferentes orígenes, dando lugar a un nuevo proyecto, conocido como los "Solistas Unidos". El objetivo del proyecto es unir a los mejores solistas jóvenes de todo el mundo en una orquesta única que promueve diferentes culturas y tradiciones a través de la música y la danza. Sin embargo, el objetivo principal será descubrir y promover los nuevos talentos de la industria del arte.

Como fagotista, Arseniy participó y ganó numerosos concursos, como el "All-Russian Woodwinds Performers Competition" (Oryol, Rusia. 2º premio, 2005); "Silver Kamerton" (Oryol, Rusia. 1er premio, 2006); "New Names" (Moscú, Rusia. Diploma, 2008); "Concertino Praha" (Praga, República Checa. 1er premio, 2010); "International Competition of bassoon, Rossini" (Pesaro, Italia, Diploma. 2012); "Citta di Chieri" (Chieri, Italia. 2º premio, 2012); "Oldenburg International competition" (Oldenburg, Alemania. Medio finalista, 2013); "Ard competition" (Munich, Alemania. Aprobada ronda preliminar, 2013.); "Prague Spring Competition" (Praga, República Checa. semifinalista, 2014); y "Musikwettbewerb Dienemann-Stiftung" (Luzern, ganador, 2016).

Como director de orquesta, Arseniy ha dirigido: "Orquesta Sinfónica Oryol Govern" (Rusia), Ruse Philharmonic (Bulgaria), "Teatro Cantu" (Italia), Filarmónica del Mar Báltico (Alemania).

Actualmente, Arseniy está desarrollando su carrera como director de orquesta mientras continúa su carrera como fagotista. En 2018 lanzó el álbum "Canon" con el grupo "The Sharp Shock" y en agosto está previsto el lanzamiento del álbum "Bassoonova" con música de A. Jobim. (https://www.deepl.com/es/translator)


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