egroj world: marzo 2019

domingo, 31 de marzo de 2019

Bill Black's Combo • The Untouchable Sound Of Bill Black's Combo

William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black later formed Bill Black's Combo.

Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic guitar in local bars.

During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a member of a musical family. They married in 1946 and returned to Memphis. Black worked at the Firestone plant.

He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass" technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to his son, Black said his goal was always to give his audience "a few moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle 'em for a while."

In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler, they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on steel guitar, and a drummer.

In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There were several personnel changes. While Young was in the army, his position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.

The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December 1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number one on the "black" music charts.[3] It sold over one million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA.[23] A follow-up release, "White Silver Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor, topped the R&B charts for four weeks.

Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40 between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy Jazz album spent a record whole year in the top 100.

The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West, and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar with a pencil.

In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios" (a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis, Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and playing back tracks.[citation needed]

Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others. The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun Studio engineer.

Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the Combo to different regions of the country at the same time, while staying off the road himself, wanting to concentrate on his business, family and his health.

In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.

Black himself had been ill for the past year and a half and unable to travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black himself was not well enough to make the tour.

After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis, Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he believed that his presence would turn it into a media frenzy. He decided instead to visit the family privately after the service to express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."

Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the Year award in 1976.

On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.


William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965) [1] fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.

Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en guitarra acústica en bares locales.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black trabajó en la planta de Firestone.

Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de "bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que les haga cosquillas por un tiempo".

En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers. Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.

En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold (batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby Emmons lo reemplazó en la gira.

La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en diciembre de 1959.  "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17 de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas musicales "negras". [3] Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA. [23] Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.

Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40 entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy Jazz pasó un año entero en el top 100.

The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba la guitarra con un lápiz.

En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]

Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" ​​y "La banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso ingeniero de Sun Studio.

A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio, su familia y su salud.

En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.

El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos) en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente bien como para hacer la gira.

Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee. Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que necesiten, hágamelo saber y será suyo".

La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año de Billboard en 1976.

El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Bear Family Records  ... 

Jutta Hipp • With Zoot Sims (RVG-edition)

 Jutta (se pronuncia "iuta" ) Hipp nació en Leipzig el 4 de Febrero de 1925 Jutta (se pronuncia "iuta" ) Hipp nació en Leipzig el 4 de Febrero de 1925 pero abandonó su ciudad natal en 1945, cuando las circunstancias de la Segunda Guerra se encargaban de separar gente alemana entre el este y el oeste.
Comenzó con el piano a los 9 años, estudió en la Academia de Artes de Leipzig y no tuvo inconvenientes de expresarse tocando tanto en circos como en clubes nocturnos.
Comenzó con el piano a los 9 años, estudió en la Academia de Artes de Leipzig y no tuvo inconvenientes de expresarse tocando tanto en circos como en clubes nocturnos.

Atraída por el jazz, formó en Munich su propio grupo y en 1951 un amigo tuvo la feliz idea de enviarle a Leonard Feather una cinta con grabaciones del combo.
En 1954, Leonard la fue a conocer, la escuchó y, ni corto ni perezoso, arregló los papeles para que su nuevo descubrimiento llegara a Nueva York legalmente, donde él mismo se encargaba de presentarla en cada actuación que realizaba en célebre club "Hickory House", donde comenzó a actuar en Marzo de 1956.
En 1958, algo hizo "click" en su cabeza y abandonó la carrera...abandonó también el hotel de Manhattan donde vivía ante la imposibilidad de pagar la renta, se mudó al barrio de Queens y comenzó a ganarse la vida como costurera.
Nunca regresó a su país... nunca se comunicó con nadie de su familia... para sus amistades, simplemente desapareció.
En la primavera de 2001, Thomas "Tom" Evered, Gerente General de Blue Note Records comenzó su búsqueda por una sencilla razón: se habían acumulado regalías a su favor por un monto de 40.000 dólares por reediciones japonesas de sus tres discos para el sello.
Cuando la encontraron, ya con 76 años, su vida era otra. En su casa no había ningún piano.

Alegó no sentirse bien ese día y hasta declinó una invitación para ir a almorzar. En cambio, sirvió café y pastel a sus invitados y le mostró una serie de cuadros y caricaturas realizadas por ella misma, su nueva afición.
Murió en Nueva York, el 7 de Abril de 2003.
Fue una notable pianista, fuertemente influenciada por Lennie Tristano y Horace Silver.

Full Bio ...

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Crime Jazz • Volume 04 - Music to Spy By 3 (Library Mix)

Euro Cinema • Ten-4

The group's raw jazz funk sound is rooted in late 60s organ funk as well as the anonymous "library music" soundtracks to 70s movies.


El sonido crudo del jazz funk del grupo está enraizado en el funk de órgano de finales de los 60, así como en las bandas sonoras anónimas de "música de biblioteca" para películas de los 70.

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Mundell Lowe • Guitar Moods

Review by Scott Yanow
This is very much a chamber jazz set. Mundell Lowe plays "Our Waltz" as an unaccompanied guitar solo and his trio with bassist Trigger Alpert and drummer Ed Shaughnessy is joined by either Al Klink or Phil Bodner on various woodwinds during seven of the 11 other selections. The bass clarinet, flute, oboe, and English horn are quite atmospheric, adding to the beauty of the ballads. The brevity of the individual selections is understandable but it is unfortunate that this CD reissue is only 32 and a half minutes long, for what is here is quite memorable. Guitar Moods, which lives up to its name, is recommended anyway.


Revisión por Scott Yanow
Este es un set de jazz de cámara. Mundell Lowe toca "Our Waltz" como un solo de guitarra no acompañado y su trío con el bajista Trigger Alpert y el baterista Ed Shaughnessy está acompañado por Al Klink o Phil Bodner en varios instrumentos de viento de madera en siete de las otras 11 selecciones. El clarinete bajo, la flauta, el oboe y el corno inglés son bastante atmosféricos, lo que se suma a la belleza de las baladas. La brevedad de las selecciones individuales es comprensible, pero es desafortunado que la reedición de este CD solo tenga una duración de 32 minutos y medio, ya que lo que hay aquí es bastante memorable. Guitar Moods, que hace honor a su nombre, se recomienda de todos modos. 

Cave Catt Sammy • Love Me Like Crazy

Charles Earland • If Only For One Night

Review by Scott Yanow

Less than two months before his sudden death, Charles Earland recorded this final rewarding effort. One of the most inventive of the organists to come up after Jimmy Smith, Earland contributed five originals to the set and shows that one can play funky and still be creative and unpredictable. The main surprise of the outing is that Najee, a saxophonist best known for his R&B-ish/crossover records, fits in quite well to the hard bop and soul-jazz jams. Also in fine form as a soloist is underrated guitarist Melvin Sparks. Earland sounds inspired by his sidemen and is heard in excellent form this one last time.

By Owen Cordle

Recorded on Oct. 19, 1999, this was Earland's last studio album. The organist, known as "the Mighty Burner," died less than two months later. He was admired for his heated, climactic performances and walking-bass-pedal technique (the best in the business, it has been said). Arriving on the scene in the late '60s, he recorded for Prestige, Muse and Milestone before joining HighNote in '97.

This album includes saxophonist and flutist Najee, guitarist Melvin Sparks, drummer Buddy Williams and percussionist Gary Fritz. Before the name Najee gets your defenses up, be advised that the smooth-jazz star flexes his straightahead jazz chops convincingly throughout this session. His sound and style on the title ballad and the stepping "My Blues Is Funky," an Earland original, belong to the preaching tenor tradition. While his soprano work on "My Favorite Things" won't challenge John Coltrane's definitive jazz version of this song, it is a respectable, scale-based treatment. Najee's flute, heard on "All My Tomorrows," "Summertime" and Earland's Latin-flavored "Just for You," is also solid.

Earland's ensemble focus resembles a big-band arranger's in terms of harmonic density, instrumental colors, the structure of his accompaniment, and his rhythmic acuity. The title cut is but one good example. As a soloist, he doesn't scatter random flurries of notes and licks; instead, he builds steadily and purposefully. Rhythmically, each track has a well-defined groove.
Sparks lives up to his name with a hot touch and some stinging lines, especially on Earland's "Keep the Faith" and B.B. King-tinged "Smoke." The drums are infectious and well-recorded (e.g., "Smoke"), and the percussion is clean and valuable to the groove.


Revisión por Scott Yanow

Menos de dos meses antes de su repentina muerte, Charles Earland registró este esfuerzo final gratificante. Uno de los organistas más inventivos que surgió después de Jimmy Smith, Earland contribuyó con cinco originales al set y demuestra que uno puede jugar al funky y ser creativo e impredecible. La principal sorpresa de la salida es que Najee, un saxofonista mejor conocido por sus discos de R & B-ish / crossover, encaja bastante bien en el hard bop y el soul-jazz jams. También en buena forma como solista es el guitarrista subestimado Melvin Sparks. Earland suena inspirado por sus sidemen y se escucha en forma excelente esta última vez.

Por Owen Cordle
Grabado el 19 de octubre de 1999, este fue el último álbum de estudio de Earland. El organista, conocido como "The Mighty Burner", murió menos de dos meses después. Fue admirado por sus acaloradas actuaciones climáticas y su técnica de pedales (el mejor en el negocio, se ha dicho). Al llegar a la escena a finales de los años 60, grabó para Prestige, Muse y Milestone antes de unirse a HighNote en '97.

Este álbum incluye al saxofonista y flautista Najee, al guitarrista Melvin Sparks, al baterista Buddy Williams y al percusionista Gary Fritz. Antes de que el nombre Najee levante sus defensas, tenga en cuenta que el estrella de jazz suave flexiona sus chuletas de jazz de manera convincente a lo largo de esta sesión. Su sonido y estilo en la balada del título y el paso "My Blues Is Funky", un original de Earland, pertenecen a la tradición del tenor de la predicación. Si bien su trabajo de soprano en "Mis cosas favoritas" no desafiará la versión definitiva de jazz de John Coltrane de esta canción, es un tratamiento respetable basado en la escala. La flauta de Najee, escuchada en "All My Tomorrows", "Summertime" y "Just for You" con sabor latino de Earland, también es sólida.

El enfoque conjunto de Earland se asemeja a un arreglador de bandas grandes en términos de densidad armónica, colores instrumentales, la estructura de su acompañamiento y su agudeza rítmica. El título de corte es sólo un buen ejemplo. Como solista, no dispersa ráfagas al azar de notas y licks; en cambio, él construye de manera constante y decidida. Rítmicamente, cada pista tiene un surco bien definido.

Sparks hace honor a su nombre con un toque cálido y algunas líneas de picadura, especialmente en "Keep the Faith" de Earland y B.B. "Smoke" teñido de rey. Los tambores son infecciosos y están bien grabados (por ejemplo, "Humo"), y la percusión es limpia y valiosa para el ritmo.

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The Robert Lehman Collection Vol 10 Italian Majolica

Robert Lehman assembled the finest and most comprehensive private collection of Italian Renaissance majolica in the United States. In this volume the distinguished scholar Jörg Rasmussen catalogues the 157 majolica objects which since 1975 have been housed, along with more than 2,000 other works of art acquired by Robert Lehman and his father, Philip Lehman, in the Robert Lehman Wing of The Metropolitan Museum of Art.
The brilliantly colored jars, jugs, and dishes collected by Robert Lehman document the history of Italian majolica from the beginning of the fifteenth century to the 1600s. The collection is most renowned for a magnificent group of pieces produced in the main Italian pottery centers during the High Renaissance, the golden age of majolica. The precious lusterware that was the specialty of Deruta and Gubbio, in central Italy, accounts for more than a third of the collection. Also splendidly represented are the neighboring towns of Castel Durante and Urbino, whose wares perhaps best exemplify the beauty and diversity of majolica of the early sixteenth century. One of the most extraordinary of these pieces from the Duchy of Urbino is the bowl presented to Pope Julius II in 1508, which Rasmussen calls "one of the most beautiful pieces of majolica ever made." Other istoriato, or "story-painted," wares were part of large ensembles commissioned by illustrious patrons: three plates belong to the famous Pucci service painted by Francesco Xanto Avelli da Rovigo; two others, by the master majolica painter Nicolo da Urbino, are from the set owned by Isabella d'Este, marchesa of Mantua; and there are pieces bearing the arms of the Orsini of Rome, the Salviati of Florence, and Constable Anne de Montmorency.
The late Jörg Rasmussen was curator at the Museum fur Kunst und Gewerbe in Hamburg until 1979, when he was named second director of the Zentralinstitut in Munich. His complete catalogue of the Italian majolica in the Hamburg museum appeared in 1984, and he published widely on majolica as well as on sculpture and the applied arts. His text not only analyzes and classifies the majolica in the Robert Lehman Collection, providing provenances, bibliographies, and exhibition histories, but also offers glimpses of the intellectual and cultural world to which it belonged.

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George Benson & Jack McDuff

Review by Michael G. Nastos
George Benson's facile post-Wes Montgomery single-line and chord-accented style was well received in his salad days of the mid- to late '60s. Primarily self-taught and ear-trained, he made great strides in a five-year period around his native Pittsburgh, working with organist Jack McDuff on the East Coast chitlin circuit. As the soul-jazz and boogaloo movement was establishing itself, Benson was right in the pocket, as these seminal mid-'60s sessions perfectly illustrate. In tandem with saxophonist Red Holloway, the two Prestige label LPs New Boss Guitar and Hot Barbeque were initially reissued in 1977 on a vinyl two-fer, and now on this single CD. The first two tracks, "Shadow Dancers" and "The Sweet Alice Blues," sans McDuff though toeing the groove line, are the most original and modern numbers. The remaining tracks on the New Boss Guitar 1964 dates add McDuff, with "Just Another Sunday" a gold standard for the emerging style. Benson's balladic expertise during "Easy Living" is as impressive as in the different dynamic of the rompin' stompin' "Rock-A-Bye." From May Day of 1965, the title cut and original version of "Hot Barbeque" has become an all-time hit and ultimate groove biscuit. Drummer Joe Dukes is the difference maker, as his fluid ease in either swinging or mixing hard bop with R&B fifty-fifty effectively drives the band so simply. "Briar Patch" approaches rock & roll, while "Hippy Dip" shows a completely unified Benson and McDuff on a fun melody line. A most arresting high-register organ sound, near unearthly, surrounds an easy swing on "The Party's Over." In addition, check out the slow late-night blues "I Don't Know" (from the 1964 dates) and "Cry Me a River" from 1965. Although Benson would reach a zenith in his short career as a jazz musician during this period, before abandoning its purity for commercial pop singing, Holloway and McDuff went on and on and on to their own great acclaim. This is Benson's initial emergence, and a valuable reminder of how great he once was.


Revisión por Michael G. Nastos
El estilo sencillo de George Benson después de Wes Montgomery de una sola línea y con acorde de acorde fue bien recibido en sus días de ensaladas de mediados a finales de los sesenta. Principalmente autodidacta y entrenado para el oído, hizo grandes progresos en un período de cinco años en torno a su Pittsburgh natal, trabajando con el organista Jack McDuff en el circuito de Chitlin de la costa este. Cuando el movimiento de soul-jazz y boogaloo se estaba estableciendo, Benson estaba justo en el bolsillo, como ilustran perfectamente estas sesiones seminales de mediados de los 60. Conjuntamente con el saxofonista Red Holloway, los dos LP de la marca Prestige, New Boss Guitar y Hot Barbeque, se reeditaron inicialmente en 1977 con un vinilo doble, y ahora en este único CD. Los dos primeros temas, "Shadow Dancers" y "The Sweet Alice Blues", sin McDuff, aunque siguen la línea de ritmo, son los números más originales y modernos. Las canciones restantes en las fechas de New Boss Guitar 1964 agregan a McDuff, con "Just Another Sunday" un estándar de oro para el estilo emergente. La experiencia bádica de Benson durante "Easy Living" es tan impresionante como en la dinámica diferente del rompeolas "Rock-A-Bye". Desde el Primero de Mayo de 1965, el corte de título y la versión original de "Hot Barbeque" se han convertido en un éxito de todos los tiempos y la mejor galleta. El baterista Joe Dukes es el creador de la diferencia, ya que su facilidad fluida, ya sea en el swing o la mezcla de hard bop con R&B cincuenta y cincuenta, hace que la banda sea tan sencilla. "Briar Patch" se acerca al rock & roll, mientras que "Hippy Dip" muestra a Benson y McDuff completamente unificados en una línea de melodía divertida. Un sonido de órgano de alto registro más llamativo, casi sobrenatural, envuelve un swing fácil en "The Party's Over". Además, echa un vistazo al lento blues nocturno "I Don't Know" (de las fechas de 1964) y "Cry Me a River" de 1965. Aunque Benson alcanzaría un cenit en su corta carrera como músico de jazz durante este período, antes de abandonar su pureza para el canto pop comercial, Holloway y McDuff siguieron y siguieron y ganaron su gran aclamación. Esta es la emergencia inicial de Benson, y un valioso recordatorio de cuán grande fue alguna vez.

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Lee Allen • Walkin' With Mr. Lee

Lee Allen (July 2, 1927 – October 18, 1994) was an American tenor saxophone player born in Pittsburg, Kansas.

A key figure in the New Orleans rock and roll scene of the 1950s, Allen recorded with many leading performers of the early rock and roll era. He was semi-retired from music by the late '60s, but in the late '70s, returned to music intermittently until the end of his life.


Lee Allen (2 de julio de 1927 - 18 de octubre de 1994) fue un tenista saxofonista estadounidense nacido en Pittsburg, Kansas.

Una figura clave en la escena de rock and roll de Nueva Orleans de la década de 1950, Allen grabó con muchos de los principales intérpretes de la era del rock and roll. Estaba casi retirado de la música a finales de los 60, pero a finales de los 70, volvió a la música de forma intermitente hasta el final de su vida.

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Kjell Ohman • The Hammond Connection

Kjell Öhman Portal : Jazz Kjell Öhman Ingemar (nacido el 3 de septiembre de 1943 ) es un sueco músico de jazz (B3 órgano Hammond, piano ), compositor y director musical (incluyendo por Allsång en Skansen 1994-2010). Ha tocado en más de 8.000 grabaciones. Ha participado en numerosos cooperación escandinava que Svend Asmussen Cuarteto en la década de 1970; de notables internacionales incluyen su juego de Lionel Hampton cumple Lars Erstrand (1991). En su propio "organilleros" jugaron Ulf Andersson saxo, Thomas Arnesen guitarra, Claes Janson voces, Tommy Johnson bajo y Douglas Westlund tambores (En vivo en el Monte de Piedad , 1991, 1993). El noruego Knut Riisnæs y Red Holloway contribuyó él Confessin 'the Blues (Géminis, 1992). Publicó La Conexión Hammond (Opus 3, 1994), con Rune Gustafsson guitarra, Arne Domnerus saxo, Leif Dahlberg tambores, y Mads Vinding bajo. En 1999 jugó un papel decisivo en la liberación de Sandviken Big Band (30 años). Su propio trío (con Sus Volver Roth Bass y Joakim Ekberg tambores) y el invitado Bobby Muéstranos , repartieron No puedo decir que no (2003). En 2004, él (con Alice Babs ) en el Festival de Jazz de Oslo con Homenaje a Duke Ellington . Su propio trío con Ulf Wakenius guitarra y conferencias, en el 2006 de vuelta en Oslo con puesta en escena En el espíritu de Oscar .

Kjell Ingemar Öhman (3 September 1943 – 5 November 2015) was a Swedish jazz musician. He worked as kapellmeister/arranger of music albums, and of TV programs, among them Notknäckarna, Allsång på Skansen (1994–2010), Hasse och hans vänner and Café Luleå.

Öhman appeared in more than 3000 albums and worked with musicians, among them The Telstars, Marcus Österdahl, Alice Babs, Georgie Fame, Charlie Norman, Svend Asmussen, Arne Domnérus, Simons, Ulf Wakenius, Rune Gustafsson, Hans Backenroth and Ulf Lundell.

In 2006 Öhman received the Jan Johansson Scholarship.

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Bill Haley & His Comets • On Screen

Jack Wilson Quartet • Ramblin'

 Editorial Reviews
An extremely talented jazz pianist, Jack Wilson became the youngest member ever to join the Ft. Wayne, Indiana Musician's union at the tender age of 15. By the time he was 26 years old, he had already added organ to his arsenal and had played with some of the biggest names in jazz including James Moody, Dinah Washington, Gene Ammons, Sonny Stitt, Eddie Harris, Lou Donaldson, Herbie Mann, Jackie McLean and Johnny Griffin, did recording stints with Sammy Davis Jr., Sarah Vaughn, Lou Rawls, Eartha Kitt, Julie London and Sonny & Cher - and was a featured soloist on several of Lambert Hendricks and Ross recordings. In 1963 he released his first recording as a leader, an impressive debut entitled "The Jack Wilson Quartet featuring Roy Ayers." Presented here is his highly acclaimed 1966 release with the quartet featuring Roy Ayers entitled "Ramblin'" which features Wilson on piano with Varner Barlow (drums); Monk Montgomery (bass) and Roy Ayers (vibes).


reseñas editoriales
Jack Wilson, un pianista de jazz extremadamente talentoso, se convirtió en el miembro más joven en unirse al Ft. Wayne, el sindicato de músicos de Indiana a la tierna edad de 15 años. Cuando tenía 26 años, ya había agregado órgano a su arsenal y había tocado con algunos de los nombres más importantes del jazz, como James Moody, Dinah Washington, Gene Ammons, Sonny Stitt, Eddie Harris, Lou Donaldson, Herbie Mann, Jackie McLean y Johnny Griffin, hicieron grabaciones con Sammy Davis Jr., Sarah Vaughn, Lou Rawls, Eartha Kitt, Julie London y Sonny & Cher, y fue solista principal en varios Grabaciones de Lambert Hendricks y Ross. En 1963 lanzó su primera grabación como líder, un impresionante debut titulado "The Jack Wilson Quartet con Roy Ayers". Aquí se presenta su muy aclamado lanzamiento en 1966 con el cuarteto con Roy Ayers titulado "Ramblin '" que presenta a Wilson en el piano con Varner Barlow (batería); Monk Montgomery (bajo) y Roy Ayers (vibraciones).

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Carles Benavent & Salvador Font • Mantequilla

Carles Benavent (Barcelona, 1 de marzo de 1954) es un músico español de flamenco y de jazz.

Carles Benavent es natural del barrio del Poble-sec en Barcelona. Bajista, aunque también dobla con la mandolina y la mandola, Benavent ha tocado con Paco de Lucía, Chick Corea y Miles Davis, y es habitual verle tocar con Jorge Pardo. Benavent que ha trabajado en los últimos años el llamado nuevo flamenco, especialmente desde su colaboración con Paco de Lucía, que dejó como muestra el impresionante "Live in America" (1993).

A los 13 años forma el grupo 'Crac' (que hace una mezcla de blues, jazz y rock, como otros muchos grupos de la época) con Salvador Font (batería) y Emili Baleriola (guitarra).
1971 - Los miembros de 'Crac' se incorporan a Máquina!, banda que marca un hito en la música española de la época.
1973 a 1974 - Alterna trabajos con grupos de jazz y música brasileña.
1975 - Funda, junto a Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) y Lucky Guri (tec.) el grupo 'Música Urbana'. Después de dejar el grupo primero Guri y más tarde Cabanach, se incorporarían Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flauta travesera y flautín) y Matthew L. Simon (trompeta, fliscorno y onoven; éste último es el fliscorno en mi bemol). Con este plantel grabarían en RCA el disco "Iberia", donde ya se aprecia claramente la maestría del bajista.
1979 - Toca en diversas formaciones jazzísticas con músicos como Kitflus, el violinista Mantequilla (Salvador Font el padre), Tito Duarte y Max Sunyer, con el cual funda un trío juntamente con Salvador Niebla. Éste año se forma también un efímero grupo para actuaciones en directo: Funky-jazz 80, con Benavent, Vladimiro Bas y Kitflus entre otros músicos.
1980 - En este año entra a formar parte del grupo de Paco de Lucía, realizando giras por Europa, América y Japón, compartiendo escenario con Jorge Pardo, Rubem Dantas y Ramón de Algeciras entre otros.
1981 - A partir de ahora colabora en numerosas producciones discográficas flamencas: algunas de Camarón de la Isla y Paco de Lucía se cuentan entre las más conocidas.
1982 - Entra en contacto con Chick Corea, con el que graba dos álbumes y realiza dos giras por todo el mundo.
En los años 80 formó parte del grupo intermitente "Puente Aéreo", en el que se daban cita músicos afincados en Madrid y en Barcelona: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargós, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas, Rubem Dantas, Salvador Font el hijo...
1983 - Graba su primer disco como solista, disco que también es editado en Alemania, Suiza y Austria. Debuta con su propia banda en el IV Festival de Jazz de Madrid, y forma grupo con Jorge Pardo, con el que graba dos discos.
1985 - Publica su primer disco junto a Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Junto a Jorge Pardo, participa en los festivales internacionales de Estambul y Cork.
1986 - Actúa en el festival de Grenoble con Jorge Pardo. Recibe el premio especial de la crítica otorgado por RNE / RTVE y la revista Quártica Jazz.
1987 a 1988 - Continúa realizando giras por todo el mundo con el sexteto de Paco de Lucía, y colabora con el violinista francés Didier Lockwood, y con la banda de Bernard Lubat en Francia.
1989 - Con el grupo Flamenco Fusión actúa en Nueva York con Michel Camilo y Paquito D'Rivera. Graba su segundo disco con Joan Albert Amargós ("Colors"), que cuenta con la colaboración de Didier Lockwood entre otros.
1990 - Es invitado, junto a Jorge Pardo, el pianista y últimamente también acordeonista Gil Goldstein, Don Alias y Alex Acuña, a dar un concierto especial en la TV Suiza (Schweizer Fernsehen); ese concierto da lugar a actuaciones de la banda en Nueva York en octubre del mismo año y a la grabación de un disco a nombre de Gil Goldstein ("Zebra Coast") para la compañía Blue Note. A partir de entonces, Gil Goldstein colabora habitualmente en los discos de Carles Benavent.
1991 - Es invitado a tocar en un concierto especial en homenaje a Gil Evans con Miles Davis y Quincy Jones en el Festival de Jazz de Montreux. Ese concierto también queda registrado en un álbum: "Live in Montreux".
1992 - Se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Jorge Pardo, invitados por el New Music Seminar. En julio del mismo año participan en el proyecto alemán Jazzpaña con la big band de la WDR de Colonia, con arreglos y dirección de Ariff Mardin y Vince Mendoza.
1994: Es galardonado por la Generalidad de Cataluña como mejor músico de jazz del año.
1995: Edita su cuarto disco como solista ("Agüita que corre"). El 4 de abril de ese año sufre un grave accidente de coche que le tendrá alejado de los escenarios durante un año.
1996: Justo al cumplirse un año del accidente, comienza una gira por europa con Paco de Lucía y reaparece con su grupo en julio del mismo año, actuando en el Festival de Jazz de Getxo y en Barcelona, donde también graba su quinto disco ("Fénix"), en el que interviene, además de sus colaboradores habituales, Othello Molineaux, que toca el steel drum, bidón de metal de Trinidad, y algún instrumento parecido.
1998/99: Forma el trío 'Pardo, Benavent, Di Geraldo', (con el que sigue trabajando actualmente, se graba una de las actuaciones del trío ("El concierto de Sevilla") en diciembre de 1999.
2000: Gira en enero por Inglaterra con el "Homenaje de cumpleaños a Don Alias" con el mismo Don Alias, Alex Acuña, Giovanni Hidalgo, Steve Barrios, Michael Brecker, Randy Brecker y Gil Goldstein.
2002: Edita su séptimo disco ("Aigua"), galardonado como el mejor disco de jazz del año por los 'Premios de la Música'
2003: Forma otro trío con Jordi Bonell y Roger Blavia. Es invitado, junto a Jorge Pardo, Tino Di Geraldo y Gil Goldstein a participar en el Festival de Jazz de Vitoria, en el que tocan con Pat Metheny.
2004: Vuelve a trabajar con Chick Corea juntamente con Jorge Pardo, Rubem Dantas y Tommy Brechtlein: hacen giras por Europa y Estados Unidos con el nombre de Chick Corea & Touchstone. En septiembre del mismo año, actúa en Barcelona con sus "Benavent 3 Trios": uno de esos tríos es con Jordi Bonell y Roger Blavia; otro, con Gil Golstein y Jordi Rossy; y el otro, con Jorge Pardo y Tino di Geraldo... y de nuevo la colaboración especial de Othello Molineaux. Graba con Jorge y Tino un nuevo disco: "Sin Precedentes".
2005: Graba con Chick Corea, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Hubert Laws, Airto Moreira, Hossam Ramzy y Tim Garland el disco The Ultimate Adventure, de la Chick Corea & "Touchstone Band, con la cual sigue haciendo giras por los Estados Unidos, Europa y América Latina.
2009: Colabora en el nuevo disco del guitarrista italiano Flavio Sala, titulado De La Buena Onda.
2011: Colabora en el disco Ondines ballen del arpista catalán Josep-Maria Ribelles, en el tema Vent de novembre.


info en catalán ...

Salvador Font "Mantequilla", saxofonista de referencia en la historia del jazz español, reconvertido en violinista después de algunos problemas respiratorios y que se estableció en Mallorca a finales de los 60.


Carles Benavent (Barcelona, ​​March 1, 1954) is a Spanish flamenco and jazz musician.

Carles Benavent is a native of the Poble-sec neighborhood in Barcelona. Bassist, although he also doubles with the mandolin and the mandola, Benavent has played with Paco de Lucía, Chick Corea and Miles Davis, and it is usual to see him play with Jorge Pardo. Benavent who has worked in recent years the so-called new flamenco, especially since his collaboration with Paco de Lucía, which left as a sample the impressive "Live in America" ​​(1993).

At age 13, he forms the group 'Crac' (which mixes blues, jazz and rock, like many other bands of the time) with Salvador Font (drums) and Emili Baleriola (guitar).

1971 - The members of 'Crac' join Machine !, a band that marks a milestone in Spanish music of the time.

1973 to 1974 - Alternate works with jazz groups and Brazilian music.

1975 - Funda, together with Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) And Lucky Guri (tec.) The group 'Música Urbana'. After leaving the group first Guri and later Cabanach, Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flute and flute) and Matthew L. Simon (trumpet, flugelhorn and onoven, the latter is the flugelhorn in E flat) would join. . With this establishment they would record in RCA the album "Iberia", where the mastery of the bass player is already clearly appreciated.

1979 - He plays in various jazz formations with musicians such as Kitflus, the violinist Mantequilla (Salvador Font el padre), Tito Duarte and Max Sunyer, with whom he founded a trio together with Salvador Niebla. This year also forms an ephemeral group for live performances: Funky-jazz 80, with Benavent, Vladimiro Bas and Kitflus among other musicians.

1980 - In this year he joined the group of Paco de Lucía, touring Europe, America and Japan, sharing the stage with Jorge Pardo, Rubem Dantas and Ramón de Algeciras among others.

1981 - From now on he collaborates in numerous flamenco record productions: some of Camarón de la Isla and Paco de Lucía are among the best known.

1982 - He comes in contact with Chick Corea, with whom he records two albums and makes two tours around the world.

In the 80s he was part of the intermittent group "Puente Aéreo", which brought together musicians based in Madrid and Barcelona: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargós, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas , Rubem Dantas, Salvador Font the son ...

1983 - Records his first solo album, a disc that is also released in Germany, Switzerland and Austria. He debuted with his own band at the IV Jazz Festival of Madrid, and formed a group with Jorge Pardo, with whom he recorded two albums.

1985 - He publishes his first album with Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Together with Jorge Pardo, he participates in the international festivals of Istanbul and Cork.

1986 - Acts at the Grenoble festival with Jorge Pardo. Receives the special award of the critique awarded by RNE / RTVE and the magazine Quártica Jazz.

1987 to 1988 - Continues to tour around the world with Paco de Lucía's sextet, and collaborates with French violinist Didier Lockwood, and with Bernard Lubat's band in France.

1989 - With the Flamenco Fusión group he performs in New York with Michel Camilo and Paquito D'Rivera. He recorded his second album with Joan Albert Amargós ("Colors"), which has the collaboration of Didier Lockwood among others.

1990 - He is invited, along with Jorge Pardo, the pianist and lately also accordionist Gil Goldstein, Don Alias ​​and Alex Acuña, to give a special concert in the Swiss TV (Schweizer Fernsehen); that concert gives rise to performances by the band in New York in October of the same year and to the recording of a record in the name of Gil Goldstein ("Zebra Coast") for the company Blue Note. From then on, Gil Goldstein regularly collaborates on the discs of Carles Benavent.

1991 - He is invited to play at a special concert in homage to Gil Evans with Miles Davis and Quincy Jones at the Montreux Jazz Festival. That concert is also recorded in an album: "Live in Montreux".

1992 - He appears at the Town Hall in New York with Jorge Pardo, invited by the New Music Seminar. In July of the same year they participated in the German project Jazzpaña with the big band of the WDR of Cologne, with arrangements and direction by Ariff Mardin and Vince Mendoza.

1994: He is awarded by the Generalitat of Catalonia as the best jazz musician of the year.

1995: Edits his fourth album as a soloist ("Agüita que corre"). On April 4 of that year he suffers a serious car accident that will take him away from the stage for a year.

1996: Just one year after the accident, he began a tour of Europe with Paco de Lucía and reappeared with his group in July of the same year, performing at the Getxo Jazz Festival and in Barcelona, ​​where he also recorded his fifth album (" Fénix "), in which it intervenes, in addition to its usual collaborators, Othello Molineaux, who plays the steel drum, metal drum of Trinidad, and some similar instrument.

1998/99: Formed the trio 'Pardo, Benavent, Di Geraldo', (with which he continues to work at the moment, one of the trio's performances is recorded ("El concierto de Sevilla") in December 1999.

2000: Tour in January for England with the "Homage to Don Alias ​​birthday" with the same Don Alias, Alex Acuna, Giovanni Hidalgo, Steve Barrios, Michael Brecker, Randy Brecker and Gil Goldstein.

2002: Edits his seventh album ("Aigua"), awarded as the best jazz album of the year by the 'Premios de la Música'

2003: Form another trio with Jordi Bonell and Roger Blavia. He is invited, along with Jorge Pardo, Tino Di Geraldo and Gil Goldstein to participate in the Jazz Festival of Vitoria, where they play with Pat Metheny.

2004: He returns to work with Chick Corea along with Jorge Pardo, Rubem Dantas and Tommy Brechtlein: they tour around Europe and the United States under the name of Chick Corea & Touchstone. In September of the same year, he performed in Barcelona with his "Benavent 3 Trios": one of those trios is with Jordi Bonell and Roger Blavia; another, with Gil Golstein and Jordi Rossy; and the other, with Jorge Pardo and Tino di Geraldo ... and again the special collaboration of Othello Molineaux. Record with Jorge and Tino a new album: "Without Precedents".

2005: He records with Chick Corea, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Hubert Laws, Airto Moreira, Hossam Ramzy and Tim Garland the album The Ultimate Adventure, by Chick Corea & "Touchstone Band, with which he continues to tour the United States, Europe and Latin America

2009: Contributes to the new album by Italian guitarist Flavio Sala, entitled De La Buena Onda.

2011: Collaborates in the album Ondines ballen of the Catalan harpist Josep-Maria Ribelles, on the theme Vent de novembre.

Salvador Font BUTTER

info in Catalan ...

Salvador Font "Mantequilla", a reference saxophonist in the history of Spanish jazz, who became a violinist after some respiratory problems and who settled in Mallorca at the end of the 60s.

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sábado, 30 de marzo de 2019

Jimmy Ponder • What's New

Review by Scott Yanow
Guitarist Jimmy Ponder's trio date is very much in the style of the classic mid- to late-'60s soul-jazz sessions. His double-time version of "God Bless the Child" is a bit reminiscent of Richard "Groove" Holmes' hit version of "Misty," and the other standards are all interpreted with swing and soul. Ponder has an appealing sound that blends in well with organist Gene Ludwig and drummer Cecil Brooks III and results in accessible ensembles. Although few surprises occur, none are really needed, for this style of music always pleases organ fans and lovers of swinging soul-jazz.


Review by Scott Yanow
Guitarist Jimmy Ponder's trio date is very much in the style of the classic mid- to late-'60s soul-jazz sessions. His double-time version of "God Bless the Child" is a bit reminiscent of Richard "Groove" Holmes' hit version of "Misty," and the other standards are all interpreted with swing and soul. Ponder has an appealing sound that blends in well with organist Gene Ludwig and drummer Cecil Brooks III and results in accessible ensembles. Although few surprises occur, none are really needed, for this style of music always pleases organ fans and lovers of swinging soul-jazz.

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The Guitars Inc • "Invitation" & "Soft and Subtle" / Guitar players: Tommy Tedesco, Al Hendrickson, Howard Roberts, Bobby Gibbons & Bill Pitman

These two 1958 albums, “Invitation” and “Soft and Subtle,” brought together five of Hollywood’s finest guitarists—namely Tommy Tedesco, Al Hendrickson, Howard Roberts, Bobby Gibbons, and Bill Pitman—under the direction of Jack Marshall, and with the corporate name The Guitars, Inc. Five talented musicians, each an outstanding soloist in his own right, but all challenged and pleased with the possi- bilities of the group guitar sound. All five were in constant demand for recordings, radio, television and motion pictures, but they joined forces to combine this unique instrumentation with great musicianship and inventiveness, playing a careful selec- tion of material: the familiar and the obscure, the dreamy and the up-tempo, the swinging and the delicate. You are invited on a voyage of discovery to a new musi- cal realm where taste, subtlety, imagination and charm conspire to bring back the joy of listening to fine music.


Estos dos álbumes de 1958, "Invitación" y "Suave y sutil", reunieron a cinco de los mejores guitarristas de Hollywood, a saber, Tommy Tedesco, Al Hendrickson, Howard Roberts, Bobby Gibbons y Bill Pitman, bajo la dirección de Jack Marshall, y con el nombre corporativo The Guitars, Inc. Cinco músicos talentosos, cada uno de ellos un destacado solista por derecho propio, pero todos desafiados y complacidos con las posibilidades del grupo de sonido de guitarra. Los cinco estaban en constante demanda de grabaciones, radio, televisión y películas, pero unieron sus fuerzas para combinar esta instrumentación única con una gran musicalidad e inventiva, tocando una cuidadosa selección de material: lo familiar y lo oscuro, lo soñador y lo moderno. Up-tempo, el swing y lo delicado. Te invitamos a un viaje de descubrimiento a un nuevo reino musical donde el gusto, la sutileza, la imaginación y el encanto conspiran para devolverte la alegría de escuchar buena música.


James Brown • Nothing but Soul

Tom Petty • The Last DJ

Gerald Wiggins Trio • Wigging With Wig

Review by Michael G. Nastos
Gerald Wiggins, a quintessential sideman figure on the West Coast jazz scene, played piano with a dexterity and facile skill that easily rivaled the witty speed of Oscar Peterson and the soulful playfulness of Erroll Garner. This was readily acknowledged by his peers in California, but not heard by the jazz world at large until this, his debut U.S. recording, originally for the Dig label owned by the legendary Johnny Otis. With former Nat King Cole bassist Joe Comfort and then emerging jazz drummer Bill Douglas, Wiggins did this session in 1956, and it is a straight reissue of those tracks, with no extra material, at the LP length of just under 40 minutes. Wiggins generally goes back and forth from upbeat post-bop to mellow and sweet easy swingers -- there's little middle ground. The tunes that fly by very quickly include standards "Love for Sale," "Surrey with the Fringe on Top," the quick, popping "Three Little Words" and the Wiggins original "DeSilva Wig" for jazz DJ Walt DeSilva. On these, the trio is, well, wiggin' out! The slower numbers are also done with a taste and refinement exclusive of much older players, but Wiggins has selected some numbers off the beaten path. Duke Ellington's lovable "I Don't Know What Kind of Blues I Got," is somewhat obscure, a delicate read of "The Man That Got Away" is not the best known Harold Arlen tune, and the warhorse "Dinah" is taken at an unusually slow pace, with Wiggins inserting stride references astutely reminiscent of Garner. "Laura" is nice and elegant, but shows the lounge side of Wiggins in a less typical or rote fashion. Comfort and Douglas sound great together, as their finely crafted and in-tune collaboration supporting Wiggins cannot be overlooked. The shortness of this program might be an issue for bargain hunters, but this is an historical document marking the emergence of one of the true unsung heroes in modern mainstream small group piano jazz, and is an item all should find easy to love.


Revisión por Michael G. Nastos
Gerald Wiggins, una figura sideman por excelencia en la escena del jazz de la Costa Oeste, tocaba el piano con destreza y habilidad que fácilmente rivalizaba con la ingeniosa velocidad de Oscar Peterson y la alegría juguetona de Erroll Garner. Esto fue reconocido fácilmente por sus colegas en California, pero no fue escuchado por el mundo del jazz en general hasta que se realizó esta grabación en Estados Unidos, originalmente para el sello Dig, propiedad del legendario Johnny Otis. Con el ex bajista de Nat King Cole Joe Comfort y el emergente baterista de jazz Bill Douglas, Wiggins realizó esta sesión en 1956, y es una reedición directa de esas pistas, sin material adicional, con una duración de LP de poco menos de 40 minutos. Por lo general, Wiggins va de un lado a otro después del bop optimista a los swingers suaves y dulces: hay poco terreno intermedio. Las melodías que vuelan muy rápidamente incluyen los estándares "Love for Sale", "Surrey con la franja en la parte superior", "el rápido y emergente" Three Little Words "y el original de Wiggins" DeSilva Wig "para el DJ de jazz Walt DeSilva. Sobre estos, el trío está, bueno, ¡luchando! Los números más lentos también se hacen con un gusto y refinamiento exclusivos de jugadores mucho mayores, pero Wiggins ha seleccionado algunos números fuera de lo común. El adorable "No sé qué tipo de blues que recibí" de Duke Ellington es algo oscuro, una lectura delicada de "El hombre que se fue" no es la canción más conocida de Harold Arlen, y el caballo de guerra "Dinah" se toma en un ritmo inusualmente lento, con Wiggins insertando referencias de zancada que recuerdan astutamente a Garner. "Laura" es agradable y elegante, pero muestra el lado del salón de Wiggins de una manera menos típica o de memoria. Comfort y Douglas suenan muy bien juntos, ya que su colaboración finamente diseñada y sintonizada que apoya a Wiggins no se puede pasar por alto. La brevedad de este programa puede ser un problema para los cazadores de gangas, pero este es un documento histórico que marca el surgimiento de uno de los verdaderos héroes desconocidos en el piano de grupo moderno, y es un elemento que todos deberían encontrar fácil de amar.

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Svend Asmussen • Still Fiddling

Svend Asmussen (born 28 February 1916) is a jazz violinist from Denmark, known as "The Fiddling Viking". A Swing style virtuoso, he played and recorded with many of the greats of Jazz, including Duke Ellington, Benny Goodman and Stephane Grappelli. He played publicly until 2010 when he had an blood clot, his career spanning 8 decades.

Asmussen was born in Copenhagen, Denmark, raised in a musical family, and started taking violin lessons at the age of 7. At age 16 he first heard recordings by jazz violin great Joe Venuti and began to emulate his style. He started working professionally as a violinist, vibraphonist, and singer at age 17, leaving his formal training behind for good. Early in his career he worked in Denmark and on cruise ships with artists such as Josephine Baker and Fats Waller. Asmussen later was greatly influenced by Stuff Smith, whom he met in Denmark. Asmussen played with Valdemar Eiberg and Kjeld Bonfils during World War II, during which time jazz had moved to the underground and served as a form of political protest.

In the late 1950s, Asmussen formed the trio Swe-Danes with singer Alice Babs and guitarist Ulrik Neumann. The group became very popular in Scandinavia for their music hall style entertainment and also toured the United States. Asmussen also worked with Benny Goodman, Lionel Hampton, and Duke Ellington. Asmussen was invited by Ellington to play on his Jazz Violin Session recording in 1963 with Stéphane Grappelli and Ray Nance.

In 1966 Asmussen appeared alongside Grappelli, Stuff Smith, and Jean-Luc Ponty in a jazz Violin Summit in Switzerland that was issued as a live recording. He made an appearance at the 1967 Monterey Jazz Festival, which included a celebrated violin summit with him, Ray Nance and Jean-Luc Ponty. In 1969 he guested on "Snakes in a Hole," an album by the jazz-rock band Made in Sweden. He was still active playing violin at the age of 94. He turned 100 in February 2016.

Asmussen's collection of jazz music, photographs, posters and other material is held in the jazz collections at the University Library of Southern Denmark. Asmussen's son, Claus Asmussen, is a guitar player in Denmark and a former member of the band Shu-Bi-Dua.

Review by Ken Dryden
Svend Asmussen's career has unfortunately been overshadowed by phenomenal success of Stephane Grappelli. With Grappelli's death in 1997, there is no reason why this swinging violinist shouldn't achieve wider recognition, particularly with this excellent studio date. Accompanied by guitarist Jacob Fischer, bassist Jesper Lundgaard, and drummer Aage Tanggaard, Asmussen's diverse program is full of surprises. The understated treatment of "How Deep Is the Ocean" passes the solo spotlight continuously among the string players, while Fletcher Henderson's "Down South Camp Meeting," a piece pretty much overlooked since the heyday of Benny Goodman, swings like mad. A brisk "Hallelujah," powered by Tanggaard's brushwork, is easily the most adventurous track. "Sermon for Stuff," though obviously dedicated to the late violinist Stuff Smith, is a slow waltz that has a bit of a reverential air to it. The CD also ranges from Eubie Blake's "Memories of You" to classical composer Edvard Grieg's "Jeg Elsker Dig" and the Jewish melody "Shalom Elechem." Asmussen is also a delight as a composer, contributing the joyful "Silly Shuffle." Swing fans should pick up this disc without hesitation.


Svend Asmussen (nacido el 28 de febrero de 1916) es un violinista de jazz de Dinamarca, conocido como "The Fiddling Viking". Un virtuoso del estilo Swing, tocó y grabó con muchos de los grandes del Jazz, incluidos Duke Ellington, Benny Goodman y Stephane Grappelli. Jugó públicamente hasta 2010, cuando tuvo un coágulo de sangre, y su carrera abarcó 8 décadas.

Asmussen nació en Copenhague, Dinamarca, se crió en una familia de músicos y comenzó a tomar clases de violín a la edad de 7 años. A los 16 años escuchó por primera vez grabaciones del gran violín de jazz Joe Venuti y comenzó a emular su estilo. Comenzó a trabajar profesionalmente como violinista, vibrafonista y cantante a los 17 años, dejando su entrenamiento formal atrás para siempre. Al principio de su carrera, trabajó en Dinamarca y en cruceros con artistas como Josephine Baker y Fats Waller. Más tarde, Asmussen recibió una gran influencia de Stuff Smith, a quien conoció en Dinamarca. Asmussen jugó con Valdemar Eiberg y Kjeld Bonfils durante la Segunda Guerra Mundial, tiempo durante el cual el jazz se trasladó al metro y sirvió como una forma de protesta política.

A finales de la década de 1950, Asmussen formó el trío Swe-Danes con la cantante Alice Babs y el guitarrista Ulrik Neumann. El grupo se hizo muy popular en Escandinavia por su estilo de entretenimiento musical y también realizó una gira por los Estados Unidos. Asmussen también trabajó con Benny Goodman, Lionel Hampton y Duke Ellington. Asmussen fue invitado por Ellington para tocar en su grabación de Jazz Violin Session en 1963 con Stéphane Grappelli y Ray Nance.

En 1966, Asmussen apareció junto a Grappelli, Stuff Smith y Jean-Luc Ponty en una cumbre de violín de jazz en Suiza que se emitió como una grabación en vivo. Hizo una aparición en el Monterey Jazz Festival de 1967, que incluyó una célebre cumbre de violín con él, Ray Nance y Jean-Luc Ponty. En 1969 participó en "Snakes in a Hole", un álbum de la banda de jazz-rock Made in Sweden. Todavía estaba activo tocando el violín a la edad de 94 años. Cumplió 100 años en febrero de 2016.

La colección de música de jazz, fotografías, carteles y otro material de Asmussen se lleva a cabo en las colecciones de jazz de la Biblioteca de la Universidad del Sur de Dinamarca. El hijo de Asmussen, Claus Asmussen, es un guitarrista en Dinamarca y ex miembro de la banda Shu-Bi-Dua.

Revisión por Ken Dryden
La carrera de Svend Asmussen desafortunadamente ha sido eclipsada por el fenomenal éxito de Stephane Grappelli. Con la muerte de Grappelli en 1997, no hay ninguna razón por la que este violinista no tenga un reconocimiento más amplio, especialmente con esta excelente fecha de estudio. Acompañado por el guitarrista Jacob Fischer, el bajista Jesper Lundgaard y el baterista Aage Tanggaard, el diverso programa de Asmussen está lleno de sorpresas. El discreto tratamiento de "How Deep Is the Ocean" pasa a los focos en solitario de forma continua entre los músicos de cuerda, mientras que "Down South Camp Meeting" de Fletcher Henderson, una pieza que casi se pasa por alto desde el apogeo de Benny Goodman, gira como loca. Un "Hallelujah" enérgico, impulsado por la obra de pincel de Tanggaard, es fácilmente la pista más aventurera. "Sermon for Stuff", aunque obviamente está dedicado al violinista fallecido Stuff Smith, es un lento vals que tiene un poco de aire reverencial. El CD también abarca desde "Memories of You" de Eubie Blake hasta "Jeg Elsker Dig" del compositor clásico Edvard Grieg y la melodía judía "Shalom Elechem". Asmussen también es una delicia como compositor, contribuyendo con el alegre "Silly Shuffle". Los fanáticos del swing deben recoger este disco sin dudarlo.

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The David Whitaker Orchestra • Music To Spy By

David Sinclair Whitaker (6 January 1931 – 11 January 2012) was an English composer, songwriter, arranger, and conductor who was most active in the 1960s and 1970s.

Whitaker, who was born in Kingston upon Thames, collaborated with many prestigious British and French artists including Air, Etienne Daho, Marianne Faithfull, Claude François, Serge Gainsbourg, France Gall, Johnny Hallyday, The Rolling Stones, Jimmy Page (for the soundtrack to Death Wish II), Saint Etienne, Simply Red and Sylvie Vartan, and other international artists including Lee Hazlewood, Kings of Convenience and Francesco De Gregori.

Whitaker recorded several sessions with the BBC Radio Orchestra at the Maida Vale Studios, London, in the early 1980s, featuring a mixture of his own compositions and arrangements, to high acclaim.

In 1992, David Whitaker (along with Adrian Burch), arranged and produced a recording of the Buddy Holly hit "Heartbeat" with vocals performed by actor/singer Nick Berry. It was to be used as the title theme for popular ITV drama series Heartbeat, which also starred Berry. The single was released in 1992 and reached number 2 on the U.K. chart. It was used on every episode of the series until its cancellation in 2010. David and Adrian also composed incidental music for many episodes, although with an increase in the number of episodes produced per year and the reduction in production time per episode, episodes later began to be heavily scored with sections of 1960s pop songs.

Alongside his other collaborations, David Whitaker recorded many interpretations of songs for albums released by Reader's Digest. They were usually credited to David Whitaker And His Orchestra.


David Sinclair Whitaker (6 de enero de 1931 - 11 de enero de 2012) fue un compositor, compositor, arreglista y director de orquesta inglés más activo en los años sesenta y setenta.

Whitaker, quien nació en Kingston upon Thames, colaboró ​​con muchos artistas británicos y franceses de prestigio, como Air, Etienne Daho, Marianne Faithfull, Claude François, Serge Gainsbourg, France Gall, Johnny Hallyday, The Rolling Stones, Jimmy Page (para la banda sonora de Death Wish II), Saint Etienne, Simply Red y Sylvie Vartan, y otros artistas internacionales como Lee Hazlewood, Kings of Convenience y Francesco De Gregori.

Whitaker grabó varias sesiones con la BBC Radio Orchestra en los Estudios Maida Vale, en Londres, a principios de la década de 1980, con una mezcla de sus propias composiciones y arreglos, con gran éxito.

En 1992, David Whitaker (junto con Adrian Burch), arregló y produjo una grabación del éxito de Buddy Holly "Heartbeat" con voces interpretadas por el actor / cantante Nick Berry. Debía usarse como tema del título de la popular serie dramática de ITV, Heartbeat, que también protagonizó Berry. El single fue lanzado en 1992 y alcanzó el número 2 en la lista del Reino Unido. Se utilizó en todos los episodios de la serie hasta su cancelación en 2010. David y Adrian también compusieron música incidental para muchos episodios, aunque con un aumento en el número de episodios producidos por año y la reducción en el tiempo de producción por episodio, los episodios comenzaron más tarde. para ser fuertemente anotado con secciones de canciones pop de los años sesenta.

Junto a sus otras colaboraciones, David Whitaker grabó muchas interpretaciones de canciones para álbumes lanzados por Reader's Digest. Por lo general, fueron acreditados a David Whitaker y su orquesta.

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