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miércoles, 21 de agosto de 2019

Eddie Chamblee • The Rockin' And Walkin' Rhythm Of Eddie Chamblee



Edwin Leon Chamblee (24 February 1920 – 1 May 1999), known as Eddie "Long Gone" Chamblee, was an American tenor and alto saxophonist, and occasional vocalist, who played jazz and R&B.

He was born in Atlanta, Georgia, and grew up in Chicago where he began learning the saxophone at the age of 12. After leaving Wendell Phillips High School, he studied law at Chicago State University, playing in clubs in the evenings and at weekends. He played in US Army bands between 1941 and 1946. After leaving the army, he joined Miracle Records. He played on Sonny Thompson's hit record "Long Gone" in 1948, and on its follow-up, "Late Freight", credited to the Sonny Thompson Quintet featuring Eddie Chamblee. Both records reached no. 1 on the national Billboard R&B chart. Two follow-up records, "Blue Dreams" and "Back Street", also made the R&B chart in 1949.

From 1947, he led his own band in Chicago clubs, as well as continuing to record with Thompson and on other sessions in Chicago, including The Four Blazes' no. 1 R&B hit "Mary Jo" in 1952. In 1954 he joined Lionel Hampton's band for two years, touring in Europe, before returning to lead his own group in Chicago. He accompanied both Amos Milburn and Lowell Fulson on some of their recordings, and then worked as accompanist to Dinah Washington on many of her successful recordings in the late 1950s and early 1960s. The two performed vocal duets in a style similar to that later adopted by Washington with Brook Benton, and were briefly married; he was her fifth husband. Chamblee also recorded for the Mercury and EmArcy labels, and with his own group in the early 1960s for the Roulette and Prestige labels.

In the 1970s he rejoined Hampton for tours of Europe, where he also played with Milt Buckner, and he recorded for the French Black & Blue label. He also performed with the Count Basie Orchestra in 1982, and from the 1980s until his death with the Harlem Blues and Jazz Band, as well as in clubs in New York City.

He died in New York in 1999 at the age of 79.

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Edwin Leon Chamblee (24 de febrero de 1920 - 1 de mayo de 1999), conocido como Eddie "Long Gone" Chamblee, era un tenor y saxofonista alto estadounidense, y vocalista ocasional, que tocaba jazz y R&B.

Nació en Atlanta, Georgia, y creció en Chicago donde comenzó a aprender el saxofón a la edad de 12 años. Después de dejar la Escuela Secundaria Wendell Phillips, estudió leyes en la Universidad Estatal de Chicago, tocando en clubes por las tardes y los fines de semana. Tocó en bandas del ejército estadounidense entre 1941 y 1946. Después de dejar el ejército, se unió a Miracle Records. Tocó en el exitoso disco de Sonny Thompson "Long Gone" en 1948, y en su seguimiento, "Late Freight", acreditado al quinteto Sonny Thompson Quintet con Eddie Chamblee. Ambos registros alcanzaron el número 1 en la lista nacional de Billboard R&B. Dos discos de seguimiento, "Blue Dreams" y "Back Street", también formaron parte de la lista de éxitos de R&B en 1949.

A partir de 1947, dirigió su propia banda en clubes de Chicago, además de continuar grabando con Thompson y en otras sesiones en Chicago, incluyendo el éxito número 1 de R&B de The Four Blazes, "Mary Jo", en 1952. En 1954 se unió a la banda de Lionel Hampton durante dos años, de gira por Europa, antes de volver a dirigir su propio grupo en Chicago. Acompañó a Amos Milburn y Lowell Fulson en algunas de sus grabaciones, y luego trabajó como acompañante de Dinah Washington en muchas de sus grabaciones exitosas a finales de los 50 y principios de los 60. Los dos interpretaron dúos vocales en un estilo similar al que más tarde adoptó Washington con Brook Benton, y se casaron brevemente; él era su quinto marido. Chamblee también grabó para los sellos Mercury y EmArcy, y con su propio grupo a principios de los años 60 para los sellos Roulette y Prestige.

En la década de 1970 se reincorporó a Hampton para realizar giras por Europa, donde también tocó con Milt Buckner, y grabó para el sello francés Black & Blue. También tocó con la Count Basie Orchestra en 1982, y desde la década de 1980 hasta su muerte con la Harlem Blues and Jazz Band, así como en clubes de la ciudad de Nueva York.

Murió en Nueva York en 1999 a la edad de 79 años.


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Ashwin Batish • Sitar Power 1



Album Notes
It's powerful, it's magical! .... Stops you dead in your tracks the first time you hear it .... Batish rips on the Sitar" - Tower Records, Pulse.

"Sitar Power is a mind blowing mix of modern funk gadgetry and classical Eastern flavor. This is no novelty. Batish has been called a sitar master by fellow musicians and critics alike." - CMJ, NY

Bombay Born Ashwin Batish rocked the airwaves with his debut album Sitar Power 1 in 1986. This album drew rave reviews for its innovative stance and as one of the pioneering albums in the Worldbeat genre that successfully fused the classical sitar music of India with rock. This re-release on CD is done by popular demand following the recent release of his Sitar Power 2 CD!

This CD was also awarded honorable mention by the National Association of Independant Record Distributors.

Ashwin Batish is an extraordinary sitarist and tabla player. He received training in the North Indian classical tradition from his father S.D. Batish and later created his own unique fusion of Indian classical sitar with pop, rock, jazz, calypso, funk... an example of a few hybrids he excells at. He is famous for such songs as the Bombay Boogie, Raga Rock, Raga Jazz, Casbah Shuffle and Sitar Mania.

Ashwin is also very well know for being an educator. His series of instructional videos for the sitar, tabla, dilruba, dholak, vichitra veena, harmonium that he has produced with his father Pandit Shiv Dayal Batish have become a very sought after commodity by the Indian music student. Ashwin often gives private and group Indian music lessons at his Santa Cruz, California USA facility and is often called upon by various music festivals and universities to perform his sitar and be a guest lecturer for weekend workshops and seminars on Indian music and ethnopop, raga rock sitar fusion.

Ashwin Batish's pioneering effort in worldbeat music called "Sitar Power" has earned him some critical reviews and great respect in the music community. The sitar is ageless in Ashwin's hands. It is souped up for amplification and effects! We hope you get to catch one of Ashwin's electric performances. His music is as dynamic as his stage presence.
https://store.cdbaby.com/cd/ashwin1

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Notas del álbum
Es poderoso, es mágico! .... Te detiene en seco la primera vez que lo escuchas..... Batish rips on the Sitar" - Tower Records, Pulse.

"Sitar Power es una alucinante mezcla de modernos artefactos funk y el clásico sabor oriental. Esto no es ninguna novedad. Batish ha sido llamado maestro de sitar por músicos y críticos por igual". - CMJ, NY

Bombay Born Ashwin Batish sacudió las ondas con su álbum debut Sitar Power 1 en 1986. Este álbum recibió críticas muy favorables por su postura innovadora y por ser uno de los álbumes pioneros en el género Worldbeat que fusionó con éxito la música clásica de sitar de la India con el rock. Este re-lanzamiento en CD es hecho por demanda popular después del reciente lanzamiento de su CD Sitar Power 2!

Este CD también recibió una mención honorífica de la National Association of Independant Record Distributors (Asociación Nacional de Distribuidores de Discos Independientes).

Ashwin Batish es un extraordinario sitarista y tablaista. Recibió entrenamiento en la tradición clásica del norte de la India por parte de su padre S.D. Batish y más tarde creó su propia fusión única de sitar clásico indio con el pop, rock, jazz, calypso, funk.... un ejemplo de algunos híbridos en los que se destaca. Es famoso por canciones como Bombay Boogie, Raga Rock, Raga Jazz, Casbah Shuffle y Sitar Mania.

Ashwin también es muy conocido por ser un educador. Su serie de videos instructivos para el sitar, tabla, dilruba, dholak, vichitra veena, armonio que ha producido con su padre Pandit Shiv Dayal Batish se han convertido en una mercancía muy buscada por el estudiante de música indio. Ashwin a menudo da clases privadas y grupales de música india en sus instalaciones de Santa Cruz, California, EE.UU. y a menudo es llamado por varios festivales de música y universidades para interpretar su sitar y ser un conferenciante invitado para talleres de fin de semana y seminarios sobre música india y etnopopop, fusión de sitar de rock raga.

El esfuerzo pionero de Ashwin Batish en el mundo de la música llamada "Sitar Power" le ha ganado algunas críticas y un gran respeto en la comunidad musical. El sitar no tiene edad en las manos de Ashwin. Está preparado para la amplificación y los efectos! Esperamos que puedan ver una de las actuaciones eléctricas de Ashwin. Su música es tan dinámica como su presencia escénica.
https://store.cdbaby.com/cd/ashwin1


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Roby Lakatos, Biréli Lagrène • Tribute To Stéphane & Django



Live performance given by jazz musicians Roby Lakatos and Biréli Lagrène as they pay tribute to the music of Stéphane Grappelli and Django Reinhardt.

The exciting meeting of two living legends of Jazz! For the first time on SACD/DVD "The fastest-fingered fiddler in the world" Roby Lakatos is joined by "speed demon" guitar hero Biréli Lagrène for a unique tribute to Stéphane Grappelli and Django Reinhardt. Both musicians performed in their youth with Stephane Grappelli. For this album they surrounded themselves with the superlative big band of the Modern Art Orchestra and by two first rate Jazzmen of the younger generation: thrilling drummer Niek de Bruijn and guitar sensation Andreas Varady. This is an explosive tribute to Manouche Jazz with standards such as "Djangology", "Nuages", "Stella by Starlight" and "Nuits de Saint-Germain-Des-Près".

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Actuación en directo de los músicos de jazz Roby Lakatos y Biréli Lagrène en homenaje a la música de Stéphane Grappelli y Django Reinhardt.

El emocionante encuentro de dos leyendas vivas del Jazz! Por primera vez en SACD/DVD "El violinista con los dedos más rápidos del mundo" Roby Lakatos se une al héroe de la guitarra "demonio de la velocidad" Biréli Lagrène para un tributo único a Stéphane Grappelli y Django Reinhardt. Ambos músicos actuaron en su juventud con Stephane Grappelli. Para este álbum se rodearon de la superlativa big band de la Modern Art Orchestra y de dos Jazzmen de primera categoría de la generación más joven: el emocionante batería Niek de Bruijn y el sensacional guitarrista Andreas Varady. Se trata de un homenaje explosivo al Manouche Jazz con estándares como "Djangology", "Nuages", "Stella by Starlight" y "Nuits de Saint-Germain-Des-Près".


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El Chicano • The Best Of El Chicano



Review by Al Campbell
As part of Universal's 20th Century Masters - The Millennium Collection, the 12-track Best of El Chicano disc highlights the group's best-known material released in the early to mid-'70s. While the group has often been compared to Santana, they were a much tighter outfit, bypassing extended jams and sticking closely to their combined roots of soul, salsa, and Latin jazz. Beyond their two genre-defining hit singles, "Brown-Eyed Girl" (1972) and "Tell Her She's Lovely" (1973), the collection includes such album tracks as "Viva Tirado," "The Latin One," and "Juntos," mixed with boogaloo-tinged Latin jazz written by Tito Puente, Herbie Hancock, and Ray Barretto. Along with Cannibal & the Headhunters and the Premiers, el Chicano were among the first generation of Hispanic rockers to gain national attention and break out of the local East Los Angeles scene of the '60s and '70s. It's encouraging that their music is finally being given the proper attention it deserves.
info: https://en.wikipedia.org/wiki/El_Chicano

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Reseña de Al Campbell
Como parte de los 20th Century Masters - The Millennium Collection de Universal, el disco de 12 temas Best of El Chicano destaca el material más conocido del grupo, publicado a principios o mediados de los años 70. Aunque el grupo a menudo ha sido comparado con Santana, eran un grupo mucho más apretado, que pasaba por alto las mermeladas extendidas y se aferraba a sus raíces combinadas de soul, salsa y jazz latino. Más allá de sus dos éxitos de género, "Brown-Eyed Girl" (1972) y "Tell Her She's Lovely" (1973), la colección incluye temas de álbumes como "Viva Tirado", "The Latin One" y "Juntos", mezclados con jazz latino teñido de boogaloo escrito por Tito Puente, Herbie Hancock y Ray Barretto. Junto con Cannibal & the Headhunters y los Premier, el Chicano estuvo entre la primera generación de rockeros hispanos en ganar atención nacional y salir de la escena local del Este de Los Ángeles de los años'60 y'70. Es alentador que su música finalmente reciba la atención adecuada que merece.
info: https://en.wikipedia.org/wiki/El_Chicano


martes, 20 de agosto de 2019

Rusty Bryant • Original Quintet Complete Recordings



This unprecedented release features twenty-six tracks of the powerful groove-oriented tenor saxophonist playing a rare straight-ahead set accompanied by such outstandings figures as Gerald Wiggins on the piano chair, Howard Roberts or John Collins on guitar, Red Callender on bass and Alvin Stoller or Shelly Manne on drums. The various formations swing with precision, providing Rusty with the perfect backdrop to demonstrate his ample saxophone skills and impecable taste.
The repertoire contains a lot of Standards as well as seven own compositions. As a Bonus Tracks appeared two tracks of his first LP recorded in NYC, 1954.

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Este lanzamiento sin precedentes incluye veintiséis temas del poderoso saxofonista tenor orientado al groove, tocando un raro set de cabeza recta acompañado de figuras tan destacadas como Gerald Wiggins en la silla del piano, Howard Roberts o John Collins en la guitarra, Red Callender en el bajo y Alvin Stoller o Shelly Manne en la batería. Las diversas formaciones se balancean con precisión, proporcionando a Rusty el telón de fondo perfecto para demostrar sus amplias habilidades como saxofonista y su impecable gusto.
El repertorio contiene muchos Estándares así como siete composiciones propias. Como un Bonus Tracks aparecieron dos temas de su primer LP grabado en NYC, 1954.


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Milt Jackson • Milt Jackson Quartet



Review by Richard Mortifoglio
This 1955 date is an intriguing opportunity to hear Milt Jackson accompanied by the MJQ rhythm section, but with hard bopper Horace Silver substituting for John Lewis. Not only that, it's also a chance to hear a hitherto unknown, lushly romantic side of both Jackson and Silver, two blues-oriented players who rarely if ever recorded standards in this sort of style. With its excellent recording quality, it's a perfect album for intimate dinners and other late-night activities. Artie Shaw's exotic "Moonray" is rarely heard in any sort of context, while "My Funny Valentine" and "The Nearness of You" set the mood throughout.

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Reseña de Richard Mortifoglio
Esta fecha de 1955 es una interesante oportunidad para escuchar a Milt Jackson acompañado de la sección rítmica MJQ, pero con el hard bopper Horace Silver sustituyendo a John Lewis. No sólo eso, sino que también es una oportunidad para escuchar un lado hasta ahora desconocido y exuberantemente romántico tanto de Jackson como de Silver, dos jugadores orientados al blues que rara vez, si es que alguna vez han registrado estándares en este tipo de estilo. Con su excelente calidad de grabación, es un álbum perfecto para cenas íntimas y otras actividades nocturnas. El exótico "Moonray" de Artie Shaw rara vez se escucha en ningún tipo de contexto, mientras que "My Funny Valentine" y "The Nearness of You" marcan la pauta en todo momento.




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Docteur Legume Et Les Surfwerks • Outer-Space Spaghetti Surf With

Herb Ellis • Thank You, Charlie Christian



Review by Jason Ankeny
Thank You Charlie Christian pays homage to the legendary jazz guitarist in a manner most appropriate to an innovator of his stature -- rather than merely imitate that which is inimitable, Herb Ellis channels the imagination and expressiveness of his hero to create a lean, mean sound far more forward-thinking than nostalgic. Like Christian, Ellis favors feeling over flash and economy over excess -- paired here with pianist Frank Strazzari, bassist Chuck Berghofer, cellist Harry Babasin and drummer Kenny Hume, he creates a series of compact and determinedly contemporary bop snapshots in vivid Technicolor, not the black-and-white of a bygone era. A beautiful and heartfelt record that draws from the past but refuses to live in it.

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Reseña de Jason Ankeny
Thank You Charlie Christian rinde homenaje al legendario guitarrista de jazz de la manera más apropiada para un innovador de su talla, en lugar de simplemente imitar lo que es inimitable, Herb Ellis canaliza la imaginación y la expresividad de su héroe para crear un sonido magro y mezquino mucho más previsor que nostálgico. Al igual que Christian, Ellis favorece el sentimiento por encima del flash y la economía por encima del exceso -- emparejado aquí con el pianista Frank Strazzari, el bajista Chuck Berghofer, el violonchelista Harry Babasin y el baterista Kenny Hume, crea una serie de instantáneas de bop compactas y decididamente contemporáneas en vívido Technicolor, y no en el blanco y negro de una era pasada. Un disco hermoso y sincero que se inspira en el pasado pero que se niega a vivir en él.


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Bobby Jackson • The Bobby Jackson's Cafe Extra-Ordinaire Story



The Café Extra-Ordinaire might not be as well-known as the Village Vanguard or Birdland, but in the world of Minneapolis jazz, Bobby Jackson’s storied venue was just as iconic. It was a musical destination, a spot that saw such indelible names as Freddie Hubbard, Rahsaan Roland Kirk and Elvin Jones stop in whilst jet-setting between coasts. The Café Extra-Ordinaire Story is the seventh release of the Jazzman label’s Holy Grail series. It's from a 1977 private press LP featuring Jackson’s crack house band, which played between headlining acts, running through a septet of inspired performances that transcend the myopia of criminal, financial and interpersonal issues miring the shaky state of the club at the time. This is a deep, beautiful, challenging jazz album that any fan of the Impulse! or Black Lion labels of the late '60s and early '70s could easily appreciate.
https://www.normanrecords.com/records/118056-bobby-jackson-cafe-extraordinaire-story

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El Café Extra-Ordinaire puede que no sea tan conocido como el Village Vanguard o Birdland, pero en el mundo del jazz de Minneapolis, el escenario histórico de Bobby Jackson era igual de emblemático. Era un destino musical, un lugar que vio nombres tan indelebles como Freddie Hubbard, Rahsaan Roland Kirk y Elvin Jones detenerse en el jet-set entre las costas. The Café Extra-Ordinaire Story es el séptimo lanzamiento de la serie Holy Grail del sello Jazzman. Es de un LP de la prensa privada de 1977 que presentaba a la banda de crack house de Jackson, que tocaba entre actos de primera plana, corriendo a través de un septeto de actuaciones inspiradas que trascienden la miopía de los asuntos criminales, financieros e interpersonales que miran el estado tembloroso del club en ese momento. Este es un álbum de jazz profundo, hermoso y desafiante que cualquier fanático de los sellos Impulse! o Black Lion de finales de los'60 y principios de los'70 podría apreciar fácilmente.
https://www.normanrecords.com/records/118056-bobby-jackson-cafe-extraordinaire-story


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Raphael Wressnig • True Blue



Raphael Wressnig, based in Austria but frequently on the road, is not your ordinary B-3 organ player. He’s actually one of a kind: a young master of the imposing, large instrument who is expansive in his breadth of expertise. He’s technically fluent in the blues, in jazz, in soul, and in funk, and he concocts exciting mixed-genre music from his fervid imagination. Versatile Wressnig doesn’t flaunt his virtuosic talent for the sake of spectacle but rather backs up his every movement on the keyboards, the drawbar and the bass pedal boards with a fierce emotional commitment. Influenced by royal predecessors like Jimmy Smith, Shirley Scott, Booker T. Jones and Joe Zawinul, Wressnig has taken his music throughout Europe and all over the world, from North Africa and Asia to the Middle East to the United States, Brazil, Chile, Mexico, and the Caribbean. This self-effacing musician, a native of Graz in southeast Austria, has recorded at least 16 feature albums and appeared as a guest on about 30 others. In 2013, 2015 & 2016, he was honored with a nomination for best organ player of the year in Downbeat Magazine.

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Raphael Wressnig, con sede en Austria, pero con frecuencia en la carretera, no es un organista ordinario del B-3. En realidad es único en su tipo: un joven maestro del imponente instrumento de gran tamaño que es expansivo en su amplia experiencia. Es técnicamente fluido en el blues, en el jazz, en el soul y en el funk, y elabora música excitante de género mixto a partir de su férvida imaginación. El versátil Wressnig no alardea de su talento virtuoso por el bien del espectáculo, sino que respalda cada uno de sus movimientos en los teclados, en la barra de tiro y en los pedales de los bajos con un feroz compromiso emocional. Influenciado por sus predecesores reales como Jimmy Smith, Shirley Scott, Booker T. Jones y Joe Zawinul, Wressnig ha llevado su música por toda Europa y por todo el mundo, desde el norte de África y Asia hasta Oriente Medio, Estados Unidos, Brasil, Chile, México y el Caribe. Este músico, oriundo de Graz, en el sudeste de Austria, ha grabado al menos 16 álbumes de largometrajes y ha aparecido como invitado en unos 30 álbumes más. En 2013, 2015 y 2016, fue honrado con una nominación al mejor organista del año en la revista Downbeat.


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The Real Thing • Oh No! Not... The Real Thing... Again!



 The Real Thing (1992-1995) was a Soul Jazz Band from Oslo, Norway, founded in 1992 when Sigurd Køhn and Palle Wagnberg formed the forerunner, The B3 Blues Band with Vidar Busk and Hamlet Pedersen. They changed the name when Staffan William-Olsson and Fredrik Carl Stormer joined the band. Størmer was replaced by Torstein Ellingsen in 1995, and Ellingsen again by Børre Dalhaug in 1998. Due to the sudden death of the band's saxophonist Sigurd Køhn in December 2004 The Real Thing was hibernating until a reunion in 2010.

The quartet released eight albums, their debut in 1992 with the album The Real Thing and later both live and studio recordings. They for the most play original music, combining influences from American Blue Note jazz (represented by people such aslike Jimmy Smith, George Benson and Wes Montgomery) and elements from modern popular music. The result is a mixture of genres including swing, blues, soul, Latin, funk and rock.

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The Real Thing (1992-1995) fue una Soul Jazz Band de Oslo, Noruega, fundada en 1992 cuando Sigurd Køhn y Palle Wagnberg formaron el precursor, The B3 Blues Band con Vidar Busk y Hamlet Pedersen. Cambiaron el nombre cuando Staffan William-Olsson y Fredrik Carl Stormer se unieron a la banda. El Størmer fue sustituido por Torstein Ellingsen en 1995 y Ellingsen por Børre Dalhaug en 1998. Debido a la repentina muerte del saxofonista de la banda Sigurd Køhn en diciembre de 2004, The Real Thing estaba hibernando hasta una reunión en 2010.

El cuarteto publicó ocho álbumes, su debut en 1992 con el álbum The Real Thing y posteriormente en directo y en estudio. Son los que más tocan música original, combinando influencias del jazz American Blue Note (representado por gente como Jimmy Smith, George Benson y Wes Montgomery) y elementos de la música popular moderna. El resultado es una mezcla de géneros como el swing, el blues, el soul, el latín, el funk y el rock.


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Cherry Wainer • Showtime In Your Club



Cherry Wainer nació el 2 de marzo de  1935 en East London, Eastern Cape, Sudáfrica y falleció el 15 de noviembre de 2014 en las Vegas, Nevada. Formó parte de la banda Lord Rockingham's XI y tuvo una carrera en solitario siendo una de las pocas mujeres solistas de Hammond. Cherry formó en los sesenta un dúo con el baterista Don Storer con el que se casó.  Los británicos la llamaban en la época “the Female Liberace”, por el apellido del conocido pianista y showman  americano. Tras morir su marido en los setenta, dejó la música profesionalmente  y cuando la BBC la recordó en 2013, trabajaba, completamente olvidada por todos, en una pequeña tienda de regalos.

Su padre promovía giras de músicos mientras que su madre la llevó de Sudáfrica a Londres para potenciar su carrera como pianista de clásico. A los ocho años,  la prodigiosa Cherry ya había dado un concierto de piano con orquesta.  Hasta que un día oyó a Jimmy Smith y se enamoró del Hammond.  Nadie le enseñó, sino que tuvo que aplicar lo que sabía del piano al órgano.  Con cuatro escasas melodías, se fue abriendo camino y empezó a colaborar con el acordeonista Nico Carstens dando vida al primer disco sudafricano de rock and roll,  “Flying High”.  Wainor se hizo popular en los cincuenta en el programa de la televisión británica, Lunchbox de  Noele Gordon.  En 1958 sacó su primer single con el tema “Valencia” de José Padilla. Fue entonces cuando conoció al que sería su futuro marido y acompañante rítmico, el baterista Don Storer con el que grabó "Cherry Rock" en 1959.

En 1959 apareció en el programa musical “Oh, Boy!” (1958-1959), producido por Jack Good, una de las primeras series en las que sonó rock and roll de forma habitual. Tocaba en la banda residente del programa llamada Lord Rockingham's XI en la que estuvieron otros músicos de estudio como  el director y compositor, Harry Robinson ( n. 1937- d. 1996), el saxofonista Benny Green ( n. 1927 – d. 1998), más otros miembros itinerantes como el mencionado Don Storer (batería), Reg Weller (percusión), Red Price (saxo tenor), Rex Morris (saxo tenor), Cyril Reubens ( saxo baritono), Ronnie Black (contrabajo), Bernie Taylor (guitarra), Eric Ford (guitarra), Kenny Packwood (guitarra) y Ian Frazer (piano). También tuvieron cantantes como Marty Wilde y Cuddly Dudley.  Cherry tenía su órgano acolchado en blanco y solía tocar con su caniche estirado en la banqueta.

Lord Rockingham's XI grabaron instrumentales de rock and roll para Decca Records, siendo el primero "Fried Onions" al que siguió "Hoots Mon", una version rockera del tema tradicional escocés  "A Hundred Pipers".  Tuvieron problemas legales con los descendientes del auténtico Lord Rockingham y tras algún que otro tema más como  "Wee Tom" en  1959, ese año acabaron por disolverse aunque en los sesenta se editó algún disco al nombre del grupo. Harry Roberston aka Robinson siguió en el mundo de la televisión y son conocidos sus arreglos de cuerda para canciones de Sandy Denny o para el “River Man" de Nick Drake incluida en su disco “Five Leaves Left”.

Wainer siguió actuando en los sesenta con  el baterista Don Storer y en 1967 apareció en el programa alemán “Beat,beat,beat”. Sacó varios Lp’s a su nombre como “Hammond Organ Light And Lively”,  y “Rhythmus Im Blut” (1964); o “It’s Hammond Time” (1965).  Al morir Storer en 1977, dejó el mundo del espectáculo y cuando la BBC la recordó en 2013, Cherry trabajaba en una pequeña tienda de regalos. Wainer fue una de las pocas solistas de Hammond entre otras grandes como las organistas  Shirley Scott (n. 1934 – d. 2002), Marjorie Meinhert (n. 1921 - d. 2009), Ethel Smith (n. 1902 - d. 1996) o más recientemente, Barbara Dennerlein (n. 1964).

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Cherry Wainer (March 2, 1935 – November 14, 2014) was a South African-born musician, best known as a member of Lord Rockingham's XI and a soloist on the Hammond organ.
Wainer was born in East London, Eastern Cape, South Africa. A piano player since childhood, she was later influenced by Jimmy Smith (musician) to learn jazz keyboard. In her first recording she collaborated with accordianist Nico Carstens on an early South African rock and roll 10" titled "Flying High".[citation needed] She first became known to UK television audiences as a regular in the 1950s magazine programme Lunchbox, with Noele Gordon. She subsequently featured as a session musician in Oh, Boy!, one of the first British series to feature rock'n'roll regularly, with Lord Rockingham's XI, a "scratch" band led by Harry Robinson, which also included Benny Green and Red Price. Their single, "Hoots Mon", was number one in the UK charts in 1958.[4] Along with the band, Wainer played in the 1959 Royal Variety Performance, held at the Palace Theatre, Manchester. In 1960 she appeared as herself in the musical "Girls of the Latin Quarter"
Wainer married drummer Don Storer (died 2006), with whom she appeared regularly as a duo during the 1960s. They appeared regularly in a German television series, Beat! Beat! Beat (1967). Wainer released several solo albums and four singles, none of which made the UK charts.[citation needed]
Cherry Wainer died in Las Vegas, Nevada, on November 14, 2014, aged 79.




lunes, 19 de agosto de 2019

Kai Winding • Soul Surfin'



Kai Winding was one of the best be-bop trombonists of the 1940s and 50s, playing with top notch bands like Benny Goodman and Stan Kenton, and cutting some highly acclaimed trombone duets with J.J. Johnson. Flash forward to the late 50s and bop wasn’t paying the bills anymore so Kai started turning more to pop offerings to make ends meet. In 1963 Kai released “Soul Surfin”, a fairly successful pop/rock-n-roll record that spawned a major hit with “More” from the movie “Mondo Cane”. You could call this a ‘rock’ record, but its orchestrated rock, more in line with pop big bands like Quincy Jones and Henry Mancicni, not the harder street sounds of Link Wray or Dick Dale. Needless to say, to modern ears this is not so much a rock record as it fits much more with what has been dubbed exotica or lounge music. It’s the sound of the swingin 60s in a suburbia styleee. The album title implies that Kai is mixing surf music and soul jazz on here, and that’s partially true, but that blend is somewhat filtered through an orchestrated easy listening format. Some of the tunes rock, but its not a teenager’s rock, instead, its rock for the double martini business lunch crowd and Las Vegas lounge sharks.

Kai is not the only big jazz star on here, the great Kenny Burrell is also on hand supplying all the requisite surf guitar licks and doing his best to channel Duane Eddy, and maybe its no big surprise that Kenny is great at this sort of thing. One of the biggest pluses on here is the production, the early 60s was the glory days of “hi-fidelity”, and this album still sounds great. Just the right amount of reverb makes everything sound massive, especially the trombone section. The best cuts on here include the one’s where they get creative with the orchestrations, sometimes adding a Ondoline to the mix. The Ondoline, much like the Ondes Martenot, is a French pre-synthesizer keyboard that sounds a bit like a theremin. Exotica collectors will want to check out, “China Nights”, “Surf Bird”, “Spinner” and “Hearse Ride”, all of which include creative orchestrations. The downside of this album are some songs that have been recorded way too many times, including; “Pipeline”, “Sukiyaki” and “More”. As is typical with these albums, the one ‘almost jazz’ cut comes at the end when they play a somewhat surf version of Herbie Mann’s “Comin Home Baby”, with short solos for both Kai and Kenny. Jazz fans and admirers of Winding’s bop skills will want to stay clear of this record, but the fans of the space-age bachelor pad vibe will find a lot to like on “Soul Surfin”.
http://www.jazzmusicarchives.com/review/soul-surfin-aka-more-theme-from-mondo-cane/251947

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Kai Winding fue uno de los mejores trombonistas de be-bop de los años 40 y 50, tocando con bandas de primera como Benny Goodman y Stan Kenton, y haciendo algunos dúos de trombón muy aclamados con J.J. Johnson. Se adelantó a finales de los 50 y bop ya no pagaba más las cuentas, así que Kai empezó a recurrir más a las ofertas pop para llegar a fin de mes. En 1963 Kai lanzó "Soul Surfin", un disco de pop/rock-n-roll bastante exitoso que dio lugar a un gran éxito con "More" de la película "Mondo Cane". Se podría decir que es un disco de'rock', pero su rock orquestado, más en línea con grandes bandas de pop como Quincy Jones y Henry Mancicni, no con los sonidos callejeros más duros de Link Wray o Dick Dale. Ni que decir tiene que para los oídos modernos esto no es tanto un disco de rock como encaja mucho más con lo que se ha llamado música exótica o lounge. Es el sonido del swingin de los 60 en un estilo suburbano. El título del álbum implica que Kai está mezclando música surf y soul jazz aquí, y eso es parcialmente cierto, pero esa mezcla está algo filtrada a través de un formato orquestado de fácil escucha. Algunas de las melodías son rock, pero no es el rock de un adolescente, en cambio, es rock para la multitud de martinis de negocios y los tiburones de Las Vegas lounge.

Kai no es la única gran estrella del jazz aquí, el gran Kenny Burrell también está a mano suministrando todas las guitarras de surf necesarias y haciendo todo lo posible para canalizar a Duane Eddy, y tal vez no sea una gran sorpresa que Kenny sea bueno en este tipo de cosas. Una de las mayores ventajas es la producción, a principios de los años 60 fueron los días de gloria de la "alta fidelidad", y este álbum sigue sonando genial. La cantidad justa de reverberación hace que todo suene masivo, especialmente la sección de trombón. Los mejores cortes aquí incluyen el de las orquestaciones, a veces añadiendo una Ondolina a la mezcla. El Ondoline, al igual que el Ondes Martenot, es un teclado pre-sintetizador francés que suena un poco como un theremin. Los coleccionistas de Exótica querrán ver "China Nights", "Surf Bird", "Spinner" y "Hearse Ride", todos los cuales incluyen orquestaciones creativas. La desventaja de este álbum son algunas canciones que han sido grabadas demasiadas veces, incluyendo: "Pipeline", "Sukiyaki" y "More". Como es típico en estos álbumes, el corte'casi jazz' llega al final cuando tocan una versión algo surf de "Comin Home Baby" de Herbie Mann, con solos cortos tanto para Kai como para Kenny. Los fanáticos del jazz y los admiradores de las habilidades bop de Winding querrán mantenerse alejados de este disco, pero los fanáticos de la onda de soltero de la era espacial encontrarán mucho que les guste en "Soul Surfin".
http://www.jazzmusicarchives.com/review/soul-surfin-aka-more-theme-from-mondo-cane/251947


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Django Reinhardt • Die andere Saite



by Joseph Dinkins
Django Reinhardt has astounded and thrilled numerous generations of guitar players and jazz lovers with his amazing command of the guitar. January 24th, 1910 at Liberchies Belgium, Django was born into the open air, rambling lifestyle of his gypsy parents. At the age of eight, his mother's tribe settled near the belt of fortifications that surrounded the old Paris, near the Choisy gate. He never wore a suit or lived in a real house until he was twenty years old. These French Gypsies or Manouches were a world unto themselves, medieval in their beliefs, and distrustful of modern science. Django grew up in this world of contradictions, one foot in the bustling big city of Paris and the other in the age-old life of the nomadic gypsy. Though born into poverty Django had the soul of a nobleman and this natural elegance of bearing and attitude expressed itself in his music.

It was at an early age Django became attracted to music. When twelve years old he received his first instrument, a banjo/guitar that was given to him by a neighbor who had noticed his keen interest in music. He quickly learned to play, mimicking the fingerings of musicians he watched. He was soon astounding adults with his ability on the guitar, and before he was thirteen he began his musical career playing with popular accordionist Guerino at a dance hall on the Rue Monge. He went on to play with numerous other bands and musicians and made his first recordings with accordionist Jean Vaissade for the Ideal Company. Since Django could not read or write at the time "Jiango Renard" was how his name appeared on these records.

On November 2nd, 1928 an event took place that would forever change Django's life. At one o'clock in the morning the 18 year old Django returned from a night of playing music at a new club "La Java" to the caravan that was now the home of himself and his new wife. The caravan was filled with celluloid flowers his wife had made to sell at the market on the following day. Django upon hearing what he thought was a mouse among the flowers bent down with a candle to look. The wick from the candle fell into the highly flammable celluloid flowers and the caravan was almost instantly transformed into a raging inferno. Django wrapped himself in a blanket to shield him from the flames. Somehow he and his wife made it across the blazing room to safety outside, but his left hand, and his right side from knee to waist were badly burned.

Initially doctors wanted to amputate his leg but Django refused. He was moved to a nursing home where the care was so good his leg was saved. Django was bedridden for eighteen months. During this time he was given a guitar, and with great determination Django created a whole new fingering system built around the two fingers on his left hand that had full mobility. His fourth and fifth digits of the left hand were permanently curled towards the palm due to the tendons shrinking from the heat of the fire. He could use them on the first two strings of the guitar for chords and octaves but complete extension of these fingers was impossible. His soloing was all done with the index and middle fingers! Film clips of Django show his technique to be graceful and precise, almost defying belief.

Django was influenced by jazz recordings of Eddie Lang and Joe Venuti, Louis Armstrong and Duke Ellington. This new music found a place deep in Django's heart. It provided the perfect vehicle for his prodigious talent for improvisation. Django rarely if ever played a solo the same way twice. Numerous recordings prove this to be true. His creative genius was not only that of the master improviser, but also that of the composer, and he can be credited with numerous pieces with beautiful melodies and sophisticated, subtle harmonic structures. However, Django could not read or write musical notation and he was at the mercy of others that could to get his ideas down on paper.

1934 proved to be the most important year of his life. The Quintet of the Hot Club of France was born! As the fates would have it, the Quintet was formed by a chance meeting of Django and Stéphane Grappelli. A band of fourteen musicians including Django, Stéphane, Roger Chaput, and Louis Vola were commissioned to play at the Hotel Cambridge at teatime. During intermission Django would find a corner backstage and play his guitar. One day Stéphane joined in and both were so pleased with the exchange they went on to play together more and more frequently joined by Roger Chaput (guitar), Louis Vola (bass), and eventually Django's brother Joseph (guitar). A small record company Ultraphone recorded their first sides Dinah, Tiger Rag, Oh Lady be Good, and I Saw Stars. These first records caused a sensation! The Quintet went on to record hundreds of sides and had a following on both sides of the ocean.

1939 found the Quintet touring in England when the war broke out. Django returned to Paris while Stéphane remained in England. Django played and recorded throughout the war years substituting Hubert Rostaing's clarinet for Stephen's violin. He somehow avoided the fate of many of his kinfolk who went to their deaths in the Nazi concentration camps. After the war he was rejoined by Stéphane and they again played and recorded. He toured briefly with Duke Ellington in America and returned to Paris where he continued his career until 1951 when he retired to the small village of Samois sur Seine.

On May 16th 1953 Django suffered a massive brain hemorrhage and died, leaving behind his wife Sophie and son Babik. His music remains as vital and exciting today as it was when he lived, a legacy of joy to all future generations that rediscover the genius of the Belgian gypsy Django Reinhardt.
http://www.redhotjazz.com/django.html

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por Joseph Dinkins
Django Reinhardt ha asombrado y emocionado a numerosas generaciones de guitarristas y amantes del jazz con su increíble dominio de la guitarra. El 24 de enero de 1910 en Liberchies Belgium, Django nació al aire libre, en el estilo de vida de sus padres gitanos. A la edad de ocho años, la tribu de su madre se estableció cerca del cinturón de fortificaciones que rodeaba el viejo París, cerca de la puerta de Choisy. Nunca usó un traje ni vivió en una casa de verdad hasta que cumplió veinte años. Estos gitanos o manuches franceses eran un mundo en sí mismos, de creencias medievales y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, un pie en la bulliciosa gran ciudad de París y el otro en la vida milenaria de los gitanos nómadas. Aunque nació en la pobreza, Django tenía el alma de un noble y esta elegancia natural de porte y actitud se expresaba en su música.

Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. A los doce años recibió su primer instrumento, un banjo/guitarra que le regaló un vecino que había notado su gran interés por la música. Rápidamente aprendió a tocar, imitando las digitaciones de los músicos que veía. Pronto se convirtió en un adulto asombroso por su habilidad con la guitarra, y antes de cumplir los trece años comenzó su carrera musical tocando con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile de la Rue Monge. A continuación, tocó con muchos otros grupos y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Compañía Ideal. Como Django no sabía leer ni escribir en ese momento, "Jiango Renard" era la forma en que su nombre aparecía en estos registros.

El 2 de noviembre de 1928 tuvo lugar un evento que cambiaría para siempre la vida de Django. A la una de la mañana, Django, de 18 años, regresó de una noche de música en un nuevo club "La Java" a la caravana que ahora era su casa y la de su nueva esposa. La caravana estaba llena de flores de celuloide que su esposa había hecho para vender en el mercado al día siguiente. Django al escuchar lo que él pensaba que era un ratón entre las flores se inclinó con una vela para mirar. La mecha de la vela cayó en las flores de celuloide altamente inflamables y la caravana se transformó casi instantáneamente en un furioso infierno. Django se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. De alguna manera, él y su esposa lograron cruzar la habitación ardiente para estar a salvo afuera, pero su mano izquierda y su lado derecho desde la rodilla hasta la cintura estaban gravemente quemados.

Inicialmente los médicos querían amputarle la pierna, pero Django se negó. Fue trasladado a un hogar de ancianos donde los cuidados fueron tan buenos que su pierna se salvó. Django estuvo en cama durante dieciocho meses. Durante este tiempo se le dio una guitarra, y con gran determinación Django creó todo un nuevo sistema de digitación construido alrededor de los dos dedos de su mano izquierda que tenían total movilidad. Su cuarto y quinto dígitos de la mano izquierda estaban permanentemente curvados hacia la palma debido a que los tendones se encogían por el calor del fuego. Podía usarlos en las dos primeras cuerdas de la guitarra para acordes y octavas, pero la extensión completa de estos dedos era imposible. Su solo fue todo hecho con los dedos índice y medio! Películas de Django muestran su técnica para ser grácil y preciso, casi increíble.

Django fue influenciado por las grabaciones de jazz de Eddie Lang y Joe Venuti, Louis Armstrong y Duke Ellington. Esta nueva música encontró un lugar en el corazón de Django. Proporcionó el vehículo perfecto para su prodigioso talento para la improvisación. Django rara vez o nunca tocó un solo de la misma manera dos veces. Numerosas grabaciones demuestran que esto es cierto. Su genio creativo no era sólo el del maestro improvisador, sino también el del compositor, y se le pueden atribuir numerosas piezas con bellas melodías y estructuras armónicas sofisticadas y sutiles. Sin embargo, Django no sabía leer ni escribir notación musical y estaba a merced de otros que podían poner sus ideas por escrito.

1934 fue el año más importante de su vida. El Quinteto del Club Caliente de Francia ha nacido! El Quinteto fue formado por un encuentro casual de Django y Stéphane Grappelli. Una banda de catorce músicos, entre ellos Django, Stéphane, Roger Chaput y Louis Vola, fueron comisionados para tocar en el Hotel Cambridge a la hora del té. Durante el intermedio, Django encontraba un rincón entre bastidores y tocaba la guitarra. Un día Stéphane se unió y ambos estaban tan contentos con el intercambio que tocaron juntos cada vez más a menudo con Roger Chaput (guitarra), Louis Vola (bajo), y finalmente el hermano de Django, Joseph (guitarra). Una pequeña compañía discográfica Ultraphone grabó sus primeros equipos Dinah, Tiger Rag, Oh Lady Be Good, y I Saw Stars. Estos primeros discos causaron sensación! El Quinteto grabó cientos de caras y tuvo seguidores a ambos lados del océano.

En 1939 encontró el Quinteto de gira por Inglaterra cuando estalló la guerra. Django regresó a París mientras que Stéphane permaneció en Inglaterra. Django tocó y grabó durante los años de la guerra sustituyendo el clarinete de Hubert Rostaing por el violín de Stephen. De alguna manera evitó el destino de muchos de sus parientes que murieron en los campos de concentración nazis. Después de la guerra, Stéphane se unió a él y volvieron a tocar y grabar. Viajó brevemente con Duke Ellington en América y regresó a París, donde continuó su carrera hasta 1951, cuando se retiró a la pequeña aldea de Samois sur Seine.

El 16 de mayo de 1953 Django sufrió una hemorragia cerebral masiva y murió, dejando atrás a su esposa Sophie y a su hijo Babik. Su música sigue siendo tan vital y emocionante hoy como lo fue cuando vivió, un legado de alegría para todas las generaciones futuras que redescubren el genio del gitano belga Django Reinhardt.
http://www.redhotjazz.com/django.html
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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Silvan Zingg • In Concerto



Zingg was born in Lugano to a musical family. Before he started school, he had learned to play the piano and was inspired by the work of American blues pianists.

He gave his first overseas solo concert at 18 years of age. He was the youngest pianist and only European at the Masters of Blues & Boogie Woogie Piano Night in Charleston, South Carolina, with Jimmy Walker, and Skeeter Brandon. He has performed in other American venues, including the Cincinnati, Detroit, Newport Festivals. In November 2005, he performed with Chuck Berry in a sold out concert in Zurich. In 2011, Zingg was invited by festival promoter Claude Nobs to perform with B.B. King at the Montreux Jazz Festival. He has also played with Ray Charles, Memphis Slim, Sammy Price, Champion Jack Dupree, Katie Webster, Michel Petrucciani, and Jimmy Walker.

He has performed in more than 1,000 concerts in 30 countries: Switzerland, Germany, Liechtenstein, Austria, France, Italy, the Netherlands, Belgium, Spain, Luxembourg, Greece, Monaco, Andorra, the Vatican, Bulgaria, Poland, Czech Republic, Hungary, Sweden, England, Ireland, the US, Canada, India, Arab Emirates, China, Russia, Mexico. In November 2008, Zingg completed his first concert tour of China.

In 2002, Zingg started the International Boogie Woogie Festival in Lugano. Since then it has been held annually in April and has attracted such entertainers as Little Willie Littlefield, Kenny "Blues Boss" Wayne, Carl Sonny Leyland, Mitch Woods, Axel Zwingenberger, Vince Weber, Joja Wendt, Jean Paul Amouroux, Michael Pewny, and Chris Conz. In 2006, BBC World reported on the festival, which brought it worldwide attention.

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Zingg nació en Lugano en el seno de una familia de músicos. Antes de empezar la escuela, había aprendido a tocar el piano y se inspiró en el trabajo de los pianistas de blues estadounidenses.

Dio su primer concierto en solitario en el extranjero a los 18 años de edad. Fue el pianista más joven y el único europeo en el Masters of Blues & Boogie Woogie Piano Night en Charleston, Carolina del Sur, con Jimmy Walker y Skeeter Brandon. Ha actuado en otros lugares de Estados Unidos, incluyendo los festivales de Cincinnati, Detroit y Newport. En noviembre de 2005, actuó con Chuck Berry en un concierto con todas las entradas agotadas en Zurich. En 2011, Zingg fue invitado por el promotor del festival Claude Nobs a actuar con B.B. King en el Festival de Jazz de Montreux. También ha tocado con Ray Charles, Memphis Slim, Sammy Price, Champion Jack Dupree, Katie Webster, Michel Petrucciani y Jimmy Walker.

Ha actuado en más de 1.000 conciertos en 30 países: Suiza, Alemania, Liechtenstein, Austria, Francia, Italia, Países Bajos, Bélgica, España, Luxemburgo, Grecia, Mónaco, Andorra, Vaticano, Bulgaria, Polonia, República Checa, Hungría, Suecia, Inglaterra, Irlanda, Estados Unidos, Canadá, India, Emiratos Árabes Unidos, China, Rusia, México. En noviembre de 2008, Zingg completó su primera gira de conciertos por China.
En 2002, Zingg inició el Festival Internacional del Boogie Woogie en Lugano. Desde entonces se ha celebrado anualmente en abril y ha atraído a artistas como Little Willie Littlefield, Kenny "Blues Boss" Wayne, Carl Sonny Leyland, Mitch Woods, Axel Zwingenberger, Vince Weber, Joja Wendt, Jean Paul Amouroux, Michael Pewny y Chris Conz. En 2006, BBC World informó sobre el festival, que atrajo la atención mundial.


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Jimmy Smith • Live In Israel

VA • Born to Swing • Vol. 4



Rhythm Cadillacs • Shake This Shack

domingo, 18 de agosto de 2019

King Curtis & The Kingpins • King Size Soul



Biography
Curtis 'King Curtis' Ousley was already a well-respected Jazz tenor saxophonist in 1952 when he moved to New York, to concentrate on doing session work for the growing Pop and R&B markets. Over the next decade, saxophone became the pre-eminent lead instrument within Rhythm & Blues/Rock n' Roll, and King Curtis became its leading exponent, spicing up massive numbers of hits with ear catching solos, sealing his reputation as one of the leading instrumentalists of that era. Perhaps he'll be most remembered as blowing that solo on The Coasters 1958 smash “Yakety Yak.”

King Curtis was originally part of the late 40's honking Texas tenor sax brigade, counting Arnett Cobb, Earl Bostic, and Illinois Jacquet as influences. He played in bands of Lionel Hampton and Horace Silver. Upon moving to New York from Fort Worth TX (his 1934 birthplace), he was already well grounded in Jazz, R&B, and Pop. Curtis could play any style on a moment's notice. Curtis had also pursued a highly successful solo career, primarily in contemporary R&B. But he also stretched out with the best Jazzmen: about half of his Prestige output circa 1960-62 he's surrounded by top line players like Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, and Willie Rodriguez. On his classic “Soul Meeting,” the personnel includes: King Curtis (tenor saxophone); Nat Adderly (cornet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bass); Oliver Jackson, Belton Evans (drums)

Recording with Capitol, Epic, and Atlantic, he garnered instrumental hits like 1962's “Soul Twist,” and 1967's “Memphis Soul Stew,” . That same year he did a successful cover of “Ode To Billie Joe.”

He made a big impression in the late 60's, hooking up with artists like Eric Clapton who performed on King's “Teasin'” album in 1970. The saxophonist had meanwhile put together a superb studio group: The Kingpins, with Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott and Bernard Purdie, all of whom contributed to several of Aretha Franklin's finest records. King Curtis topped the R&B charts in 1971, handling the sax on Aretha Franklin's version of “Bridge Over Troubled Waters,” and played on several tracks on John Lennon's 'Imagine' album that same year.

When King Curtis departed this world in 1971 -the victim of a brutal stabbing outside his apartment- he wasn't yet 40, but was at the apex of his career. In 2000, King Curtis was inducted into the Rock&Roll Hall of Fame.

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Biografía
Curtis 'King Curtis' Ousley ya era un respetado saxofonista tenor de Jazz en 1952 cuando se mudó a Nueva York, para concentrarse en hacer trabajo de sesión para los crecientes mercados de Pop y R&B. Durante la siguiente década, el saxofón se convirtió en el principal instrumento del Rhythm & Blues/Rock n' Roll, y King Curtis se convirtió en su principal exponente, condimentando un gran número de éxitos con solos que atrapan las orejas, sellando su reputación como uno de los principales instrumentistas de esa época. Tal vez sea más recordado por soplar ese solo en Los Posavasos de 1958 y aplastar "Yakety Yak".

King Curtis fue originalmente parte de la brigada de saxos tenor de Texas a finales de los 40, contando a Arnett Cobb, Earl Bostic e Illinois Jacquet como influencias. Tocó en bandas de Lionel Hampton y Horace Silver. Al mudarse a Nueva York desde Fort Worth TX (su lugar de nacimiento en 1934), ya estaba bien arraigado en el Jazz, el R&B y el Pop. Curtis podía tocar cualquier estilo en un momento. Curtis también había desarrollado una exitosa carrera en solitario, principalmente en el R&B contemporáneo. Pero también se extendió con los mejores Jazzmen: alrededor de la mitad de su producción de Prestige alrededor de 1960-62 está rodeado de jugadores de primera línea como Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, y Willie Rodríguez. En su clásico "Soul Meeting", el personal incluye: King Curtis (saxo tenor); Nat Adderly (corneta); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bajo); Oliver Jackson, Belton Evans (batería)

Grabando con Capitol, Epic y Atlantic, obtuvo éxitos instrumentales como "Soul Twist" de 1962 y "Memphis Soul Stew" de 1967. Ese mismo año hizo una exitosa portada de "Oda a Billie Joe".

Causó una gran impresión a finales de los 60's, uniéndose a artistas como Eric Clapton, quien actuó en el álbum "Teasin'" de King en 1970. Mientras tanto, el saxofonista había formado un magnífico grupo de estudio: The Kingpins, con Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott y Bernard Purdie, todos los cuales contribuyeron a varios de los mejores discos de Aretha Franklin. King Curtis encabezó las listas de éxitos de R&B en 1971, manejando el saxo en la versión de "Bridge Over Troubled Waters" de Aretha Franklin, y tocó en varios temas del álbum'Imagine' de John Lennon ese mismo año.

Cuando el rey Curtis partió de este mundo en 1971 -víctima de una brutal puñalada fuera de su apartamento- aún no tenía 40 años, pero estaba en la cúspide de su carrera. En el año 2000, King Curtis fue admitido en el Rock&Roll Hall of Fame.


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The Three Sounds • Today's Sounds



Review by Ken Dryden 
This Limelight LP was the first by the Three Sounds following the departure of longtime drummer Bill Dowdy and the arrival of Kalil Mahdi. The new member stays pretty much in the background behind pianist and leader Gene Harris and bassist Andy Simpkins, barely making his presence felt. The group's brief sojourn onto the label marked a turn to a more rock and pop influence in their repertoire, as is evident in many of the poor choices for this live recording, made at the London House in Chicago in early 1966. In spite of the presence of time-tested standards like "Gee Baby, Ain't I Good to You" and "Old Folks," as well as strong jazz compositions by Sacha Distel ("The Good Life") and Ray Brown ("A.M. Blues") current hits by Petula Clark ("Downtown") and Charlie Rich ("Mohair Sam," which sounds as if it is played on a battered upright piano) hardly proved to be viable jazz vehicles. Even the pianist's two originals are a bit disappointing. Most fans will likely prefer the Three Sounds' earlier Blue Note releases or Harris' many outstanding quartet recordings during his long association with Concord during the final decades of his life over this long-out-of-print record.

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Reseña de Ken Dryden 
Este LP Limelight fue el primero de los Tres Sonidos tras la salida del batería Bill Dowdy y la llegada de Kalil Mahdi. El nuevo miembro se mantiene en un segundo plano detrás del pianista y líder Gene Harris y el bajista Andy Simpkins, apenas haciendo sentir su presencia. La breve estancia del grupo en el sello marcó un giro hacia una influencia más rock y pop en su repertorio, como es evidente en muchas de las malas elecciones para esta grabación en vivo, hecha en la London House de Chicago a principios de 1966. A pesar de la presencia de estándares tan probados como "Gee Baby, Ain't I Good to You" y "Old Folks", así como de fuertes composiciones de jazz de Sacha Distel ("The Good Life") y Ray Brown ("A.M. Blues"), los éxitos actuales de Petula Clark ("Downtown") y Charlie Rich ("Mohair Sam", que suena como si se tocara en un piano vertical maltrecho) difícilmente resultaron ser vehículos de jazz viables. Incluso los dos originales del pianista son un poco decepcionantes. La mayoría de los fans probablemente preferirán los primeros lanzamientos de Blue Note de Three Sounds o las muchas grabaciones de cuarteto de Harris durante su larga asociación con Concord durante las últimas décadas de su vida, en lugar de este disco que ya está agotado.


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Ray Collins Hot Club • Shaking That Boogie

The Mustang • Organ Freakout



The Mustang - "Organ Freakout!", Somerset SF-28600, 1968, apparently The Id backing keyboardist Paul “The Mustang” Griffin & guitarist Jerry Cole.


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Butch Baldassari • Music Of O'Carlan - Ireland's Bard




Jerome Henry "Butch" Baldassari (December 11, 1952 – January 10, 2009) was an American mandolinist, recording artist, composer, and music teacher.
https://en.wikipedia.org/wiki/Butch_Baldassari


Artist Biography by Craig Harris
The mandolin has been turned into an instrument of melodic brilliance by Butch Baldassari. A former member of Lonesome Standard Time, Baldassari has continued to explore his six-stringed instrument on his solo albums and recordings with the Nashville Mandolin Ensemble. In addition to working with Richard Greene's Grass Is Greener since 1995, Baldassari is the leader of his own group, the Butch Baldassari Trio, featuring guitarist Gene Ford and mandocello player John Hedgecoth.

Influenced as much by the Beatles and Frank Sinatra as he is by Bill Monroe, Baldassari played guitar with his brother, Buster, in late-'60s garage bands. A trip to the 1972 Philadelphia Folk Festival proved to be the impetus for Baldassari's switch to the mandolin.

By Heart: Piano Solos
After earning a bachelor's degree in music from the University of Scranton, Baldassari moved to Las Vegas for post-graduate studies at the University of Nevada in Las Vegas. While there, he befriended three musicians who were forming a tradition-rooted bluegrass band, Weary Hearts, and he was invited to join. The group went on to win the International Band Competition held by the Society for the Preservation of Bluegrass Music in America in 1989. Their debut album, By Heart, was released shortly afterwards.

Moving to Nashville in 1985, Baldassari continued to explore the possibilities of the mandolin. While attending the Classical Mandolin Society convention in 1990, he conceived the Nashville Mandolin Ensemble, an 11-piece group featuring mandola, mandocello, guitar, and bass. After four months of rehearsals, the band made its public debut at the Dark Horse Theater in Nashville in October 1991.

Mighty Lonesome
Baldassari has remained active with numerous outside projects. As a member of Lonesome Standard Time from 1992 to 1996, he recorded three albums -- Lonesome River Band, Mighty Lonesome, and Lonesome as It Gets. Together with innovative bluegrass fiddler Richard Greene and his band, the Grass Is Greener, Baldassari recorded Wolves A' Howlin' in 1996 and Sales Tax Toddle in 1997.

Baldassari's musical career has been balanced by his work as a teacher. In addition to conducting bluegrass mandolin workshops in Nashville, he became the adjunct associate professor of mandolin at Vanderbilt University's Blair School of Music in 1996.
https://www.allmusic.com/artist/butch-baldassari-mn0000943417/biography

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Jerome Henry "Butch" Baldassari (11 de diciembre de 1952 - 10 de enero de 2009) fue un mandolinista, artista de grabación, compositor y profesor de música estadounidense.
https://en.wikipedia.org/wiki/Butch_Baldassari


Biografía del artista por Craig Harris
La mandolina se ha convertido en un instrumento de brillantez melódica de Butch Baldassari. Ex miembro de Lonesome Standard Time, Baldassari ha seguido explorando su instrumento de seis cuerdas en sus álbumes solistas y grabaciones con el Nashville Mandolin Ensemble. Además de trabajar con Grass Is Greener de Richard Greene desde 1995, Baldassari es el líder de su propio grupo, el Butch Baldassari Trio, con el guitarrista Gene Ford y el mandocello John Hedgecoth.

Influenciado tanto por los Beatles y Frank Sinatra como por Bill Monroe, Baldassari tocó la guitarra con su hermano, Buster, en bandas de garage de finales de los 60. Un viaje al Festival Folklórico de Filadelfia de 1972 resultó ser el impulso para que Baldassari cambiara a la mandolina.

De memoria: Solos para piano
Después de obtener una licenciatura en música de la Universidad de Scranton, Baldassari se trasladó a Las Vegas para realizar estudios de postgrado en la Universidad de Nevada en Las Vegas. Mientras estuvo allí, se hizo amigo de tres músicos que estaban formando una banda de bluegrass de raíces tradicionales, Weary Hearts, y fue invitado a unirse a ella. El grupo ganó el Concurso Internacional de Bandas de Música de la Society for the Preservation of Bluegrass Music in America en 1989. Su álbum debut, By Heart, fue lanzado poco después.

Trasladándose a Nashville en 1985, Baldassari continuó explorando las posibilidades de la mandolina. Mientras asistía a la convención de la Classical Mandolin Society en 1990, concibió el Nashville Mandolin Ensemble, un grupo de 11 músicos con mandola, mandocello, guitarra y bajo. Después de cuatro meses de ensayos, la banda hizo su debut público en el Dark Horse Theater de Nashville en octubre de 1991.

Poderoso Solitario
Baldassari ha permanecido activo con numerosos proyectos externos. Como miembro de Lonesome Standard Time de 1992 a 1996, grabó tres álbumes: Lonesome River Band, Mighty Lonesome y Lonesome as It Gets. Junto con el innovador violinista de bluegrass Richard Greene y su banda, Grass Is Greener, Baldassari grabó Wolves A' Howlin' en 1996 y Sales Tax Toddle en 1997.

La carrera musical de Baldassari ha sido equilibrada por su trabajo como profesor. Además de dirigir talleres de mandolina de bluegrass en Nashville, se convirtió en profesor asociado adjunto de mandolina en la Blair School of Music de la Universidad de Vanderbilt en 1996.
https://www.allmusic.com/artist/butch-baldassari-mn0000943417/biography


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American Drawings Watercolors Pastels And Collages • Corcoran Gallery Of Art



This volume, the first printed catalog of the holdings of American drawings, watercolors, pastels, and collages of the Corcoran Gallery of Art, documents 1,784 works by 645 artists, acquired through 1982. Black-and-white thumbnail illustrations accompany the entries, which are organized chronologically first by the birthdate of the artists and then by the works’ dates of execution. While watercolor, gouache, pastel, acrylic, and collage are well represented, the collection is especially rich in drawings in pencil, ink, charcoal, and crayon. The greatest strength of the collection lies in the works executed from the 1840s to the early 1900s, including large portfolios by John Singer Sargent, Emanuel Leutze, and Elihu Vedder, as well as a solid representation of Hudson River school works. Contemporary works by artists such as Robert Motherwell, Lee Bontecou, and Richard Diebenkorn are also included. (When the Corcoran Gallery of Art closed in 2014 the National Gallery of Art accessioned much of its collection and became custodian of its publications.


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Fats Waller • If You Got To Ask, You Ain't Got It! Vol 1/3



During his 21-year recording career, Thomas "Fats" Waller waxed so many hundreds of songs that only a dedicated few have heard them all even once, let alone often enough to understand the true nature of his legacy. While longtime collectors can attest to the awesome breadth and depth of Waller's massive discography, your average citizen needs and deserves a chance to investigate on a more modest level, which is what compilations are supposed to be for. Most Fats Waller samplers concentrate upon his highly developed sense of humor and his vital importance in the development of swing music; the best of them also highlight his pianistic prowess and -- if you're lucky -- his pioneering role as the first person to play jazz on the organ. Producer Orrin Keepnews has achieved what should be regarded as a major accomplishment in Waller studies both intensive and casual: an intelligently compiled three-CD set with superbly insightful liner notes by Dan Morgenstern, including a detailed biography, informative commentary on each of the 66 tracks, and more than 40 previously unpublished photographs from the Fats Waller archives. The conceptual framework of this compilation will help listeners to understand and feel the essence of Waller's music more clearly perhaps than ever before. Disc one presents Waller's interpretations of songs he wrote himself. Disc two, packed with (one) organ and (ten) piano solos as well as small-group and big-band swing, purports to be "strictly instrumental," even if Waller prefaces "Serenade for a Wealthy Widow" with a plea for "currency" and makes cheeky references to conspicuous consumption all throughout "Lounging at the Waldorf." Disc three, touching upon the best-known aspects of this artist's public persona, is entitled Fats Waller Sings and Plays Around with Tin Pan Alley. Given the sheer number of extant recordings that fit into that category, the producer made extraordinarily fine choices. Keepnews admits: "I inevitably have not included all of your Waller favorites. As a matter of fact, I haven't even had room to include all of mine!" It is clear that both Morgenstern and Keepnews drew upon entire lifetimes spent developing sincere love and respect for this great artist. "If You Got to Ask, You Ain't Got It!" gets its title from Waller's famous response to the question "What is swing?" -- listen through all three discs and you'll most certainly get it for real.
All Music Guide - Arwulf Arwulf


The great comic/compositional/instrumental/vocal genius who was Thomas “Fats” Waller has a catalogue of awesome breadth and depth, comprised of small combo, orchestra and solo piano and organ performances, all recorded in a 20-year span from 1923 to 1943 (when he succumbed to bronchial pneumonia a few months shy of his 40th birthday). —in toto, more than 400 tunes committed to disc. A gifted songwriter, whose frequent collaborator, lyricist Andy Razaf, was also one of the best of his time, Waller left behind American song monuments such as “Honeysuckle Rose” and, of course, “Ain’t Misbehavin,” and also proved himself a formidable interpreter of classic pop songs of the day, his stamp on tunes such as “(I’ll Be Glad When You’re Dead” You Rascal You,” “It’s a Sin To Tell a Lie” and “I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter” so unmistakably Waller that it’s hard to believe he didn’t write those as well. In the mid-‘90s RCA did a great service to Waller and his legacy by issuing the heart of the artist’s oeuvre, that being the recordings he made between 1934 and 1943, in a five-volume, multi-disc (13 in all), superbly annotated collection titled Fats Waller and His Rhythm, which was also the name of one of his finest combos of that period. Those discs were allowed, unbelievably, to go out of print, but Bluebird/Legacy has stepped in to correct a wrong with “If You Gotta Ask, You Ain’t Got It,” a three-CD, 66-song overview of Waller’s art, arranged thematically as one volume of vocal performances (“Fats Waller Sings and Plays Fats Waller”), one of instrumentals only (“Strictly Instrumental”) and a third disc of Waller’s renderings of Great American Songbook entries (fancifully but tellingly titled “Fats Sings and Plays Around With Tin Pan Alley”). Volumes One and Three are largely showcases for the Fats Waller and His Rhythm combo and comprise the big man’s most enduring recordings, from the tender-hearted balladry of “A Hopeless Love Affair” to the wry discourse, “All That and No Potatoes,” with the coup de grace being the amazing version of “Ain’t Misbehavin’” recorded for the film Stormy Weather. The instrumental disc is a real treat, as it features three robust performances on pipe organ, including the Louisiana Sugar Babes’ graceful ode to the south, “’Sippi,” written by and featuring on piano the stride giant James P. Johnson (alas, Waller’s organ is barely audible on the track, a flaw in the original recording); and nine richly textured solo piano numbers that illustrate how Waller took Johnson’s stride style into new realms of expressiveness. Sixty-six tunes is barely scratching the surface of Waller’s rich art, but the smart selections, and the best sort of annotators-as-tour-guides in producer and Waller expert Orrin Keepnews and veteran jazz writer Dan Morgenstern, make this an essential, and most enlightening, celebration of an American original.
https://www.barnesandnoble.com/w/if-you-got-to-ask-you-aint-got-it-fats-waller/11508808

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Durante sus 21 años de carrera discográfica, Thomas "Fats" Waller grabó tantos cientos de canciones que sólo unos pocos dedicados las han escuchado todas, incluso una sola vez, y mucho menos lo suficiente como para entender la verdadera naturaleza de su legado. Mientras que los coleccionistas de mucho tiempo pueden atestiguar la impresionante amplitud y profundidad de la discografía masiva de Waller, el ciudadano promedio necesita y merece una oportunidad de investigar a un nivel más modesto, que es para lo que se supone que son las compilaciones. La mayoría de los samplers de Fats Waller se concentran en su sentido del humor altamente desarrollado y su importancia vital en el desarrollo de la música swing; los mejores de ellos también destacan su destreza pianística y -si tienes suerte- su papel pionero como la primera persona en tocar jazz en el órgano. El productor Orrin Keepnews ha logrado lo que debería considerarse como un gran logro en los estudios de Waller, tanto intensivos como casuales: un conjunto de tres CD compilados de forma inteligente con notas sobre el papel de Dan Morgenstern, incluyendo una biografía detallada, comentarios informativos sobre cada uno de los 66 temas y más de 40 fotografías inéditas de los archivos de Fats Waller. El marco conceptual de esta compilación ayudará a los oyentes a entender y sentir la esencia de la música de Waller más claramente que nunca. El disco uno presenta las interpretaciones de Waller de las canciones que él mismo escribió. El disco dos, repleto de (un) órgano y (diez) solos de piano, así como de swing de pequeños grupos y grandes bandas, pretende ser "estrictamente instrumental", incluso si Waller prefacia "Serenata para una viuda rica" con una petición de "dinero" y hace referencias descaradas al consumo conspicuo a lo largo de "Lounging at the Waldorf". El tercer disco, que toca los aspectos más conocidos de la personalidad pública de este artista, se titula Fats Waller Sings and Plays Around with Tin Pan Alley. Dado el gran número de grabaciones existentes que encajan en esa categoría, el productor hizo elecciones extraordinariamente finas. Keepnews lo admite: "Inevitablemente no he incluido todos sus favoritos de Waller. De hecho, ¡ni siquiera he tenido espacio para incluir a todos los míos!" Es evidente que tanto Morgenstern como Keepnews se basaron en vidas enteras dedicadas al desarrollo del amor sincero y el respeto por este gran artista. "If You Got to Ask, You Ain't Got It!" recibe su título de la famosa respuesta de Waller a la pregunta "¿Qué es el swing?" -- Escuchen los tres discos y con toda seguridad lo conseguirán de verdad.
Guía de toda la música - Arwulf Arwulf


El gran genio del cómic/composición/instrumental/vocal que fue Thomas "Fats" Waller tiene un catálogo de una amplitud y profundidad asombrosas, compuesto por pequeñas interpretaciones de combo, orquesta y piano y órgano, todo grabado en un período de 20 años desde 1923 hasta 1943 (cuando sucumbió a una neumonía bronquial a pocos meses de cumplir 40 años). -in toto, más de 400 melodías comprometidas con el disco. Un talentoso compositor, cuyo colaborador frecuente, el letrista Andy Razaf, fue también uno de los mejores de su tiempo, Waller dejó atrás monumentos de la canción americana como "Honeysuckle Rose" y, por supuesto, "Ain't Misbehavin", y también demostró ser un formidable intérprete de las canciones pop clásicas de la época, su sello en melodías como "(I'll Be Glad When You're Dead" You Rascal You," "It's a Sin To Tell a Lie" y "I'm Gonna Sit Down and Write Myself a Letter" tan inconfundiblemente Waller que es difícil de creer que no las haya escrito él también. A mediados de los años 90, RCA dio un gran servicio a Waller y a su legado al emitir el corazón de la obra del artista, es decir, las grabaciones que realizó entre 1934 y 1943, en una colección de cinco volúmenes y multidisco (13 en total), magníficamente comentada titulada Fats Waller and His Rhythm, que también era el nombre de uno de sus mejores combos de ese período. A esos discos se les permitió, increíblemente, salir de la imprenta, pero Bluebird/Legacy ha intervenido para corregir un error con "If You Gotta Ask, You Ain't Got It" (Si tienes que preguntar, no lo tienes), una visión general del arte de Waller en tres CD de 66 canciones, ordenados temáticamente como un volumen de interpretaciones vocales ("Fats Waller Sings and Plays Fats Waller" (Fats Waller canta y toca Fats Waller)"), uno de los instrumentos solamente ("Strictly Instrumental") y un tercer disco de las interpretaciones de Waller de las entradas del Great American Songbook (titulado de forma extravagante pero reveladora "Fats Sings and Plays Around With Tin Pan Alley"). Los volúmenes uno y tres son en gran parte escaparates de la combinación de Fats Waller y His Rhythm y comprenden las grabaciones más perdurables del gran hombre, desde la tierna balada de "A Hopeless Love Affair" hasta el irónico discurso, "All That and No Potatoes" (Todo eso y nada de patatas), con el golpe de gracia de la asombrosa versión de "Ain't Misbehavin" (No te comportes mal) grabada para la película Stormy Weather (El tiempo tormentoso). El disco instrumental es un verdadero placer, ya que cuenta con tres robustas interpretaciones en órgano de tubos, incluyendo la elegante oda al sur de Louisiana Sugar Babes, "'Sippi', escrita por y con el piano del gigante James P. Johnson (desgraciadamente, el órgano de Waller es apenas audible en la pista, un defecto en la grabación original); y nueve números de piano solista ricamente texturizados que ilustran cómo Waller llevó el estilo de zancada de Johnson a un nuevo reino de expresividad. Sesenta y seis melodías apenas están rayando la superficie del rico arte de Waller, pero las inteligentes selecciones, y la mejor clase de guías de anotadores como turistas en el productor y experto de Waller Orrin Keepnews y el veterano escritor de jazz Dan Morgenstern, hacen que esta sea una celebración esencial, y de lo más esclarecedora, de un original estadounidense.
https://www.barnesandnoble.com/w/if-you-got-to-ask-you-aint-got-it-fats-waller/11508808
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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