egroj world: 2019

martes, 19 de noviembre de 2019

Jerry Weldon • Head to Head



Tenor saxophonists Jerry Weldon and Michael Karn share many of the same influences including Dexter Gordon, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Hank Mobley and Joe Henderson. Karn has a slightly harder tone but the two tenors are quite complementary and of equal talent. For this hard bop outing from Criss Cross, Weldon and Karn are joined by pianist Bruce Barth, bassist Peter Washington and drummer Billy Drummond. Although the co-leaders contribute two originals apiece, the newer pieces are in the same basic chordal-oriented style as the six vintage tunes (which include a long and blazing tenor tradeoff on "Ko-Ko," "Ow," the Sonny Rollins-associated "If Ever I Would Leave You" and ballad features for Karn ("Who Can I Turn To") and Weldon ("All the Way"). Fun music easily recommended to straight-ahead jazz collectors. ~ Scott Yanow

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Los saxofonistas Jerry Weldon y Michael Karn comparten muchas de las mismas influencias, incluyendo a Dexter Gordon, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Hank Mobley y Joe Henderson. Karn tiene un tono ligeramente más duro pero los dos tenores son bastante complementarios y de igual talento. Para esta dura salida de Criss Cross, Weldon y Karn están acompañados por el pianista Bruce Barth, el bajista Peter Washington y el baterista Billy Drummond. Aunque los co-líderes aportan dos originales cada uno, las piezas más nuevas tienen el mismo estilo básico orientado a los acordes que los seis temas vintage (que incluyen un largo y ardiente intercambio de tenor en "Ko-Ko", "Ow", "If Ever I Would Leave You", asociado con Sonny Rollin, y baladas para Karn ("Who Can I Turn To") y Weldon ("All the Way"). La música divertida se recomienda fácilmente a los coleccionistas de jazz. ~ Scott Yanow


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Bud Shank Featuring Chet Baker • Michelle

German Paintings of the Fifteenth through Seventeenth Centuries • NGA



This catalogue contains entries on fifteenth- and sixteenth- (and one seventeenth-) century German (and Austrian) paintings in the National Gallery of Art, Washington DC, both German and Austrian. Entries are arranged alphabetically by artist and there is a short biography and bibliography for each artist. Individual entries follow the model established by earlier systematic catalogues and full scholarly and technical information is provided for each painting. Questions of attribution, iconography, and social and religious function and context are discussed and, where relevant, comparative examples, reconstructions of altarpieces, x-radiography and infra-red reflectogram assemblies are included. The catalogue also contains the results of dendrochronological examinations of the paintings.









The History of Jazz • Ted Gioia



Jazz is the most colorful and varied art form in the world and it was born in one of the most colorful and varied cities, New Orleans. From the seed first planted by slave dances held in Congo Square and nurtured by early ensembles led by Buddy Belden and Joe "King" Oliver, jazz began its long winding odyssey across America and around the world, giving flower to a thousand different forms--swing, bebop, cool jazz, jazz-rock fusion--and a thousand great musicians. Now, in The History of Jazz, Ted Gioia tells the story of this music as it has never been told before, in a book that brilliantly portrays the legendary jazz players, the breakthrough styles, and the world in which it evolved.
Here are the giants of jazz and the great moments of jazz history--Jelly Roll Morton ("the world's greatest hot tune writer"), Louis Armstrong (whose O-keh recordings of the mid-1920s still stand as the most significant body of work that jazz has produced), Duke Ellington at the Cotton Club, cool jazz greats such as Gerry Mulligan, Stan Getz, and Lester Young, Charlie Parker's surgical precision of attack, Miles Davis's 1955 performance at the Newport Jazz Festival, Ornette Coleman's experiments with atonality, Pat Metheny's visionary extension of jazz-rock fusion, the contemporary sounds of Wynton Marsalis, and the post-modernists of the Knitting Factory. Gioia provides the reader with lively portraits of these and many other great musicians, intertwined with vibrant commentary on the music they created. Gioia also evokes the many worlds of jazz, taking the reader to the swamp lands of the Mississippi Delta, the bawdy houses of New Orleans, the rent parties of Harlem, the speakeasies of Chicago during the Jazz Age, the after hours spots of corrupt Kansas city, the Cotton Club, the Savoy, and the other locales where the history of jazz was made. And as he traces the spread of this protean form, Gioia provides much insight into the social context in which the music was born. He shows for instance how the development of technology helped promote the growth of jazz--how ragtime blossomed hand-in-hand with the spread of parlor and player pianos, and how jazz rode the growing popularity of the record industry in the 1920s. We also discover how bebop grew out of the racial unrest of the 1940s and '50s, when black players, no longer content with being "entertainers," wanted to be recognized as practitioners of a serious musical form. Jazz is a chameleon art, delighting us with the ease and rapidity with which it changes colors. Now, in Ted Gioia's The History of Jazz, we have at last a book that captures all these colors on one glorious palate. Knowledgeable, vibrant, and comprehensive, it is among the small group of books that can truly be called classics of jazz literature.


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Monty Alexander • Harlem-Kingston Express Live!



Monty Alexander celebrated his 50th year of phenomenal musicianship by releasing two outstanding recordings: the now Grammy® nominated Harlem-Kingston Express Live! and Uplift (via Jazz Legacy Productions). Co-Produced by Jana Herzen, Katherine Miller, and Dizzy's Club Coca-Cola's Todd Barkan (who introduced Motéma and Monty to each other), the Best Reggae Album nomination is truly a fantastic accomplishment in what has been a hugely successful year for the pianist. Upon its release, Harlem-Kingston Express Live! dominated the airwaves, reaching #1 on both Jazzweek's Jazz and World radio charts, while press buzzed over the album's Jamaican influences, which include elements of mento, ska as well as R&B.

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Monty Alexander celebró sus 50 años de fenomenal musicalidad lanzando dos grabaciones sobresalientes: la ahora nominada a los Grammy® Harlem-Kingston Express Live! y Uplift (a través de Jazz Legacy Productions). Coproducida por Jana Herzen, Katherine Miller y Todd Barkan de Dizzy's Club Coca-Cola (quien presentó a Motéma y Monty entre sí), la nominación al Mejor Álbum de Reggae es realmente un logro fantástico en lo que ha sido un año de gran éxito para la pianista. Tras su lanzamiento, Harlem-Kingston Express Live! dominó las ondas, alcanzando el primer puesto en las listas de éxitos de Jazzweek y World radio, mientras que la prensa se interesó por las influencias jamaicanas del álbum, que incluyen elementos de mento, ska y R&B.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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Cookin' On 3 Burners • Lab Experiments Vol. 2



Artist Biography by Rob Wacey
Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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 Biografía del artista por Rob Wacey
Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography0




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lunes, 18 de noviembre de 2019

Stan Getz • Bossas And Ballads

Georges Arvanitas • Bird of Paradise



Artist Biography by Jason Ankeny
A longtime giant of the European jazz landscape, pianist Georges Arvanitas' graceful technique and effortless versatility made him a sought-after accompanist among American musicians touring France. Born June 13, 1931 in Marseilles, Arvanitas was the son of Greek immigrants hailing from Istanbul. He began classical piano studies at age four, but as a teen gravitated to jazz. At 18 he was called for military duty and stationed in Versailles. His proximity to Paris exposed Arvanitas to the city's thriving postwar jazz culture, and he moonlighted at clubs like Le Tabou and Les Trois Mailletz alongside American masters including Don Byas and Mezz Mezzrow. After completing his service, Arvanitas relocated permanently to Paris where he led the house band at the Club St. Germain before he graduated to the city's premier jazz venue, the legendary Blue Note. There he supported American stars like Dexter Gordon and Chet Baker, and as his profile grew, he also gained notoriety as a leader. He assembled bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor to record 1963's 3 A.M., winner of the Prix Django Reinhardt and the Prix Jazz Hot.

Arvanitas spent half of 1965 in New York City collaborating with saxophonist Yusef Lateef and trumpeter Ted Curzon on the Blue Note label LP The Blue Thing and the New Thing. He returned stateside a year later, this time on a tour with trombonist Slide Hampton's big band. Arvanitas was also a respected session contributor; he earned the nickname "Georges Une Prise" ("One-take George") for his reliable efficiency and mastery. He was a particular favorite of the composer Michel Legrand and appeared on many of his soundtrack recordings. Arvanitas also played the memorable Hammond organ fills on Serge Gainsbourg's infamous 1969 pop hit "Je T'aime, Moi Non Plus." Arvanitas nevertheless remains best remembered for a series of LPs he cut with bassist Jacky Samson and drummer Charles Saudrais, a trio that endured from 1965 to 1993 (the 1968 album Space Ballad and 1976's Anniversary are particularly noteworthy). He was also the recipient of the Chevalier des Arts et des Lettres award in 1985. Failing health forced Arvanitas to retire from music in 2003. He died in Paris on September 25, 2005.

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Biografía del artista por Jason Ankeny
El pianista Georges Arvanitas, un gigante del panorama del jazz europeo durante mucho tiempo, la técnica elegante y la versatilidad sin esfuerzo lo convirtieron en un codiciado acompañante entre los músicos estadounidenses que viajan por Francia. Nacido el 13 de junio de 1931 en Marsella, Arvanitas era hijo de inmigrantes griegos provenientes de Estambul. Comenzó los estudios de piano clásico a los cuatro años, pero de adolescente se inclinó por el jazz. A los 18 años fue llamado al servicio militar y estacionado en Versalles. Su proximidad a París expuso a Arvanitas a la próspera cultura de jazz de la posguerra de la ciudad, y estuvo a la luz de la luna en clubes como Le Tabou y Les Trois Mailletz junto a maestros estadounidenses como Don Byas y Mezz Mezzrow. Después de completar su servicio, Arvanitas se mudó permanentemente a París, donde dirigió la banda de house en el Club St. Germain antes de graduarse en el principal local de jazz de la ciudad, el legendario Blue Note. Allí apoyó a estrellas estadounidenses como Dexter Gordon y Chet Baker, y a medida que su perfil creció, también ganó notoriedad como líder. Reunió al bajista Doug Watkins y al baterista Art Taylor para grabar 3 A.M. de 1963, ganador del Prix Django Reinhardt y el Prix Jazz Hot.

Arvanitas pasó la mitad de 1965 en la ciudad de Nueva York colaborando con el saxofonista Yusef Lateef y el trompetista Ted Curzon en la etiqueta Blue Note LP The Blue Thing and the New Thing. Regresó a Estados Unidos un año después, esta vez en una gira con la gran banda del trombonista Slide Hampton. Arvanitas también fue un respetado colaborador de sesión; se ganó el apodo de "Premio Georges Une" ("One-take George") por su eficiencia y dominio confiable. Fue uno de los favoritos del compositor Michel Legrand y apareció en muchas de sus grabaciones de la banda sonora. Arvanitas también tocó los memorables rellenos de órgano de Hammond en el famoso éxito pop de Serge Gainsbourg de 1969 "Je T'aime, Moi Non Plus". Sin embargo, Arvanitas sigue siendo el más recordado por una serie de discos que grabó con el bajista Jacky Samson y el baterista Charles Saudrais, un trío que duró de 1965 a 1993 (el álbum de 1968 Space Ballad y el Aniversario de 1976 son particularmente notables). También recibió el premio Chevalier des Arts et des Lettres en 1985. La salud fallida obligó a Arvanitas a retirarse de la música en 2003. Murió en París el 25 de septiembre de 2005.


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Cookin' On 3 Burners • Lab Experiments Vol. 1ː Mixin'



Artist Biography by Rob Wacey
Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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 Biografía del artista por Rob Wacey
Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.
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domingo, 17 de noviembre de 2019

Barbara Dennerlein • Best Of Blues - Through The Years



A wide variety of Hammond blues delicacies that can bring you to tears. Enjoy Barbara's great blues feeling and her incomparable sound at her Hammond organ with its infinite range of expressive possibilities. No one does the Blues like Barbara!


Album Notes
CD "Best Of Blues : Through The Years"
Barbara Dennerlein - Hammond Organ Solo & with band

As the title of the new CD "Best Of Blues: Through The Years" by Barbara Dennerlein already reveals, it is all about "Blues" in the widest sense. Thus, the CD assembles a fine selection of blues titles, which Barbara has composed during her career and recorded solo as well as accompanied with different instrumentations. This new CD, therefore, is Barbara’s answer to her concert audience’s frequently expressed desire, to dedicate an entire album specifically to her "Blüser".

"Blues," says Barbara, "is incredibly diverse and can be played in so many different ways. Ever since I first sat down at the organ, the Blues has been, and to this day remains, my companion. No matter what I play, the Blues feeling is perceptible in every moment in my music. The Blues is a source of inspiration and expression of my deepest feelings."

In listening to Barbara perform, it is obvious that she has the blues in her blood. She masterfully coaxes Blue Notes from her beloved Hammond-B3, whether in wonderfully sensitive slow blues or in uptempo bebop blues. Her intense blues feeling and her versatility come to the fore in this compilation, where she celebrates the most different kinds of blues. Barbara, embraces blues styles, from traditional down-to-earth blues, boogie, swing, bebop and funky blues, to the experimental processing of the blues, as in the intro of "Frog Dance", where she conjures fascinating, ethereal sounds as she plays with the drawbars of her Hammond organ.

And then there’s Barbara’s virtuoso pedal technique, a technique so impressive that all recordings on this CD, many having complex bass passages, feature only Barbara’s pedal bass. She creates a kind of rhythmic triptych, playing melody, accompaniment and bass, completely independently to create her own groove. Under Barbara’s magic fingers, the legendary Hammond B3 comes alive.

This CD contains nine recordings from the period 1985 to 2014 in different instrumentations from solo to quintet. The album contains both studio and live recordings.

The album represents a kind of documentary of over the thirty years of history of "Bebab Records", Barbara’s own record company she started in 1985. Regardless of her productions on such renowned labels as Enja, Universal / Verve, or Edel / MPS, it is Barbara’s own Bebab Label that continues to guarantee Barbara Dennerlein’s artistic freedom without restriction.

Title list with line-ups:
01 Organ Boogie 6:4 (Trio with Peter Lehel sax, Marcel Gustke dr)
02 Stormy Weather Blues 9:28 (Solo)
03 Tribute To Charlie 7:13 (Quintett with Alan Praskin as, Jürgen Seefelder ts, Hermann Breuer tb, Joe Nay dr)
04 Rankett Blues 9:02 (Duo with Daniel Messina dr)
05 Frog Dance 10:05 (Solo)
06 Bebabaloo 7:30 (Trio with Peter Lehel sax, Marcel Gustke dr)
07 Black And White 5:09 (Solo)
08 Funkish 4:10 (Duo with Daniel Messina dr)
09 This Old Fairy-Tale 4:11 (Trio with Christoph Widmoser git, Andreas Witte dr)
All songs composed by Barbara Dennerlein

Bio:
Barbara Dennerlein: Internationally celebrated Hammond & Pipe Organ virtuoso.

Her CDs have won numerous awards, including the German Record Critics Award. Her CD "Take Off" (Verve/Universal) even reached number 1 in the jazz charts and was the best-selling German jazz album of the year. Barbara Dennerlein belongs to the small circle of German artists of international repute. On her recordings and in her concerts, she stands out as a member of a new generation of jazz musicians, and is regarded by her peers and her audiences alike as one of the leading representatives of her instruments: the legendary Hammond B3, and the mighty pipe organ.
It is an awe-inspiring experience to watch Barbara live on stage. As the most important and most successful German jazz export, she is familiar with large international festival stages and intimate clubs alike. A list of venues where she has wowed audiences is as varied as it is long: the "Blue Note" and the "Sweet Basil" in New York, "Ronnie Scott's Club" and the "Jazz Café" in London and the "Blue Note" in Tokyo; Philadelphia, Berkley, San Jose, San Diego; the Montreal, Vancouver, Toronto, Edmonton, and Victoria jazz festivals; European festivals in The Hague, the North Sea Jazz Festival in the Netherlands, the Pori Jazz Festival in Finland, the Molde Jazz in Norway, the Arhus Jazz Festival in Denmark, the Maastricht-Kortrijk Festival in Belgium, the Vitoria Festival de Jazz in Spain, and German festivals in Berlin, Frankfurt, Leverkusen, Nuremberg, Vilshofen, Burghausen, Freiburg, Hamburg, Hanover and many others. Besides her nearly endless live performances, Barbara has made numerous appearances on both domestic and international radio and TV.
Both with her own "Bebab" group and solo, Barbara is equally celebrated by critics and audiences alike on both sides of the Atlantic. The name "Bebab" is a play on "Bebop" and "Barbara" and indicates something unique for which there is no established term, no pigeonhole. She knows the value of tradition but is also at home in modern jazz, in the here and now. She is one of the few musicians who can make the connection between different styles and audiences, building bridges between the musical past and present. She is just as familiar with the grooves of youth culture as with the listening experiences of a generation that grew up with the Hammond organ boom of the fifties.
Swing, bebop, blues, soul, latin and funk - for Barbara there are no rigid boundaries, only fluid transitions. Audiences are captivated by her talent, her absolute mastery of the instrument, her taste, and not least, her warm personality. The B3, it would seem, is a seamless extension of herself. She understands better than anyone how to exploit her instrument to the full, creating a sound and a musical style that is unmistakably “Barbara Dennerlein”.
Her brilliant technique has breathed new life into the venerable Hammond organ, an instrument long neglected in modern jazz. She can rightfully claim to have paved the way for the organ’s current renaissance in jazz.
Born in Munich in 1964, she fell in love with one sound at an early age. While others were practicing "Für Elise" or strumming "All You Need Is Love" on the guitar, Barbara was fascinated by the sound of the Hammond organ.


She was eleven when the first home organ became part of the Dennerlein household. Her father, himself an organ fan, was acting a little bit out of self-interest when he bought the Christmas present. If Barbara lost interest, he could always play it himself! But it all turned out quite differently. Barbara never took her hands off the instrument again. And things didn’t stop there either. The fourth instrument on which Barbara indulged in her passion was the “Holy Grail” of organs: an original Hammond long since out of production – the legendary Hammond B3.
And so began Barbara’s own journey of discovery into the world of music. In addition to studying the classical repertoire of standards, she began to compose her own numbers very early on. Following first performances as a thirteen-year-old, she began to play in clubs at the age of fifteen. In the early eighties she was already celebrated as the "organ tornado from Munich". Later on, "Harper's Bazar" wondered: "How did this Fräulein get so funky?“ and the Los Angeles Times headlined with: "German Organist Pumps You Up".
For years, Barbara has topped critics’ polls in American jazz magazines and can call a worldwide community of devoted jazz friends her own. Yet through all this she has remained modest and uncomplicated, like the proverbial "girl next door", never failing to mention the support of her parents in interviews, and seeking emotional closeness to her audience as she takes them on a musical journey of discovery beyond the usual boundaries of fixed stylistic definitions. "To me", says Barbara," jazz is a synonym for freedom. Freedom from prejudice and discrimination, freedom from constraints and convention. This is my own definition of jazz that I want to convey to the listener. Whether young or old, traditionalist or modernist, jazz fan or non-jazz fan.“
Watching her perform, it is obvious that Barbara is a perfectionist, but clearly she is anything but a soulless technician. She attaches the greatest importance to musical integration in the collective. Her live bands play superbly together. Her CD productions feature hand-picked line-ups of prominent musicians versed in different styles; first rate musicians like Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker, Jeff "Tain" Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David Sanchez, Roy Hargrove, Bob Berg and Dennis Chambers.
Critical to her early success, was the support of respected record labels. Barbara’s albums have been released by, among others, the prestigious labels Enja ("Straight Ahead", "Hot Stuff" and "That’s Me") and more recently, Verve ("Take Off", "Junkanoo", and "Outhipped"). But early on, Barbara also established her own Label, Bebab Records, and has released numerous CDs over the years on Bebab as well.
To take the B3 beyond its traditional sound, Barbara combines her instrument with samplers and synthesizers using MIDI technology, which provides her with even more orchestral sounds. However, she never drifts off into some abstract musical science fiction but remains down-to-earth and groove-oriented. Despite her virtuosity, what matters to her most is intensity and communication with her musicians and her audience. Expressive ballads suit her just as well as high-speed escapades over the keys, or funky grooves. What’s more, this energetic improviser also has made a name for herself with her own unmistakable compositions.
In 2001 Barbara set out in a new direction and released "Love Letters" on Bebab Records - a musical declaration of love with a multitude of emotions that gets under your skin and takes you on a journey into diverse musical worlds, and unique grooves and enthralling soundscapes. This was just another step in the development of an artist who never stands still and who continues to seek new challenges and directions in her music. This CD, recorded as a duo, is the result of many years of very intensive, creative collaboration with her drummer and percussionist.
In 2004 Barbara gave musical expression to her innermost thoughts and aspirations and captured these on a strikingly original and very personal CD. "In a Silent Mood" is a revealing and fascinating insight into her musical personality. Playing in her studio alone and free from interruptions or interference, Barbara really shines in this introspective solo CD performance. She augments the wonderful classic B3 sound with tasteful and subtle synthesizer and sampler sounds, all played "straight" with no studio tricks or overdubs.
If there is one thing that sets Barbara apart from all other Hammond B3 artists, it is her stunning bass pedal work that has to be seen to be believed. Listeners have often assumed she is accompanied by a bassist, but in reality those complex bass lines are Barbara’s blindingly fast left foot. No one has even come close to matching her stunning bass pedal work! "The bass pedals are absolutely crucial to my way of playing the Hammond", says Barbara. "They enable me to develop a very special rhythmic structure which cannot easily be imitated by a bass player, because together with the two manuals I have a kind of rhythmic triptych at my disposal".
Equally unforgettable are the unique concerts with legendary pianist Friedrich Gulda together with Barbara on the Hammond organ in such renowned concert halls as the Philharmonic Orchestras of Cologne and Munich, the Brucknerhaus Linz, the Concert Hall and Musikverein in Vienna, the Kunstverein in Bregenz, the Tonhalle in Zurich and at the Viennese Festival Weeks. Gulda used his full musical genius to create a symbiosis of classical music and jazz beyond all limitations of style or genre. Barbara, who was a great friend of Friedrich Gulda’s, takes the same approach to music in her work.
In recent years, Barbara has become increasingly in demand for TV performances. A notable example is on New Year’s Eve 2000, when she presented 24 hours of jazz on the German 3sat TV network, taking her viewers on a musical journey right into 2001. On June 14th, 2007, she dazzled viewers on the Harald Schmidt show (Germany’s equivalent of America’s David Letterman Show). Harald’s one-word response at the end of one piece was "Wow! "

Part of Barbara’s appeal is that she is a passionate, charming musician, who always asks: "Do you like jazz? What is the meaning of jazz for you?" For herself, and this is what endears her to her audience, jazz is anything but a one-dimensional affair. " My music is as varied as my emotions or the world I live in, which influences and inspires me. One style or one direction would only express one small part of my musical world."
“It’s Magic" (2005) features the tight interaction between organist and drummer, live in concert, full of charm and humour. Barbara is really at her best in live performances, and this CD will certainly make new fans, even those who may be somewhat sceptical when it comes to the music form known as "jazz".
Barbara has set out in yet another new direction, releasing her CD "Change of Pace" (2007) also on Bebab Records. This recording of exclusively her compositions is a collaboration between Barbara on B3 with saxophone and drums, and a full symphony orchestra: the State Philharmonic Orchestra of Rhineland-Palatinate, under the direction of the internationally renowned conductor Bernd Ruf. This remarkable CD unites the classic Hammond Trio -with Barbara’s breathtaking footpedal bass- with full symphonic orchestra to spectacular effect.
In 2010 Barbara celebrated her 35th anniversary as musician with her Hammond Trio CD "Bebabaloo", a live album that has received several press awards. With her brilliant technique and her innovative and unmistakable style she clearly belongs to the crème de la crème of jazz. Listening to this CD, one can easily see how she has been credited for almost single-handedly being responsible for the recent organ renaissance in jazz.
But there is yet another side to Barbara’s talent. Intrigued by her first pipe organ concert at the Bach Days in Würzburg in 1994, she began an intensive period of activity with the "queen of instruments", the mighty pipe organ. Thanks to her complete mastery of the pedals, Barbara has fully exploited the instrument’s immense musical potential, mainly with works that she composed especially for it. The result is breathtaking, proving that the ponderous and sluggish instrument can really swing. Barbara has thrilled audiences on numerous great pipe organs, Including the Dobson organ at the Verizon Hall at the Kimmel Center in Philadelphia, the Torrence & Yaeger organ at Trinity Church in New York, the Spreckels organ at Balboa Park in San Diego, the concert organs at the Philharmonics of Kaliningrad and Jekatarinburg and the International Performing Arts Center in Moscow, the Gewandhaus organ in Leipzig, the Klais organs in the Munich and Cologne Philharmonics, the Kuhn organs at the Essen Philharmonic and the Hofkirche in Luzern/Switzerland, the Konzerthaus in Dortmund and the Royal Opera House in Muscat/Oman, the Steinmeyer organ in the St Michaelis church in Hamburg, the Schuke organ in the Berlin Philharmonic, the Eisenbarth organ at the Dome of Passau, the von-Beckerath organ in the Hanover Market church, and the organ at the world famous Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis church, a Berlin landmark. The listener is carried off to new worlds of sound, a mixture of jazz in the widest sense and classical elements.
Long awaited by fans, "Spiritual Movement No.1" (Bebab 250970) was released in 2002, recorded for the first time exclusively on the pipe organ. A jazz passion for 2,400 pipes, recorded on the mighty Goll organ in St. Martin’s church/Memmingen - Barbara Dennerlein has now finally brought jazz on the pipe organ to the world.
As an encore to her critically acclaimed "Spiritual Movement No.1", "Spiritual Movement No.2" (Bebab 250974) was released in October 2008, and takes jazz on the mighty pipe organ to a level never before heard. On this spectacular live recording, Barbara plays jazz compositions –mostly her own– on the massive Schuke pipe organ, in the Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis Church in Berlin. For those that still cannot believe it’s possible to make this 4-manual, 5000 pipe monster really swing, a few minutes spent listening to her ultra-cool version of “Satisfaction” will soon convince them otherwise. Only Barbara could take a tired old war horse like “Satisfaction” and breathe life (and funk!) into it on an instrument most people associate only with church music!
"Spiritual Movement No.3" (Bebab 250976), the third in the ”Spiritual Movement” series, was released in 2012. This CD is a fascinating duo performance: a live recording of pipe organ and guitar, with surprising, yet tastefully subtle synthesizer accompaniment. Once again, most of the pieces are Barbara’s own compositions, but with a nod to jazz tradition, listeners are treated to the old Dizzy Gillespie favorite “Tin Tin Deo”. With this remarkable CD, Barbara works her magic, creating sublime sounds and delicate grooves, evoking a marvelous mélange of spirituality and down to earth “cool”.
2014 brought “Barbara Dennerlein’s Blues & Latin Project”, in which she presented the Argentinian flamenco guitarist Hernan Romero, and two DVD releases on Arthaus, presenting two of her live performances together with Friedrich Gulda. One of them Gulda himself titled “I love Barbara, I love Mozart”.
Three new productions appeared in 2015. Barbara composed and played the almost seventy-minute-long film score for the "The Big Picture", an experimental film whose impressive effect is achieved solely through the fascinating, partly alienated nature shots and the music. A concert recording (Hammond and drums) was released as a high-quality vinyl production on the Bauer-Neuklang label (the label of the famous Ludwigsburg-based Tonstudio Bauer). At the end of the year, Barbara delighted her fans with a remarkable Christmas CD in collaboration with the Italian producer Nicola Conte and an international cast released on the legendary MPS label.
2016 clearly showed that Barbara has no intentions to slow down, with the release on her Bebab label, of her new CD “My Moments” together with accompanying DVD. This live concert is the first album where Barbara plays both instruments: the huge 203 stop Woehl pipe organ in Piteå (Sweden), and the her first love, the Hammond organ. With the DVD that accompanies this new CD, Barbara’s fans can also see the magic of Barbara in concert, in their own living room.
Whether playing the B3 or the pipe organ; whether playing solo, or in duo, trio, quartet, quintet, or even with full orchestra backup, Barbara Dennerlein is in a class of her own; she is without question the First Lady of the organ.
https://store.cdbaby.com/cd/barbaradennerlein5

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Una gran variedad de delicias de Hammond blues que pueden hacer que llores. Disfruta del gran sentimiento blues de Barbara y de su incomparable sonido en su órgano Hammond con su infinita gama de posibilidades expresivas. ¡Nadie hace el Blues como Barbara!


Notas del álbum
CD "Best Of Blues : Through The Years"
Barbara Dennerlein - Hammond Organ Solo y con banda

Como título del nuevo CD "Best Of Blues: Through The Years" de Barbara Dennerlein ya revela que se trata de "Blues" en el sentido más amplio. Así, el CD reúne una fina selección de títulos de blues, que Barbara ha compuesto a lo largo de su carrera y que ha grabado en solitario y acompañado con diferentes instrumentos. Este nuevo CD, por lo tanto, es la respuesta de Barbara al deseo expresado con frecuencia por el público de su concierto de dedicar un álbum entero específicamente a su "Blüser".

"El blues", dice Barbara, "es increíblemente diverso y se puede tocar de muchas maneras diferentes. Desde que me senté al órgano, el Blues ha sido, y hasta el día de hoy sigue siendo, mi compañero. No importa lo que toque, el sentimiento Blues es perceptible en cada momento de mi música. "El Blues es una fuente de inspiración y expresión de mis sentimientos más profundos".

Al escuchar a Barbara tocar, es obvio que tiene el blues en la sangre. Con maestría convence a Blue Notes de su amado Hammond-B3, ya sea en un blues lento maravillosamente sensible o en un blues bebop uptempo. Su intenso sentimiento blues y su versatilidad se destacan en este recopilatorio, donde celebra los más diversos tipos de blues. Barbara, abraza los estilos del blues, desde el tradicional down-to-earth blues, boogie, swing, bebop y funky blues, hasta el procesamiento experimental del blues, como en la introducción de "Frog Dance", donde evoca sonidos fascinantes y etéreos mientras juega con los drawbars de su órgano Hammond.

Y luego está la virtuosa técnica de pedaleo de Barbara, una técnica tan impresionante que todas las grabaciones de este CD, muchas de ellas con pasajes de bajo complejos, sólo incluyen el bajo de pedal de Barbara. Crea una especie de tríptico rítmico, tocando melodía, acompañamiento y bajo, de forma totalmente independiente para crear su propio ritmo. Bajo los dedos mágicos de Barbara, el legendario Hammond B3 cobra vida.

Este CD contiene nueve grabaciones desde 1985 hasta 2014 en diferentes instrumentos, desde solista hasta quinteto. El álbum contiene grabaciones en estudio y en directo.

El álbum representa una especie de documental de más de treinta años de historia de "Bebab Records", la propia compañía discográfica de Barbara que inició en 1985. Independientemente de sus producciones en sellos tan renombrados como Enja, Universal / Verve, o Edel / MPS, es el propio sello Bebab Label de Barbara el que sigue garantizando la libertad artística de Barbara Dennerlein sin restricciones.

Lista de títulos con alineaciones:
01 Organ Boogie 6:4 (Trío con saxo de Peter Lehel, Marcel Gustke dr)
02 Stormy Weather Blues 9:28 (Solo)
03 Tributo a Charlie 7:13 (Quinteto con Alan Praskin, Jürgen Seefelder ts, Hermann Breuer tb, Joe Nay dr)
04 Rankett Blues 9:02 (Dúo con Daniel Messina dr)
05 Baile de la Rana 10:05 (Solo)
06 Bebabaloo 7:30 (Trío con saxo de Peter Lehel, Marcel Gustke dr)
07 Blanco y negro 5:09 (Solo)
08 Funkish 4:10 (Dúo con Daniel Messina dr)
09 Este viejo cuento de hadas 4:11 (Trío con Christoph Widmoser git, Andreas Witte dr)
Todas las canciones compuestas por Barbara Dennerlein

Biografía:
Barbara Dennerlein: El virtuoso de Hammond & Pipe Organ.

Sus CDs han ganado numerosos premios, incluyendo el Premio de la Crítica de Discos Alemanes. Su CD "Take Off" (Verve/Universal) alcanzó incluso el número 1 en las listas de éxitos de ventas de jazz y fue el álbum de jazz alemán más vendido del año. Barbara Dennerlein pertenece al pequeño círculo de artistas alemanes de renombre internacional. En sus grabaciones y en sus conciertos, se destaca como miembro de una nueva generación de músicos de jazz, y es considerada por sus pares y su público como uno de los principales representantes de sus instrumentos: el legendario Hammond B3, y el poderoso órgano de tubos.

Es una experiencia impresionante ver a Barbara en vivo en el escenario. Como la más importante y exitosa exportadora alemana de jazz, está familiarizada tanto con los grandes escenarios de festivales internacionales como con los clubes íntimos. Una lista de lugares donde ha cautivado al público es tan variada como larga: la "Blue Note" y la "Sweet Basil" en Nueva York, el "Ronnie Scott's Club" y el "Jazz Café" en Londres y la "Blue Note" en Tokio; los festivales de jazz de Montreal, Vancouver, Toronto, Edmonton, Victoria y Filadelfia, San José y San Diego; Festivales europeos en La Haya, el Festival de Jazz del Mar del Norte en los Países Bajos, el Festival de Jazz de Pori en Finlandia, el Molde Jazz en Noruega, el Festival de Jazz de Arhus en Dinamarca, el Festival de Jazz de Maastricht-Kortrijk en Bélgica, el Festival de Jazz de Vitoria en España, y festivales alemanes en Berlín, Frankfurt, Leverkusen, Nuremberg, Vilshofen, Burghausen, Freiburg, Hamburgo, Hannover y muchos otros. Además de sus casi interminables actuaciones en directo, Barbara ha hecho numerosas apariciones en la radio y la televisión nacionales e internacionales.
Tanto con su propio grupo "Bebab" como en solitario, Barbara es celebrada por igual por la crítica y el público de ambos lados del Atlántico. El nombre "Bebab" es un juego de "Bebop" y "Barbara" e indica algo único para lo que no existe un término establecido, ningún casillero. Conoce el valor de la tradición, pero también se siente a gusto en el jazz moderno, en el aquí y el ahora. Es uno de los pocos músicos que puede hacer la conexión entre diferentes estilos y audiencias, construyendo puentes entre el pasado y el presente musical. Está tan familiarizada con los ritmos de la cultura juvenil como con las experiencias auditivas de una generación que creció con el auge del órgano de Hammond en los años cincuenta.
Swing, bebop, blues, soul, latin y funk - para Barbara no hay límites rígidos, sólo transiciones fluidas. El público se siente cautivado por su talento, su dominio absoluto del instrumento, su gusto y, no en último término, su cálida personalidad. El B3, al parecer, es una extensión sin fisuras de sí misma. Ella entiende mejor que nadie cómo explotar al máximo su instrumento, creando un sonido y un estilo musical que es inconfundiblemente "Barbara Dennerlein".
Su brillante técnica ha dado nueva vida al venerable órgano Hammond, un instrumento largamente descuidado en el jazz moderno. Puede afirmar con razón que ha allanado el camino para el renacimiento actual del órgano en el jazz.
Nacida en Múnich en 1964, se enamoró de un solo sonido a una edad temprana. Mientras otros practicaban "Für Elise" o rasgueaban "All You Need Is Love" en la guitarra, Bárbara estaba fascinada por el sonido del órgano Hammond.


Tenía once años cuando el primer órgano de la casa se convirtió en parte de la casa de los Dennerlein. Su padre, que es un fanático de los órganos, estaba actuando un poco por interés propio cuando compró el regalo de Navidad. Si Bárbara perdiera el interés, siempre podría tocarla él mismo. Pero todo resultó muy diferente. Bárbara nunca volvió a quitar las manos del instrumento. Y las cosas no terminaron ahí tampoco. El cuarto instrumento en el que Bárbara se entregó a su pasión fue el "Santo Grial" de los órganos: un Hammond original que hace tiempo que no está en producción: el legendario Hammond B3.
Y así comenzó el viaje de descubrimiento de Barbara en el mundo de la música. Además de estudiar el repertorio clásico de estándares, comenzó a componer sus propios números muy pronto. Tras sus primeras actuaciones a la edad de trece años, comenzó a tocar en clubes a los quince años. A principios de los años ochenta ya era celebrada como el "tornado de órgano de Munich". Más tarde, "Harper's Bazar" se preguntó: "¿Cómo se puso tan raro esta Fräulein?" y el Los Angeles Times con el título: "Organista alemán te bombea".
Durante años, Barbara ha encabezado las encuestas de los críticos en las revistas de jazz estadounidenses y puede llamar suya a una comunidad mundial de amigos devotos del jazz. Sin embargo, a través de todo esto ha permanecido modesta y sin complicaciones, como la proverbial "chica de al lado", sin dejar de mencionar el apoyo de sus padres en las entrevistas, y buscando la cercanía emocional a su público mientras los lleva en un viaje musical de descubrimiento más allá de los límites habituales de las definiciones estilísticas fijas. "Para mí", dice Barbara, "el jazz es sinónimo de libertad. Libertad frente a los prejuicios y la discriminación, libertad frente a las limitaciones y la convención. Esta es mi propia definición de jazz que quiero transmitir al oyente. Ya sea joven o viejo, tradicionalista o modernista, fanático del jazz o no fanático del jazz".

Viéndola actuar, es obvio que Bárbara es una perfeccionista, pero claramente es todo menos una técnica desalmada. Concede la máxima importancia a la integración musical en el colectivo. Sus bandas en vivo tocan magníficamente juntas. Sus producciones en CD incluyen una selección de músicos prominentes versados en diferentes estilos; músicos de primer nivel como Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker, Jeff "Tain" Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David Sanchez, Roy Hargrove, Bob Berg y Dennis Chambers.
Crítico para su éxito inicial, fue el apoyo de respetados sellos discográficos. Los álbumes de Barbara han sido editados, entre otros, por los prestigiosos sellos Enja ("Straight Ahead", "Hot Stuff" y "That's Me") y, más recientemente, Verve ("Take Off", "Junkanoo" y "Outhipped"). Pero al principio, Barbara también estableció su propio sello discográfico, Bebab Records, y a lo largo de los años también ha publicado numerosos discos en Bebab.
Para llevar el B3 más allá de su sonido tradicional, Barbara combina su instrumento con samplers y sintetizadores utilizando tecnología MIDI, lo que le proporciona aún más sonidos orquestales. Sin embargo, nunca se adentra en una ciencia ficción musical abstracta, sino que sigue siendo realista y orientada al groove. A pesar de su virtuosismo, lo que más le importa es la intensidad y la comunicación con sus músicos y su público. Las baladas expresivas le quedan tan bien como las escapadas a alta velocidad sobre las teclas, o los ritmos funky. Además, esta enérgica improvisadora también se ha hecho un nombre con sus propias composiciones inconfundibles.
En 2001, Barbara tomó una nueva dirección y publicó "Love Letters" en Bebab Records, una declaración musical de amor con una multitud de emociones que te lleva a un viaje a diversos mundos musicales, a ritmos únicos y a paisajes sonoros fascinantes. Este fue sólo un paso más en el desarrollo de una artista que nunca se detiene y que continúa buscando nuevos retos y direcciones en su música. Este CD, grabado a dúo, es el resultado de muchos años de intensa y creativa colaboración con su baterista y percusionista.
En 2004, Barbara dio expresión musical a sus pensamientos y aspiraciones más íntimas y las plasmó en un CD sorprendentemente original y muy personal. "In a Silent Mood" es una reveladora y fascinante visión de su personalidad musical. Tocando en su estudio sola y libre de interrupciones o interferencias, Barbara realmente brilla en esta introspectiva actuación en solitario. Amplía el maravilloso sonido clásico de B3 con sintetizadores y samplers sutiles y de buen gusto, todos ellos sin trucos de estudio ni overdubs.
Si hay algo que distingue a Barbara de todos los demás artistas de Hammond B3, es su impresionante trabajo con los pedales de bajo que hay que ver para creer. Los oyentes a menudo han asumido que está acompañada por un bajista, pero en realidad esas complejas líneas de bajo son el cegador y rápido pie izquierdo de Barbara. Nadie se ha acercado a su impresionante trabajo con los pedales de bajo! "Los pedales de bajo son absolutamente cruciales para mi forma de tocar el Hammond", dice Barbara. "Me permiten desarrollar una estructura rítmica muy especial que no puede ser imitada fácilmente por un bajista, porque junto con los dos manuales tengo una especie de tríptico rítmico a mi disposición".
Igualmente inolvidables son los conciertos únicos con el legendario pianista Friedrich Gulda junto con Bárbara al órgano Hammond en salas de conciertos tan renombradas como las Orquestas Filarmónicas de Colonia y Munich, la Brucknerhaus Linz, la Sala de Conciertos y Musikverein de Viena, la Kunstverein de Bregenz, la Tonhalle de Zúrich y las Semanas de Festivales de Viena. Gulda utilizó todo su genio musical para crear una simbiosis de música clásica y jazz más allá de todas las limitaciones de estilo o género. Barbara, que fue una gran amiga de Friedrich Gulda, adopta el mismo enfoque de la música en su trabajo.
En los últimos años, Bárbara ha crecido la demanda de actuaciones televisivas. Un ejemplo notable es la Nochevieja del año 2000, cuando presentó 24 horas de jazz en la cadena de televisión alemana 3sat, llevando a sus espectadores en un viaje musical hasta el año 2001. El 14 de junio de 2007, deslumbró a los espectadores en el programa de Harald Schmidt (el equivalente alemán del programa estadounidense David Letterman). La respuesta de una palabra de Harald al final de una pieza fue "¡Wow!"

Parte del atractivo de Barbara es que es una músico apasionada y encantadora, que siempre pregunta: "¿Te gusta el jazz? ¿Cuál es el significado del jazz para ti?" Para ella, y esto es lo que le gusta a su público, el jazz es todo menos un asunto unidimensional. "Mi música es tan variada como mis emociones o el mundo en el que vivo, lo que me influye e inspira. Un estilo o una dirección sólo expresarían una pequeña parte de mi mundo musical".

"It's Magic" (2005) presenta la estrecha interacción entre organista y batería, en directo y en concierto, llena de encanto y humor. Barbara se encuentra en su mejor momento en sus actuaciones en vivo, y este CD seguramente hará nuevos fans, incluso aquellos que pueden ser algo escépticos cuando se trata de la forma de música conocida como "jazz".
Barbara ha tomado una nueva dirección, lanzando su CD "Change of Pace" (2007) también en Bebab Records. Esta grabación de sus composiciones en exclusiva es una colaboración entre Barbara on B3 con saxofón y batería, y una orquesta sinfónica completa: la State Philharmonic Orchestra of Rhineland-Palatinate, bajo la dirección del director de orquesta de renombre internacional Bernd Ruf. Este notable CD une el clásico Hammond Trio -con el impresionante bajo de pedal de Barbara- con una orquesta sinfónica completa con un efecto espectacular.
En 2010 Barbara celebró su 35 aniversario como músico con su CD "Bebabaloo" de Hammond Trio, un álbum en vivo que ha recibido varios premios de la prensa. Con su brillante técnica y su estilo innovador e inconfundible, pertenece claramente a la crème de la crème del jazz. Escuchando este CD, se puede ver fácilmente cómo se le atribuye el haber sido responsable casi sola del reciente renacimiento del órgano en el jazz.
Pero hay otro lado del talento de Barbara. Intrigada por su primer concierto de órgano de tubos en los Días de Bach en Würzburg en 1994, comenzó un período intensivo de actividad con la "reina de los instrumentos", el poderoso órgano de tubos. Gracias a su completo dominio de los pedales, Barbara ha explotado al máximo el inmenso potencial musical del instrumento, principalmente con obras que compuso especialmente para él. El resultado es impresionante, demostrando que el pesado y lento instrumento puede realmente oscilar. Bárbara ha deleitado al público con numerosos grandes órganos de tubos, incluyendo el órgano Dobson en el Verizon Hall del Kimmel Center de Filadelfia, el órgano Torrence & Yaeger en la Trinity Church de Nueva York, el órgano Spreckels en el Balboa Park de San Diego, los órganos de concierto de la Filarmónica de Kaliningrado y Jekatarinburg y el Centro Internacional de Artes Escénicas de Moscú, el órgano Gewandhaus de Leipzig, los órganos Klais de la Filarmónica de Múnich y de la Filarmónica de Colonia, los órganos Kuhn de la Filarmónica de Essen y de la Hofkirche de Lucerna/Suiza, el Konzerthaus de Dortmund y la Ópera Real de Muscat/Oman, el órgano Steinmeyer de la iglesia de San Miguel en Hamburgo, el órgano Schuke de la Filarmónica de Berlín, el órgano Eisenbarth de la Cúpula de Passau, el órgano von-Beckerath de la iglesia del Mercado de Hannover y el órgano de la iglesia Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis de renombre mundial. El oyente es llevado a nuevos mundos del sonido, una mezcla de jazz en el sentido más amplio y elementos clásicos.
Muy esperado por los fans, "Movimiento Espiritual No. 1" (Bebab 250970) fue lanzado en 2002, grabado por primera vez exclusivamente en el órgano de tubos. Una pasión por el jazz de 2.400 tubos, grabada en el poderoso órgano Goll de la iglesia St. Martin's/Memmingen - Barbara Dennerlein ha llevado por fin el jazz en el órgano de tubos al mundo.
Como un bis a su aclamado "Movimiento Espiritual No.1", "Movimiento Espiritual No.2" (Bebab 250974) fue lanzado en octubre de 2008, y lleva el jazz en el poderoso órgano de tubos a un nivel nunca antes escuchado. En esta espectacular grabación en vivo, Barbara toca composiciones de jazz -sobre todo las suyas propias- en el enorme órgano de tubos de Schuke, en la iglesia Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis de Berlín. Para aquellos que todavía no pueden creer que es posible hacer que este monstruo de 4 manuales y 5.000 tubos se balancee realmente, unos minutos escuchando su versión ultra-cool de "Satisfacción" pronto les convencerán de lo contrario. Sólo Bárbara podía tomar un viejo y cansado caballo de guerra como "Satisfacción" y darle vida (¡y funk!) con un instrumento que la mayoría de la gente asocia sólo con la música de la iglesia.
El "Movimiento Espiritual No. 3" (Bebab 250976), el tercero de la serie "Movimiento Espiritual", fue lanzado en 2012. Este CD es un dúo fascinante: una grabación en vivo de órgano de tubos y guitarra, con un acompañamiento de sintetizador sorprendente, pero sutil y con buen gusto. Una vez más, la mayoría de las piezas son composiciones propias de Barbara, pero con un guiño a la tradición del jazz, los oyentes se deleitan con el viejo favorito de Dizzy Gillespie "Tin Tin Deo". Con este notable CD, Barbara hace su magia, creando sonidos sublimes y ritmos delicados, evocando una maravillosa mezcla de espiritualidad y "cool" con los pies en la tierra.
2014 trajo "Barbara Dennerlein's Blues & Latin Project", en el que presentó al guitarrista flamenco argentino Hernán Romero, y dos lanzamientos en DVD sobre Arthaus, presentando dos de sus actuaciones en directo junto a Friedrich Gulda. Uno de ellos, el propio Gulda, dijo: "Amo a Bárbara, amo a Mozart".

Tres nuevas producciones aparecieron en 2015. Barbara compuso y tocó la banda sonora de casi setenta minutos para la película "The Big Picture", una película experimental cuyo impresionante efecto se logra únicamente a través de las fascinantes tomas de la naturaleza, en parte alienadas, y la música. Una grabación de concierto (Hammond y batería) fue lanzada como una producción de vinilo de alta calidad en el sello Bauer-Neuklang (el sello del famoso Tonstudio Bauer de Ludwigsburgo). A finales de año, Barbara deleitó a sus fans con un notable CD de Navidad en colaboración con el productor italiano Nicola Conte y un reparto internacional editado en el legendario sello MPS.
2016 demostró claramente que Bárbara no tiene intenciones de ralentizar, con la publicación en su sello Bebab, de su nuevo CD "My Moments" junto con el DVD que lo acompaña. Este concierto en vivo es el primer álbum en el que Barbara toca ambos instrumentos: el enorme órgano de tubos 203 stop Woehl en Piteå (Suecia), y su primer amor, el órgano Hammond. Con el DVD que acompaña a este nuevo CD, los fans de Barbara también pueden ver la magia de Barbara en concierto, en su propia sala de estar.
Ya sea tocando el B3 o el órgano de tubos; ya sea sola o en dúo, trío, cuarteto, quinteto o incluso con el apoyo de una orquesta completa, Barbara Dennerlein está en su propia clase; ella es, sin duda, la Primera Dama del órgano.
https://store.cdbaby.com/cd/barbaradennerlein5
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


 



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Chet Atkins • Stringin' Along With Chet Atkins

VA • Jazz on Film - Crime Jazz! / Vol. 8

Musik & Eros • Hans-Jürgen Döpp



Music is not only a pleasure for the ear, it is the echo of the heartbeat, breath and desire. Professor Döpp revisits music as the catalyst for dance, love and sex. From the music sheet to dance and through instruments, music is the expression of our profound desires and most violent passions. The text revisits the history of music and art from the dances of the first men to pop and electronic music and through belly dance. Music and Eros take us on a time-travelling journey to discover the interaction of music and sex.

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Traducción automática
La música no es sólo un placer para el oído, es el eco de los latidos del corazón, la respiración y el deseo. Profesor Dopp revisita música como catalizador para la danza, el amor y el sexo. A partir de la hoja de música para bailar y por medio de los instrumentos, la música es la expresión de nuestros deseos profundos y las pasiones más violentas. El texto retoma la historia de la música y el arte de las danzas de los primeros hombres en el pop y la música electrónica ya través de la danza del vientre. Música y Eros nos llevan en un viaje viajando en el tiempo para descubrir la interacción de la música y el sexo.



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sábado, 16 de noviembre de 2019

Duke Ellington • Intrinsic Explorations of the 1960s



In this release, we explore parts of an Ellington album that was planned as a feature for trumpeter Ray Nance, a few miscellaneous studio versions of important songs he was playing out on the road, as well as a very obscure small group led by his son.
https://store.cdbaby.com/cd/dukeellington29

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En este lanzamiento, exploramos partes de un álbum de Ellington que fue planeado como largometraje para el trompetista Ray Nance, algunas versiones misceláneas de estudio de canciones importantes que estaba tocando en la carretera, así como un pequeño grupo muy oscuro dirigido por su hijo.
https://store.cdbaby.com/cd/dukeellington29


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Booker T & The MG's • Lone Star Roadhouse, NY 1990-01-19



Soundboard


B.B. King • Indianola Mississippi Seeds

VA • Jazz on Film - Crime Jazz! / Vol. 7

Art of the Devil • Arturo Graf



Satan, Beelzebub, Lucifer--the Devil has many names and faces, all of which have always served such artists as Dante, Goethe, or Rodin as a source of inspiration. Graf explores the story of the Devil through the ages and gives an impassioned description of its evolution.














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viernes, 15 de noviembre de 2019

Stanley Turrentine • The Essential Stanley Turrentine

Willie Dixon • What Happened To My Blues




Artist Biography
Willie Dixon was a prolific blues songwriter with more than 500 compositions to his credit. Born and raised in Mississippi, he rode the rails to Chicago during the Great Depression and became the primary blues songwriter and producer for Chess Records. Dixon's songs literally created the so-called “Chicago blues sound” and were recorded by such blues artists as Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor, and many others.

Willie Dixon was born on July 1, 1915, in Vicksburg, Mississippi. Vicksburg was a lively town located on the Mississippi River midway between New Orleans and Memphis. As a youth, Dixon heard a variety of blues, dixieland, and ragtime musicians performing on the streets, at picnics and other community functions, and in the clubs near his home where he would listen to them from the sidewalk.

Dixon grew up in an integrated neighborhood on the northern edge of Vicksburg, where his mother ran a small restaurant. The family of seven children lived behind the restaurant, and next to the restaurant was Curley's Barrelhouse. Listening from the street, Dixon, then about eight years old, heard bluesmen Little Brother Montgomery and Charley Patton perform there along with a variety of ragtime and dixieland piano players.

Dixon was only twelve when he first landed in jail and was sent to a county farm for stealing some fixtures from an old torn-down house. He recalled, “That's when I really learned about the blues. I had heard 'em with the music and took 'em to be an enjoyable thing but after I heard these guys down there moaning and groaning these really down-to-earth blues, I began to inquire about 'em.... I really began to find out what the blues meant to black people, how it gave them consolation to be able to think these things over and sing them to themselves or let other people know what they had in mind and how they resented various things in life.”

About a year later Dixon was caught by the local authorities near Clarksdale, Mississippi, and arrested for hoboing. He was given thirty days at the Harvey Allen County Farm, located near the infamous Parchman Farm prison. At the Allen Farm, Dixon saw many prisoners being mistreated and beatenDixon himself was mistreated at the county farm, receiving a blow to his head that he said made him deaf for about four years. He managed to escape, though, and walked to Memphis, where he hopped a freight into Chicago. He stayed there briefly at his sister's house, then went to New York for a short time before returning to Vicksburg.

When Dixon arrived in Chicago in 1936, he started training to be a boxer. He was in excellent physical condition from the heavy work he had been doing down south, and he was a big man as well. In 1937 he won the Illinois Golden Gloves in the novice heavyweight category. Throughout the late 1930s, Dixon was singing in Chicago with various gospel groups, some of which performed on the radio. Dixon had received good training in vocal harmony from Theo Phelps back in Vicksburg, where he sang bass with the Union Jubilee Singers. Around the same time, Leonard “Baby Doo” Caston gave Dixon his first musical instrument--a makeshift bass made out of an oil can and one string. Dixon, Caston, and some other musicians formed a group called the Five Breezes. They played around Chicago and in 1939 made a record that marked Dixon's first appearance on vinyl.

In 1946 Dixon and Caston formed the Big Three Trio, named after the wartime “Big Three” of U.S. president Franklin Roosevelt, British prime minister Winston Churchill, and Soviet political leader Joseph Stalin. The group was modeled after other popular black vocal groups of the time, such as the Mills Brothers and the Ink Spots. Dixon by this time was singing and playing a regular upright bass. While Chicago blues musicians like Muddy Waters and Little Walter were playing to all-black audiences in small clubs, the Big Three Trio played large show clubs with capacities of three to five thousand.

In 1951 after several years of successful touring and recording, the Big Three Trio disbanded. Many of Dixon's compositions were never recorded by the trio, but these songs turned up later in the repertoire of the blues artists Dixon worked with in the 1950s.

Leonard and Phil Chess began recording the blues in the late 1940s, and by 1950 the Chess brothers were releasing blues records on the label bearing their name. Over the next decade, Chess became what many consider to be the most important blues label in the world, releasing material by such blues giants as Muddy Waters and Howlin' Wolf and rhythm and blues artists like Bo Diddley and Chuck Berry. Many of the blues songs recorded at Chess were written, arranged, and produced by Willie Dixon.

Dixon was first used on recording sessions by the Chess brothers in the late 1940s, as his schedule allowed. After the Big Three Trio disbanded, Dixon became a full-time employee of Chess. He performed a variety of duties, including producing, arranging, leading the studio band, and playing bass.

Dixon's first big break as a songwriter came when Muddy Waters recorded his “Hoochie Coochie Man” in 1954. Waters was one of Chess's most popular artists and the song became Waters's biggest hit, reaching Number Three on the rhythm and blues charts, Dixon became the label's top songwriter. Chess also released Waters's recordings of Dixon's “I Just Wanna Make Love to You” and “I'm Ready” in 1954, and they both became Top Ten R & B hits.

In 1955 Dixon charted his first Number One hit when Little Walter recorded “My Babe,” a song that became a blues classic.One of Dixon's most widely recorded songs, “My Babe” has been performed and recorded by artists as varied as the Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, the Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike and Tina Turner, and blues artists John Lee Hooker, Bo Diddley, and Lightnin' Hopkins.

Dixon supplied Chess blues recording artists with songs for three years, from 1954 through 1956. At the end of 1956, however, he left the label over disputes regarding royalties and contracts. He continued to play on recording sessions at Chess, though, most notably providing bass on all of Chuck Berry's sessions starting with the recording of “Maybelline” in 1955.

In 1957 Dixon joined the small independent Cobra Records, where he recorded such bluesmen as Otis Rush, Buddy Guy, and Magic Sam, creating what became known as the “West Side Sound.” It was a blues style that fused the Delta influence of classic Chicago blues with single-string lead guitar lines la B. B. King. The West Side gave birth to a less traditional, more modern blues sound and the emphasis placed on the guitar as a lead instrument ultimately proved to be a vastly influential force on the British blues crew in their formative stages.”

Gradually learning more about the music business, Dixon formed his own publishing company, Ghana Music, in 1957 and registered it with Broadcast Music Incorporated (BMI) to protect his copyright interest in his own songs. His “I Can't Quit You Baby” was a Top Ten rhythm and blues hit for Otis Rush, but Cobra Records soon faced financial difficulties. By 1959 Dixon was back at Chess as a full-time employee. The late 1950s were a difficult time for bluesmen in Chicago, even as blues music was gaining popularity in other parts of the United States. In 1959 Dixon teamed up with an old friend, pianist Memphis Slim, to perform at the Newport Folk Festival in Newport, Rhode Island. They continued to play together at coffee houses and folk clubs throughout the country and eventually became key players in a folk and blues revival among young white audiences that achieved its height in the 1960s.

Dixon began internationalizing the blues when he went to England with Memphis Slim in 1960. Dixon performed as part of the First American Folk Blues Festival that toured Europe in 1962. Organized by German blues fans Horst Lippmann and Fritz Rau, the festival also included Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry and Brownie McGhee, and other blues musicians.

The American Folk Blues Festival ran from 1962 through 1971 and helped the blues reach an audience of young Europeans. American blues musicians soon found they could make more money playing in Europe than in Chicago. They played in concert halls and were reportedly treated like royalty. Dixon played on the tour for three years, then became the Chicago contact for booking blues musicians for the tour.

Toward the end of the 1960s soul music eclipsed the blues in black record sales. Chess Records' last major hit was Koko Taylor's 1966 recording of Willie Dixon's “Wang Dang Doodle.” Many prominent bluesmen had died, including Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter, and J.B. Lenoir. Chess Records was sold in 1969 and Dixon recorded his last session for the label in 1970.

The many cover versions of his songs by the rock bands of the 1960s enhanced Dixon's reputation as a certified blues legend. He revived his career as a performer by forming the Chicago Blues All-Stars in 1969. The group's original lineup included Johnny Shines on guitar and vocals, Sunnyland Slim on piano, Walter “Shakey” Horton on harmonica, Clifton James on drums, and Dixon on bass and vocals.

Throughout the 1970s Dixon continued to write new songs, record other artists, and release his own performances on his own Yambo label. Two albums, “Catalyst,” in 1973 and “What's Happened to My Blues?” in 1977, received Grammy nominations. His busy performing schedule kept him on the road in the United States and abroad for six months out of the year until 1977, when his diabetes worsened and caused him to be hospitalized. He lost a foot from the disease but, after a period of recuperation, continued performing into the next decade.

Dixon resumed touring and regrouped the Chicago Blues All-Stars in the early 1980s. A 1983 live recording from the Montreux Jazz Festival in Switzerland resulted in another Grammy nomination. In the 1980s, Dixon established the Blues Heaven Foundation, a nonprofit organization providing scholarship awards and musical instruments to poorly funded schools. Blues Heaven also offers assistance to indigent blues musicians and helps them secure the rights to their songs. Ever active in protecting his own copyrights, Dixon himself reached an out-of-court settlement in 1987 over the similarity of Led Zeppelin's 1969 hit “Whole Lotta Love” to his own “You Need Love.”

Dixon's final two albums were well received, with the 1988 album “Hidden Charms” winning a Grammy Award for best traditional blues recording. In 1989 he recorded the soundtrack for the film “Ginger Ale Afternoon,” which also was nominated for a Grammy.

When Dixon died in 1992 at the age of 76, the music world lost one of its foremost blues composers and performers. From his musical roots in the Mississippi Delta and Chicago, Dixon created a body of work that reflected the changing times in which he lived.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

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Biografía del artista
Willie Dixon fue un prolífico compositor de blues con más de 500 composiciones en su haber. Nacido y criado en Mississippi, viajó en tren a Chicago durante la Gran Depresión y se convirtió en el principal compositor y productor de blues de Chess Records. Las canciones de Dixon crearon literalmente el llamado "Chicago blues sound" y fueron grabadas por artistas del blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor y muchos otros.

Willie Dixon nació el 1 de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi. Vicksburg era una ciudad animada situada en el río Mississippi, a medio camino entre Nueva Orleans y Memphis. De joven, Dixon escuchó una variedad de músicos de blues, dixieland y ragtime tocando en las calles, en picnics y otros eventos comunitarios, y en los clubes cercanos a su casa donde los escuchaba desde la acera.

Dixon creció en un barrio integrado en el borde norte de Vicksburg, donde su madre tenía un pequeño restaurante. La familia de siete niños vivía detrás del restaurante, y al lado del restaurante estaba Curley's Barrelhouse. Escuchando desde la calle, Dixon, que entonces tenía unos ocho años, escuchó a los bluesmen Little Brother Montgomery y Charley Patton tocar allí junto con una variedad de pianistas de ragtime y dixieland.

Dixon tenía sólo doce años cuando aterrizó en la cárcel por primera vez y fue enviado a una granja del condado por robar algunos artefactos de una vieja casa derribada. Recordó: "Fue entonces cuando realmente aprendí sobre el blues. Los había escuchado con la música y los había tomado como algo agradable, pero después de escuchar a estos chicos quejándose y gimiendo con los pies en la tierra, empecé a preguntarles sobre ellos...... Realmente empecé a descubrir lo que significaba el blues para la gente negra, cómo les daba consuelo poder reflexionar sobre estas cosas y cantarlas para sí mismos o dejar que otras personas supieran lo que tenían en mente y cómo les molestaban varias cosas en la vida".

Aproximadamente un año después, Dixon fue capturado por las autoridades locales cerca de Clarksdale, Mississippi, y arrestado por vagabundear. Le dieron treinta días en la Granja del Condado de Harvey Allen, ubicada cerca de la infame prisión de la Granja Parchman. En la granja Allen, Dixon vio a muchos prisioneros siendo maltratados y golpeados. El mismo Dixon fue maltratado en la granja del condado, recibiendo un golpe en la cabeza que, según él, lo dejó sordo durante unos cuatro años. Logró escapar, sin embargo, y caminó hasta Memphis, donde se embarcó en un tren de carga hacia Chicago. Permaneció allí brevemente en casa de su hermana, luego se fue a Nueva York por un corto tiempo antes de regresar a Vicksburg.

Cuando Dixon llegó a Chicago en 1936, comenzó a entrenar para ser boxeador. Estaba en excelente condición física por el duro trabajo que había estado haciendo en el sur, y también era un hombre grande. En 1937 ganó los Guantes de Oro de Illinois en la categoría de peso pesado para principiantes. A lo largo de la década de 1930, Dixon estuvo cantando en Chicago con varios grupos de gospel, algunos de los cuales actuaron en la radio. Dixon había recibido un buen entrenamiento en armonía vocal de Theo Phelps en Vicksburg, donde cantó el bajo con los Union Jubilee Singers. Más o menos al mismo tiempo, Leonard "Baby Doo" Caston le dio a Dixon su primer instrumento musical, un bajo improvisado hecho de una lata de aceite y una cuerda. Dixon, Caston, y algunos otros músicos formaron un grupo llamado las Cinco Brisas. Tocaron en Chicago y en 1939 grabaron un disco que marcó la primera aparición de Dixon en vinilo.

En 1946 Dixon y Caston formaron el Trío de los Tres Grandes, que lleva el nombre de los Tres Grandes del presidente estadounidense Franklin Roosevelt, del primer ministro británico Winston Churchill y del líder político soviético Joseph Stalin. El grupo se inspiró en otros grupos vocales negros populares de la época, como los Mills Brothers y los Ink Spots. Dixon en ese momento estaba cantando y tocando un bajo erguido regular. Mientras los músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter tocaban en clubes pequeños para todo el público negro, el Big Three Trio tocaba en clubes de espectáculos grandes con capacidades de tres a cinco mil personas.

En 1951, después de varios años de exitosas giras y grabaciones, el Big Three Trio se disolvió. Muchas de las composiciones de Dixon nunca fueron grabadas por el trío, pero estas canciones aparecieron más tarde en el repertorio de los artistas de blues con los que Dixon trabajó en la década de 1950.

Leonard y Phil Chess comenzaron a grabar el blues a finales de los años 40, y en 1950 los Chess Brothers lanzaron discos de blues en el sello que lleva su nombre. Durante la siguiente década, Chess se convirtió en lo que muchos consideran el sello de blues más importante del mundo, publicando material de gigantes del blues como Muddy Waters y Howlin' Wolf y artistas del rhythm and blues como Bo Diddley y Chuck Berry. Muchas de las canciones de blues grabadas en Chess fueron escritas, arregladas y producidas por Willie Dixon.

Dixon fue usado por primera vez en sesiones de grabación por los hermanos Chess a finales de los años 40, según lo permitía su horario. Después de la disolución del Big Three Trio, Dixon se convirtió en un empleado de tiempo completo de Chess. Realizó una variedad de tareas, incluyendo la producción, arreglos, dirección de la banda del estudio y tocar el bajo.

La primera gran oportunidad de Dixon como compositor llegó cuando Muddy Waters grabó su "Hoochie Coochie Man" en 1954. Waters fue uno de los artistas más populares del ajedrez y la canción se convirtió en el mayor éxito de Waters, alcanzando el número tres en las listas de éxitos del rhythm and blues, Dixon se convirtió en el mejor compositor de la discográfica. Chess también lanzó las grabaciones de Waters de "I Just Wanna Make Love to You" y "I'm Ready" de Dixon en 1954, y ambos se convirtieron en éxitos de Top Ten R & B.

En 1955 Dixon trazó su primer éxito número uno cuando Little Walter grabó "My Babe", una canción que se convirtió en un clásico del blues. Una de las canciones más grabadas de Dixon, "My Babe", ha sido interpretada y grabada por artistas tan variados como Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike y Tina Turner, y los artistas de blues John Lee Hooker, Bo Diddley, y Lightnin' Hopkins.

Dixon proveyó a los artistas de blues de ajedrez con canciones durante tres años, desde 1954 hasta 1956. A finales de 1956, sin embargo, dejó la etiqueta por disputas sobre regalías y contratos. Sin embargo, continuó tocando en sesiones de grabación en Chess, sobre todo proporcionando bajo en todas las sesiones de Chuck Berry, comenzando con la grabación de "Maybelline" en 1955.

En 1957 Dixon se unió al pequeño sello independiente Cobra Records, donde grabó bluesmen como Otis Rush, Buddy Guy y Magic Sam, creando lo que se conoció como el "West Side Sound". Era un estilo de blues que fusionaba la influencia del Delta del blues clásico de Chicago con las líneas de guitarra principal de una sola cuerda de la B. B. King. El West Side dio lugar a un sonido blues menos tradicional y más moderno, y el énfasis puesto en la guitarra como instrumento principal resultó ser, en última instancia, una fuerza muy influyente en el equipo de blues británico en sus etapas de formación".

Gradualmente aprendiendo más sobre el negocio de la música, Dixon formó su propia compañía editorial, Ghana Music, en 1957 y la registró en Broadcast Music Incorporated (BMI) para proteger los derechos de autor de sus propias canciones. Su "I Can't Quit You Baby" fue un éxito en el Top Ten del rhythm and blues de Otis Rush, pero Cobra Records pronto se enfrentó a dificultades financieras. En 1959 Dixon volvió a Chess como empleado a tiempo completo. Los últimos años de la década de 1950 fueron una época difícil para los bluesistas en Chicago, a pesar de que la música blues estaba ganando popularidad en otras partes de los Estados Unidos. En 1959 Dixon se asoció con un viejo amigo, el pianista Memphis Slim, para actuar en el Newport Folk Festival en Newport, Rhode Island. Continuaron tocando juntos en cafés y clubes folclóricos de todo el país y, con el tiempo, se convirtieron en protagonistas de un renacimiento del folclore y el blues entre el público joven blanco que alcanzó su apogeo en la década de 1960.

Dixon comenzó a internacionalizar el blues cuando fue a Inglaterra con Memphis Slim en 1960. Dixon actuó como parte del Primer Festival de Folk Blues Americano que recorrió Europa en 1962. Organizado por los fans del blues alemán Horst Lippmann y Fritz Rau, el festival también incluyó a Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie McGhee, y otros músicos de blues.

El American Folk Blues Festival se llevó a cabo de 1962 a 1971 y ayudó a que el blues llegara a una audiencia de jóvenes europeos. Los músicos de blues estadounidenses pronto descubrieron que podían ganar más dinero tocando en Europa que en Chicago. Tocaban en salas de conciertos y, según se informa, eran tratados como si fueran de la realeza. Dixon tocó en la gira durante tres años, y luego se convirtió en el contacto de Chicago para contratar músicos de blues para la gira.

Hacia finales de la década de 1960, la música soul eclipsó al blues en las ventas de discos negros. El último gran éxito de Chess Records fue la grabación de Koko Taylor en 1966 de "Wang Dang Doodle" de Willie Dixon. Muchos destacados bluesmen habían muerto, incluyendo a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter y J.B. Lenoir. Chess Records se vendió en 1969 y Dixon grabó su última sesión para el sello en 1970.

Las muchas versiones de sus canciones de las bandas de rock de los años 60 mejoraron la reputación de Dixon como una leyenda del blues certificada. Revivió su carrera como intérprete formando las Chicago Blues All-Stars en 1969. La formación original del grupo incluía a Johnny Shines en guitarra y voz, Sunnyland Slim en piano, Walter "Shakey" Horton en armónica, Clifton James en batería y Dixon en bajo y voz.

A lo largo de la década de 1970, Dixon continuó escribiendo nuevas canciones, grabando a otros artistas y lanzando sus propias actuaciones en su propio sello Yambo. Dos álbumes, "Catalyst", en 1973, y "What's Happened to My Blues", en 1977, recibieron nominaciones a los Grammy. Su apretada agenda de presentaciones lo mantuvo en la carretera en los Estados Unidos y en el extranjero durante seis meses del año hasta 1977, cuando su diabetes empeoró y lo hospitalizó. Perdió un pie de la enfermedad pero, después de un período de recuperación, siguió actuando en la siguiente década.

Dixon reanudó sus giras y reagrupó a las Chicago Blues All-Stars a principios de la década de 1980. Una grabación en vivo de 1983 del Festival de Jazz de Montreux en Suiza resultó en otra nominación a los Grammy. En la década de 1980, Dixon estableció la Blues Heaven Foundation, una organización sin fines de lucro que ofrece becas e instrumentos musicales a escuelas con pocos fondos. Blues Heaven también ofrece asistencia a músicos de blues indigentes y les ayuda a asegurar los derechos de sus canciones. Siempre activo en la protección de sus propios derechos de autor, el propio Dixon llegó a un acuerdo extrajudicial en 1987 por la similitud del éxito de Led Zeppelin en 1969 "Whole Lotta Love" con su propio "You Need Love".

Los dos últimos álbumes de Dixon fueron bien recibidos, con el álbum de 1988 "Hidden Charms" ganando un premio Grammy a la mejor grabación de blues tradicional. En 1989 grabó la banda sonora de la película "Ginger Ale Afternoon", que también fue nominada a un Grammy.

Cuando Dixon murió en 1992 a la edad de 76 años, el mundo de la música perdió a uno de sus principales compositores e intérpretes de blues. Desde sus raíces musicales en el delta del Mississippi y Chicago, Dixon creó un cuerpo de trabajo que reflejaba los tiempos cambiantes en los que vivió.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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