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miércoles, 19 de junio de 2019

Joe Sample • Carmel



Review by Scott Yanow
Pianist Joe Sample is a pioneer at creating melodic and accessible pop-jazz. His recordings of the 1970s and '80s were consistently popular, especially this best-seller. Sample is joined on most selections by fellow Crusader Stix Hooper on drums, electric bassist Abraham Laboriel, percussionist Paulinho Da Costa, and, often, guitarist Dean Parks. Flutist Hubert Laws guests on "Midnight and Mist." The memorable melodies, clean harmonics, and Sample's fine playing make Carmel a high point among his solo recordings.

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Reseña de Scott Yanow
El pianista Joe Sample es un pionero en la creación de pop-jazz melódico y accesible. Sus grabaciones de los años 70 y 80 fueron consistentemente populares, especialmente este best-seller. Sample está acompañado en la mayoría de las selecciones por su compatriota Stix Hooper a la batería, el bajista eléctrico Abraham Laboriel, el percusionista Paulinho Da Costa y, a menudo, el guitarrista Dean Parks. Los invitados del flautista Hubert Laws en "Midnight and Mist". Las memorables melodías, los armónicos limpios y el toque fino de Sample hacen de Carmel un punto culminante entre sus grabaciones en solitario.


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Hampton Hawes • Everybody Likes Hampton Hawes - The Trio, vol. 3



Review by Scott Yanow
The third of three Hampton Hawes trio dates with bassist Red Mitchell and drummer Chuck Thompson  is on the same high level as his first two. Hawes introduces his "Coolin' the Blues" and "The Sermon," digs into eight standards (including "Somebody Loves Me," "Night In Tunisia" and "Billy Boy") and comes up with consistently creative ideas throughout this swinging bop date.

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Reseña de Scott Yanow
El tercero de tres citas del trío Hampton Hawes con el bajista Red Mitchell y el baterista Chuck Thompson está al mismo nivel que sus dos primeros. Hawes introduce su "Coolin' the Blues" y "The Sermon", profundiza en ocho estándares (incluyendo "Somebody Loves Me", "Night In Tunisia" y "Billy Boy") y presenta ideas creativas consistentes a lo largo de esta cita de swinging bop.



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Billy Strange • 12 String Guitar



 Artist Biography by Mark Deming
One of the most successful session musicians of the 1960s, Billy Strange was a member of "The Wrecking Crew," the team of elite players who dominated the Los Angeles recording studios and worked on many of the biggest hits of the '60s and '70s. Strange co-wrote hits for Elvis Presley and Chubby Checker and arranged Nancy Sinatra's biggest hits in addition to lending his talents to recordings by the Beach Boys, Phil Spector, the Everly Brothers, and many more. Billy Strange was born in Long Beach, California on September 29, 1930. His parents, George and Billie Strange, were county & western musicians, and young Billy followed in their footsteps, performing with his folks on the radio and winning a yodeling contest at the age of 5. Strange took up the guitar when he was 14, and two years later he was playing with a local honky tonk band that set out for Texas in search of adventure and paying gigs. When Strange returned to California, he was a seasoned professional and was soon working with some of the biggest names on the West Coast C&W scene of the '50s, including Tennessee Ernie Ford, Roy Rogers, Spade Cooley, and Cliffie Stone. Strange also signed on as a guitarist and singer with CBS Radio in Hollywood, which led to more jobs in pop music as well as introducing him to the lucrative world of studio work. As a gifted guitarist who was as comfortable with pop and rock styles as country, Strange rose to the upper ranks of Los Angeles session players, working with many of the leading artists and producers of the day, and in addition to working on other people's recordings, he cut a series of instrumental albums for GNP Crescendo Records. In 1962, an instrumental number Strange wrote for the group the Champs was married to a lyric by Kal Mann and recorded by Chubby Checker, who scored a massive hit with "Limbo Rock." This kick-started Strange's career as a songwriter, and he was also recruited to work with Elvis Presley, playing guitar on many of his sessions, co-writing a few tunes for the King (including "A Little Less Conversation" and "Memories") and contributing to the soundtracks of several of his films. As the '60s wore on, Strange remained in demand as a session guitarist (he appeared on the Beach Boys' Pet Sounds and Love's Forever Changes), but he branched out as an arranger and bandleader, arranging the lion's share of Nancy Sinatra's hits (including "These Boots Are Made for Walkin'," "Bang Bang [He Shot Me Down]," and her duet with her father Frank, "Somethin' Stupid") and fronting her backing band for live performances. Strange also served as arranger for the early recordings by the TV-spawned group the Partridge Family, but in the early '70s he relocated to Nashville, Tennessee, where he helped run a publishing company for Nancy Sinatra and continued to write songs and record periodically. In the '80s, Strange briefly dipped his toes into acting, playing the great steel guitarist Speedy West (who Strange had worked with in his early days) in the movie Coal Miner's Daughter. By the time a remix of Presley's "A Little Less Conversation" took the song back to the charts in 2002, Strange was retired in Nashville, supporting himself through songwriting and performance royalties. After a brief illness, Strange died on February 22, 2012.

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 Biografía del artista por Mark Deming
Uno de los músicos de estudio más exitosos de la década de 1960, Billy Strange fue miembro de "The Wrecking Crew", el equipo de músicos de élite que dominó los estudios de grabación de Los Ángeles y trabajó en muchos de los mayores éxitos de los años 60 y 70. Extraño co-escribió éxitos para Elvis Presley y Chubby Checker y arregló los mayores éxitos de Nancy Sinatra, además de prestar su talento a grabaciones de los Beach Boys, Phil Spector, los Everly Brothers y muchos más. Billy Strange nació en Long Beach, California el 29 de septiembre de 1930. Sus padres, George y Billie Strange, eran músicos del condado y del oeste, y el joven Billy siguió sus pasos, tocando con sus padres en la radio y ganando un concurso de yodelismo a la edad de 5 años. Strange tomó la guitarra cuando tenía 14 años, y dos años después tocaba con una banda local de honky tonk que se dirigía a Texas en busca de aventuras y conciertos de pago. Cuando Strange regresó a California, era un profesional experimentado y pronto trabajó con algunos de los nombres más importantes de la escena C&W de la costa oeste de los años 50, incluyendo a Tennessee Ernie Ford, Roy Rogers, Spade Cooley y Cliffie Stone. Strange también se enroló como guitarrista y cantante en CBS Radio en Hollywood, lo que le llevó a más trabajos en la música pop, así como a introducirse en el lucrativo mundo del trabajo de estudio. Como un talentoso guitarrista que se sentía tan cómodo con los estilos pop y rock como el country, Strange ascendió a los primeros puestos de los músicos de sesión de Los Ángeles, trabajando con muchos de los principales artistas y productores del momento, y además de trabajar en grabaciones de otras personas, grabó una serie de álbumes instrumentales para GNP Crescendo Records. En 1962, un número instrumental que Strange escribió para el grupo The Champs se casó con una letra de Kal Mann y fue grabado por Chubby Checker, que obtuvo un gran éxito con "Limbo Rock". Esto dio inicio a la carrera de Strange como compositor, y también fue reclutado para trabajar con Elvis Presley, tocando la guitarra en muchas de sus sesiones, co-escribiendo algunas canciones para el Rey (incluyendo "A Little Less Conversation" y "Memories") y contribuyendo a las bandas sonoras de varias de sus películas. A medida que pasaban los años 60, Strange siguió siendo solicitado como guitarrista de sesión (apareció en Beach Boys' Pet Sounds y Love's Forever Changes), pero se diversificó como arreglista y director de orquesta, arreglando la mayor parte de los éxitos de Nancy Sinatra (incluyendo "These Boots Are Made for Walkin'", "Bang Bang Bang[He Shot Me Down]") y su dúo con su padre Frank, "Somethin' Stupid"), y al frente de su banda de música de acompañamiento para actuaciones en vivo. Strange también sirvió como arreglador para las primeras grabaciones del grupo de la familia Partridge, pero a principios de los años 70 se trasladó a Nashville, Tennessee, donde ayudó a dirigir una empresa editorial para Nancy Sinatra y continuó escribiendo canciones y grabando periódicamente. En los años 80, Strange se sumergió brevemente en la actuación, tocando al gran guitarrista de acero Speedy West (con quien Strange había trabajado en sus inicios) en la película Coal Miner's Daughter. Para cuando una remezcla de "A Little Less Conversation" de Presley llevó la canción a las listas de éxitos en 2002, Strange se retiró en Nashville, manteniéndose a sí mismo a través de la composición de canciones y las regalías de interpretación. Después de una breve enfermedad, Strange murió el 22 de febrero de 2012.


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martes, 18 de junio de 2019

Stephane Grappelli • Shades of Django



A solid tribute piece, one of several that recount the impact and influence of Reinhardt.

All Music Guide
Even though it is more than 20 years since Django Reinhardt died, and despite the fact that his brilliant partner, Stephane Grappelli, has, in the last two decades, made literally dozens of albums with a conventional rhythm section, it is still in the ali-strings context of the QUINTETTE DU HOT CLUB DE FRANCE that most people think of Stephane's music.

What is perhaps surprising is that while those of us with receding hairlines and advancing waistlines who rejoice in that chunky, jangly rhythm sound, are ready to accede that it does sound a little dated (though none the less enjoyable for that) a whole new generation of swing fans, hearing that Hot Club sound for the first time, are, to judge from the standing ovations Stephane and the Trio are getting wherever they play these days, reacting to it as if it is the latest "in" sound. Plus ca change ...

For twenty years Stephane Grappelli resisted repeated attempts to reconstitute the old QUINTETTE - resisted because there was only one Django, could never be another, and the QUINTETTE without Django would be at least as unthinkable as the Venuti Blue Four without Eddie Lang.

Finally it was the persistence and perception of a Canadian-born graphic artist and acoustic guitarist Diz Disley, that persuaded Stephane to revive the two guitars/string bass rhythm section. Since then, Stephane Grappelli and the Diz Disley Trio have been playing mostly to packed houses in Britain, Europe, America and Australia and building a huge following for their special sound.

Says Stephane: "We have not really re-created the old QUINTETTE sound because no-one plays Django's role. We have, so to speak, left an empty chair for him. Also, Diz and Ike Isaacs have a more modern touch and the pulse is a little more subtle.1'

A sensible comparison can, in fact, be made with the Ruby Braff-George Barnes Quartet - but the work of Stephane with the Disley Trio is, nevertheless, still agreeably reminiscent of the HOT CLUB QUINTETTE of the thirties. And certainly the quartet's concert repertoire (with "Nuages", "Ma-noir de Mes Reves", "Confessin'", "Daphne" and others) tends to maintain the link.

in the note for the British sleeve of Stephane Grappelli's previous MPS album ("Afternoon In Paris", BAP 5001 or MPS/BASF 21 20876-1) I observed that his playing is better today than ever - and nothing has happened since March 1971, when Grappelli made that album, to require modification of that view.

ike Isaacs, a discerning and gifted musician, is positively lyrical about Grappelli's genius: "He is artistically impeccable - full of surprises ana full of vitality and his music is so expressive, so compelling, that it reaches people of all ages. He is, quity simply, a virtuoso - and he has a wonderfully receptive mind musically. When I play passages with him "coll'a voce", he responds instantly to chord variations. He has a great harmonic sense and very acute ears.

"Stephane is really a pianist on the violin because he thinks both vertically and horizontally."

This is the first major studio recording by Stephane with the Diz Disley Trio and it features a number cf imperishable standards which were chosen because, though they form a staple part of the Grappelli concert repertoire, they have been somewhat neglected as far as recordings are concerned.

"Joy", with its appealing chord sequence, is an original by Ike Isaacs; "Hot Lips" is a celebrated Django composition; and "Souvenir de Villingen", is a haunting theme composed by Stephane on the train between Paris to Zurich (on his way to Villingen). This is a rare track, since it features Stephane on electric piano and overdubbed violin, and it is a delightfully romantic sketch. It is interesting, incidentally, that Grappelli originally intended to make his musical career as a pianist. For the fact that, instead, he became a violinist - one of the most eloquent and imaginative in jazz - we can thank Art Tatum. "I heard him on record for the first time in 1935," says Stephane, "and was so astonished and disturbed by his genius that I temporarily lost my enthusiasm for the piano and determined to concentrate on violin."

Diz Disiey, whose rhythm guitar (a Macaferri similar to that favoured by the Reinhardts) supplies so much of the Hot Club feeling to the music, has been on the British music scene for many years,

working initially with traditional jazz bands led by Sandy Brown, Ken Colyer and Mick Mulligan and then moving on to skiffle with Bob Cort and Nancy Whiskey. He worked with Ike Isaacs on the BBC's "Guitar Club" for a number of years and also earned some distinction as an illustrator for the Melody Maker and Radio Times.

Ike Isaacs was born in Rangoon, Burma, and has lived and worked in Britain since 1948. Before joining the Diz Disley trio in May 1974, succeeding Denny Wright, Ike was one of the busiest of Britain's session musicians. He worked in the Ted Heath and Cyril Stapleton bands and first played with Stephane in the late forties. On this album he uses a Gibson L 7 cello guitar which he has had for many years.

When this album was recorded, Diz Disley was in the throes of making a change in the string bass department of the trio, so we enlisted as a temporary member Swiss bassist Isla Ecklnger - and his sure time, big tone and sound harmonic sense Immediately won him the enthusiastic approval of his fellow musicians. Eckinger is a regular member of the fine Swiss traditional band, the Tremble Kids, and has also worked with Dexter Gordon, Slide Hampton, Johnny Griffin, Benny Bailey and many other distinguished jazzmen.

Stephane was particularly happy to return to Villingen to make this album because he has a high regard for the brilliance of Hans Georg Brunner-Schwer, not only as a recording engineer but as "one of the few men in the record industry who puts music before business."

That's the background. The music, as ever, speaks for itself and I think the MPS studios have perfectly captured the essence of Grappelli's musical vocabulary - its unremitting sprightliness and vitality, its warmth and tenderness, its lyrical romanticism and its sheer, unalloyed, infectious swing.

It is not difficult to see why the music of Stephane Grappelli and the Diz Disley Trio evokes such intense enthusiasm among such a wide-ranging cross-section of people. If you don't balk at French jeux de mots, you could put it down to the Quartet's magnificent esprit de cordes.
-Mike Hennessey (1975)

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Una sólida pieza de homenaje, una de las varias que relatan el impacto e influencia de Reinhardt.

Guía de toda la música
Aunque han pasado más de 20 años desde la muerte de Django Reinhardt, y a pesar de que su brillante compañero, Stephane Grappelli, ha hecho, en las últimas dos décadas, literalmente docenas de álbumes con una sección rítmica convencional, es en el contexto de las cuerdas de la QUINTETTE DU HOT CLUB DE FRANCE donde la mayoría de la gente piensa en la música de Stephane.

Lo que es quizás sorprendente es que mientras que aquellos de nosotros con líneas de cabello en retroceso y cinturas que avanzan y que nos regocijamos con ese sonido rítmico y grueso, estamos listos para acceder a que suena un poco anticuado (aunque no por ello menos agradable), toda una nueva generación de fanáticos del swing, que escuchan el sonido Hot Club por primera vez, lo son, a juzgar por las ovaciones de pie que Stéphane y el Trío están recibiendo en todos los lugares donde tocan en estos días, reaccionando como si se tratara de la última moda en el sonido de la música de la música de la época. Plus ca cambio ....

Durante veinte años Stephane Grappelli se resistió a los repetidos intentos de reconstituir el viejo QUINTETTE - resistió porque sólo había un Django, nunca podría ser otro, y el QUINTETTE sin Django sería al menos tan impensable como el Venuti Blue Four sin Eddie Lang.

Finalmente, fue la persistencia y la percepción de una artista gráfica y guitarrista acústica nacida en Canadá, Diz Disley, lo que persuadió a Stéphane a revivir la sección rítmica de dos guitarras/cadenas. Desde entonces, Stephane Grappelli y el Diz Disley Trio han estado tocando principalmente en Inglaterra, Europa, América y Australia, y han creado un gran número de seguidores por su sonido especial.

Dice Stéphane: "No hemos recreado realmente el viejo sonido de QUINTETTE porque nadie interpreta el papel de Django. Por así decirlo, le hemos dejado una silla vacía. Además, Diz e Ike Isaacs tienen un toque más moderno y el pulso es un poco más sutil.

De hecho, se puede hacer una comparación sensata con el Ruby Braff-George Barnes Quartet, pero el trabajo de Stéphane con el Disley Trio sigue recordando agradablemente al HOT CLUB QUINTETTE de los años treinta. Y ciertamente el repertorio de conciertos del cuarteto (con "Nuages", "Ma-noir de Mes Reves", "Confessin'", "Daphne" y otros) tiende a mantener el vínculo.

en la nota para la portada británica del anterior álbum MPS de Stephane Grappelli ("Afternoon In Paris", BAP 5001 o MPS/BASF 21 20876-1) observé que su forma de tocar es mejor hoy que nunca - y no ha ocurrido nada desde marzo de 1971, cuando Grappelli hizo ese álbum, que requiera modificar esa visión.

ike Isaacs, un músico exigente y dotado, es muy lírico sobre el genio de Grappelli: "Es artísticamente impecable, lleno de sorpresas y lleno de vitalidad, y su música es tan expresiva, tan convincente, que llega a personas de todas las edades. Es, simplemente, un virtuoso - y tiene una mente maravillosamente receptiva musicalmente. Cuando toco pasajes con él "coll'a voce", responde instantáneamente a las variaciones de acordes. Tiene un gran sentido armónico y oídos muy agudos.

"Stéphane es realmente un pianista del violín porque piensa verticalmente y horizontalmente."

Esta es la primera gran grabación de estudio de Stephane con el Diz Disley Trio y cuenta con una serie de estándares imperecederos que fueron elegidos porque, aunque forman parte del repertorio de conciertos de Grappelli, han sido un tanto descuidados en lo que a grabaciones se refiere.

"Joy", con su atractiva secuencia de acordes, es un original de Ike Isaacs; "Hot Lips" es una célebre composición de Django; y "Souvenir de Villingen", es un tema inquietante compuesto por Stéphane en el tren entre París y Zurich (de camino a Villingen). Este es un tema raro, ya que cuenta con Stéphane en piano eléctrico y violín sobredoblado, y es un sketch deliciosamente romántico. Es interesante, por cierto, que Grappelli tenía la intención original de hacer su carrera musical como pianista. Por el hecho de haberse convertido en violinista -uno de los más elocuentes e imaginativos del jazz- podemos agradecer a Art Tatum. "Lo oí grabar por primera vez en 1935", dice Stéphane, "y estaba tan asombrado y perturbado por su genio que perdí temporalmente mi entusiasmo por el piano y decidí concentrarme en el violín".

Diz Disiey, cuya guitarra rítmica (una Macaferri similar a la preferida por los Reinhardt) proporciona tanto sentimiento de Hot Club a la música, ha estado en la escena musical británica durante muchos años,

trabajando inicialmente con bandas de jazz tradicionales lideradas por Sandy Brown, Ken Colyer y Mick Mulligan y luego con Bob Cort y Nancy Whiskey. Trabajó con Ike Isaacs en el "Guitar Club" de la BBC durante varios años y también se ganó algunas distinciones como ilustrador para el Melody Maker y Radio Times.

Ike Isaacs nació en Rangún, Birmania, y ha vivido y trabajado en Gran Bretaña desde 1948. Antes de unirse al trío Diz Disley en mayo de 1974, sucediendo a Denny Wright, Ike fue uno de los músicos de estudio más activos de Gran Bretaña. Trabajó en las bandas de Ted Heath y Cyril Stapleton y tocó por primera vez con Stephane a finales de los años cuarenta. En este álbum utiliza una guitarra violonchelo Gibson L 7 que ha tenido durante muchos años.

Cuando se grabó este álbum, Diz Disley estaba a punto de hacer un cambio en el departamento de bajo de cuerdas del trío, así que nos alistamos como miembro temporal de la bajista suiza Isla Ecklnger - y su tiempo seguro, su gran tono y su sentido armónico de sonido le ganaron inmediatamente la entusiasta aprobación de sus compañeros músicos. Eckinger es miembro regular de la banda tradicional suiza, los Tremble Kids, y también ha trabajado con Dexter Gordon, Slide Hampton, Johnny Griffin, Benny Bailey y muchos otros distinguidos jazzmen.

Stéphane estaba particularmente contento de volver a Villingen para hacer este álbum porque tiene un gran respeto por la brillantez de Hans Georg Brunner-Schwer, no sólo como ingeniero de grabación, sino como "uno de los pocos hombres en la industria discográfica que antepone la música a los negocios".

Ese es el fondo. La música, como siempre, habla por sí misma y creo que los estudios MPS han capturado perfectamente la esencia del vocabulario musical de Grappelli: su incesante vitalidad, su calidez y ternura, su romanticismo lírico y su swing puro, puro e intacto.

No es difícil entender por qué la música de Stephane Grappelli y el Diz Disley Trio evoca un entusiasmo tan intenso entre un público tan amplio. Si no te resistes a los jeux de mots franceses, puedes atribuirlo al magnífico esprit de cordes del Cuarteto.
-Mike Hennessey (1975)

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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lunes, 17 de junio de 2019

Bilal Karaman • Patika



Real Name:
Bilal Karaman
Profile:
1981 Kars/Turkey, born guitarist Bilal Karaman is one of the most outstanding young artists in Turkey, nowadays.

Bilal got the Jazz Performance bachelor degree from Istanbul Bilgi University (2000-2004) and had chance to study with the greats such as Lawrence Butch Morris, Ricky Ford, Donovan Mixon and Aydin Esen. His musical studies not only including Jazz but also Turkish Music as well.

In 2009 he won a Jazz Guitar competition in Istanbul/Turkey, sponsored by Yamaha and awarded the first prize.

Released two albums:

Bahane / BBS Music 2011.
Patika / Baykuş Music 2013.

Not only a performer, but also as an instructor he founded the first virtual guitar academy in Turkey, named www.gitarakademisi.com

Besides his solo carrier, he has given concerts and collaborated with numerous artists in many different concerts/albums, to name a few: Marcus Miller, Butch Morris, Ricky Ford, Harvie S, Lars Danielsson, Mike Moreno, Gustav Lundgren, and many more..

Along side his musical knowledge and technique, thanks to the interest in different music styles, he has developed a unique style. And he shortly explains his music in one sentence: 'A unique near east approach to jazz guitar'

Young guitar virtuoso still lives in Istanbul, and continue his artistic works to spread out the Turk Jazz.
https://www.discogs.com/artist/1964792-Bilal-Karaman

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Nombre real:
Bilal Karaman
Perfil:
1981 Kars/Turquía, el guitarrista Bilal Karaman es uno de los artistas jóvenes más destacados de Turquía, hoy en día.

Bilal obtuvo su licenciatura en Jazz Performance en la Universidad Bilgi de Estambul (2000-2004) y tuvo la oportunidad de estudiar con grandes como Lawrence Butch Morris, Ricky Ford, Donovan Mixon y Aydin Esen. Sus estudios musicales no sólo incluyen Jazz sino también Música Turca.

En 2009 ganó un concurso de guitarra de jazz en Estambul/Turquía, patrocinado por Yamaha y obtuvo el primer premio.

Lanzamiento de dos álbumes:

Bahane / BBS Music 2011.
Patika / Baykuş Música 2013.

No sólo como intérprete, sino también como instructor, fundó la primera academia virtual de guitarra en Turquía, llamada www.gitarakademisi.com

Además de su carrera como solista, ha dado conciertos y colaborado con numerosos artistas en diferentes conciertos/álbumes, por nombrar algunos: Marcus Miller, Butch Morris, Ricky Ford, Harvie S, Lars Danielsson, Mike Moreno, Gustav Lundgren, y muchos más...

Junto a sus conocimientos musicales y su técnica, gracias al interés por los diferentes estilos musicales, ha desarrollado un estilo único. Y explica brevemente su música en una frase: `Un enfoque único del Oriente Próximo a la guitarra de jazz'.

El joven virtuoso de la guitarra todavía vive en Estambul, y continúa sus trabajos artísticos para difundir el Jazz turco.
https://www.discogs.com/artist/1964792-Bilal-Karaman


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'Papa' John DeFrancesco • Jumpin



 Artist Biography by Scott Yanow
The father of Joey DeFrancesco, "Papa John" had his career revived when his son's success helped bring about the renaissance of the Hammond organ. John's father had played reeds with various swing bands, including the Dorsey Brothers. John DeFrancesco began playing trumpet when he was six and did not start playing organ until his wife bought him an organ for his 23rd birthday. After a few months of nearly nonstop practicing, he was ready to perform in clubs. In 1967 DeFrancesco moved to Philadelphia and soon he was part of the Philadelphia jazz scene. However, in 1979 when Joey turned eight and started playing professionally, John temporarily gave up his career in order to supervise his son. Another son, Johnny DeFrancesco, developed into a fine guitarist. In the 1990s, John DeFrancesco returned to a more active playing career, recording two strong sets for Muse (Doodlin' and Comin' Home -- both of which feature Joey on trumpet) and gaining a national reputation of his own. "Papa John" plays organ in an infectious hard bop style not that different from his son. In the 21st century he signed first to Highnote and then its sister imprint Savant, where he issued a string of fine recordings including Hip Cake Walk in 2001, Jumpin' in 2003, Walking Uptown in 2004, and Desert Heat in 2006. After a five-year recording hiatus, Papa John returned with A Philadelphia Story in a classic B-3 trio setting with John Jr. on guitar and drummer Glenn Ferracone, with guest appearances from Joey and tenor man Joe Fortunato.
https://www.allmusic.com/artist/papa-john-defrancesco-mn0000009657/biographys.

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 Biografía del artista por Scott Yanow
El padre de Joey DeFrancesco, "Papa John", revivió su carrera cuando el éxito de su hijo contribuyó al renacimiento del órgano Hammond. El padre de John había tocado la caña con varias bandas de swing, incluyendo los Dorsey Brothers. John DeFrancesco comenzó a tocar la trompeta cuando tenía seis años y no empezó a tocar el órgano hasta que su esposa le compró un órgano para su cumpleaños número 23. Después de unos meses de practicar casi sin parar, estaba listo para actuar en los clubes. En 1967 DeFrancesco se mudó a Filadelfia y pronto fue parte de la escena de jazz de Filadelfia. Sin embargo, en 1979, cuando Joey cumplió ocho años y comenzó a jugar profesionalmente, John dejó temporalmente su carrera para supervisar a su hijo. Otro hijo, Johnny DeFrancesco, se convirtió en un buen guitarrista. En la década de 1990, John DeFrancesco regresó a una carrera más activa, grabando dos sets fuertes para Muse (Doodlin' y Comin' Home -- ambos con Joey en la trompeta) y ganando una reputación nacional propia. "Papa John" toca el órgano en un contagioso estilo hard bop no muy diferente al de su hijo. En el siglo XXI firmó primero con Highnote y luego con su sello hermano Savant, donde emitió una serie de excelentes grabaciones incluyendo Hip Cake Walk en 2001, Jumpin' en 2003, Walking Uptown en 2004 y Desert Heat en 2006. Después de cinco años de pausa en la grabación, Papa John regresó con A Philadelphia Story en un clásico trío B-3 con John Jr. a la guitarra y el baterista Glenn Ferracone, con las apariciones de Joey y el tenor Joe Fortunato como invitados.
https://www.allmusic.com/artist/papa-john-defrancesco-mn0000009657/biography

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Bobby Timmons Trio ‎• Easy Does It



Review by Scott Yanow
Pianist Bobby Timmons, who became famous for his funky originals and soulful playing, mostly sticks to more bop-oriented jazz on this trio set with bassist Sam Jones and drummer Jimmy Cobb. He provides three originals (none of which really caught on) and is in excellent form on five standards, with highlights including "Old Devil Moon," "I Thought About You," and "Groovin' High." The Riverside CD reissue shows that Timmons was a bit more versatile than his stereotype; in any case, the music is excellent.


Biography by Scott Yanow
Bobby Timmons became so famous for the gospel and funky blues clichés in his solos and compositions that his skills as a Bud Powell-inspired bebop player have been long forgotten. After emerging from the Philadelphia jazz scene, Timmons worked with Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt, and the Maynard Ferguson Big Band. He was partly responsible for the commercial success of both Art Blakey's Jazz Messengers and Cannonball Adderley's Quintet. For Blakey (who he was with during 1958-1959), Timmons wrote the classic "Moanin'" and, after joining Adderley in 1959, his song "This Here" (followed later by "Dat Dere") became a big hit; it is little wonder that Adderley was distressed when, in 1960, Timmons decided to return to the Jazz Messengers. "Dat Dere" particularly caught on when Oscar Brown, Jr. wrote and recorded lyrics that colorfully depicted his curious son. Timmons, who was already recording as a leader for Riverside, soon formed his own trio but was never able to gain the commercial success that his former bosses enjoyed. Stereotyped as a funky pianist (although an influence on many players including Les McCann, Ramsey Lewis, and much later on Benny Green), Timmons' career gradually declined. He continued working until his death at age 38 from cirrhosis of the liver.

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Reseña de Scott Yanow
El pianista Bobby Timmons, que se hizo famoso por sus originales funky y su toque conmovedor, en su mayoría se apega al jazz más orientado al bop en este trío con el bajista Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb. Ofrece tres originales (ninguno de los cuales ha sido realmente popular) y está en excelente forma en cinco estándares, con destaques como "Old Devil Moon", "I Thought About You" y "Groovin' High". La reedición del CD de Riverside muestra que Timmons era un poco más versátil que su estereotipo; en cualquier caso, la música es excelente.


Biografía de Scott Yanow
Bobby Timmons se hizo tan famoso por el gospel y los clichés del blues funky en sus solos y composiciones que sus habilidades como bebopista inspirado en Bud Powell han sido olvidadas hace tiempo. Después de salir de la escena del jazz de Filadelfia, Timmons trabajó con Kenny Dorham (1956), Chet Baker, Sonny Stitt y la Maynard Ferguson Big Band. Fue en parte responsable del éxito comercial de Art Blakey's Jazz Messengers y Cannonball Adderley's Quintet. Para Blakey (con quien estuvo durante 1958-1959), Timmons escribió el clásico "Moanin'" y, después de unirse a Adderley en 1959, su canción "This Here" (seguida más tarde por "Dat Dere") se convirtió en un gran éxito; no es de extrañar que Adderley se angustiara cuando, en 1960, Timmons decidió volver a los Jazz Messengers. "Dat Dere" fue particularmente popular cuando Oscar Brown, Jr. escribió y grabó letras que representaban coloridamente a su curioso hijo. Timmons, que ya estaba grabando como líder de Riverside, pronto formó su propio trío, pero nunca fue capaz de obtener el éxito comercial que sus antiguos jefes disfrutaban. Estereotipado como un pianista funky (aunque influye en muchos músicos como Les McCann, Ramsey Lewis, y mucho más tarde Benny Green), la carrera de Timmons fue decayendo gradualmente. Continuó trabajando hasta su muerte a los 38 años por cirrosis hepática.


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Jeffrey P. Ross • My Pleasure



Editorial Reviews
Jeff Ross, a veteran of many bands in many styles, recorded a blues album, not a combo platter. Sure, there are tracks that offer varying shades, but if you bought this album, a) you?re probably wanting to hear some blues, and b) you?re into (and might even play) guitar. And so, a blues guitar album you shall get.
AUSTIN, TEXAS---The connection between classic cowpunk creators Rank & File and the cosmopolitan creativity of the Gypsy jazz unit Club Django is not an obvious one, unless, of course, you're familiar with guitarist JEFFREY P. ROSS, a veteran virtuoso who delivers all hues of blues on his debut disc as a leader.
Ross and his guitar have been involved in all manner of inventive and unusual musical situations but after a couple of decades of brightening up the sound of others he's finally stepping into the spotlight in his own right with a sparkling collection of enlightened blues.
Ross has recorded with California guitar-slingers the Hellecasters and Austin's eclectic roots aggregation the Asylum Street Spankers, as well as working with a trio of distinctive, if admittedly dissimilar, female vocalists; bawdy blues belter Candye Kane, rockabilly rebel Rosie Flores and alt-country angel Kelly Willis.
And, befitting a guitarist who chose the blues as the context for his first solo outing, Ross naturally has deep and diverse blues experience, including work with West Coast blues stalwarts such as hard-blowing James Harman and the late William Clarke.
But all those musical affiliations---and they're by no means the full extent of Ross's career accomplishments---serve merely as a provocative prelude for "My Pleasure", the first recording to feature Ross's guitar work under his own name in the service of his own tunes.
"My Pleasure" features an outstanding cast of Austin musicians, including multi-talented bluesman Guy Forsyth, string wizard Erik Hokkanen, T-Birds pianist Gene Taylor, and vocalist Major Burkes, for starters, but it is Ross who is---at long last---front and center throughout.
Much of the material comes from Ross and all of it is sonically tailored to his specifications, making the album's title a simple statement of fact. "It's exactly what I wanted to do," Ross explains. "I was allowed full freedom to please myself musically, so it's the tunes I wanted to do and they're done the way I wanted to play and record them."
What brought Ross his musical pleasure was playing the blues. His expansive definition of blues, however, takes the music in a multitude of musical directions. Each is intriguing and all are interlaced with uniformly excellent instrumental innovation but "My Pleasure" is not just a guitar showcase.
Ross has written and assembled solid songs and he and several guest vocalists, including Seth Walker, Mark Goodwin, Nick Curran and J. Jaye Smith, in addition to Forsyth and Burkes, meld them to the music with superlative results. It is undoubtedly blues straight from the heart but its stylistic range and deft delivery create new hues as enjoyable as they are exciting.
So, make "My Pleasure" your own. Give it a listen and the odds are good you'll give it another. And another

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Jeff Ross, un veterano de muchas bandas en muchos estilos, grabó un álbum de blues, no un plato combinado. Claro, hay temas que ofrecen diferentes tonos, pero si compraste este álbum, a) es probable que quieras escuchar blues, y b) te gusta (e incluso podrías tocar) la guitarra. Y así, un álbum de guitarra de blues que conseguirás.
AUSTIN, TEXAS---La conexión entre los creadores clásicos de cowpunk Rank & File y la creatividad cosmopolita de la unidad de jazz gitana Club Django no es obvia, a menos, por supuesto, que estés familiarizado con el guitarrista JEFFREY P. ROSS, un veterano virtuoso que ofrece todos los tonos de blues en su primer disco como líder.
Ross y su guitarra han estado involucrados en todo tipo de situaciones musicales inventivas e inusuales, pero después de un par de décadas de alegrar el sonido de otros, finalmente está entrando en el centro de atención por derecho propio con una brillante colección de blues iluminado.
Ross ha grabado con los guitarristas californianos los Hellecasters y las eclécticas raíces de Austin, los Asylum Street Spankers, además de trabajar con un trío de vocalistas femeninas distintivas, aunque ciertamente disímiles; la bella cantante de blues Candye Kane, la rebelde rockabilly Rosie Flores y el ángel de otro país Kelly Willis.
Y, como corresponde a un guitarrista que eligió el blues como contexto para su primera salida en solitario, Ross tiene naturalmente una profunda y diversa experiencia en blues, incluyendo el trabajo con los grandes del blues de la Costa Oeste, como James Harman y el difunto William Clarke.
Pero todas esas afiliaciones musicales, y no son de ninguna manera el alcance total de los logros de la carrera de Ross, sirven simplemente como un preludio provocativo para "My Pleasure", la primera grabación que presenta la obra de Ross para guitarra bajo su propio nombre al servicio de sus propias melodías.
"My Pleasure" cuenta con un elenco excepcional de músicos de Austin, incluyendo al talentoso bluesista Guy Forsyth, el mago de las cuerdas Erik Hokkanen, el pianista de T-Birds Gene Taylor, y el vocalista Major Burkes, para empezar, pero es Ross quien es, desde hace mucho tiempo, el centro y el frente.
Gran parte del material viene de Ross y todo está hecho a la medida de sus especificaciones, lo que hace que el título del álbum sea una simple declaración de hechos. "Es exactamente lo que quería hacer", explica Ross. "Me permitieron libertad total para complacerme musicalmente, así que son las melodías que quería hacer y se hacen de la forma en que yo quería tocarlas y grabarlas".
Lo que le dio a Ross su placer musical fue tocar el blues. Su amplia definición del blues, sin embargo, lleva la música en una multitud de direcciones musicales. Cada uno es intrigante y todos están entrelazados con una innovación instrumental uniformemente excelente, pero "My Pleasure" no es sólo un escaparate de guitarra.
Ross ha escrito y ensamblado canciones sólidas y él y varios vocalistas invitados, incluyendo a Seth Walker, Mark Goodwin, Nick Curran y J. Jaye Smith, además de Forsyth y Burkes, las fusionan con la música con resultados superlativos. Sin duda es un blues directo del corazón, pero su gama estilística y su hábil entrega crean nuevas tonalidades tan agradables como excitantes.
Por lo tanto, haga suyo "My Pleasure". Escúchalo y las probabilidades son buenas, le darás otro. Y otro




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Bill ''Ravi'' Harris & The Prophets • Funky Sitar Man



Review by Sean Westergaard
Bill "Ravi" Harris is the funky sitar man. Ravi Harris & the Prophets play James Brown/Meters-inspired funk with a difference: The main voice on these instrumentals is sitar. It might be viewed as a gimmick -- if it didn't work so well. Harris is never going to make it as a performer of Indian classical music; he hasn't got the chops for that, but his playing on this album is as good as it needs to be (let's face it, Indian classical and instrumental funk require decidedly different skills). Solid bass, syncopated drums, chicken-scratch guitar, and economical organ fills form the backdrop, and the funky sitar rides at the front. They cover both James Brown and the Meters, which are interesting, but the originals are where it's at. This has got to be the greatest album of sitar funk ever (not that there's much competition). Funky Sitar Man is lots of fun, and recommended to fans of late-'60s style funk with open ears.

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Reseña de Sean Westergaard
Bill "Ravi" Harris es el hombre de la cítara funky. Ravi Harris y los Profetas juegan al funk inspirado en James Brown/Meters con una diferencia: La voz principal en estos instrumentos es sitar. Podría ser visto como un truco, si no funcionara tan bien. Harris nunca va a llegar a ser un intérprete de música clásica india; no tiene los medios para ello, pero su participación en este álbum es tan buena como debe ser (afrontémoslo, el funk clásico e instrumental indio requiere habilidades decididamente diferentes). El bajo sólido, la batería sincopada, la guitarra raspada de pollo y los económicos rellenos de órgano forman el telón de fondo, y los divertidos juegos de sitar en la parte delantera. Cubren tanto a James Brown como a The Meters, que son interesantes, pero los originales están donde está. Este tiene que ser el mejor álbum de sitar funk de todos los tiempos (no es que haya mucha competencia). Funky Sitar Man es muy divertido, y se recomienda a los fans del funk de finales de los 60 con los oídos abiertos.




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domingo, 16 de junio de 2019

Alberto Marsico & Organ Logistics • 4/4



Alberto Marsico was born in Turin in 1966, and he's a professional musician since 25 years. His true love and passion for the jazz organ first came out attending Jack McDuff's workshop in Genova in 1994. Jack once told him, after recording one of Alberto's tunes (Jack-Pot): "Alberto, you got a Hammond Blood". That was the turning point of Alberto's career, and "Hammond Blood" is also the title of the first CD he recorded in 1994.

1996-1997 Portugal and Spain tours with Slovenian drummer Zlatko Caucic and gigs with soul singers Ollie Nightingale, Kenneth Jackson and Lannie Mc Millan.
1998 Recording session (produced by Jim Pugh) and gigs with guitarist Anthony Paule in San Francisco.
2000 Duo Concert with Ian Paice in Gubbio (Italy).
2001 Recording session in Los Angeles with guitarist Alex Schultz and guest artist Larry Taylor, Finis Tasby, Linwood Slim and Tad Robinson. Recording session of his Beatles tribute, Jazz the Beatles (Organic Music, Germany).
2002 Australia and Singapore tours with Enrico Crivellaro and Gio Rossi.
2003 European tours with Finis Tasby and Tad Robinson. Singapore and Malaysia tour with Enrico Crivellaro.
2004 Featured at the Yllas jazz festival (Finland) with the Christian Rover Trio. Recording session of the first Organ Logistics CD (Organic Music, Germany).
2005 Gigs and Spanish tour with Alvin Queen and Jesse Davis. Recording Session in Abbey Road, London. Workshops in Leipzig and Dresden (Conservatory).
2006 Moscow gigs and Ryazan Jazz Festival (Russia). Featured at the North Sea Jazz Festival, Rotterdam, The Netherlands. Recording session of the second Organ Logistics' CD. Three Concerts with the Joey De Francesco Trio.
2007 Concerts with Jimmy Cobb and Bobby Durham. Duo concert with Enrico Rava.
2008 Organization and executive direction of "We Love Jazz 2008", international jazz workshop with Benny Golson, Joey De Francesco, Jimmy Cobb and Buster Williams.

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Alberto Marsico nació en Turín en 1966 y es músico profesional desde hace 25 años. Su verdadero amor y pasión por el órgano de jazz surgió en el taller de Jack McDuff en Génova en 1994. Jack le dijo una vez, después de grabar una de las canciones de Alberto (Jack-Pot): "Alberto, tienes una sangre de Hammond". Ese fue el punto de inflexión en la carrera de Alberto, y "Hammond Blood" es también el título del primer CD que grabó en 1994.

1996-1997 Gira por Portugal y España con el baterista esloveno Zlatko Caucic y conciertos con los cantantes de soul Ollie Nightingale, Kenneth Jackson y Lannie Mc Millan.
1998 Sesión de grabación (producida por Jim Pugh) y conciertos con el guitarrista Anthony Paule en San Francisco.
2000 Concierto a dúo con Ian Paice en Gubbio (Italia).
2001 Sesión de grabación en Los Ángeles con el guitarrista Alex Schultz y el artista invitado Larry Taylor, Finis Tasby, Linwood Slim y Tad Robinson. Sesión de grabación de su homenaje a los Beatles, Jazz the Beatles (Organic Music, Alemania).
2002 Giras por Australia y Singapur con Enrico Crivellaro y Gio Rossi.
2003 Giras europeas con Finis Tasby y Tad Robinson. Gira por Singapur y Malasia con Enrico Crivellaro.
2004 Destacado en el festival de jazz de Yllas (Finlandia) con el Christian Rover Trio. Grabación del primer CD de Organ Logistics (Organic Music, Alemania).
2005 Conciertos y gira por España con Alvin Queen y Jesse Davis. Sesión de grabación en Abbey Road, Londres. Talleres en Leipzig y Dresde (Conservatorio).
2006 Conciertos en Moscú y Festival de Jazz de Riazán (Rusia). Presentado en el Festival de Jazz del Mar del Norte, Rotterdam, Países Bajos. Sesión de grabación del segundo CD de Organ Logistics. Tres conciertos con el Joey De Francesco Trio.
2007 Conciertos con Jimmy Cobb y Bobby Durham. Concierto a dúo con Enrico Rava.
2008 Organización y dirección ejecutiva de "We Love Jazz 2008", taller internacional de jazz con Benny Golson, Joey De Francesco, Jimmy Cobb y Buster Williams.


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David Orlowsky Trio • Nesiah



Clarinetist David Orlowsky is widely recognized as a musician of tremendous expressiveness anddepth, and is acknowledged worldwide as one of today's leading interpreters of the clarinetrepertoire ranging from Mozart to Golijov to klezmer. An exclusive Sony recording artist, David hasrecorded seven discs which have received two ECHO Klassik awards and won him a large anddevoted following.
David Orlowsky has appeared both as a soloist and with his trio (the David Orlowsky Trio) at anumber of major festivals and venues, including the Schleswig-Holstein Music Festival, RheingauMusic Festival, Beethovenfest, Lucerne Festival, Gidon Kremer’s Lockenhaus Chamber MusicFestival and the Moritzburg Festival.
Highlights of the past seasons include performances at the Concertgebouw Amsterdam, StiftungMozarteum in Salzburg, Berlin Konzerthaus, Leipzig Gewandhaus and collaborations with theDanish String Quartet, pianist Igor Levit, mandolin virtuoso Avi Avital, and a special project withthe German actor Dominique Horwitz, combining klezmer music and spoken word.
An avid chamber musician, David collaborates regularly with celebrated performers such as DanielHope, Andreas Haefliger, Vilde Frang, the Fauré Quartet, Nils Moenkemeyer, and the vocal sextetSingur Pur, with whom he won the 2011 ECHO Klassik award "Classical Music withoutBoundaries" for their album JEREMIAH. He also collaborates regularly with the Vogler Quartet,with whom he recorded a critically acclaimed Sony album featuring the works of Mozart andGolijov. David maintains close relationships with major contemporary composers such as TorstenRasch, Matan Porat and David Bruce.
David is committed to community outreach and education initiatives and regularly performs incommunity venues such as hospitals and schools in conjunction with his main concerts. He hasparticipated in Germany's "Rhapsody in School" project, a country-wide initiative which bringsworld-class musicians into schools and familiarizes children with classical music. His originalcompositions are published worldwide by Schott Music/ Advance Music and the music books arefrequent bestsellers.
Born in Tuebingen, Germany in 1981, David studied with Manfred Lindner at the FolkwangHochschule in Essen and with Charles Neidich and Ayako Oshima at the Manhattan School ofMusic in New York City. He is currently based in Berlin.
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El clarinetista David Orlowsky es ampliamente reconocido como un músico de tremenda expresividad y profundidad, y es reconocido mundialmente como uno de los principales intérpretes actuales del clarinetrepertorio, desde Mozart a Golijov y klezmer. Como artista exclusivo de Sony, David ha grabado siete discos que han recibido dos premios ECHO Klassik y le han hecho ganar un gran número de seguidores.
David Orlowsky ha actuado como solista y con su trío (el David Orlowsky Trio) en varios festivales y lugares importantes, incluyendo el Festival de Música de Schleswig-Holstein, el Festival de Música de RheingauMusic, el Beethovenfest, el Festival de Lucerna, el Lockenhaus Chamber MusicFestival de Gidon Kremer y el Festival de Moritzburg.
En las últimas temporadas destacan las actuaciones en el Concertgebouw Amsterdam, StiftungMozarteum de Salzburgo, el Konzerthaus de Berlín, Leipzig Gewandhaus y las colaboraciones con el Cuarteto Danés de Cuerdas, el pianista Igor Levit, el virtuoso de la mandolina Avi Avital y un proyecto especial con el actor alemán Dominique Horwitz, que combina la música klezmer y la palabra hablada.
Ávido músico de cámara, David colabora regularmente con renombrados intérpretes como DanielHope, Andreas Haefliger, Vilde Frang, el Cuarteto Fauré, Nils Moenkemeyer, y el sexteto vocalSingur Pur, con el que ganó el premio ECHO Klassik 2011 "Música clásica sin fronteras" por su álbum JEREMIAH. También colabora regularmente con el Vogler Quartet, con el que grabó un aclamado disco de Sony con obras de Mozart y Golijov. David mantiene estrechas relaciones con los principales compositores contemporáneos como Torsten-Rasch, Matan Porat y David Bruce.
David está comprometido con las iniciativas de extensión comunitaria y educación y regularmente toca en lugares incomunicados como hospitales y escuelas en conjunto con sus conciertos principales. Ha participado en el proyecto alemán "Rapsodia en la escuela", una iniciativa de ámbito nacional que lleva a músicos de clase mundial a las escuelas y familiariza a los niños con la música clásica. Sus composiciones originales son publicadas en todo el mundo por Schott Music/ Advance Music y los libros de música son frecuentemente best-sellers.
Nacido en Tuebingen, Alemania, en 1981, David estudió con Manfred Lindner en la FolkwangHochschule de Essen y con Charles Neidich y Ayako Oshima en la Manhattan School of Music de Nueva York. Actualmente reside en Berlín.


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Bernard Purdie • Bernard Purdie's Soul To Jazz II



 BERNARD PURDIE was born June 11, 1939 in Elkton, Maryland as the eleventh of fifteen children. Purdie began already as a six-year-old to bang out rhythms on improvised equipment. At 14 years of age he purchased his first real drum set and became the most important provider for the family - earning his pay with country and carnival bands. This "schooling" enabled Purdie to "feel my way into nearly every kind of music, 'cause I had to know all styles and was never afraid to try something new."

Purdie moved to New York in 1960 after finishing high school and played with (among others), Lonnie Youngblood before landing his first hit with King Curtis. This led to his engagement with Aretha Franklin in 1970 - the beginning of an unparalleled career. Since then, Purdie has been a regular guest in the studios of the stars of Jazz, Soul, and Rock, working together with Paul Butterfield as well as Larry Coryell, Miles Davis, Hall & Oates, Al Kooper, Herbie Mann, Todd Rundgren and Cat Stevens, as well as regularly producing his own solo albums under his own name.

Liner Notes from Purdie "Soul To Jazz." 3-96. With Brecker Brothers, ACT Music & Vision GMBH.

Which musician did Aretha Franklin definitely NOT want missing from the line-up when she recorded her most inspired albums at the beginning of the seventies Who provided the back-beat for Steely Dan's "Aja", and for whom have Isaac Hayes, Donny Hathaway, B.B. King, "Sweet" Lou Donaldson, Joe Cocker and Hank Crawford reserved that stool behind the drum kit? The list is incomplete, it must be, because no other drummer in the last three decades has seen the interior of a recording studio as often as Bernard "Pretty" Purdie. The 57 year-old native of Elkton, Maryland has laid down the beat on over 3000 albums to date.

This short list does however, prove an idea of the unique qualities this man possesses. Colleagues describe the drummer's style as the "funkiest soul beat" in the business, and Purdie has decidedly never limited his talents to the realm of jazz but rather has consistently sought out new musical experiences beyond it's borders. He has anchored sessions with the Rolling Stones, James Brown and Tom Jones with equal ease and proven that - with all his attention to precision playing - terms such as "drive" and "GROOVE" are definitely not missing from his vocabulary. This is certainly why his rhythms have appeared as samples on nearly every "Acid Jazz" record released in the past few years - the new genre that has so successfully hosted the renaissance of Soul Jazz. Furthermore because it is a special pleasure to personally harvest the fruits from trees one has planted oneself - Purdie has now gathered together a flock of like-minded souls and created the new album - "Soul To Jazz". It will certainly, so much can be sure, stun those who seek to copy his style - if not completely draw their attention. These 13 songs prove that the pioneer of the hybrid of blend of Jazz, Soul and Funky Tunes is still light years ahead of his imitators.

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BERNARD PURDIE nació el 11 de junio de 1939 en Elkton, Maryland como el undécimo de quince hijos. Purdie comenzó ya a la edad de seis años a golpear ritmos con equipos improvisados. A los 14 años compró su primera batería real y se convirtió en el proveedor más importante para la familia, ganándose la vida con bandas de música country y de carnaval. Esta "escolarización" le permitió a Purdie "sentir mi camino en casi todo tipo de música, porque tenía que conocer todos los estilos y nunca tuve miedo de probar algo nuevo".

Purdie se mudó a Nueva York en 1960 después de terminar la escuela secundaria y jugó (entre otros) con Lonnie Youngblood antes de conseguir su primer éxito con King Curtis. Esto lo llevó a su compromiso con Aretha Franklin en 1970 - el comienzo de una carrera sin parangón. Desde entonces, Purdie ha sido un invitado habitual en los estudios de las estrellas de Jazz, Soul y Rock, trabajando junto con Paul Butterfield y Larry Coryell, Miles Davis, Hall & Oates, Al Kooper, Herbie Mann, Todd Rundgren y Cat Stevens, además de producir regularmente sus propios discos en solitario bajo su propio nombre.

"Soul To Jazz" de Purdie. 3-96. Con Brecker Brothers, ACT Music & Vision GMBH.

¿Qué músico no quería que faltara Aretha Franklin cuando grabó sus álbumes más inspirados a principios de los setenta? ¿Quién proporcionó el compás de fondo para "Aja" de Steely Dan, y para quién han reservado ese taburete detrás de la batería Isaac Hayes, Donny Hathaway, B.B. King, "Sweet" Lou Donaldson, Joe Cocker y Hank Crawford? La lista es incompleta, debe ser, porque ningún otro baterista en las últimas tres décadas ha visto el interior de un estudio de grabación tan a menudo como Bernard "Pretty" Purdie. Este nativo de Elkton de 57 años de edad, Maryland ha marcado el ritmo de más de 3000 álbumes hasta la fecha.

Esta breve lista, sin embargo, prueba una idea de las cualidades únicas que este hombre posee. Sus colegas describen el estilo del baterista como el "soul beat más funky" en el negocio, y Purdie ha decidido que nunca ha limitado sus talentos al ámbito del jazz, sino que ha buscado constantemente nuevas experiencias musicales más allá de sus fronteras. Ha anclado sesiones con los Rolling Stones, James Brown y Tom Jones con la misma facilidad y ha demostrado que -con toda su atención al juego de precisión- términos como "drive" y "GROOVE" definitivamente no faltan en su vocabulario. Esta es la razón por la que sus ritmos han aparecido como muestras en casi todos los discos de "Acid Jazz" editados en los últimos años, el nuevo género que ha acogido con tanto éxito el renacimiento de Soul Jazz. Además, porque es un placer especial cosechar personalmente los frutos de los árboles que uno mismo ha plantado, Purdie ha reunido a un rebaño de almas afines y ha creado el nuevo álbum "Soul To Jazz". Ciertamente, tanto puede estar seguro, que dejará atónitos a aquellos que buscan copiar su estilo - si no llamar completamente su atención. Estas 13 canciones prueban que el pionero del híbrido de mezcla de Jazz, Soul y Funky Tunes sigue estando años luz por delante de sus imitadores.


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Jay Hoggard • The Little Tiger



Review by Scott Yanow
Vibraphonist Jay Hoggard gained his initial recognition for his playing in avant-garde and adventurous settings. By the late 80s, Hoggard had decided to explore hard bop and straight-ahead jazz. On this out of print but worthy CD, the vibraphonist recalls Bobby Hutcherson and Milt Jackson in spots, swinging on a variety of originals, Stevie Wonder's "You And I" and "Sonny's Themes" (which covers Sonny Rollins' "Alfie" and "Sonnymoon for Two"). The young Benny Green is a major asset on piano, bassist Marcus McLaurine and drummer Yoron Israel are excellent in support, and Hoggard's songs are full of variety and color. This set (which is otherwise from 1980) concludes with a live and unaccompanied 1977 rendition of "God Is Capable of Everything," on which Hoggard plays quite beautifully.

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Reseña de Scott Yanow
El vibrafonista Jay Hoggard obtuvo su reconocimiento inicial por su interpretación en escenarios vanguardistas y aventureros. A finales de los 80, Hoggard había decidido explorar el hard bop y el jazz directo. En este CD agotado pero digno, el vibrafonista recuerda a Bobby Hutcherson y Milt Jackson en spots, balanceándose en una variedad de originales, "You And I" de Stevie Wonder y "Sonny's Themes" (que cubre "Alfie" y "Sonnymoon for Two" de Sonny Rollins). El joven Benny Green es un gran activo en el piano, el bajista Marcus McLaurine y el baterista Yoron Israel son excelentes en el apoyo, y las canciones de Hoggard están llenas de variedad y color. Este set (que por lo demás es de 1980) concluye con una interpretación en vivo y sin acompañamiento de 1977 de "God Is Capable of Everything" (Dios es capaz de todo), en la que Hoggard toca de manera muy bella.


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The International Youth Jazz Band • Newport Jazz Festival 1958

Elmore James • Something Inside Of Me



Elmore James (27 de enero, 1918 – 24 de mayo de 1963) fue un guitarrista de blues estadounidense, considerado el padre de la bottleneck guitar o slide guitar.
Comenzó su carrera musical en Misisipi junto al armonicista Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson), con el que permaneció varios años hasta que consiguió su primer contrato de grabación en 1951. Fue entonces cuando se trasladó a Chicago, donde inició su andadura en solitario acompañado del grupo "The Broomdusters". Falleció el 24 de mayo de 1963 de un ataque al corazón.
Su estilo sin trabas y apasionado se distinguía por el sonido característico del slide blues, que puede apreciarse en canciones como "Dust my broom", "I Believe" o "It hurts me too". El sonido de James ha influenciado a músicos de blues y rock como Jeremy Spencer de Fleetwood Mac, Brian Jones de The Rolling Stones, Alan Wilson de Canned Heat, Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman o John Mayall. Es nombrado por los Beatles en la canción For You Blue del disco Let It Be.
Autor de una considerable cantidad de clásicos del blues, muchas de esa piezas fueron posteriormente versionadas por grandes del rock y del blues. “Dust my broom” fue grabado por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, “Rollin´n´tumblin” por Canned Heat y Eric Clapton entre otros.

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Elmore James was an American blues slide guitarist and singer who recorded from 1951 until 1963. As with most blues artists of his era, James' recordings were issued as two-song record singles in the then-standard ten-inch 78 rpm and seven-inch 45 rpm formats. James recorded for several record companies, beginning with Trumpet Records in 1951. From 1952 to 1956, he recorded for the Bihari brothers, who issued singles on their Meteor, Flair, and Modern labels. From 1959 to 1963, he recorded for Fire Records. Along the way, James also recorded some songs which appeared on Chess Records and Chief Records, and as a sideman.
After his death in 1963, Elmore James' former companies began re-issuing a number of his singles on subsidiaries and leasing them out to other companies. These various labels also began releasing numerous compilation albums, often with significant overlap in song selection. With the advent of compact discs, this trend continued. However, some box sets have appeared that collect most or all of James' recordings for a particular label or time period.




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Cookin' On 3 Burners • Blind Bet



 Artist Biography by Rob Wacey
Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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 Biografía del artista por Rob Wacey
Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.
https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography


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sábado, 15 de junio de 2019

Graham Dechter • Takin It There

 

Review by Ken Dryden
Guitarist Graham Dechter's follow-up to his strong debut recording is another fine effort, utilizing the same rhythm section, consisting of pianist Tamir Hendelman, bassist John Clayton, and drummer Jeff Hamilton. Unlike many young instrumentalists, Dechter isn't one to overplay or sound like a clone of his favorite stylists, allowing the music to breathe and taking full advantage of his skilled supporting cast. Opening with a funky take of Wes Montgomery's infrequently recorded "Road Song," he then turns his attention to Barney Kessel's obscure bluesy bop vehicle "Be Deedle Dee Do," sharing the spotlight with Clayton in a tasty performance. Dechter's breezy interpretation of Antonio Carlos Jobim's "Chega de Saudade [No More Blues]" features his intricate solo. Hamilton is prominent in the fiery take of Lee Morgan's "Hocus Pocus," introducing the piece and taking an extended break as well. Dechter's bluesy side is on display in his spirited rendition of "Come Rain or Come Shine," with judicious use of repeated riffs intermingled into his solo. Clayton contributed the laid-back "Grease for Graham," in which Dechter's soulful playing makes him seem like a seasoned veteran. The guitarist also proves to be a promising composer, contributing the warm ballad "Together & Apart" (which opens with Clayton's warm arco solo), along with the tender "Amanda," the latter of which segues into the standard "Every Time We Say Goodbye."

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Reseña de Ken Dryden
El seguimiento del guitarrista Graham Dechter a su fuerte debut discográfico es otro gran esfuerzo, utilizando la misma sección rítmica, compuesta por el pianista Tamir Hendelman, el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. A diferencia de muchos instrumentistas jóvenes, Dechter no es de los que exageran o suenan como un clon de sus estilistas favoritos, permitiendo que la música respire y aprovechando al máximo su hábil elenco de apoyo. Abriendo con una toma funky de la canción "Road Song" de Wes Montgomery, grabada con poca frecuencia, dirige su atención al oscuro vehículo de bluesy bop "Be Deedle Dee Do" de Barney Kessel, que comparte el centro de atención con Clayton en una sabrosa actuación. La alegre interpretación de Dechter de "Chega de Saudade[No More Blues]", de Antonio Carlos Jobim, cuenta con su intrincado solo. Hamilton es prominente en la ardiente toma del "Hocus Pocus" de Lee Morgan, introduciendo la pieza y tomando un largo descanso también. El lado blues de Dechter se muestra en su animada interpretación de "Come Rain or Come Shine", con el uso juicioso de repetidos riffs entremezclados en su solo. Clayton contribuyó con la relajada "Grease for Graham", en la que Dechter parece ser un veterano con experiencia en el juego. El guitarrista también demuestra ser un compositor prometedor, aportando la cálida balada "Together & Apart" (que se abre con el cálido solo de arco de Clayton), junto con la tierna "Amanda", la última de las cuales pasa a formar parte del estándar "Every Time We Say Goodbye".