egroj world: noviembre 2018

viernes, 30 de noviembre de 2018

Big Mama Thornton • Stronger than dirt

Willie Mae Thornton (Montgomery (Alabama), 11 de diciembre de 1926-Los Ángeles, 25 de julio de 1984) –más conocida como Big Mama Thornton–, fue una cantante estadounidense de blues y rhythm and blues. Tocó también la armónica y la batería. Estereotipo de vocalista de blues, su voz era apasionada y exuberante, tendente a los desplazamientos de volumen. Su fuerte sentido de la independencia la privó probablemente de haber conseguido más contactos que hubiesen impulsado una carrera no excesivamente exitosa. Entre las influencias que se le pueden apreciar están las de Bessie Smith, Ma Rainey, Mahalia Jackson y Julia Lee. Fue la primera en obtener un gran éxito con la canción "Hound Dog", una canción escrita para ella por Jerry Leiber y Mike Stoller en 1952. El tema fue número uno en Billboard charts durante siete semanas.  info completa:


Willie Mae "Big Mama" Thornton (December 11, 1926 – July 25, 1984) was an American rhythm and blues singer and songwriter. She was the first to record Leiber and Stoller's "Hound Dog" in 1952,[1] which became her biggest hit. It spent seven weeks at number one on the Billboard R&B charts in 1953[2] and sold almost two million copies.[3] However, her success was overshadowed three years later, when Elvis Presley recorded his more popular rendition of "Hound Dog".[4] Similarly, Thornton's "Ball 'n' Chain" (written in 1961 but not released until 1968) had a bigger impact when performed and recorded by Janis Joplin in the late 1960s.
Full Info:

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Pipeline 61 • That s all right

Winifred Atwell • Rag & Boogie

Tiempo de Rag y Boogie, con esta pianista sumamente exitosa y poco conocida en paises de habla hispana, con una excelente seleción de rags y boogies.
Nacida en Tunapuna en Trinidad y Tobago en 1910 ó 1914 (es incierta su fecha de nacimiento), se fue a Trinidad en la década de 1940 y viajó a los Estados Unidos para estudiar con Alexander Borovsky y, en 1946, se trasladó a Londres , donde había ganado una beca en la Royal Academy of Music . Ella se convirtió en el primer pianista femenina que se le otorgó la más alta calificación de la Academia de música.
Mientras hacía sus estudios tocaba en clubes y teatros londinenses, fue descubierta por el empresario Bernard Delfont, con quien grabó su primeros discos logrando enorme éxito, que continuó ininterrumpidamente hasta bien entrada la década del 60. Ha sido la primer persona de raza negra en tener un puesto Nº 1 en el chart.
Bio completa en inglés:


Automatic translation:
Una Winifred Atwell (27 February or 27 April 1910 or 1914 – 28 February 1983) was a Trinidadian pianist who enjoyed great popularity in Britain and Australia from the 1950s with a series of boogie-woogie and ragtime hits, selling over 20 million records. She was the first black person to have a number-one hit in the UK Singles Chart and is still the only female instrumentalist to do so.

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Bootsie Barnes & Larry McKenna • The More I See You

Album Description
What defines the sound of a city? Ask three Philadelphians and get four opinions, as the joke goes. The people, their collective spirit both past and present, is a good place to start. Philadelphia, a city overflowing with history is home to a proud, passionate, willful, and fiercely loyal people. The city’s jazz legacy is no different and has always been a leading voice. Shirley Scott, McCoy Tyner, Benny Golson, Trudy Pitts, Lee Morgan, the Heath Brothers, Stan Getz, Philly Joe Jones and countless other Philadelphia jazz masters are bound together by the same thread. These giants played in their own way, without concern for style or labels. They had an attitude; an intention to their playing that gave the music a feeling, a rhythm, a deep pocket. In Philadelphia today, there is no question who preserves that tradition, embodies that spirit and who defines the “Philadelphia sound”: Bootsie Barnes and Larry McKenna. Now elder statesmen of the Philadelphia jazz community, Bootsie Barnes and Larry McKenna were born just a few months apart in 1937. The times in which they lived often dictated their career paths, but no matter where their music took them Philadelphia was always home. Bootsie Barnes credits his musical family as the spark that began his life in music. His father was an accomplished trumpet player and his cousin, Jimmy Hamilton was a member of Duke Ellington’s band for nearly three decades. “Palling around with my stablemates, Tootie Heath, Lee Morgan, Lex Humphries” as he tells it, Barnes began on piano and drums. At age nineteen he was given a saxophone by his grandmother and “knew he had found his niche”. Over the course of his decades long career, Barnes has performed and toured with Philly Joe Jones, Jimmy Smith, Trudy Pitts and countless others, with five recordings under his own name and dozens as a sideman. Mostly self-taught, Larry McKenna was deeply inspired by his older brother’s LP collection. It was a side of Jazz at The Philharmonic 1947 featuring Illinois Jacquet and Flip Fillips that opened his ears to jazz. “When I heard that I immediately said: ‘That’s what I want to play, the saxophone’”, McKenna recalls. Completing high school, McKenna worked around Philadelphia and along the East Coast until the age of twenty-one, when his first big break came with Woody Herman’s Big Band. McKenna has played and recorded with Clark Terry, Frank Sinatra, Rosemary Clooney, Tony Bennett and countless others. He has four recordings under his own name, with extensive credits as a sideman. Their resumes are only a shadow of who these men are. To really know the true Larry McKenna and Bootsie Barnes, you have to meet them. They are as men just as their music sounds: giving, open, genuine and deeply funny. Working nearly every night, Barnes and McKenna are consistent, positive forces on the scene. Deeply admired by younger generations of musicians, they show us that a life in music should be lead with grace, joy and honesty. The first time I heard Barnes and McKenna together was at Ortlieb’s Jazz Haus in the mid 1990s. As an eager but shy young musician of about fourteen, I somehow found my way to the storied club on Third and Poplar Streets. A sign out front proudly stated “Jazz Seven Days” – the only place in the city boasting such a schedule. The bouncer working that night took one look at me and with what I can only imagine was a mix of pity and amusement, hurriedly waved me in. Eyes down and hugging the wall, I made my way along the long bar, past the mounted bison head’s blank stare, towards the music. My go-to spot was an alcove next to the bathroom: a place just far enough from the bartender’s gaze so as not to be noticed, (did I mention I was fourteen?) but close enough to the stage to watch and listen. The house band was the late Sid Simmons on piano, bassist Mike Boone, and drummer Byron Landham. (Anyone who was there will tell you: this was an unstoppable trio.) Barnes and McKenna were setting the pace, dealing on a level only the true masters can. The whole room magically snapped into focus: the band shifted to high gear, the swing intensified and the crowd had no choice but to be swept up in the music. They had a story too incredible to ignore. I sat there in disbelief at the power and beauty of what they were doing. It is a feeling that has never left me. How they played that night at Ortlieb’s those many years ago is exactly the way they play today. In fact, they are probably playing better than ever. The track Three Miles Out is a shining example. Barnes solos first, hitting you with that buttery, round tenor tone with a little edge as he gets going. His ideas are steeped in the hard-bop tradition delivered with a clear voice all his own. There is no ambiguity, no hesitation, just pure, joyful, hard- swinging tenor playing. McKenna follows, with his trademark tenor tone, both beautiful and singing, strong and powerful. He swings with natural ease, a wide beat and always makes the music dance. He has what I can only describe as a deep melodic awareness thanks largely to his mastery of the American Songbook. McKenna is unhurried and speaks fluid bebop language. This is classic Barnes and McKenna. The most challenging thing to describe is the way someone’s music touches your heart. I hope my fellow native Philadelphians will allow me to speak for them when I say we are all forever in the debt of Bootsie and Larry. May we live and create in a way that continues to honors them and their music.


Traducción Automática:
Descripción del Album
¿Qué define el sonido de una ciudad? Pregunte a tres habitantes de Filadelfia y obtenga cuatro opiniones, según el chiste. La gente, su espíritu colectivo pasado y presente, es un buen lugar para comenzar. Filadelfia, una ciudad llena de historia es el hogar de personas orgullosas, apasionadas, voluntarias y ferozmente leales. El legado de jazz de la ciudad no es diferente y siempre ha sido una voz líder. Shirley Scott, McCoy Tyner, Benny Golson, Trudy Pitts, Lee Morgan, Heath Brothers, Stan Getz, Philly Joe Jones y muchos otros maestros de jazz de Filadelfia están unidos por el mismo hilo. Estos gigantes jugaban a su manera, sin preocuparse por el estilo o las etiquetas. Tenían una actitud; una intención de tocar que le dio a la música un sentimiento, un ritmo, un bolsillo profundo. Hoy en Filadelfia, no hay duda de quién conserva esa tradición, encarna ese espíritu y quién define el "sonido de Filadelfia": Bootsie Barnes y Larry McKenna. Ahora, los estadistas más viejos de la comunidad de jazz de Filadelfia, Bootsie Barnes y Larry McKenna, nacieron con solo unos meses de diferencia en 1937. Los tiempos en que vivían a menudo dictaban su trayectoria profesional, pero no importaba a donde la música los llevara, Filadelfia siempre estaba en casa. Bootsie Barnes acredita a su familia musical como la chispa que comenzó su vida en la música. Su padre era un trompetista consumado y su primo, Jimmy Hamilton fue miembro de la banda de Duke Ellington durante casi tres décadas. "Dando vueltas con mis compañeros, Tootie Heath, Lee Morgan, Lex Humphries", como él lo dice, Barnes comenzó a tocar el piano y la batería. A los diecinueve años, su abuela le dio un saxofón y "supo que había encontrado su nicho". A lo largo de su larga carrera de décadas, Barnes ha realizado y realizado giras con Philly Joe Jones, Jimmy Smith, Trudy Pitts y muchos otros, con cinco grabaciones bajo su propio nombre y docenas como sideman. En su mayoría autodidacta, Larry McKenna se inspiró profundamente en la colección de LP de su hermano mayor. Fue un lado del Jazz en The Philharmonic 1947 con Illinois Jacquet y Flip Fillips que abrió sus oídos al jazz. "Cuando escuché eso, inmediatamente dije: 'Eso es lo que quiero tocar, el saxofón'", recuerda McKenna. Completando la escuela secundaria, McKenna trabajó en Filadelfia y en la costa este hasta los veintiún años, cuando su primera gran oportunidad llegó con la Big Band de Woody Herman. McKenna ha jugado y grabado con Clark Terry, Frank Sinatra, Rosemary Clooney, Tony Bennett y muchos otros. Tiene cuatro grabaciones bajo su propio nombre, con extensos créditos como sideman. Sus currículos son solo una sombra de quienes son estos hombres. Para conocer realmente al verdadero Larry McKenna y Bootsie Barnes, debes conocerlos. Son tan hombres como suena su música: generosa, abierta, genuina y profundamente divertida. Trabajando casi todas las noches, Barnes y McKenna son fuerzas consistentes y positivas en la escena. Profundamente admirados por las generaciones más jóvenes de músicos, nos muestran que una vida en la música debe ser llevada con gracia, alegría y honestidad. La primera vez que escuché a Barnes y McKenna juntos fue en el Jazz Haus de Ortlieb a mediados de los noventa. Como un joven músico ansioso pero tímido de unos catorce años, de alguna manera encontré mi camino hacia el famoso club en las calles Third y Poplar. Un letrero en el frente declaró con orgullo "Jazz Seven Days", el único lugar en la ciudad que cuenta con un horario de este tipo. El portero que trabajaba esa noche me echó un vistazo y, con lo que solo puedo imaginar era una mezcla de lástima y diversión, me hizo señas rápidamente. Bajé los ojos hacia la pared y me abracé a lo largo de la larga barra, pasando el bisonte montado. La mirada en blanco de la cabeza, hacia la música. Mi lugar de visita era una alcoba al lado del baño: un lugar lo suficientemente alejado de la mirada del camarero para que no se diera cuenta (¿mencioné que tenía catorce años?) Pero lo suficientemente cerca del escenario para mirar y escuchar. La banda de la casa fue el difunto Sid Simmons en el piano, el bajista Mike Boone y el baterista Byron Landham. (Cualquiera que haya estado allí te dirá: este fue un trío imparable). Barnes y McKenna estaban marcando el ritmo, tratando a un nivel que solo los verdaderos maestros pueden. Toda la sala se enfocó mágicamente: la banda cambió a alta velocidad, el swing se intensificó y la multitud no tuvo más remedio que dejarse llevar por la música. Tenían una historia demasiado increíble para ignorarla. Me senté allí con incredulidad ante el poder y la belleza de lo que estaban haciendo. Es un sentimiento que nunca me ha dejado. La forma en que jugaron esa noche en los de Ortlieb hace muchos años es exactamente la forma en que juegan hoy. De hecho, probablemente estén jugando mejor que nunca. La pista Three Miles Out es un ejemplo brillante. Los solos de Barnes primero, te golpean con ese tono tenor redondo y tenor con una pequeña ventaja a medida que avanza. Sus ideas están impregnadas de la tradición de hard bop entregada con una voz clara y propia. No hay ambigüedad, no hay duda, solo el tenor puro, alegre y tenaz. McKenna lo sigue, con su tono tenor característico, hermoso y cantante, fuerte y poderoso. Se balancea con facilidad natural, un ritmo amplio y todo. Él tiene lo que solo puedo describir como una profunda conciencia melódica gracias en gran parte a su dominio del American Songbook. McKenna no tiene prisa y habla lenguaje bebop fluido. Este es el clásico de Barnes y McKenna. Lo más difícil de describir es la forma en que la música de alguien toca tu corazón. Espero que mis compañeros nativos de Filadelfia me permitan hablar por ellos cuando digo que todos estamos para siempre en deuda con Bootsie y Larry. Que vivamos y creamos de una manera que continúe honrándolos a ellos y a su música.


Ray Bryant • Somewhere In France

Review by Ken Dryden
Ray Bryant provided the master tape for this live solo piano CD from a personal archive of over 100 cassettes given to him by various soundboard technicians working his concerts over the years. Bryant was unable to identify the tape more specifically than being recorded "Somewhere in France" during 1993; hence the CD's title. The play list and the arrangements overlap somewhat with Bryant's Alone at Montreux date, though the pianist's first-rate performance and the surprisingly excellent sound from Somewhere in France's humble cassette source make this worth acquiring along with his earlier solo concert CD. Highlights include a boogie-woogie version of "Take the 'A' Train," a choppy delightful "Con Alma," "Jungletown Jubilee" (an obscure tune with obvious gospel roots), a swinging take of John Lewis' "Django," and a savory take of the slow blues "After Hours." Since Bryant turned over more than 40 personal tapes that he personally liked, here's hoping that producer Joel Dorn and Label M will release more music from the pianist's own collection. Very highly recommended.


Traducción Automática:
Revisión por Ken Dryden
Ray Bryant proporcionó la cinta maestra para este CD de piano solo en vivo a partir de un archivo personal de más de 100 casetes que le entregaron varios técnicos de sonido que trabajaron en sus conciertos durante años. Bryant no pudo identificar la cinta más específicamente que la grabación "En algún lugar de Francia" durante 1993; De ahí el título del CD. La lista de reproducción y los arreglos se superponen un poco con la cita de Bryant Alone at Montreux, aunque la interpretación de primera clase del pianista y el sonido sorprendentemente excelente de Somewhere, en la humilde fuente de casetes de Francia, hacen que valga la pena adquirirlo junto con su anterior CD de concierto en solitario. Los aspectos más destacados incluyen una versión boogie-woogie de "Take the 'A' Train", una encantadora entrecortada "Con Alma", "Jungletown Jubilee" (una oscura melodía con raíces evangélicas obvias), una toma de balanceo de "Django" de John Lewis y una toma sabrosa de los azules lentos "After Hours". Desde que Bryant entregó más de 40 cintas personales que personalmente le gustaron, espero que el productor Joel Dorn y Label M lancen más música de la propia colección del pianista. Muy recomendable.

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jueves, 29 de noviembre de 2018

Kenny Drew Trio • Swingin' Love

Kenny Drew (piano)
Niels-Henning Orsted Pedersen (bass)
Ed Pedersen (drums)

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Dengue Fever • Escape From The Dragon House

El tecladista Ethan Holtzman oriundo de Los Angeles, de viaje por Camboya, se subyuga con el sonido de viejos temas de los sesentas de desconocidos y hasta anónimos grupos locales, lo que le da la idea de recrear dicho sonido en su pais natal. Fruto de ello es Dengue Fever, que aparte de tener una vocalista camboyana, nuestro amigo tecladista fiel al sonido interpreta los temas de la banda con el mítico órgano Farfisa y el Optigan, un teclado de fines de los 60 que utilizaba pistas pregrabadas.


Automatic translation:
Keyboardist Ethan Holtzman native of Los Angeles, travel Cambodia, subjugates with the sound of old songs from the sixties and even anonymous strangers local groups, which gives the idea of recreating that sound in his native country. The result of this is Dengue Fever, apart from having a Cambodian vocalist, keyboardist our faithful friend sound interprets the songs of the band with the legendary Farfisa organ and Optigan, keyboard late 60s who used prerecorded tracks.

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Herbie Mann • Our Mann Flute

Herbie Mann (flute, alto flute)
Jimmy Owens (trumpet, flugelhorn)
Hachid Thomas Kazarian (clarinet)
Chick Ganimian (oud)
Mohammed Elakkad (zither)
Roy Ayers (vibraphone)
Reggie Workman (bass)
Bruno Carr (drums)
Carlos "Patato" Valdes (congas)

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VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 6 of 6

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.


Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.


miércoles, 28 de noviembre de 2018

Baden Powell • Poema on Guitar

One of Baden Powell's first great bossa sessions in Europe – recorded in a light and lively MPS mode that's a bit different than some of his work at the time in Brazil! Rhythm is by the team of Eberhard Weber on bass and Charly Antolini on drums – both players with non-bossa roots, but who push Powell's groove into some slightly new directions – almost hailing the Brazilian influence that would show up even more strongly in European jazz in years to come! Sidney Smith also adds a bit of flute into some of the tracks on the album – underscoring the moodier moments with a subtle tone next to Powell's more pronounced guitar – and the whole thing's got a sense of poise, grace, and beauty that's simply tremendous! Titles include "Euridice", "Consolacao", "Feitinha Pro Poeta", "Dindi", "Reza", "Samba Triste", and "All The Things You Are". Dusty Groove, Inc.


Traducción Automática:
Una de las primeras grandes sesiones de bossa de Baden Powell en Europa, grabada en un modo MPS ligero y animado que es un poco diferente a algunos de sus trabajos en ese momento en Brasil. El ritmo es del equipo de Eberhard Weber en el bajo y Charly Antolini en la batería, ambos jugadores con raíces no bossa, pero que empujan el ritmo de Powell en algunas direcciones ligeramente nuevas, casi aclaman la influencia brasileña que se mostraría aún más en el jazz europeo. ¡en los próximos años! Sidney Smith también agrega un poco de flauta en algunas de las canciones del álbum, subrayando los momentos más tristes con un tono sutil junto a la guitarra más pronunciada de Powell, ¡y todo tiene un sentido de equilibrio, gracia y belleza que es simplemente tremendo! Los títulos incluyen "Euridice", "Consolacao", "Feitinha Pro Poeta", "Dindi", "Reza", "Samba Triste" y "Todas las cosas que eres". Dusty Groove, Inc.

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Lionel Hampton • Decca M 32912 [single 1949]

1 Rag Mop (Anderson - Wills) 2:49
 Recorded: 09-12-1949
2 For you my love (Paul Gayten) 2:23
 Recorded: 29.12.1949

Lionel Hampton and his Orchestra

martes, 27 de noviembre de 2018

Alessandro Alessandroni • Panoramic Feelings

Ultra rare Italian library music from the great Alessandro Alessandroni, closest collaborator of the Maestro Ennio Morricone.
Psych, funk, lounge, bossa in a legendary LP originally released in 1971 by the great Italian label Canopo.

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Monty Alexander, Ray Brown, Herb Ellis • Overseas Special

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Esquivel • His Piano & Group Four Corners of the World

Juan García Esquivel, conocido como Esquivel, o Esquí (Tampico, 20 de enero de 1918 — Jiutepec, Morelos, 3 de enero del 2002), fue un arreglista, pianista y compositor internacional. Es conocido por crear un estilo de música único en su género, ocasionalmente llamado"Lounge" o "Space Age Pop", en México también se le recuerda por haber hecho la música del programa infantil Odisea Burbujas.
Juan García Esquivel, el indiscutible padre del Lounge moderno, quién además fuese compositor, pianista y creador de cientos de jingles para la televisión occidental, nace el 20 de Enero de 1918 en Tampico, una ciudad portuaria del estado de Tamaulipas, México. A la edad de diez años se mudó junto a sus padres a la Ciudad de México donde cuatro años más tarde ya era pianista de la estación XEW. Cuatro años después dirigía su propia orquesta de 22 músicos componiendo arreglos para el programa de radio cómico de Panzón Panzeco (Arturo Manrique), que se transmitía por la XEW. Sus jingles llegaron a ser muy populares anunciando productos comerciales. Esquivel se graduó de la Facultad de Ingeniería del Instituto Politécnico Nacional, posteriormente los conocimientos ahí adquiridos le ayudarían en sus pioneros experimentos con la música electrónica.

Su principal mérito radica en el haber comenzado a experimentar grabando en distintos canales, lo cuál le permitió incorporar a la música fuentes sonoras jamás exploradas.
En Estados Unidos compuso y grabó pequeñas piezas para los Estudios Universal en los sesenta que en su tiempo se llamaron “arreglos sonorámicos" Estos temas han sido usados desde entonces en cientos de programas televisivos como: Los Picapiedra, Quincy, Alfred Hítchcock, Ironside, Kojak, Los Angeles de Charlie, Elery Queen, Emergencia, El Hombre Nuclear, La Mujer Biónica. También en programas como Columbo, McCloud McMillan y Esposa (Ia famosa "Trilogía Policiaca" El Hombre Increíble, Baretta, los Hardy Boys lnvestigadores, Magnum, Miami Vice, La Última Frontera, Fuera de este Mundo, Viajeros en el Tiempo, Harry y los Hendersons y Guardianes de la Bahía. Aunque también volvió a México en 1979 para realizar la música del programa infantil de nombre Burbujas que rápidamente vendió un millón de copias. Todos con el inconfundible sonido "esquiveliano"'
 Y aunque en 1994 Esquivel sufrió un accidente que le imposibilitó volver a caminar, siguió creando en su mente arreglos que esperaba grabar más adelante. De hecho la compañía Microsoft consideró usar sonidos de Esquivel para el sistema operativo Windows 95. Además, se esta llevando a cabo el rodaje de la película "Esquivel" quien será interpretado por el actor John Leguizamo. Esta película será dirigida por Alexander Payne y producida por Fox Searchlight Pictures y Rebel Films - Production Company. wiki


Juan García Esquivel (January 20, 1918 – January 3, 2002) often simply known as Esquivel!, was a Mexican band leader, pianist, and composer for television and films. He is recognized today as one of the foremost exponents of a sophisticated style of largely instrumental music that combines elements of lounge music and jazz with Latin flavors. Esquivel is sometimes called "The King of Space Age Pop" and "The Busby Berkeley of Cocktail Music." Esquivel is considered one of the foremost exponents of a style of late 1950s-early 1960s quirky instrumental pop that became known (in retrospect) as "Space Age Bachelor Pad Music".


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Chet Atkins • Mister Guitar

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lunes, 26 de noviembre de 2018

VA • The Greatest Jazz Hits

01. Pink Panther Theme (Quincy Jones) (3:24)
02. Watermelon Man (Les McCann) (3:42)
03. Fever (Sarah Vaughan) (2:49)
04. Mercy, Mercy, Mercy (Willie Bobo) (2:37)
05. Work Song (Ray Brown All-Star Big Band) (5:19)
06. Cantaloupe Island (Kai Winding) (5:45)
07. Killer Joe (Art Farmer - Benny Golson Jazztet) (4:08)
08. The 'In' Crowd (Ramsey Lewis Trio) (5:54)
09. Lullaby Of Birdland (George Shearing) (3:13)
10. Mack The Knife (Ella Fitzgerald) (4:42)
11. Take Five (Dave Brubeck Quartet) (9:54)
12. Cute (Milt Buckner) (3:04)
13. Caravan (Wes Montgomery) (2:40)
14. Walk, Don't Run! (Johnny Smith) (3:20)
15. Bluesette (Toots Thielemans) (4:50)
16. A Night In Tunisia (Red Garland) (6:56)


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VA • Ten Long Fingers

Louis Comfort Tiffany and Laurelton Hall An Artists Country Estate

The International Sweethearts Of Rhythm • Hot Licks

Primera orquesta de mujeres de USA, tocaron en el circuito tradicional de presentaciones que incluía el Teatro Apollo de Nueva York , el Teatro Regal en Chicago , y el Howard Theater de Washington.
La banda era multirracial lo que la hacía más inusual.
Se originó en el Piney Woods de Mississippi en una escuela para niños pobres y negro en 1937. La banda se trasladó a Virginia y comenzaron a atraer a los músicos profesionales a sus filas, entre ellos fue Anna Mae Winburn, un cantante que había estado dirigiendo una orquesta de hombres. Durante la Segunda Guerra Mundial la mayoría de los hombres de la banda fueron reclutados y la banda se convierto en el formato de banda femenina la "International Sweethearts of Rhythm".

Se hacían llamar "internacional", para significar sus diversos orígenes étnicos: hispanos, blancos y asiáticos. Comenzando alrededor de 1940 en el Teatro Apollo de Nueva York, haciendo giras por USA y Europa. Sin embargo, en sus frecuentes viajes de las chicas a través del sur de Estados Unidos, las mujeres de raza blanca debieron usar maquillaje oscuro en el escenario debido a la segregación de Jim Crow.
Info completa en ingles:

International Sweethearts of Rhythm
From Wikipedia, the free encyclopedia
The International Sweethearts of Rhythm was the first integrated all women's band in the United States. During the 1940s the band featured some of the best female musicians of the day.[1] They played swing and jazz on a national circuit that included the Apollo Theater in New York City, the Regal Theater in Chicago, and the Howard Theater in Washington, DC.[2][3] After a performance in Chicago in 1943, the Chicago Defender announced the band was, "One of the hottest stage shows that ever raised the roof of the theater!"[4] More recently, they have been labeled "the most prominent and probably best female aggregation of the Big Band era."[5] During feminist movements of the 1960s and 1970s in America, the International Sweethearts of Rhythm regained a significant amount of popularity, particularly with feminist writers and musicologists who have made it their goal to change the discourse on the history of jazz to equally include both men and women musicians.
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VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 5 of 6

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.


Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

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domingo, 25 de noviembre de 2018

Tiny Topsy & Lula Reed • Just A Little Bit Federal's Queens Of New Breed R&B

Compilado de estas dos reinas exponentes del sonido de Chicago de la década del 60, R&B, blues y soul sin desperdicio.


Compiled exponents of these two queens Chicago sound of the 60s, R & B, blues and soul without waste.

Tiny Topsy

Lula Reed

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Lonnie Liston Smith & The Cosmic Echoes • Expansions

Review by Thom Jurek
When Lonnie Liston Smith left the Miles Davis band in 1974 for a solo career, he was, like so many of his fellow alumni, embarking on a musical odyssey. For a committed fusioneer, he had no idea at the time that he was about to enter an abyss that it would take him the better part of two decades to return from. Looking back upon his catalog from the period, this is the only record that stands out -- not only from his own work, but also from every sense of the word: It is fully a jazz album, and a completely funky soul-jazz disc as well. Of the seven compositions here, six are by Smith, and the lone cover is of the Horace Silver classic, "Peace." The lineup includes bassist Cecil McBee, soprano saxophonist David Hubbard, tenor saxophonist Donald Smith (who doubles on flute), drummer Art Gore, and percussionists Lawrence Killian, Michael Carvin, and Leopoldo. Smith plays both piano and electric keyboards and keeps his compositions on the jazzy side -- breezy, open, and full of groove playing that occasionally falls over to the funk side of the fence. It's obvious, on this album at least, that Smith was not completely comfortable with Miles' reliance on hard rock in his own mix. Summery and loose in feel, airy and free with its in-the-cut beats and stellar piano fills, Expansions prefigures a number of the "smooth jazz" greats here, without the studio slickness and turgid lack of imagination. The disc opens with the title track, with one of two vocals on the LP by Donald Smith (the other is the Silver tune). It's typical "peace and love and we've got to work together" stuff from the mid-'70s, but it's rendered soulfully and deeply without artifice. "Desert Nights" takes a loose Detroit jazz piano groove and layers flute and percussion over the top, making it irresistibly sensual and silky. It's fleshed out to the bursting point with Smith's piano; he plays a lush solo for the bridge and fills it to the brim with luxuriant tones from the middle register. "Summer Days" and "Voodoo Woman" are where the electric keyboards make their first appearance, but only as instruments capable of carrying the groove to the melody quickly, unobtrusively, and with a slinky grace that is infectious. The mixed bag/light-handed approach suits Smith so well here that it's a wonder he tried to hammer home the funk and disco on later releases so relentlessly. The music on Expansions is timeless soul-jazz, perfect in every era. Of all the fusion records of this type released in the mid-'70s, Expansions provided smoother jazzers and electronica's sampling wizards with more material that Smith could ever have anticipated.


Traducción Automática:
Revisión por Thom Jurek
Cuando Lonnie Liston Smith abandonó la banda de Miles Davis en 1974 para una carrera en solitario, como muchos de sus compañeros, se estaba embarcando en una odisea musical. Para un fusionador comprometido, en ese momento no tenía idea de que estaba a punto de entrar en un abismo del que tardaría casi dos décadas en regresar. Mirando hacia atrás a su catálogo de la época, este es el único disco que se destaca, no solo por su propio trabajo, sino también por todos los sentidos de la palabra: es un álbum de jazz, y un disco de jazz y soul completamente funky. también. De las siete composiciones aquí, seis son de Smith, y la única portada es del clásico de Horace Silver, "Peace". La formación incluye al bajista Cecil McBee, al saxofonista soprano David Hubbard, al saxofonista tenor Donald Smith (que se dobla en la flauta), al baterista Art Gore, y al percusionista Lawrence Killian, Michael Carvin y Leopoldo. Smith toca tanto el piano como el teclado eléctrico y mantiene sus composiciones en el lado llamativo: ventoso, abierto y lleno de ritmo que ocasionalmente cae sobre el lado de la valla. Es obvio, al menos en este álbum, que Smith no estaba completamente cómodo con la confianza de Miles en el hard rock en su propia mezcla. Veraniegos y sueltos, aireados y libres, con sus ritmos precisos y sus fantásticos rellenos de piano, Expansions prefigura algunos de los grandes del "jazz suave" aquí, sin la astucia del estudio y la turgente falta de imaginación. El disco se abre con la pista del título, con una de las dos voces en el LP de Donald Smith (la otra es la melodía de plata). Es algo típico de "paz y amor y tenemos que trabajar juntos" a partir de mediados de los años 70, pero se traduce con alma y profundamente sin artificios. "Desert Nights" lleva un ritmo de piano de jazz de Detroit suelto y capas de flauta y percusión en la parte superior, lo que lo hace irresistiblemente sensual y sedoso. Se concreta hasta el punto de ruptura con el piano de Smith; toca un solo exuberante para el puente y lo llena hasta el borde con tonos exuberantes del registro central. "Summer Days" y "Voodoo Woman" son donde los teclados eléctricos hacen su primera aparición, pero solo como instrumentos capaces de llevar el ritmo a la melodía de manera rápida, discreta y con una gracia furtiva que es contagiosa. El enfoque mixto / ligero se adapta tan bien a Smith aquí que es una maravilla que haya intentado forzar el funk y el disco en los lanzamientos posteriores de manera tan implacable. La música en Expansiones es soul-jazz atemporal, perfecta en todas las épocas. De todos los registros de fusión de este tipo lanzados a mediados de la década de 1970, las expansiones proporcionaron a los jazzistas más suaves y a los magos de muestreo de la electrónica más material que Smith podría haber anticipado.

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Shakey Jake Harris • Good Times

Personnel includes: Shakey Jake, Jack McDuff, Bill Jennings

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sábado, 24 de noviembre de 2018

The Modest Jazz Trio • Good Friday Blues

Carpenters • Twenty-Two Hits Of The Carpenters

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 4 of 6

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.


Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

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viernes, 23 de noviembre de 2018

Walt Dickerson • This Is Walt Dickerson!

Review by Steve Huey
Walt Dickerson never got quite the credit he deserved for pioneering a modernist approach to the vibes during the early '60s, aligning himself with the emerging "new thing" scene and expanding the instrument's vocabulary beyond Milt Jackson's blues and bop influences. Dickerson's groundbreaking sessions for Prestige all predated the rise of Bobby Hutcherson as the hot new "out" vibes player at Blue Note, and while Hutcherson was a bit freer early on, Dickerson's work still sounded adventurous and forward-looking. This Is Walt Dickerson!, his opening salvo, is every bit the statement of purpose the exclamatory title suggests. Each of the six selections is a Dickerson original, and he proves to be a marvelously evocative composer. Witness the cool, film-noir ambience of the mildly dissonant opener, "Time"; the haunting atmospherics of "Elizabeth," a tribute to his wife; the way the repeated riff of "Death and Taxes" imparts the sense of drudgery and inevitability suggested by the title; or the way Dickerson and pianist Austin Crowe keep twisting the rhythmic emphasis and cadences over the repetitive beat of "The Cry." Dickerson's harmonically advanced playing is just as distinctive, too. He keeps the use of vibrato to a bare minimum, so much so that it's almost a shock when he lets some shimmering chords ring out on "Infinite You"; moreover, his use of rubber mallets instead of the customary felt-tipped augments his soft, controlled tone. In addition to Crowe, Dickerson is backed by bassist Bob Lewis and future Cecil Taylor drummer Andrew Cyrille. A striking debut, This Is Walt Dickerson! sets the stage for continued excellence, but also proves that Dickerson's talent was already fully formed.


Traducción Automática:
Reseña por Steve HueyWalt Dickerson nunca obtuvo el mérito que merecía por ser pionero en un enfoque modernista de las vibraciones a principios de los años 60, alineándose con la escena emergente de "novedades" y expandiendo el vocabulario del instrumento más allá de las influencias de blues y bop de Milt Jackson. Las innovadoras sesiones de Dickerson para Prestige precedieron al ascenso de Bobby Hutcherson como el nuevo y popular jugador de Blue Note, y aunque Hutcherson era un poco más libre desde el principio, el trabajo de Dickerson aún parecía aventurero y progresista. ¡Este es Walt Dickerson !, su salva de apertura es la declaración de propósito que sugiere el título exclamatorio. Cada una de las seis selecciones es un original de Dickerson, y demuestra ser un compositor maravillosamente evocador. Sea testigo del ambiente fresco del cine negro del abridor levemente disonante, "Time"; las inquietantes atmósferas de "Elizabeth", un homenaje a su esposa; la forma en que el repetido riff de "Death and Taxes" imparte la sensación de pesadez e inevitabilidad sugeridas por el título; o la forma en que Dickerson y el pianista Austin Crowe continúan retorciendo el énfasis rítmico y las cadencias sobre el ritmo repetitivo de "The Cry". El juego armónicamente avanzado de Dickerson es igual de distintivo, también. Mantiene el uso del vibrato al mínimo, tanto que es casi un shock cuando deja que algunos acordes resplandecientes suenen en "Infinite You"; además, su uso de mazos de goma en lugar de los habituales puntas de fieltro aumenta su tono suave y controlado. Además de Crowe, Dickerson está respaldado por el bajista Bob Lewis y el futuro baterista de Cecil Taylor, Andrew Cyrille. Un sorprendente debut, ¡Este es Walt Dickerson! establece el escenario para la excelencia continua, pero también demuestra que el talento de Dickerson ya estaba completamente formado.

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Hipbone Slim And The Knee Tremblers • Ugly Mobile

English band from Oxford, UK.
They perform their music in many styles, such as rock n’roll, surf, beat, rockabilly, zydeco and both blues and rhythm and blues.

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Dorothy Ashby • The Jazz Harpist

Dorothy Ashby (Harp)
Ed Thigpen (Drums)
Wendell Marshall (Bass)
Frank Wess (Flute)
Eddie Jones (Bass)

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VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 3 of 6

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.


Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

jueves, 22 de noviembre de 2018

Houston Person • Soft Lights

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The Bill Smith Quartet • Folk Jazz

Review by Stewart Mason
A record that could only have been made in the late '50s, 1959's Folk Jazz is a meeting of the two great collegiate crazes of the period, post-bebop modern jazz and traditional folk music. Clarinetist Bill Smith and a low-key piano-less trio ? Jim Hall on guitar, Monty Budwig on bass and the great Shelly Manne on drums ? take 10 songs from the folk tradition, strip them down to the bare essentials of melody and chord progressions and turn them into a Kind of Blue-like experiment in cool-toned modal jazz. Familiar standards like "Black Is the Color of My True Love's Hair" (which opens with an extended unaccompanied solo by Smith that's a marvel of economy) are presented in entirely new and fresh settings. Perhaps the best of the lot is an extended meditation on the spiritual "Go Down Moses" that turns the song from a gospel shout to an intimate whisper. The 2003 CD reissue adds two tracks, alternate takes of "Reuben, Reuben" and "Nobody Knows the Trouble I've Seen."


Traducción Automática:
Revisión por Stewart Mason 
Un disco que solo se pudo haber hecho a finales de los años 50, el Folk Jazz de 1959 es una reunión de las dos grandes locuras universitarias de la época, el jazz moderno post-bebop y la música folclórica tradicional. ¿El clarinetista Bill Smith y un trío sin piano de bajo perfil? ¿Jim Hall en la guitarra, Monty Budwig en el bajo y el gran Shelly Manne en la batería? toma 10 canciones de la tradición folklórica, descárgalas a lo esencial de la melodía y las progresiones de acordes y conviértelos en un experimento parecido al tipo de azul en el modal jazz de tonos fríos. Estándares familiares como "El negro es el color de mi cabello de amor verdadero" (que se abre con un solo no acompañado de Smith, que es una maravilla de la economía) se presentan en entornos completamente nuevos y nuevos. Quizás lo mejor de todo es una meditación prolongada sobre el espiritual "Go Down Moses" que convierte la canción de un grito del evangelio en un susurro íntimo. La reedición del CD de 2003 agrega dos pistas, tomas alternativas de "Reuben, Reuben" y "Nadie sabe el problema que he visto".

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Larry Page Orchestra • Kinky Music

It's hard to imagine Kinks fans being at all interested in this album of orchestral MOR covers of Kinks tunes when it was issued in 1965. Such instrumental treatments of the catalog of leading British rock bands, however, were somewhat in vogue in the 1960s, with the Rolling Stones' manager lending his name to an album by the Andrew Loog Orchestra spotlighting Rolling Stones covers, and Beatles producer George Martin overseeing some similar recordings of the Lennon-McCartney catalog. Kinky Music -- which has no instrumental or vocal contributions by any of the Kinks or Larry Page, incidentally -- is a frivolous curiosity at its best, sometimes making over the Kinks' early material into unrecognizably bland easy listening arrangements.
There's a certain Swinging London background music verve to some of the stuff, though, aided by contributions from some of the day's leading session musicians, including guitarists Jimmy Page and Big Jim Sullivan, and bassist John Paul Jones. There are some pretty swinging go-go organ and horns on tunes like "Come On Now" and "Got My Feet on the Ground," for instance, while "Ev'rybody's Gonna Be Happy" has a brief, cooking guitar solo that most likely is the work of young Mr. Jimmy Page. This is really a novelty, though, of interest mostly to anal Kinks collectors and not even particularly good by the standards of '60s background go-go music. It does include one song, the Dave Davies composition "One Fine Day," that the Kinks never released, but if you want to hear that you should try and find the much superior rock version done in the mid-'60s by Shel Naylor. The 2000 CD reissue on RPM makes this rarity much easier to locate, and adds thorough historical liner notes.

Larry Page (born Leonard Davies, c 1938, Hayes, Middlesex, England) is an English former pop singer and record producer of the late 1950s and 1960s.
Biography After changing his name to Larry Page in honour of Larry Parks, the star of The Jolson Story, the teenager began a recording career as a singer.
Page tried to magnify his fame through the wearing of unusually large spectacles, as "Larry Page the Teenage Rage". He toured the UK with Cliff Richard and appeared at top venues, including the Royal Albert Hall. He was a regular on television programmes such as Six-Five Special and Thank Your Lucky Stars.
He later became a successful manager, record producer and record label owner. Much of his producer/manager success centered on his efforts with The Kinks and The Troggs, and his ownership of Page One Records and Penny Farthing Records. He produced such hits as "Wild Thing" along with all the other hits by The Troggs. Apart from The Troggs and The Kinks, the Larry Page Orchestra gave Jimmy Page (later of Led Zeppelin) some early exposure when he played on Kinky Music. In June 1967, the British music magazine NME reported that Page's bid to retain his former 10% interest in the Kinks had been dismissed by London's High Court.
Page is also credited with introducing Sonny and Cher to the UK. In 1972, Page was also involved in producing a song for Chelsea F.C. The song, "Blue is the Colour", is still played at the end of home matches.
As of the 2000s, Page has been living in Avoca Beach, New South Wales, Australia.

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