egroj world: junio 2019
PW: egroj

domingo, 30 de junio de 2019

VA • Chilled Bossa Nova



Quincy Jones, George Benson, Les McCann, Stan Getz, Sergio Mendes, Ramsey Lewis, Coleman Hawkins, Sarah Vaughan, Cal Tjader, Antonio Carlos Jobim, Wes Montgomery, Milt Jackson, Donald Byrd, Stanley Turrentine, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Lalo Schifrin, Oscar Peterson, Kenny Dorham ...


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Shirley Scott • Hip Twist



Review by Stewart Mason
By late 1961, the Twist was all the rage, but casual consumers were probably a little put out when they had a listen to Shirley Scott's Hip Twist; it's impossible to imagine anyone gyrating to the slinky soul of the Stanley Turrentine-penned title track, which was probably the point. It's hip, dig? Actually, Hip Twist is exceedingly hip, with its glorious bop-influenced tenor sax work by Turrentine (Scott's husband) and Scott's own gospel-inspired but hardly churchbound Hammond organ work. In fact, Hip Twist is probably a better album than its companion, Hip Soul; Turrentine's originals make up more of the album, and they're unfailingly great, with the aptly titled "Violent Blues" showing a more aggressive side to his usual fluid style. Bassist George Tucker and drummer Otis Finch hold down the bottom without drawing too much attention to themselves, and honestly, a flashier rhythm section (say, Sam Jones and Philly Joe Jones) probably would give the songs even more of a kick in the pants. However, Hip Twist, like nearly all of the Shirley Scott and Stanley Turrentine albums, is an underappreciated gem.

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Reseña de Stewart Mason
A finales de 1961, el Twist estaba de moda, pero los consumidores ocasionales estaban probablemente un poco molestos cuando escuchaban el Hip Twist de Shirley Scott; es imposible imaginar a nadie girando hacia el alma esbelta de la canción del título de Stanley Turrentine, que probablemente era el punto. Es moderno, ¿entiendes? En realidad, Hip Twist es extremadamente moderno, con su glorioso saxo tenor influenciado por el bop, obra de Turrentine (el marido de Scott) y el trabajo de órgano Hammond inspirado en el evangelio de Scott, pero difícilmente vinculado a la iglesia. De hecho, Hip Twist es probablemente un mejor álbum que su compañero, Hip Soul; los originales de Turrentine componen más del álbum, y son infaliblemente grandes, con el acertadamente titulado "Violent Blues" mostrando un lado más agresivo de su estilo fluido habitual. El bajista George Tucker y el baterista Otis Finch sostienen el fondo sin llamar demasiado la atención, y honestamente, una sección rítmica más llamativa (digamos, Sam Jones y Philly Joe Jones) probablemente le daría a las canciones aún más de una patada en los pantalones. Sin embargo, Hip Twist, como casi todos los álbumes de Shirley Scott y Stanley Turrentine, es una joya subestimada. 





Chuck Gould • Plays A La Fletcher Henderson



Notes LP:
Charles “Chuck” Gould was born in Staples, Minnesota, and grew up in Seattle, Washington. His unusual musical career has included the composing, conducting and producing of such musicals as “Flyin’ Hi,” Olsen and Johnson’s “Funzapoppin’,” the “American Revue in Paris.” He has composed the lyrics and music for many popular songs, is prominent as a vocalist and as the composer-conductor of the popular álbum “White Satín and Black Velvet.” He is well fitted to bring us the culmination of the talents of his great friend Fletcher Henderson in this remarkable alburn, showing what can be 'done with the only native American art—Jazz. But this is more than the combining of the talents of Henderson and Gould or a creating of vital living jazz history—it’s also fun to listen to, to dance with, and to hear again'and again as the magic of mood and music are portrayed thru the talents of two men who knew what they were doing.

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Notas LP:
Charles "Chuck" Gould nació en Staples, Minnesota, y creció en Seattle, Washington. Su inusual carrera musical ha incluido la composición, dirección y producción de musicales como "Flyin' Hi", "Funzapoppin'" de Olsen y Johnson, la "American Revue in Paris". Ha compuesto la letra y la música de muchas canciones populares, se ha destacado como vocalista y como compositor y director del popular álbum "White Satín and Black Velvet". Está bien preparado para traernos la culminación de los talentos de su gran amigo Fletcher Henderson en esta notable alburna, mostrando lo que se puede hacer con el único arte-jazz nativo americano. Pero esto es más que la combinación de los talentos de Henderson y Gould o la creación de una historia vital de jazz viviente: también es divertido escuchar, bailar y escuchar una y otra vez y otra vez como la magia del humor y la música se retratan a través de los talentos de dos hombres que sabían lo que hacían.


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sábado, 29 de junio de 2019

Vangelis Blade Runner • 5 Soundtracks versions: Vangelis, Esper, Gongo,Los Angeles November 2019 & 25th Anniversary Trilogy Editions




La banda sonora de Blade Runner, compuesta por Vangelis, es una combinación melódica y oscura de la composición clásica y los sintetizadores futuristas que reflejan el futuro retro y de cine negro que Ridley Scott imaginó.




Vangelis, recién galardonado con el Oscar por Chariots of Fire, compuso y ejecutó la música con sus sintetizadores, a la cual sólo se añade el saxo tenor del músico de jazz británico, Dick Morrissey, colaborador habitual de Vangelis. El paisaje musical de 2019 fue creado dentro del modo espacial de Vangelis en la música New age, como en otros álbumes suyos.




A pesar de la buena acogida por parte del público y la crítica — nominada en 1983 al premio BAFTA y el Globo de Oro como mejor banda sonora original — y la promesa de un álbum con la banda sonora por parte de Polydor Records al final de los títulos de créditos, el lanzamiento de la grabación original se retrasó durante más de una década.




Hay dos publicaciones oficiales de la música de Blade Runner. A consecuencia de la carencia de un lanzamiento del disco, la New American Orchestra grabó una adaptación orquestal en 1982, con poca semejanza a la original. Algunos cortes de la película saldrían en 1989 a partir del recopilatorio Themes, pero no sería hasta la presentación del Director's Cut de 1992 cuando aparecerá una cantidad sustancial de la banda sonora.




Sin embargo, mientras la mayoría de las pistas del álbum eran de la película, había unas cuantas que Vangelis compuso, pero no fueron finalmente utilizadas y algunas nuevas piezas musicales. La mayoría no consideraban esto como una representación satisfactoria de la banda sonora.
Estos retrasos y las pobre reproducciones generaron una cantidad importante de bootlegs durante años. Una de esas cintas piratas apareció en 1982 en las convenciones de ciencia ficción y llegó a ser popular debido al retraso del versión oficial; y en 1993, Off World Music, Ltd. creó un CD pirata que resultaría más extenso que el disco oficial de Vangelis.




Un disco de Gongo Records presentaba el mismo material, pero con una calidad de sonido algo mejor.
En 2003, otros dos bootlegs aparecieron, el Esper Edition, precedido por Los Ángeles - November 2019. El "Esper Edition" contenía dos discos combinando los temas oficiales, lo del disco de Gongo y los propios de la película. Finalmente, "2019" era una compilación, en un sólo disco, que consistía en casi todos los sonidos ambientales de la película, junto algunos sonidos del juego de Westwood "Blade Runner".
Equipamiento e info en inglés ...

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Blade Runner (soundtrack)
From Wikipedia, the free encyclopedia
 The Blade Runner soundtrack was composed by Vangelis for Ridley Scott's 1982 film Blade Runner. It is mostly a dark, melodic combination of classical composition and synthesizers which mirrors the futuristic film noir envisioned by Scott. Since the premiere of the film, two official albums have been released containing music omitted from the film and also new compositions featuring a similar style. An orchestral rendition of part of the soundtrack was released in 1982 by the New American Orchestra. However, the original soundtrack album (1994) features vocal contributions from Demis Roussos and the sax solo by Dick Morrissey on "Love Theme" (In the credits on page 3 of the 1994 Atlantic CD, Dick's last name is misspelled as "Morrisey"). The track "Memories of Green" from Vangelis' 1980 album See You Later was also included. A new release made in 2007 includes a disc of new music inspired by the film.
more info from wiki ...




1. Vangelis Edition
2. Esper Edition
3. Gongo Edition
4. Los Angeles November 2019
5. 25th Anniversary Trilogy Edition 3 CDs



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Wynton Kelly Trio • Undiluted



 Biography by Scott Yanow
A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

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Biografía de Scott Yanow
Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.
https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography


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André Previn And His Orchestra ‎• Misty

Steve Lacy • Evidence



Review by Al Campbell
Soprano saxophonist Steve Lacy continued his early exploration of Thelonious Monk's compositions on this 1961 Prestige date, Evidence. Lacy worked extensively with Monk, absorbing the pianist's intricate music and adding his individualist soprano saxophone mark to it. On this date, he employs the equally impressive Don Cherry on trumpet, who was playing with the Ornette Coleman quartet at the time, drummer Billy Higgins, who played with both Coleman and Monk, and bassist Carl Brown. Cherry proved capable of playing outside the jagged lines he formulated with Coleman, being just as complimentary and exciting in Monk's arena with Lacy. Out of the six tracks, four are Monk's compositions while the remaining are lesser known Ellington numbers: "The Mystery Song" and "Something to Live For" (co-written with Billy Strayhorn).


 Artist Biography by Scott Yanow
One of the great soprano saxophonists of all time (ranking up there with Sidney Bechet and John Coltrane), Steve Lacy's career was fascinating to watch develop. He originally doubled on clarinet and soprano (dropping the former by the mid-'50s), inspired by Bechet, and played Dixieland in New York with Rex Stewart, Cecil Scott, Red Allen, and other older musicians during 1952-1955. He debuted on record in a modernized Dixieland format with Dick Sutton in 1954. However, Lacy soon jumped over several styles to play free jazz with Cecil Taylor during 1955-1957. They recorded together and performed at the 1957 Newport Jazz Festival. Lacy recorded with Gil Evans in 1957 (they would work together on an irregular basis into the 1980s), was with Thelonious Monk's quintet in 1960 for four months, and then formed a quartet with Roswell Rudd (1961-1964) that exclusively played Monk's music; only one live set (for Emanen in 1963) resulted from that very interesting group.
Lacy, who is considered the first "modern" musician to specialize on soprano (an instrument that was completely neglected during the bop era), began to turn toward avant-garde jazz in 1965. He had a quartet with Enrico Rava that spent eight months in South America. After a year back in New York, he permanently moved to Europe in 1967 with three years in Italy preceding a move to Paris. Lacy's music evolved from free form to improvising off of his scalar originals. By 1977 he had a regular group with whom he continued to perform throughout his career, featuring Steve Potts on alto and soprano, Lacy's wife, violinist/singer Irene Aebi, bassist Kent Carter (later succeeded by Jean-Jacques Avenel), and drummer Oliver Johnson; pianist Bobby Few joined the group in the 1980s. Lacy, who also worked on special projects with Gil Evans, Mal Waldron, and Misha Mengelberg, among others, and in situations ranging from solo soprano concerts, many Monk tributes, big bands, and setting poetry to music, recorded a countless number of sessions for almost as many labels, with Sands appearing on Tzakik in 1998 and Cry on SoulNote in 1999. His early dates (1957-1961) were for Prestige, New Jazz, and Candid and later on he appeared most notably on sessions for Hat Art, Black Saint/Soul Note, and Novus. Lacy, who had been suffering with cancer for several years, passed away in June of 2004. His legacy continues to grow, however, as various live shows from throughout his career are issued.

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Reseña de Al Campbell
El saxofonista soprano Steve Lacy continuó su temprana exploración de las composiciones de Thelonious Monk en esta fecha de Prestigio de 1961, Evidencia. Lacy trabajó extensamente con Monk, absorbiendo la intrincada música del pianista y añadiendo su marca individualista de saxofón soprano. En esta fecha, emplea al igualmente impresionante Don Cherry a la trompeta, que tocaba con el cuarteto Ornette Coleman en ese momento, al baterista Billy Higgins, que tocaba con Coleman y Monk, y al bajista Carl Brown. Cherry demostró ser capaz de jugar fuera de las líneas dentadas que formuló con Coleman, siendo igual de elogioso y emocionante en la arena de Monk con Lacy. De los seis temas, cuatro son composiciones de Monk, mientras que el resto son números de Ellington menos conocidos: "La canción misteriosa" y "Algo por lo que vivir" (co-escrita con Billy Strayhorn).


 Biografía del artista por Scott Yanow
Uno de los grandes saxofonistas soprano de todos los tiempos (con Sidney Bechet y John Coltrane), la carrera de Steve Lacy fue fascinante de ver desarrollarse. Originalmente se duplicó en clarinete y soprano (dejando el primero a mediados de los años 50), inspirado por Bechet, y tocó Dixieland en Nueva York con Rex Stewart, Cecil Scott, Red Allen, y otros músicos mayores durante 1952-1955. Debutó discográficamente en un formato modernizado de Dixieland con Dick Sutton en 1954. Sin embargo, Lacy pronto saltó sobre varios estilos para tocar free jazz con Cecil Taylor durante 1955-1957. Grabaron juntos y actuaron en el Festival de Jazz de Newport en 1957. Lacy grabó con Gil Evans en 1957 (trabajarían juntos de forma irregular hasta los años 80), estuvo con el quinteto de Thelonious Monk en 1960 durante cuatro meses, y luego formó un cuarteto con Roswell Rudd (1961-1964) que tocó exclusivamente música de Monk; de ese grupo tan interesante surgió sólo un set en vivo (para Emanen en 1963).
Lacy, considerado el primer músico "moderno" especializado en soprano (un instrumento que fue completamente descuidado durante la era del bop), comenzó a orientarse hacia el jazz de vanguardia en 1965. Tuvo un cuarteto con Enrico Rava que pasó ocho meses en Sudamérica. Después de un año en Nueva York, se trasladó permanentemente a Europa en 1967, con tres años en Italia antes de trasladarse a París. La música de Lacy evolucionó de la forma libre a la improvisación a partir de sus originales escalares. En 1977 ya tenía un grupo regular con el que continuó actuando a lo largo de su carrera, con Steve Potts en contralto y soprano, la esposa de Lacy, la violinista/cantante Irene Aebi, el bajista Kent Carter (más tarde sucedido por Jean-Jacques Avenel), y el baterista Oliver Johnson; el pianista Bobby Few se unió al grupo en la década de 1980. Lacy, que también trabajó en proyectos especiales con Gil Evans, Mal Waldron y Misha Mengelberg, entre otros, y en situaciones que van desde conciertos de soprano solista, muchos homenajes a los monjes, grandes bandas y poesía musical, grabó un sinnúmero de sesiones para casi el mismo número de sellos, con Sands apareciendo en Tzakik en 1998 y Cry en SoulNote en 1999. Sus primeras fechas (1957-1961) fueron para Prestige, New Jazz, y Candid y más tarde apareció más notablemente en sesiones para Hat Art, Black Saint/Soul Note, y Novus. Lacy, que había estado sufriendo de cáncer durante varios años, falleció en junio de 2004. Su legado continúa creciendo, sin embargo, a medida que se emiten varios espectáculos en vivo a lo largo de su carrera.


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viernes, 28 de junio de 2019

Eric Montgomery • Get Down



Get Down is the 2018 compact disc by jazz musician Eric Montgomery. This project is made for those who love their jazz on the slightly mellow side, which may be for you, the fans.




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The Transients Featuring Billy Strange • The Funky 12 String Guitar

Turk Murphy's San Francisco Jazz Band • Let The Good Times Roll



Review by Scott Yanow
Trombonist Turk Murphy's lone recording for RCA would also be his band's last studio album until 1972. The addition of cornetist Ernie Carson to the sextet (which at the time also included clarinetist Bob Helm, pianist Pete Clute, Bob Short on tuba, and, surprisingly, Frank Capp on drums) gave the group a powerful soloist. Pat Yankee takes vocals on five of the 11 numbers (including a vocal duet apiece with Turk Murphy and Ernie Carson), and overall, this is a pretty satisfying and well-rounded LP. Highlights include "Struttin' With Some Barbecue," and an unusual version of "Bilbao Song" which has Clute switching to calliope, "Tiger Rag," and "Wild Man Blues." Worth a search by Dixieland fans.

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Reseña de Scott Yanow
La única grabación del trombonista Turk Murphy para RCA también sería el último álbum de estudio de su banda hasta 1972. La incorporación del cornetista Ernie Carson al sexteto (que en ese momento también incluía al clarinetista Bob Helm, al pianista Pete Clute, a Bob Short en la tuba y, sorprendentemente, a Frank Capp en la batería) le dio al grupo un solista poderoso. Pat Yankee canta en cinco de los 11 números (incluyendo un dueto vocal cada uno con Turk Murphy y Ernie Carson), y en general, este es un LP bastante satisfactorio y completo. Destacan "Struttin' With Some Barbecue", y una versión inusual de "Bilbao Song" que tiene a Clute cambiando a calliope, "Tiger Rag" y "Wild Man Blues". Vale la pena una búsqueda por parte de los fans de Dixieland.


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Joey DeFrancesco • The Champ



 Artist Biography by Steve Huey
The music of Joey DeFrancesco -- an important force in the revival of the Hammond B-3 organ as a jazz instrument in the 1970s and '80s, as well as a trumpeter and vocalist -- runs the gamut from soul-jazz and bluesy grooves à la Jimmy Smith to hard bop and the advanced modal style of Coltrane disciple Larry Young. A Grammy-nominated artist for such albums as 2014's Enjoy the View and 2017's Project Freedom, he has worked with Miles Davis, Larry Coryell, Benny Golson, George Benson, and dozens more. In addition to issuing over 30 albums under his own name, DeFrancesco is a much sought-after sideman and soloist.

Born on April 10, 1971, in the Philadelphia suburb of Springfield, Pennsylvania, DeFrancesco was the son of another Philly-area jazz organist, Papa John DeFrancesco, and the grandson of multi-instrumentalist Joe DeFrancesco, who worked with the Dorsey Brothers. He began playing piano at age four and quickly switched to his father's instrument, preferring the sound of the Hammond B-3 over the modern synthesizers that had become the dominant alternative to piano. He began sitting in at his father's club gigs around age six; by age ten, he was performing paying gigs on the weekends and sitting in with artists like Jack McDuff and Groove Holmes.

DeFrancesco continued to study through high school, drawing from Philadelphia's rich jazz organ heritage and the numerous veteran players who still found work on the city's club scene. At 16, he was the first recipient of the Philadelphia Jazz Society's McCoy Tyner Scholarship, and was also a finalist in the Thelonious Monk International Jazz Piano Competition. He met Miles Davis on a local television show and impressed the trumpeter enough that DeFrancesco was invited on tour following his high school graduation in 1988.

After appearing on the well-received Live Around the World and Amandla albums, DeFrancesco scored a solo deal with Columbia and released his debut as a leader, All of Me, in 1989. Four more Columbia albums followed (Where Were You?, Part III, Reboppin', Live at the Five Spot), one per year, and DeFrancesco's reputation grew steadily, helped by the fact that as a virtuosic yet vintage-style organist, he was something of an anomaly on the early-'90s jazz scene. His arrival presaged -- and, in fact, helped kick-start -- a renewal of interest in organ jazz of all stripes, and he remained one of the most versatile and advanced of the new breed of players. Inspired by Davis, he even picked up the trumpet as a second instrument.

After parting ways with Columbia, DeFrancesco recorded sets for Muse and Big Mo, and began working extensively with guitarist John McLaughlin. His appearance on 1994's After the Rain and his subsequent international tour with McLaughlin brought him to a whole new audience. He spent the next few years working mostly as a sideman, however, and returned to the studio under his own name in 1998, recording All or Nothing at All for Big Mo; he also appeared with his father on All in the Family for High Note. The following year brought The Champ, a tribute to Jimmy Smith (also on High Note), and a new record deal with Concord Jazz, which kicked off with the Mafia movie soundtrack tribute Goodfellas.

DeFrancesco finally teamed up with longtime hero Jimmy Smith for 2000's Incredible!, and issued the Concord follow-up Singin' and Swingin' in 2001, which spotlighted his easygoing vocals. In the meantime, he also continued to record sessions for High Note, including the sequel The Champ: Round 2 (2000) and another tribute to one of his influences, The Philadelphia Connection: A Tribute to Don Patterson (2002).

Always a busy and prolific artist, DeFrancesco released five albums over the next five years, including 2003's Falling in Love Again, which featured jazz singer Joe Doggs; 2004's Plays Sinatra His Way; 2005's Legacy, again with Jimmy Smith; and 2006's Organic Vibes. Live: The Authorized Bootleg followed in 2007 from Concord Records, while Joey D! appeared in 2008. DeFrancesco paid tribute to one of his idols with 2009's Finger Poppin: Celebrating the Music of Horace Silver. In 2010, DeFrancesco returned with the similarly minded tribute album Never Can Say Goodbye: The Music of Michael Jackson. The following year, DeFrancesco celebrated his 40th birthday with the release of the studio album 40.

In 2012, he was joined by guitarist Larry Coryell and drummer Jimmy Cobb for the album Wonderful! Wonderful!, followed by One for Rudy in 2013. DeFrancesco then collaborated with vibraphonist Bobby Hutcherson and saxophonist David Sanborn on the 2014 trio album Enjoy the View. In 2015, he delivered the soulful quartet effort Trip Mode. Project Freedom followed in 2017 on Mack Avenue. The album featured DeFrancesco alongside drummer Jason Brown, guitarist Dan Wilson, and saxophonist Troy Roberts.

In the spring of 2018, the organist collaborated with Van Morrison for the Irish singer/songwriter's 39th album, You're Driving Me Crazy; the set was co-billed. Cut over a few days in a San Francisco studio with DeFrancesco's quartet and new drummer Michael Ode, the set offered the pair's reworking of jazz and blues standards alongside re-envisioned tracks from Morrison's catalog. In the Key of the Universe arrived in 2019, and featured drummer Billy Hart, saxophonist Troy Roberts, and percussionist Sammy Figueroa, along with a guest appearance by saxophonist Pharoah Sanders.

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 Biografía del artista por Steve Huey
La música de Joey DeFrancesco - una fuerza importante en el renacimiento del órgano Hammond B-3 como instrumento de jazz en los años 70 y 80, así como trompetista y vocalista - abarca desde el soul-jazz y el bluesy grooves à la Jimmy Smith hasta el hard bop y el estilo modal avanzado del discípulo de Coltrane Larry Young. Artista nominado al Grammy para álbumes como Enjoy the View en 2014 y Project Freedom en 2017, ha trabajado con Miles Davis, Larry Coryell, Benny Golson, George Benson y docenas más. Además de publicar más de 30 álbumes bajo su propio nombre, DeFrancesco es un sideman y solista muy solicitado.

Nacido el 10 de abril de 1971 en Springfield, Pensilvania, un suburbio de Filadelfia, DeFrancesco era hijo de otro organista de jazz del área de Filadelfia, Papa John DeFrancesco, y nieto del multi-instrumentista Joe DeFrancesco, quien trabajó con los Dorsey Brothers. Comenzó a tocar el piano a la edad de cuatro años y rápidamente cambió al instrumento de su padre, prefiriendo el sonido del Hammond B-3 sobre los sintetizadores modernos que se habían convertido en la alternativa dominante al piano. Comenzó a asistir a los conciertos del club de su padre alrededor de los seis años de edad; a la edad de diez años, ya estaba tocando en conciertos de pago los fines de semana y junto a artistas como Jack McDuff y Groove Holmes.

DeFrancesco continuó estudiando durante la secundaria, aprovechando la rica herencia de los órganos de jazz de Filadelfia y los numerosos músicos veteranos que todavía encontraban trabajo en la escena de clubes de la ciudad. A los 16 años, fue el primer receptor de la Beca McCoy Tyner de la Sociedad de Jazz de Filadelfia, y también fue finalista en el Concurso Internacional de Piano de Jazz Thelonious Monk. Conoció a Miles Davis en un programa de televisión local e impresionó al trompetista lo suficiente como para que DeFrancesco fuera invitado a una gira después de su graduación de la escuela secundaria en 1988.

Después de aparecer en los bien recibidos discos Live Around the World y Amandla, DeFrancesco consiguió un contrato en solitario con Columbia y lanzó su debut como líder, All of Me, en 1989. Le siguieron otros cuatro álbumes de Columbia (Where Were You? parte III, Reboppin', Live at the Five Spot), uno al año, y la reputación de DeFrancesco creció constantemente, ayudado por el hecho de que, como organista virtuoso pero de estilo vintage, era algo así como una anomalía en la escena jazzística de principios de los 90. Su llegada presagiaba - y, de hecho, ayudaba a reactivar - un renovado interés por el jazz de órgano de todas las tendencias, y seguía siendo uno de los más versátiles y avanzados de la nueva generación de músicos. Inspirado por Davis, incluso recogió la trompeta como segundo instrumento.

Después de separarse de Columbia, DeFrancesco grabó sets para Muse y Big Mo, y comenzó a trabajar extensivamente con el guitarrista John McLaughlin. Su aparición en After the Rain en 1994 y su posterior gira internacional con McLaughlin lo llevaron a un público completamente nuevo. Sin embargo, pasó los años siguientes trabajando principalmente como sideman, y regresó al estudio con su propio nombre en 1998, grabando All or Nothing at All for Big Mo; también apareció con su padre en All in the Family for High Note. Al año siguiente, The Champ, un tributo a Jimmy Smith (también en High Note), y un nuevo contrato discográfico con Concord Jazz, que comenzó con el tributo a Goodfellas en la banda sonora de la película de la Mafia.

DeFrancesco finalmente se asoció con el héroe de muchos años Jimmy Smith en 2000's Incredible! y publicó la continuación de Concord Singin' and Swingin' en 2001, que puso de relieve su facilidad de voz. Mientras tanto, también continuó grabando sesiones para High Note, incluyendo la secuela de The Champ: Round 2 (2000) y otro homenaje a una de sus influencias, The Philadelphia Connection: Homenaje a Don Patterson (2002).

Siempre un artista ocupado y prolífico, DeFrancesco lanzó cinco álbumes en los próximos cinco años, incluyendo el 2003's Falling in Love Again, que incluyó al cantante de jazz Joe Doggs; el 2004's Plays Sinatra His Way; el 2005's Legacy, otra vez con Jimmy Smith; y el 2006's Organic Vibes. Vive: El Bootleg Autorizado siguió en 2007 a Concord Records, mientras que Joey D! apareció en 2008. DeFrancesco rindió homenaje a uno de sus ídolos con el Finger Poppin 2009: Celebrando la música de Horace Silver. En 2010, DeFrancesco regresó con el álbum tributo Never Can Say Goodbye: La música de Michael Jackson. Al año siguiente, DeFrancesco celebró su 40 cumpleaños con el lanzamiento del álbum de estudio 40.

En 2012, se le unió el guitarrista Larry Coryell y el baterista Jimmy Cobb para el álbum Wonderful! Maravilloso, seguido de Uno para Rudy en 2013. DeFrancesco colaboró con el vibrafonista Bobby Hutcherson y el saxofonista David Sanborn en el álbum de trío Enjoy the View de 2014. En 2015, presentó el conmovedor trabajo del cuarteto Trip Mode. El Proyecto Libertad siguió en 2017 en la Avenida Mack. El álbum presentaba a DeFrancesco junto al baterista Jason Brown, al guitarrista Dan Wilson y al saxofonista Troy Roberts.

En la primavera de 2018, el organista colaboró con Van Morrison para el 39º álbum del cantautor irlandés, You're Driving Me Crazy; el set fue co-facturado. Cortada durante unos días en un estudio de San Francisco con el cuarteto de DeFrancesco y el nuevo baterista Michael Ode, el set ofreció a la pareja una revisión de los estándares del jazz y el blues junto con temas reimaginados del catálogo de Morrison. En la Llave del Universo llegó en 2019, y contó con la participación del baterista Billy Hart, el saxofonista Troy Roberts y el percusionista Sammy Figueroa, además de la participación como invitado de la saxofonista Pharoah Sanders.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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Ray Bryant • Sound Ray



Artist Biography by Scott Yanow
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker, Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller; and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including "Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades. Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding. However, Bryant was heard at his best when playing the blues on unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.

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Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos (incluyendo blues, boogie-woogie, gospel e incluso zancadas) en un estilo distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocaba "After Hours" como él. El hermano menor del bajista Tommy Bryant y el tío de Kevin y Robin Eubanks (su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny Grimes a finales de los años 40. Se convirtió en el pianista de The Blue Note en Filadelfia en 1953, donde apoyó a los grandes del jazz clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957 (tomando un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones (1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío. Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y "Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando durante décadas. Bryant grabó a menudo a lo largo de su carrera (más notablemente para Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo y Emarcy), e incluso sus citas en piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes. Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el blues en un piano acústico no acompañado. Después de una larga enfermedad, Ray Bryant murió en Queens, Nueva York, el 2 de junio de 2011; tenía 79 años.








Alfred Lora • Swingtett



Alfred Lora (* 1931) ist ein deutscher Jazzgeiger und Unterhaltungsmusiker. Stilistisch zeigte er sich beeinflusst von Stéphane Grappelli und Helmut Zacharias. Er ist einer der wenigen auch musiktheoretisch ausgebildeten deutschen Sinti-Musiker.
Lora stammt aus einer Familie deutscher Sinti, die ab 1933 während der NS-Diktatur mehrfach verfolgt wurde. Als 1943 aufgrund einer Denunziation durch Nachbarn die Deportation in das KZ Auschwitz drohte, flüchtete er mit seinen Angehörigen aus Berlin. Nach 1945 studierte er Musik in Berlin, München und Nürnberg. Seine Karriere als professioneller Musiker begann in dem Ende der 1940er Jahre entstandenen Ensemble Roy Romanderie. Lora wurde einer breiteren Öffentlichkeit mit der 1973 gegründete Formation La Romanderie bekannt (die aus diesem Ensemble hervorging); als Solo-Instrumente wurden dort zu einer traditionell besetzten Rhythmusgruppe Gitarre, Geige, Harfe und ein Akkordeon eingesetzt. Die Gruppe ging mehrfach auf Tournee, hatte viele Fernsehauftritte und veröffentlichte die Alben Swing Mamam Bruderherz – Musik deutscher Zigeuner (1975) und Gypsy Swing (1976).
Daneben gründete Lora das Alfred Lora New Swingtett, das mit der amerikanischen Sängerin Rachel Gould Bebop und Swing darbot und zu dem Musiker wie Joe Bawelino gehörten. 1985 veröffentlichte er das Album Straight Ahead; 1988 trat er auf dem North Sea Jazz Festival auf. Aktuell ist er mit eigenen Gruppen und Swing Gypsy Rose zu hören.

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Automatic Translation:
Alfred Lora (* 1931) is a German jazz violinist and light musician. His style was influenced by Stéphane Grappelli and Helmut Zacharias. He is one of the few German Sinti musicians who are also trained in music theory.

Lora comes from a family of German Sinti who were persecuted several times from 1933 during the Nazi dictatorship. When, in 1943, deportation to the Auschwitz concentration camp threatened due to a denunciation by neighbours, he fled Berlin with his relatives. After 1945 he studied music in Berlin, Munich and Nuremberg. His career as a professional musician began in the Ensemble Roy Romanderie, founded in the late 1940s. Lora became known to a wider public with the formation La Romanderie, founded in 1973 (which emerged from this ensemble); as solo instruments, guitar, violin, harp and an accordion were used for a traditional rhythm section. The group toured several times, had many television appearances and released the albums Swing Mamam Bruderherz - Musik deutscher Zigeuner (1975) and Gypsy Swing (1976).

Lora also founded the Alfred Lora New Swingtett, which performed bebop and swing with American singer Rachel Gould and included musicians such as Joe Bawelino. In 1985 he released the album Straight Ahead; in 1988 he appeared at the North Sea Jazz Festival. He is currently performing with his own groups and Swing Gypsy Rose.

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Traducción Automática:
Alfred Lora (* 1931) es un violinista de jazz y músico ligero alemán. Su estilo fue influenciado por Stéphane Grappelli y Helmut Zacharias. Es uno de los pocos músicos sinti alemanes que también está formado en teoría musical.

Lora proviene de una familia de sinti alemanes que fueron perseguidos varias veces desde 1933 durante la dictadura nazi. Cuando, en 1943, la deportación al campo de concentración de Auschwitz se vio amenazada por una denuncia de sus vecinos, huyó de Berlín con sus familiares. Después de 1945 estudió música en Berlín, Munich y Nuremberg. Su carrera como músico profesional comenzó en el Ensemble Roy Romanderie, fundado a finales de la década de 1940. Lora se dio a conocer a un público más amplio con la formación La Romanderie, fundada en 1973 (que surgió de este conjunto); como instrumentos solistas, guitarra, violín, arpa y un acordeón se utilizaron para una sección rítmica tradicional. El grupo realizó varias giras, tuvo muchas apariciones en televisión y lanzó los álbumes Swing Mamam Bruderherz - Musik deutscher Zigeuner (1975) y Gypsy Swing (1976).

Lora también fundó el Alfred Lora New Swingtett, que interpretó bebop y swing con la cantante estadounidense Rachel Gould e incluyó a músicos como Joe Bawelino. En 1985 editó el álbum Straight Ahead; en 1988 apareció en el Festival de Jazz del Mar del Norte Actualmente se presenta con sus propios grupos y Swing Gypsy Rose.


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miércoles, 26 de junio de 2019

Jethro Tull ‎• The Best Of Jethro Tull The Anniversary Collection



 Editorial Reviews
'The Best of Jethro Tull The Anniversary Collection,' released in 1993, is a best-of box set by British rock group Jethro Tull. Included are some of the band's biggest and best hits spanning from 1968 to 1991. A two disc collection, 'The Anniversary Collection' compiles releases from 1968-1974 on disc one, and releases from 1975-1991 on disc two, including early hits like, 'This Was' to Tull's later work, like 1991's 'Catfish Rising.' With such a comprehensive collection, it's interesting to hear the changing roster of characters (the original lineup has changed many times, but for Ian Anderson - vocals, flute - the one constant). Jethro Tull has managed to persevere for decades because they remain a scion of hard rock and ingenuity, and the plethora of amazing tracks included on 'The Anniversary Collection' is testament to this. Included are two tracks from, 'Crest of a Knave' - the album that won Jethro Tull the 1989 Grammy for Best Hard Rock/Heavy Metal Performance in 1989, the first Grammy of its kind over awarded. This is the definitive collection of Jethro Tull, and fans, old and new alike, should not miss owning 'The Best of Jethro Tull The Anniversary Collection.'

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 Reseñas editoriales
The Best of Jethro Tull The Anniversary Collection", publicado en 1993, es una de las mejores cajas del grupo de rock británico Jethro Tull. Se incluyen algunos de los más grandes y mejores éxitos de la banda, desde 1968 hasta 1991. Una colección de dos discos,'The Anniversary Collection', compila los lanzamientos de 1968-1974 en el disco uno, y los lanzamientos de 1975-1991 en el disco dos, incluyendo éxitos tempranos como,'This Was' to Tull's later work, like 1991's 'Catfish Rising'. Con una colección tan completa, es interesante escuchar la lista cambiante de personajes (la alineación original ha cambiado muchas veces, pero para Ian Anderson - voz, flauta - la única constante). Jethro Tull ha logrado perseverar durante décadas porque sigue siendo un vástago del hard rock y el ingenio, y la plétora de temas sorprendentes incluidos en `The Anniversary Collection' es un testimonio de ello. Incluye dos temas de'Crest of a Knave' - el álbum que ganó Jethro Tull el Grammy de 1989 por Mejor Interpretación de Hard Rock/Heavy Metal en 1989, el primer Grammy de su tipo sobre premiado. Esta es la colección definitiva de Jethro Tull, y los fans, antiguos y nuevos por igual, no deberían perderse la oportunidad de ser los dueños de'The Best of Jethro Tull The Anniversary Collection'.
https://www.amazon.com/Best-Jethro-Tull-Anniversary-Collection/dp/B00001R3DE









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Ed Cherry • Soul Tree



by S. Victor Aaron
Ed Cherry is a veteran jazz guitarist with a bagful of bonafides. He was a student at Berklee in ’72, toured with Jimmy McGriff and Tim Hardin (among other jazz luminaries) and played in Dizzy Gillespie’s band for the last fifteen years of the iconic trumpeter’s life. Along the way, Cherry’s worked with a wide range of heavies, from Henry Threadgill and Oliver Lake to John Patton and Steve Coleman. His indispensability as a sideman may have curtailed his solo output, but Soul Tree (February 12, 2016, Posi-Tone Records) is his second for Posi-Tone four years after It’s All Good, his first for the label (and fifth overall).

This one’s another organ trio setup like Good but it’s got Kyle Koehler on the Hammond B3 and Anwar Marshall on drums, and these guys aren’t slouches. Cherry himself is firmly in the old school of soul-jazz guitarists and his precise, understated style is smoky, cool and sweet. Kenny Burrell is the guy I think most of when I hear Cherry play.

The fare for Soul Tree covers the gambit from Kool & The Gang’s “Let The Music Take Your Mind,” where jazz and RnB hand in hand, to the soulful swing put into Horace Silver’s “Peace.” In-between, Cherry and his own gang take on tunes that offer a different angle than the originals. A 2/4 swing caresses John Coltrane’s “Central Park West,” while Mal Waldron’s “Soul Eyes” is made into a mellow bossa nova with a heaping helping of octaves.

The trio simmers on “A New Blue” a blues-based tune from Jimmy Heath tune and Cherry delivers tasty, relaxed single line notes. He’s got only two of his own songs here, enough to show he’s a serious composer in his own right. For the dynamic boogaloo “Rachel’s Step” Cherry gets funky, and Koehler puts in work on the organ like Dr. Lonnie Smith. “Little Girl Big Girl” has a fetching, soulful melody and Cherry shows off nice rhythm chops.

Soul Tree is that kind of fundamentally solid, guitar/organ/drums record that you’d expect from a seasoned hand like Ed Cherry. You won’t go wrong here.

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por S. Victor Aaron
Ed Cherry es un veterano guitarrista de jazz con una bolsa llena de buena fe. Fue alumno de Berklee en el'72, estuvo de gira con Jimmy McGriff y Tim Hardin (entre otras luminarias de jazz) y tocó en la banda de Dizzy Gillespie durante los últimos quince años de su icónica vida de trompetista. A lo largo del camino, Cherry's ha trabajado con una amplia gama de peces gordos, desde Henry Threadgill y Oliver Lake hasta John Patton y Steve Coleman. Su indispensabilidad como sideman puede haber reducido su producción en solitario, pero Soul Tree (12 de febrero de 2016, Posi-Tone Records) es el segundo para Posi-Tone cuatro años después de It's All Good, el primero para el sello (y el quinto en la general).

Este es otro trío de órgano como Good pero tiene a Kyle Koehler en el Hammond B3 y a Anwar Marshall en la batería, y estos tipos no son holgazanes. Cherry está firmemente en la vieja escuela de los guitarristas de soul-jazz y su estilo preciso y discreto es ahumado, fresco y dulce. Kenny Burrell es el tipo en el que más pienso cuando oigo tocar a Cherry.

La tarifa para Soul Tree cubre la táctica de Kool & The Gang "Let The Music Take Your Mind", de Kool & The Gang, en la que el jazz y RnB se dan la mano, hasta el swing conmovedor que se pone en la "Peace" de Horace Silver. En el medio, Cherry y su propia banda se enfrentan a melodías que ofrecen un ángulo diferente al de los originales. Un columpio de 2/4 acaricia el "Central Park West" de John Coltrane, mientras que el "Soul Eyes" de Mal Waldron se convierte en una suave bossa nova con un montón de octavas.

El trío baila a fuego lento en "A New Blue", una melodía basada en el blues de Jimmy Heath, y Cherry ofrece notas sabrosas y relajadas de una sola línea. Aquí sólo tiene dos de sus propias canciones, lo suficiente como para demostrar que es un compositor serio por derecho propio. Para el dinámico boogaloo "Rachel's Step", la cereza se pone funky, y Koehler se pone a trabajar en el órgano como el Dr. Lonnie Smith. "Little Girl Big Girl" tiene una melodía cautivadora y conmovedora y Cherry muestra unas chuletas rítmicas muy bonitas.

Soul Tree es ese tipo de disco de guitarra/organo/batería fundamentalmente sólido que uno esperaría de una mano experimentada como Ed Cherry. No te equivocarás aquí.

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Leon Sash • Hi-Fi Holiday For Accordion



Leon Robert Sash (October 19, 1922 – November 25, 1979), born was an American jazz accordionist.
Sash was blind from age 11. He studied harmony with Lew Klatt, arranging with Mac Gerrard. and made his professional debut at age 16. He made a novel series of recordings for EmArcy in 1954 using voices in place of brass and reed sections.
Sash was the first jazz accordionist requested to perform at the Newport Jazz Festival, in 1957. This performance was released by Verve in 1957. His career spanned almost four decades of international fame and recognition. His accomplishments included composing, arranging, staff musician at WLS radio in Chicago, TV guest appearances, concerts, and club dates in some of the top jazz rooms in the country. In the International Musician, Leonard Feather named him one of the "Giants of Jazz".

During his career Leon recorded for EmArcy, Verve, Storyville, Columbia, and Delmark. His jazz quartet featured reed man Ted Robinson and Leon's wife Lee on bass and vocals. The quartet shared billings with jazz greats Zoot Sims, Mulligan, Shearing, Garner, and Brubeck at top jazz clubs such as Storyville in Boston, the Cafe Bohemia in New York, and Chicago's famous Blue Note. In the 1960s, Jerry Cigler and Jerry Brown joined Leon and Lee in a big band sound using three uniquely voiced accordions, two of which had larger reeds. The bass accordion played by Brown was comparable to a trombone section, and Cigler's tenor accordion was voiced like a reed section, Leon played the brass section and Lee sang the top trumpet part. Leon's folios, volumes 1 and 2 of Sash 'N' Jazz and Rockin' Blues, published by O. Pagani Music in New York City have been sought after by many musicians because of the written jazz improvisation and proper accents as played by Leon - truly a great help in seeing how jazz should be played. In later years, Leon and Lee, with drummer Ed Uhlig and jazz violinist Eddie Vanna, played club dates in the Chicago area.  The quartet also had the honor of being invited by President Carter to play one of the Inaugural Balls in 1977 and performed before 20,000 people at the National Visitors' Center in Washington D.C.

Leon died on November 25, 1979 from a heart condition. At his funeral Mass, Jerry Cigler performed the Jerome Kern standard "All the Things You Are" in the rubato style made famous by Leon. After Leon's passing, his wife Lee continued the Leon Sash Quartet with jazz accordionist Bob Gray, one of Leon's proteges. She also worked hard to preserve the memory of Leon by re-issuing his recordings on LP and cassette tape, through Sounds of Sash, Ltd.

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Leon Robert Sash (19 de octubre de 1922 - 25 de noviembre de 1979), nació como un acordeonista de jazz americano.
Sash era ciego desde los 11 años. Estudió armonía con Lew Klatt, arreglando con Mac Gerrard, e hizo su debut profesional a los 16 años. Hizo una serie de grabaciones para EmArcy en 1954 usando voces en lugar de secciones de latón y caña.
Sash fue el primer acordeonista de jazz al que se le pidió que actuara en el Festival de Jazz de Newport, en 1957.  Este espectáculo fue estrenado por Verve en 1957. Su carrera abarcó casi cuatro décadas de fama y reconocimiento internacional.  Sus logros incluyeron composición, arreglos, músico en la radio WLS en Chicago, apariciones como invitado en la televisión, conciertos y fechas de clubes en algunas de las salas de jazz más importantes del país. En el International Musician, Leonard Feather lo nombró uno de los "Giants of Jazz".

Durante su carrera Leon grabó para EmArcy, Verve, Storyville, Columbia y Delmark. Su cuarteto de jazz presentó al hombre de la caña Ted Robinson y a la esposa de Leon Lee en el bajo y la voz. El cuarteto compartió carteleras con los grandes del jazz Zoot Sims, Mulligan, Shearing, Garner y Brubeck en los principales clubes de jazz como Storyville en Boston, el Café Bohemia en Nueva York y el famoso Blue Note de Chicago. En la década de 1960, Jerry Cigler y Jerry Brown se unieron a Leon y Lee en un sonido de banda grande usando tres acordeones de voz única, dos de los cuales tenían cañas más grandes.  El acordeón bajo tocado por Brown era comparable a una sección de trombón, y el acordeón tenor de Cigler se escuchaba como una sección de caña, Leon tocaba la sección de metales y Lee cantaba la parte superior de la trompeta. Los folios de Leon, los volúmenes 1 y 2 de Sash 'N' Jazz and Rockin' Blues, publicados por O. Pagani Music en la ciudad de Nueva York, han sido buscados por muchos músicos debido a la improvisación de jazz escrita y a los acentos apropiados que ha tocado Leon - una gran ayuda para ver cómo se debe tocar el jazz. En años posteriores, Leon y Lee, con el baterista Ed Uhlig y el violinista de jazz Eddie Vanna, tocaron en clubes del área de Chicago.  El cuarteto también tuvo el honor de ser invitado por el Presidente Carter a tocar una de las Bolas Inaugurales en 1977 y se presentó ante 20.000 personas en el Centro Nacional de Visitantes en Washington D.C.

Leon murió el 25 de noviembre de 1979 de una enfermedad cardíaca. En su misa de funeral, Jerry Cigler interpretó el estándar de Jerome Kern "All the Things You Are" en el estilo de rubato hecho famoso por León. Después de la muerte de Leon, su esposa Lee continuó el Leon Sash Quartet con el acordeonista de jazz Bob Gray, uno de los protegidos de Leon. También trabajó duro para preservar la memoria de León reeditando sus grabaciones en LP y cassette, a través de Sounds of Sash, Ltd.
https://en.wikipedia.org/wiki/Leon_Sash


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Massimo Farao Trio • Luiza

Buddy Cole • Hammond Organ Greats



Artist Biography by Eugene Chadbourne
It seems like the last thing needed at a Nat King Cole recording session would be another pianist named Cole; there's a "carrying coals to Newcastle" groaner in there somewhere to be sure. But that is just what happened in Cole's late career when the smooth balladeer began concentrating on his vocals and session men were brought in to ripple the keyboards. One of these latter players was none other than Buddy Cole. The two men were not actually related, but that didn't stop many writers from assuming that they were brothers. Even worse, the big man Nat often got the credit for what were actually Buddy's piano solos, not robbing Peter to pay Paul but robbing Cole to play Cole.

Buddy Cole's actual grand moment of clear public visibility was playing piano onscreen in A Star is Born, as in the original version with Judy Garland. Born Edwin LeMar Cole, he was basically more of a behind the scenes artist, attaining an excellent reputation in recording studios as both a player and conductor, providing innovative touches in his use of instruments such as celeste, harpsichord and organ on sessions. Eventually he acquired the deluxe pipe organ originally used in the Hollywood United Artists theatre and built it into his home studio and created albums of instrumental music which have become cherished items in the weird collections of space age pop fanatics.

Cole was raised right in the heart of show business in Hollywood and began working as a theatre organist in the early '30s. In the latter part of that decade he gigged with the dance bands of Frankie Trumbauer and Alvino Rey, among others. He then worked his way into the studios and had a particularly busy schedule creating settings for popular vocal music and jazz singers of the day, including Louis Armstrong, Rosemary Clooney and Tex Ritter. His keyboard stool was a perch from which he was able to contribute to many aspects of popular culture in the '50s. Cole composed the theme for the game show Truth or Consequences and was thus heard noodling during the show for more than a decade.

Examples of Cole's playing and band leadership on recordings include a pair of Bing Crosby's greatest singles, "In a Little Spanish Town" and "Old Man River". Film composer Henry Mancini was one of the first to dig Cole's work on organ, making use of him on the theme for the hit television show Mr. Lucky. Unfortunately, Mancini and Cole then got into a feud about just who had invented the organ sound heard, resulting in Cole refusing to play on the soundtrack album for the show. Around this time Cole began recording a series of sides that are perceived as his masterworks, presenting the organ in various settings including solo and big band. These albums came out on Columbia,, Warner Brothers and finally the more specialized Alshire and Doric labels. Cole was married to Yvonne King, member of the King Sisters pop vocal quartet. His former boss Rey married sister Louise King. The pianist should not be confused with the gay comic of the same name.

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Biografía del artista por Eugene Chadbourne
Parece que lo último que se necesita en una sesión de grabación de Nat King Cole sería otro pianista llamado Cole; hay un quejumbroso "llevando carbones a Newcastle" en algún lugar para estar seguros. Pero eso es justo lo que sucedió en la última etapa de la carrera de Cole, cuando el suave baladista comenzó a concentrarse en su voz y los hombres de sesión fueron traídos para hacer sonar los teclados. Uno de estos últimos jugadores no era otro que Buddy Cole. Los dos hombres no estaban emparentados, pero eso no impidió que muchos escritores asumieran que eran hermanos. Peor aún, el gran hombre Nat a menudo se llevó el mérito de lo que en realidad eran los solos de piano de Buddy, no robando a Peter para pagarle a Paul, sino robando a Cole para que interpretara a Cole.

El gran momento real de Buddy Cole de clara visibilidad pública fue tocar el piano en pantalla en A Star is Born, como en la versión original con Judy Garland. Nacido Edwin LeMar Cole, fue básicamente un artista entre bastidores, alcanzando una excelente reputación en los estudios de grabación como intérprete y director, aportando toques innovadores en el uso de instrumentos como el celeste, el clavicémbalo y el órgano en las sesiones. Eventualmente adquirió el órgano de tubos de lujo que originalmente se usaba en el teatro Hollywood United Artists y lo incorporó al estudio de su casa y creó álbumes de música instrumental que se han convertido en objetos muy apreciados en las extrañas colecciones de los fanáticos del pop de la era espacial.

Cole se crió en el corazón del mundo del espectáculo en Hollywood y comenzó a trabajar como organista de teatro a principios de los años 30. En la última parte de esa década tocó con las bandas de Frankie Trumbauer y Alvino Rey, entre otros. Luego se abrió camino en los estudios y tuvo una agenda particularmente ocupada creando escenarios para la música vocal popular y los cantantes de jazz de la época, incluyendo a Louis Armstrong, Rosemary Clooney y Tex Ritter. Su taburete de teclado era una percha desde la que pudo contribuir a muchos aspectos de la cultura popular en los años 50. Cole compuso el tema para el programa de juegos Truth or Consequences y, por lo tanto, durante más de una década se escucharon los fideos durante el programa.

Ejemplos del liderazgo de Cole en las grabaciones incluyen un par de los mejores sencillos de Bing Crosby, "In a Little Spanish Town" y "Old Man River". El compositor de cine Henry Mancini fue uno de los primeros en profundizar en el trabajo de Cole sobre el órgano, haciendo uso de él para el tema del exitoso programa de televisión Mr. Desafortunadamente, Mancini y Cole se pelearon por quién había inventado el sonido del órgano que se escuchaba, lo que resultó en que Cole se negara a tocar en el álbum de la banda sonora para el espectáculo. Alrededor de este tiempo Cole comenzó a grabar una serie de lados que son percibidos como sus obras maestras, presentando el órgano en varios escenarios incluyendo solo y big band. Estos álbumes salieron en Columbia, Warner Brothers y finalmente en los sellos más especializados de Alshire y Doric. Cole estaba casado con Yvonne King, miembro del cuarteto vocal pop King Sisters. Su antiguo jefe Rey se casó con su hermana Louise King. El pianista no debe confundirse con el cómic gay del mismo nombre.


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Ana Alcaide • Viola de Teclas


Ana Alcaide (Madrid, 1976) intérprete, compositora y productora musical española.
Inició sus estudios musicales con el violín a los siete años. Estudió en el Conservatorio de Getafe (Madrid) y posteriormente en la Universidad de Lund, Suecia.
Gracias a una beca de estudios de Biología, en el año 2000 Ana viajó a Suecia y conoció la nyckelharpa o viola de teclas, instrumento tradicional sueco. Atraída por su sofisticación y profundidad sonora, comenzó a tocarlo de forma autodidacta en la ciudad de Toledo, lejos de su tradición original. Años más tarde, en 2005, se trasladó a Suecia para ampliar sus estudios musicales y especializarse en este instrumento. Durante este periodo también recibió influencias de otras tradiciones musicales, iniciándose en el estudio de nuevos instrumentos y de su propia voz. Obtuvo una diplomatura en Malmö Academy of Music cursando un plan de estudios individualizado (Individual Project) en el que el que orientó su carrera hacia las músicas del mundo, combinando su interés por la música tradicional con el aprendizaje de técnicas más modernas que han permitido crear su propio camino como intérprete y compositora.




Fruto de su búsqueda personal y experimentación con el instrumento, publicó 'Viola de teclas' en el año 2006, obra que marca el inicio de su carrera musical y que la convirtió en pionera en el uso y divulgación de la nyckelharpa en España. Su segundo trabajo, ‘Como la luna y el sol’ (2007/2008), fue el resultado de su proyecto final de su carrera y ofrece su particular visión de la antigua tradición sefardí. A finales de 2009 recopiló sus tres primeros años de trabajo en el DVD ‘Ana Alcaide en concierto’, grabado en la Sinagoga del Tránsito de Toledo. En 2012 publica su tercer disco, ‘La cantiga del fuego’.

http://www.anaalcaide.com/

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Automatic Translation:
Ana Alcaide (Madrid, 1976) Interpreter, Spanish composer and record producer. He began his musical studies on the violin at age seven. He studied at the Conservatory of Getafe (Madrid) and later at the University of Lund, Sweden. Thanks to a scholarship of Biology, in 2000 Ana traveled to Sweden and met the nyckelharpa  or keyed fiddle, traditional Swedish instrument. Attracted by its sophistication and depth of sound, he started playing self-taught in the city of Toledo, far from its original tradition. Years later, in 2005, he moved to Sweden to expand his musical studies and specialize in this instrument. During this period he also received influences from other musical traditions, beginning in the study of new instruments and their own voice. He earned a degree in Malmö Academy of Music studying an individualized studies (Individual Project) in which that guided his career to world music, combining his interest in traditional music with modern learning techniques that have enabled the creation its own way as a performer and composer. The result of his personal search and experimentation with the instrument, published 'Viola key' in 2006, work that marks the beginning of his musical career and that became a pioneer in the use and disclosure of nyckelharpa in Spain. Her second album, 'Like the moon and the sun' (2007/2008), was the result of their final project of his career and offers his particular vision of the ancient tradition sefardí. in late 2009 he collected his first three years of work in the DVD 'Ana Alcaide live', recorded in the Transito Synagogue of Toledo. In 2012 he published his third album, 'The ballad of fire'.




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martes, 25 de junio de 2019

Peewee Erwin And His Jazz Band • New York Dixieland



George Erwin, known as Pee Wee Erwin (May 30, 1913 in Falls City, Nebraska – June 20, 1981 in Teaneck, New Jersey), was an American jazz trumpeter.

Erwin started on trumpet at age four. He played in several territory bands before joining the groups of Joe Haymes (1931–33) and Isham Jones (1933–34). He then moved to New York City, where he was prolific as a studio musician, performing on radio and in recording sessions. He played with Benny Goodman in 1934-35, then with Ray Noble in 1935; the next year he joined Goodman again, taking Bunny Berigan's empty chair. In 1937 he again followed Berigan, this time in Tommy Dorsey's orchestra, where he remained until 1939.

Erwin led his own big band in 1941-42 and 1946. In the 1950s he settled in New Milford, New Jersey and played Dixieland jazz in New Orleans, and in the 1960s formed his own trumpet school with Chris Griffin; among its graduates was Warren Vache. Erwin played up until the year of his death, recording as a leader for United Artists in the 1950s and issuing six albums in 1980 and '81, the last two years of his life.
https://en.wikipedia.org/wiki/Pee_Wee_Erwin

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George Erwin, conocido como Pee Wee Erwin (30 de mayo de 1913 en Falls City, Nebraska - 20 de junio de 1981 en Teaneck, Nueva Jersey), era un trompetista de jazz americano.

Erwin empezó a tocar la trompeta a los cuatro años. Tocó en varias bandas del territorio antes de unirse a los grupos de Joe Haymes (1931-33) e Isham Jones (1933-34). Luego se mudó a la ciudad de Nueva York, donde fue prolífico como músico de estudio, tocando en la radio y en sesiones de grabación. Jugó con Benny Goodman en 1934-35, luego con Ray Noble en 1935; al año siguiente se unió a Goodman de nuevo, tomando la silla vacía de Bunny Berigan. En 1937 volvió a seguir a Berigan, esta vez en la orquesta de Tommy Dorsey, donde permaneció hasta 1939.

Erwin dirigió su propia big band en 1941-42 y 1946. En los años 50 se estableció en New Milford, New Jersey y tocó jazz Dixieland en New Orleans, y en los años 60 formó su propia escuela de trompeta con Chris Griffin; entre sus graduados se encontraba Warren Vache. Erwin tocó hasta el año de su muerte, grabando como líder de United Artists en los años 50 y editando seis álbumes en 1980 y'81, los dos últimos años de su vida.
https://en.wikipedia.org/wiki/Pee_Wee_Erwin


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Jo Basile, Accordion And Orchestra • Roman Holiday



Jo Basile was the pseudonym of Joss Baselli, accordionist and veteran of the French music scene in the 1950s and 1960s.

Basile's parents were Italian emigrants to northern France, part of the large wave of Italians who came to work the coal mines in the Pas de Nord and Belgium. Although his parents ran a cafe, they were also great music enthusiasts, and Baselli began taking music lessons at the age of six. He and his brother Enrico both studied the accordion and, after a few years of serenading patrons in their parents' cafe, began playing on a semi-professional basis by their late teens.

After World War Two, Baselli met an accomplished accordion player and pioneer of the bal musette style, Gus Viseur, who encouraged him to pursue a career in music. Baselli moved to Paris in 1950 and several years later, while working a summer job in Pau, near the Spanish border, met the rising young chanteuse, Patachou. She offered him the job of principal accompanist, and as her career took off, rivalling Edith Piaf's in popularity, he became a recognized soloist in his own right. Patachou opened a cafe in the Montmartre section of Paris, which became the center of the bal musette scene. Around the same time, Joss married Gus Viseur's daughter.

In 1958, Patachou toured the U.S. and Baselli attracted the attention of Sid Frey, owner of the Audio Fidelity record label. Frey was about to release the first series of long-playing stereo records and was signing numerous international artists. Renaming him Jo Basile, Frey first recorded Baselli straight, playing instrumental versions of Patachou's hits and other French cafe tunes.

Then Baselli suggested he do some of the Italian songs he grew up playing in his parents' cafe, and the album, Rome with Love was released, with a cover featuring a sexy babe in Capri pants riding on the back of a Lambretta. Whether the cover had anything to do with the success of the record, Frey figured it was a winning combination, and most of the two dozen albums Basselli recorded for Audio Fidelity over the next five years followed a standard formula. Basselli played a dozen or so tunes associated with a particular country or city, and Frey slapped on a cover featuring another sexy babe in national garb riding on the back of the same red Vespa--with an appropriate license plate.

For the quantity of material reflected in this series, the quality of performances is quite high. Baselli was a virtuoso accordion player, whose talents are now comemorated in France by an annual award that bears his name, given for the best accordion performance. For the most part, though, the material doesn't match the musicianship.

A couple of the series, however, deserve a closer listen. Swingin' Latin is actually a set of early bossa nova tunes performed with the excellent Brazilian trio, Bossa Tres, and it's been reissued on CD recently as Jo Basile and Bossa Tres by Ubatuqui Records.

My favorite is Foreign Film Festival album, on which he swings through a set of tunes by Nino Rota and others with a crack group of New York session men that includes Bobby Rosengarden, Dick Hyman, Al Caiola, Milt Hinton, and Phil Kraus. It's a jazzy take on theme music from such early 1960s classics as "La Dolce Vita," "Rififi," and "8½" that shows Basselli could easily hold his own among players with such impeccable jazz chops and studio experience.

In all, Basselli's Audio Fidelity albums sold over 4 million copies in the U.S. He was awarded a prize by the American Accordion Association, and undoubtedly inspired many young men to take up the squeezebox--at least, until they discovered it tended not to attract sexy chick in Capri pants the way an electric guitar did.

Back in France, Basselli parted ways with Patachou and joined the studio team of the singer Barbara, who launched an enormously successful variety series on French television. Basselli not only performed on screen as both accompanist and soloist, he also worked as musical director and arranged hundreds of songs for the show.

He stayed with the show until 1967, when he reunited with Patachou for another tour of the U.S. When he returned to France, he began to turn his attention to composing and arranging. He wrote the score for the movie, "L'astragale," as well as for numerous television shows. One of the most notable of these was "Le Manège Enchanté," a stop-action animated series by Serge Danot. A BBC producer asked actress Emma Thompson's father, Eric, to translate and record an English language narration, but Thompson decided the scripts just didn't work in English, and he wrote his own story, even renaming the characters. As "The Magic Roundabout," the series was an even bigger success in the U.K. Basselli also composed the score for the full-length film Danot produced as a spin-off from the series, "Dougal and the Blue Cat".

Throughout the 1960s, Baselli also worked as a songwriter, and his best-known tune, "Free Again," was recorded by numerous Anglophone singers--most notably, Barbra Streisand, on the first track of her 1966 album, My Name is Barbra.

In 1972, Basselli hosted a series on French television titled, "Le monde de l'accordeon," which featured masters of the instrument and encouraged young people to take up and learn the instrument. This time, no chick in Capri pants was promised. He also founded his own music publishing company, Opaline, to oversee the rights to his various compositions, and wrote a popular set of music instruction books on playing the accordion. He died suddenly of a heart attack in 1982.

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Jo Basile era el seudónimo de Joss Baselli, acordeonista y veterano de la escena musical francesa en las décadas de 1950 y 1960.

Los padres de Basile eran emigrantes italianos al norte de Francia, parte de la gran ola de italianos que vinieron a trabajar en las minas de carbón del Pas de Nord y Bélgica. Aunque sus padres tenían un café, también eran grandes entusiastas de la música, y Baselli comenzó a tomar clases de música a la edad de seis años. Él y su hermano Enrico estudiaron el acordeón y, después de algunos años de serenatas en el café de sus padres, comenzaron a tocar de manera semi-profesional a finales de la adolescencia.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Baselli conoció a un consumado acordeonista y pionero del estilo de la bal musette, Gus Viseur, quien le animó a seguir una carrera en la música. Baselli se trasladó a París en 1950 y varios años más tarde, mientras trabajaba en un trabajo de verano en Pau, cerca de la frontera española, conoció a la joven cantante en ascenso, Patachou. Ella le ofreció el puesto de acompañante principal, y a medida que su carrera despegaba, rivalizando con la popularidad de Edith Piaf, él se convirtió en un reconocido solista por derecho propio. Patachou abrió un café en el barrio de Montmartre de París, que se convirtió en el centro de la escena del bal musette. Más o menos al mismo tiempo, Joss se casó con la hija de Gus Viseur.

En 1958, Patachou realizó una gira por los Estados Unidos y Baselli atrajo la atención de Sid Frey, propietario del sello discográfico Audio Fidelity. Frey estaba a punto de lanzar la primera serie de discos estéreo de larga duración y firmaba con numerosos artistas internacionales. Renombrado Jo Basile, Frey grabó primero Baselli straight, tocando versiones instrumentales de los éxitos de Patachou y otras melodías de cafés franceses.

Luego Baselli le sugirió que hiciera algunas de las canciones italianas que tocó en el café de sus padres, y el álbum, Rome with Love fue lanzado, con una portada con una sexy nena en pantalones Capri montada en la parte trasera de una Lambretta. Si la portada tenía algo que ver con el éxito del disco, Frey pensó que era una combinación ganadora, y la mayoría de los dos docenas de álbumes que Basselli grabó para Audio Fidelity durante los siguientes cinco años siguieron una fórmula estándar. Basselli tocó una docena de canciones asociadas con un país o ciudad en particular, y Frey le dio una bofetada en una portada con otra chica sexy con atuendo nacional montada en la parte trasera de la misma Vespa roja, con una placa de matrícula apropiada.

Por la cantidad de material reflejada en esta serie, la calidad de las prestaciones es bastante alta. Baselli fue un virtuoso acordeonista, cuyos talentos son ahora conmemorados en Francia por un premio anual que lleva su nombre, otorgado a la mejor interpretación del acordeón. Sin embargo, en la mayoría de los casos, el material no coincide con la musicalidad.

Algunas de las series, sin embargo, merecen ser escuchadas más de cerca. Swingin' Latin es en realidad un conjunto de tempranas melodías de bossa nova interpretadas con el excelente trío brasileño Bossa Tres, y ha sido reeditado en CD recientemente como Jo Basile y Bossa Tres por Ubatuqui Records.

Mi favorito es el álbum del Festival de Cine Extranjero, en el que se mueve a través de un conjunto de temas de Nino Rota y otros con un grupo de hombres de sesión de Nueva York que incluye a Bobby Rosengarden, Dick Hyman, Al Caiola, Milt Hinton, y Phil Kraus. Es una versión jazzística de temas clásicos de principios de los sesenta como "La Dolce Vita", "Rififi" y "8½", que demuestra que Basselli puede valerse por sí mismo entre los músicos con un jazz impecable y una experiencia en el estudio tan impecable.

En total, los álbumes de Audio Fidelity de Basselli vendieron más de 4 millones de copias en los EE.UU. Recibió un premio de la Asociación Americana de Acordeón, e indudablemente inspiró a muchos jóvenes a tomar el squeezebox - por lo menos, hasta que descubrieron que tendía a no atraer a las chicas sexys en pantalones de Capri de la misma manera que lo hacía una guitarra eléctrica.

De vuelta en Francia, Basselli se separó de Patachou y se unió al equipo de estudio de la cantante Barbara, que lanzó una serie varietal de enorme éxito en la televisión francesa. Basselli no sólo actuó en la pantalla como acompañante y solista, sino que también trabajó como director musical y arregló cientos de canciones para el espectáculo.

Permaneció en el espectáculo hasta 1967, cuando se reunió con Patachou para otra gira por los EE.UU. Cuando regresó a Francia, comenzó a prestar atención a la composición y los arreglos. Escribió la partitura para la película "L'astragale", así como para numerosos programas de televisión. Una de las más notables fue "Le Manège Enchanté", una serie de animación de stop-action de Serge Danot. Un productor de la BBC le pidió al padre de la actriz Emma Thompson, Eric, que tradujera y grabara una narración en inglés, pero Thompson decidió que los guiones no funcionaban en inglés, y escribió su propia historia, incluso renombrando a los personajes. Como "The Magic Roundabout", la serie fue un éxito aún mayor en el Reino Unido. Basselli también compuso la partitura para el largometraje Danot producido como resultado de la serie "Dougal and the Blue Cat".

A lo largo de la década de 1960, Baselli también trabajó como compositor, y su canción más conocida, "Free Again", fue grabada por numerosos cantantes anglófonos, entre los que destaca Barbra Streisand, en el primer tema de su álbum de 1966, My Name is Barbra.

En 1972, Basselli presentó en la televisión francesa una serie titulada "Le monde de l'accordeon" (El mundo del acordeón), que presentaba a maestros del instrumento y animaba a los jóvenes a aprenderlo. Esta vez, no se prometió ninguna chica con pantalones de Capri. También fundó su propia compañía editorial de música, Opaline, para supervisar los derechos de sus diversas composiciones, y escribió un popular conjunto de libros de instrucciones musicales sobre cómo tocar el acordeón. Murió repentinamente de un ataque al corazón en 1982.
https://www.spaceagepop.com/basile.htm
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