egroj world: abril 2019

martes, 30 de abril de 2019

Grant Green • Nigeria (LP)



Sonny Clark, Art Blakey, Sam Jones, Grant Green.


Gordon Lee With The Mel Brown Septet • Tuesday Night



For more than sixteen years, jazz fans in and around Portland, Oregon, have had the pleasure of seeing and hearing drummer Mel Brown's hard-blowing Jazz Messengers-style septet each Tuesday Night at Jimmy Mak's nightclub. Among its mainstays is pianist Gordon Lee who has been writing and arranging for the group almost since he enlisted shortly afterward and in fact much earlier, as the then-sextet recorded an album of his music, Gordon Bleu, in the late 1980s, a brief time before Brown's ensemble vanquished some seven hundred other groups to win the 1989 Hennessy Jazz Search competition sponsored by Playboy magazine.

Even though Tuesday Night, the group's first recording since Gordon Bleu, is advertised as "Gordon Lee with the Mel Brown Septet," Lee is an indispensable part of the team, and without his presence at the keyboard this would be a sextet: trumpet, trombone, tenor and alto saxophones on the front line backed by drums and bass. A pretty good sextet, it should be noted, but one that is not only enlarged but considerably enhanced by Lee's burnished piano (not to mention his engaging charts). Besides arranging everything, Lee wrote all but one of the album's nine songs. The exception is the melodic opener, "Full Moon" (handsomely introduced by Lee's luminous piano), which is based on Sergei Rachmaninov's Piano Concerto No. 2 and was a mega-hit for Frank Sinatra back in 1945 as "Full Moon (And Empty Arms)." Tenor Renato Caranto and trumpeter Derek Sims add fluent solos.

Brown's drums usher in the first of Lee's themes, the prancing "Low Profile," which precedes his colorful tone poem "Sunset on the Beach." After mastering the minor-key "Machangulo" the group is off to "Istanbul" for some beguiling Middle Eastern fare before returning home "Blue & Bluer," a somber mood underscored by Caranto's melancholy tenor. "Hoy Veo" is a throbbing dance, "Change Your Dreams" an even-tempered showpiece for Lee's piano and John Nastos' nimble alto sax, "Urgent Message" a dashing throwback to the animated themes once favored by drummer Art Blakey's renowned Messengers.

Based on this sample, it's easy to discern why Brown's group has had a steady gig for so many years. Soloists are consistently bright, the ensemble trim, the rhythm section (Lee, Brown, bassist Andre St. James) alert and supportive. And thanks to the decision to produce an album, enthusiasts need no longer wait until Tuesday Night to share the excitement.

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Durante más de dieciséis años, los fanáticos del jazz en y alrededor de Portland, Oregón, han tenido el placer de ver y escuchar el estallido tabique de Jazz Messengers del baterista Mel Brown cada martes por la noche en el club nocturno de Jimmy Mak. Entre sus pilares se encuentra el pianista Gordon Lee, quien ha estado escribiendo y organizando el grupo casi desde que se alistó poco después y, de hecho, mucho antes, cuando el sexteto de ese entonces grabó un álbum de su música, Gordon Bleu, a finales de los 80, un breve resumen. Tiempo antes de que el conjunto de Brown venciera a otros setecientos grupos para ganar el concurso de búsqueda de jazz de Hennessy en 1989, patrocinado por la revista Playboy.

A pesar de que Tuesday Night, la primera grabación del grupo desde Gordon Bleu, se anuncia como "Gordon Lee con Mel Brown Septet", Lee es una parte indispensable del equipo, y sin su presencia en el teclado, esto sería un sexteto: trompeta, Trombón, tenor y saxofón alto en la línea frontal respaldados por batería y bajo. Cabe señalar que es un sexteto bastante bueno, pero que no solo se amplía, sino que se mejora considerablemente con el piano bruñido de Lee (por no mencionar sus atractivos gráficos). Además de arreglar todo, Lee escribió todas menos una de las nueve canciones del álbum. La excepción es la apertura melódica, "Full Moon" (introducida generosamente por el piano luminoso de Lee), que se basa en el Concierto para piano No. 2 de Sergei Rachmaninov y fue un mega-éxito para Frank Sinatra en 1945 como "Full Moon (And Empty Brazos)." El tenor Renato Caranto y el trompetista Derek Sims agregan solos fluidos.

Los tambores de Brown marcan el comienzo de los primeros temas de Lee, el "Low Profile" que precede a su colorido poema de tonos "Sunset on the Beach". Después de dominar la clave menor "Machangulo", el grupo se va a "Estambul" por un poco de comida del Medio Oriente antes de regresar a casa "Blue & Bluer", un sentimiento sombrío subrayado por el tenor melancólico de Caranto. "Hoy Veo" es un baile palpitante, "Change Your Dreams", una pieza de moderación para el piano de Lee y el ágil saxo alto de John Nastos, "Urgent Message", un impetuoso retorno a los temas animados que alguna vez fueron favorecidos por los famosos Mensajeros del baterista Art Blakey.

Basándose en esta muestra, es fácil discernir por qué el grupo de Brown ha tenido un concierto estable durante tantos años. Los solistas son siempre brillantes, el recorte de conjunto, la sección de ritmo (Lee, Brown, el bajista Andre St. James) alerta y de apoyo. Y gracias a la decisión de producir un álbum, los entusiastas ya no tienen que esperar hasta el martes por la noche para compartir la emoción.




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Larry Garner • Once Upon The Blues



Biography by Bill Dahl
You Need to Live a Little
Folks in Europe were hip to Larry Garner long before most blues fans in the states. The Baton Rouge guitarist had already toured extensively overseas, with two British albums to his credit, before Verve issued his stunning domestic debut, You Need to Live a Little, in 1995. Rooted in the swamp blues tradition indigenous to his Baton Rouge environs, Garner brings a laudable contemporary sensibility and witty composing skills to his craft.

Inspired by local swamp bluesmen Silas Hogan and Clarence Edwards, Garner learned how to play guitar from his uncle and a couple of gospel-playing elders. After completing his military service in Korea, he returned to Baton Rouge and embarked on a part-time musical career (he worked at a Dow chemical plant for almost two decades until his recent retirement).

Double Dues
The British JSP label released Garner's first two albums: Double Dues and Too Blues (the latter an ironic slap at an unidentified tin-eared U.S. blues label boss who deemed Garner's demo tape "too blues"). For You Need to Live a Little, Garner delivers creative originals detailing the difficulty of keeping "Four Cars Running" and the universal pain of suffering through "Another Bad Day." He is poised for 21st century blues stardom. Subsequent efforts include 1998's Standing Room Only, 1999's Baton Rouge, and 2000's Once Upon the Blues.

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Biografía de Bill Dahl
Necesitas vivir un poco
La gente en Europa fue muy popular con Larry Garner mucho antes que la mayoría de los fanáticos del blues en los Estados Unidos. El guitarrista de Baton Rouge ya había realizado numerosas giras en el extranjero, con dos álbumes británicos en su haber, antes de que Verve hiciera su sorprendente debut en el hogar, You Need to Live a Little, en 1995. Enraizado en la tradición de blues de los pantanos de sus alrededores en Baton Rouge, Garner trae una sensibilidad contemporánea loable y habilidades ingeniosas de composición a su oficio.

Inspirado por los músicos locales de blues de pantanos Silas Hogan y Clarence Edwards, Garner aprendió a tocar la guitarra con su tío y un par de ancianos que tocan el evangelio. Después de completar su servicio militar en Corea, regresó a Baton Rouge y se embarcó en una carrera musical a tiempo parcial (trabajó en una planta química de Dow durante casi dos décadas hasta su reciente retiro).

Doble cuota
El sello británico JSP lanzó los dos primeros álbumes de Garner: Double Dues y Too Blues (este último fue una bofetada irónica a un jefe de la etiqueta de blues de Estados Unidos sin identificar, que consideraba la cinta de demostración de Garner "demasiado azul"). Para que necesites vivir un poco, Garner ofrece originales creativos que detallan la dificultad de mantener "Four Cars Running" y el dolor universal de sufrir a través de "Another Bad Day". Él está preparado para el estrellato de los azules del siglo XXI. Los esfuerzos subsiguientes incluyen 1998 Standing Room Only, 1999's Baton Rouge y 2000's Once Upon the Blues.


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Al Gafa • Leblon Beach

Krzysztof Sadowski • Krzysztof Sadowski And His Hammond Organ



This is the first album on the legendary Polish Jazz series, which is dedicated to the Hammond organ, the godfather of the electronic keyboards and probably the most significant new instrument, which dominated Jazz and Progressive Rock in the late 1960s and early 1970s (although available since the 1930s). Keyboardist Krzysztof Sadowski belongs to the first post WWII generation of Polish Jazz musicians, debuting in the 1950s and active on the local scene for many years. He combined his love of Jazz and Rock, playing with the leading ensembles of both genres with equal dedication and success. This album presents his Hammond organ performances in two different environments: Side A of the original LP captures him accompanied just by drummer Andrzej Dabrowski and the duo moves through a Rocky set, which includes a Beatles medley. Side B finds him accompanied by the Polish Radio Jazz Studio Orchestra, led by saxophonist / composer Jan "Ptaszyn" Wroblewski and featuring top Polish Jazz players, among them saxophonist Janusz Muniak, bassist Bronislaw Suchanek, drummer Janusz Stefanski and many others. This set is much closer to Jazz and features a beautiful version of Krzysztof Komeda's ballad from "Rosemary's Baby".

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Este es el primer álbum de la legendaria serie Polish Jazz, que se dedica al órgano Hammond, el padrino de los teclados electrónicos y, probablemente, el nuevo instrumento más significativo, que dominó el Jazz y el Rock progresivo a finales de los años 60 y principios de los 70 (aunque disponible desde la década de 1930). El tecladista Krzysztof Sadowski pertenece a la primera generación de músicos de jazz polacos de la Segunda Guerra Mundial, debutando en la década de 1950 y activo en la escena local durante muchos años. Combinó su amor por el jazz y el rock, tocando con los principales conjuntos de ambos géneros con igual dedicación y éxito. Este álbum presenta sus actuaciones en el órgano Hammond en dos entornos diferentes: el lado A del LP original lo captura acompañado por el baterista Andrzej Dabrowski y el dúo se mueve a través de un set de Rocky, que incluye una mezcla de los Beatles. El lado B lo encuentra acompañado por la Polish Jazz Jazz Studio Orchestra, dirigida por el saxofonista / compositor Jan "Ptaszyn" Wroblewski y con los mejores músicos polacos de Jazz, entre ellos el saxofonista Janusz Muniak, el bajista Bronislaw Suchanek, el baterista Janusz Stefanski y muchos otros. Este set está mucho más cerca del Jazz y presenta una hermosa versión de la balada de Krzysztof Komeda de "Rosemary's Baby".




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Carl Stevens & His Orchestra • High Society Twist

Georges Arvanitas Quintet • Soul Jazz



Artist Biography by Jason Ankeny
A longtime giant of the European jazz landscape, pianist Georges Arvanitas' graceful technique and effortless versatility made him a sought-after accompanist among American musicians touring France. Born June 13, 1931 in Marseilles, Arvanitas was the son of Greek immigrants hailing from Istanbul. He began classical piano studies at age four, but as a teen gravitated to jazz. At 18 he was called for military duty and stationed in Versailles. His proximity to Paris exposed Arvanitas to the city's thriving postwar jazz culture, and he moonlighted at clubs like Le Tabou and Les Trois Mailletz alongside American masters including Don Byas and Mezz Mezzrow. After completing his service, Arvanitas relocated permanently to Paris where he led the house band at the Club St. Germain before he graduated to the city's premier jazz venue, the legendary Blue Note. There he supported American stars like Dexter Gordon and Chet Baker, and as his profile grew, he also gained notoriety as a leader. He assembled bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor to record 1963's 3 A.M., winner of the Prix Django Reinhardt and the Prix Jazz Hot.

Arvanitas spent half of 1965 in New York City collaborating with saxophonist Yusef Lateef and trumpeter Ted Curzon on the Blue Note label LP The Blue Thing and the New Thing. He returned stateside a year later, this time on a tour with trombonist Slide Hampton's big band. Arvanitas was also a respected session contributor; he earned the nickname "Georges Une Prise" ("One-take George") for his reliable efficiency and mastery. He was a particular favorite of the composer Michel Legrand and appeared on many of his soundtrack recordings. Arvanitas also played the memorable Hammond organ fills on Serge Gainsbourg's infamous 1969 pop hit "Je T'aime, Moi Non Plus." Arvanitas nevertheless remains best remembered for a series of LPs he cut with bassist Jacky Samson and drummer Charles Saudrais, a trio that endured from 1965 to 1993 (the 1968 album Space Ballad and 1976's Anniversary are particularly noteworthy). He was also the recipient of the Chevalier des Arts et des Lettres award in 1985. Failing health forced Arvanitas to retire from music in 2003. He died in Paris on September 25, 2005.

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Biografía del artista por Jason Ankeny
El pianista Georges Arvanitas, un gigante del panorama del jazz europeo durante mucho tiempo, la técnica elegante y la versatilidad sin esfuerzo lo convirtieron en un codiciado acompañante entre los músicos estadounidenses que viajan por Francia. Nacido el 13 de junio de 1931 en Marsella, Arvanitas era hijo de inmigrantes griegos provenientes de Estambul. Comenzó los estudios de piano clásico a los cuatro años, pero de adolescente se inclinó por el jazz. A los 18 años fue llamado al servicio militar y estacionado en Versalles. Su proximidad a París expuso a Arvanitas a la próspera cultura de jazz de la posguerra de la ciudad, y estuvo a la luz de la luna en clubes como Le Tabou y Les Trois Mailletz junto a maestros estadounidenses como Don Byas y Mezz Mezzrow. Después de completar su servicio, Arvanitas se mudó permanentemente a París, donde dirigió la banda de house en el Club St. Germain antes de graduarse en el principal local de jazz de la ciudad, el legendario Blue Note. Allí apoyó a estrellas estadounidenses como Dexter Gordon y Chet Baker, y a medida que su perfil creció, también ganó notoriedad como líder. Reunió al bajista Doug Watkins y al baterista Art Taylor para grabar 3 A.M. de 1963, ganador del Prix Django Reinhardt y el Prix Jazz Hot.

Arvanitas pasó la mitad de 1965 en la ciudad de Nueva York colaborando con el saxofonista Yusef Lateef y el trompetista Ted Curzon en la etiqueta Blue Note LP The Blue Thing and the New Thing. Regresó a Estados Unidos un año después, esta vez en una gira con la gran banda del trombonista Slide Hampton. Arvanitas también fue un respetado colaborador de sesión; se ganó el apodo de "Premio Georges Une" ("One-take George") por su eficiencia y dominio confiable. Fue uno de los favoritos del compositor Michel Legrand y apareció en muchas de sus grabaciones de la banda sonora. Arvanitas también tocó los memorables rellenos de órgano de Hammond en el famoso éxito pop de Serge Gainsbourg de 1969 "Je T'aime, Moi Non Plus". Sin embargo, Arvanitas sigue siendo el más recordado por una serie de discos que grabó con el bajista Jacky Samson y el baterista Charles Saudrais, un trío que duró de 1965 a 1993 (el álbum de 1968 Space Ballad y el Aniversario de 1976 son particularmente notables). También recibió el premio Chevalier des Arts et des Lettres en 1985. La salud fallida obligó a Arvanitas a retirarse de la música en 2003. Murió en París el 25 de septiembre de 2005.






The Ventures • Guitar Genius of The Ventures

Herbie Mann • Hold On I'm Coming, Live Montreux Jazz Festival



Biography by Scott Yanow
Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc.

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Biografía de Scott Yanow
Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Se hizo muy popular en la década de 1960, pero en la década de los 70 se sumergió tanto en el pop como en varios tipos de músicas del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisar creativamente como lo atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann comenzó a tocar el clarinete cuando tenía nueve años, pero pronto también tocaba flauta y tenor. Después de servir en el Ejército, estuvo con Mat Mathews 'Quintet (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Durante 1954-1958, Mann se dedicó principalmente a jugar bop, a veces colaborando con jugadores como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Se dobló con un tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz en los años 50 que grabaron en el clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta no acompañada.

Después de pasar el tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Sexteto Afro-Jazz, en 1959, un grupo que utiliza varios percusionistas, vibraciones (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin 'Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular durante la era, Mann exploró la bossa nova (incluso grabando en Brasil en 1962), incorporó música de muchas culturas (más las melodías pop actuales) en su repertorio, y tuvo entre sus dirigentes a músicos jóvenes tan importantes como Willie Bobo. Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972, su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann había sido productor en Embroyo (una subsidiaria de Atlantic) durante tres años y frecuentemente estaba extendiendo su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la discoteca. Después de dejar Atlantic a finales de los años 70, Mann tuvo su propio sello por un tiempo y gradualmente volvió al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin, y en los años 90 fundó el sello Kokopelli, en el cual, antes de separarse en 1996, tenía libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A través de los años, grabó como líder para Belén, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, lo más importante, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, luego de una prolongada batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue 2004, lanzado póstumamente Beyond Brooklyn para Telarc.


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Claude Monet • Nina Kalitina, pdf







For Monet, the act of creation was always a painful struggle. His obsession to express emotions and to transmit light effects over nature was much more intense than his contemporaries. In his words: “Skills come and go… Art is always the same: a transposition of Nature that requests as much will as sensitivity. I strive and struggle against the sun…should as well paint with gold and precious stones.”


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Jean-Pierre Bertrand • Rhythm Boogie



Jean-Pierre Bertrand is considered by the media and by the public to be one of the best Boogie Woogie pianists in France. Born in 1955 in St Germain en Laye, from the age of 14, he dedicated himself to learning this style by listening to pianists such as Albert Ammons, Pete Johnson, Sammy Price, Memphis Slim, Lloyd Glenn or Meade Lux Lewis.

Playing the piano solo, in duets, trios or with a band, since 1989 he has recorded 10 albums and created a concert called "Boogie Story" during which he shows the public the history of Boogie Woogie.    
Apart from being the organiser and producer of "Jazz Nights and Boogie piano" in Paris and of the "Beaune Blues Boogie Woogie Festival" where every year the best pianists of this genre in the world are brought together, he also creates and organises musical events for corporate clients and individuals.

He played in 1997 at the Cincinnati Blues Festival (USA), in 1998 in Detroit during a concert dedicated to Classical Jazz piano, as well as at the Hanover (Germany) and The Hague (Holland) Jazz Festival.    
In 2000, he played on the ice field at the North Pole, in Taiwan for Hermès-Paris and extends the number of opportunities that allow Blues, Swing and Boogie Woogie to make their musical contribution in exceptional locations.

He has performed on stage in piano duets with Ray Bryant, Bob Seeley, Axel Zwingenberger, Little Willie Littlefield and has regularly played with the eminent French pianist : Jean-Paul Amouroux.
He style is based on improvisation of Blues and Boogie Woogie and the revival of Jazz standards that he adapts in a very personal way without ever losing the Swing, the common theme of this music.

His nimbleness and the acoustic qualities of his piano playing lie, in particular, in his solid tempo, a profound knowledge of the difficult technique of the speciality that is Boogie Woogie and a fertile creativity in improvisation.

He is behind the "revival" of Boogie Woogie in France, playing a great part in its promotion by providing a platform for the current generation of Boogie Woogie, Blues and Swing pianists from around the world.

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Jean-Pierre Bertrand es considerado por los medios de comunicación y por el público como uno de los mejores pianistas de Boogie Woogie en Francia. Nacido en 1955 en St Germain en Laye, a partir de los 14 años, se dedicó a aprender este estilo escuchando a pianistas como Albert Ammons, Pete Johnson, Sammy Price, Memphis Slim, Lloyd Glenn o Meade Lux Lewis.

Tocando el piano solo, en duetos, tríos o con una banda, desde 1989 ha grabado 10 álbumes y creado un concierto llamado "Boogie Story" durante el cual muestra al público la historia de Boogie Woogie.
Además de ser el organizador y productor de "Jazz Nights and Boogie piano" en París y del "Beaune Blues Boogie Woogie Festival", donde todos los años se reúnen los mejores pianistas de este género del mundo, también crea y organiza eventos musicales. Para clientes corporativos y particulares.

Tocó en 1997 en el Cincinnati Blues Festival (EE. UU.), En 1998 en Detroit durante un concierto dedicado al piano de Jazz clásico, así como en el Festival de jazz de Hannover (Alemania) y La Haya (Holanda).
En 2000, tocó en el campo de hielo en el Polo Norte, en Taiwán para Hermès-Paris y amplía el número de oportunidades que permiten a Blues, Swing y Boogie Woogie realizar su contribución musical en lugares excepcionales.

Ha actuado en el escenario de dúos de piano con Ray Bryant, Bob Seeley, Axel Zwingenberger, Little Willie Littlefield y ha tocado regularmente con el eminente pianista francés: Jean-Paul Amouroux.
Su estilo se basa en la improvisación de Blues y Boogie Woogie y el resurgimiento de los estándares de Jazz que adapta de una manera muy personal sin perder el Swing, el tema común de esta música.

Su agilidad y las cualidades acústicas de su interpretación de piano se encuentran, en particular, en su sólido ritmo, un profundo conocimiento de la técnica difícil de la especialidad que es Boogie Woogie y una fértil creatividad en la improvisación.

Él está detrás del "renacimiento" de Boogie Woogie en Francia, desempeñando un papel importante en su promoción al proporcionar una plataforma para la generación actual de pianistas de Boogie Woogie, Blues y Swing de todo el mundo.


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VA • Mondo Inferno Vol. 1



  Editorial Reviews
A fourteen track grab bag of worldwide sleaze, soul, and cool grooves galore compiled by DJs from an out-of-this-world Vegas-style supper club in Australia called Deville's Pad! Some of the stuff on here is astoundingly rare and each one a dance floor killer! Tracklist: Il n'y arait past tout ca - Madiate et son Ensemble (Congo), Here It Comes Again - The Man Dallions (Ireland), Harlem Watusi - Claus Ogerman (GDR), El Curaca - Frank Weir (Colombia), Makini - Sal Davies (Tanzania), Hurrikan - Chris Bruhn (Austria), Ohh Pee Day - LP Orchestra (USA), Allons y - Duke Flloyd (Luxembourg), Le Diable de Pres - Francoise Deldick (France), Mods Theme - Les Mods (Belgium), Sugar Baby - Jimmy Powell (UK), Bocacio Soul - Augusto Alguero (Spain), Look the Other Way - The Fortnum (Hawaii), Yoyo Man - Pietro Duchi (Italy).


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Comentarios editoriales
¡Catorce tracks en el mundo de sordas, almas y ritmos geniales en todo el mundo compilados por DJs de un club de cenas al estilo de Las Vegas en Australia llamado Deville's Pad! ¡Algunas de las cosas aquí son asombrosamente raras y cada una de ellas un asesino de pista de baile! Lista de canciones: Il n'y arait past tout ca - Madiate et son Ensemble (Congo), Here It Comes Again - The Man Dallions (Irlanda), Harlem Watusi - Claus Ogerman (RDA), El Curaca - Frank Weir (Colombia), Makini - Sal Davies (Tanzania), Hurrikan - Chris Bruhn (Austria), Ohh Pee Day - LP Orchestra (EE. UU.), Allons y - Duke Flloyd (Luxemburgo), Le Diable de Pres - Francoise Deldick (Francia), Mods Theme - Les Mods (Bélgica), Sugar Baby - Jimmy Powell (Reino Unido), Bocacio Soul - Augusto Alguero (España), Look the Other Way - El Fortnum (Hawaii), Yoyo Man - Pietro Duchi (Italia).





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Joey DeFrancesco • Plays Sinatra His Way



Aunque lleva varios años en el sello Concord, parece que el manantial de material que Joey DeFrancesco cortó para el imprimátur de HighNote de Joe Fields continúa cosechándose con la última oferta en esta sesión de 1998 grabada en un esplendor digital de 24 bits por El legendario Rudy Van Gelder. No busque el título en este para proporcionar mucho más que un elemento unificador para las melodías incluidas, que son números que "Ol" Blue Eyes "grabaron en algún momento durante el transcurso de su carrera. Conocido por vocalizar un poco, DeFrancesco tampoco canta aquí. El énfasis está en el tipo de música de ritmo duro que siempre ha sido la principal forma de expresión de este organista.

En compañía de Houston Person (quien lideró a DeFrancesco con el sello Muse hace muchos años), el guitarrista Melvin Sparks y el baterista de larga data Byron Landham, nuestro hombre líder ofrece nueve selecciones que abarcan alrededor de los cinco a seis minutos de duración. Con su hábil vampiro de apertura, "Pennies From Heaven" encuentra a DeFrancesco en su mejor momento, con Sparks sopesando con sus propios acordes jugosos en apoyo (así como un solo que incluye una cita inteligente para "afeitarse y cortarse el pelo"). . Al comienzo de su carrera, entrevisté a Joey y él comentó cuánto cavó las líneas de bajo de Groove Holmes. El hecho de que él haya desarrollado su propio camino con esos pedales es claro solo en esta presentación.

Realmente no hay necesidad de analizar cada pista individual aquí, ya que cualquier persona que esté familiarizada con DeFrancesco estará consciente de su dominio del poderoso B-3. El excelente trabajo de Van Gelder lleva a Joey y los chicos a la sala de estar. Este asunto sin lujos puede ser breve para el revolucionario, pero seguramente complacerá a los fanáticos de DeFrancesco, Person y Sparks.

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Aunque lleva varios años en el sello Concord, parece que el manantial de material que Joey DeFrancesco cortó para el imprimátur de HighNote de Joe Fields continúa cosechándose con la última oferta en esta sesión de 1998 grabada en un esplendor digital de 24 bits por El legendario Rudy Van Gelder. No busque el título en este para proporcionar mucho más que un elemento unificador para las melodías incluidas, que son números que "Ol" Blue Eyes "grabaron en algún momento durante el transcurso de su carrera. Conocido por vocalizar un poco, DeFrancesco tampoco canta aquí. El énfasis está en el tipo de música de ritmo duro que siempre ha sido la principal forma de expresión de este organista.

En compañía de Houston Person (quien lideró a DeFrancesco con el sello Muse hace muchos años), el guitarrista Melvin Sparks y el baterista de larga data Byron Landham, nuestro hombre líder ofrece nueve selecciones que abarcan alrededor de los cinco a seis minutos de duración. Con su hábil vampiro de apertura, "Pennies From Heaven" encuentra a DeFrancesco en su mejor momento, con Sparks sopesando con sus propios acordes jugosos en apoyo (así como un solo que incluye una cita inteligente para "afeitarse y cortarse el pelo"). . Al comienzo de su carrera, entrevisté a Joey y él comentó cuánto cavó las líneas de bajo de Groove Holmes. El hecho de que él haya desarrollado su propio camino con esos pedales es claro solo en esta presentación.

Realmente no hay necesidad de analizar cada pista individual aquí, ya que cualquier persona que esté familiarizada con DeFrancesco estará consciente de su dominio del poderoso B-3. El excelente trabajo de Van Gelder lleva a Joey y los chicos a la sala de estar. Este asunto sin lujos puede ser breve para el revolucionario, pero seguramente complacerá a los fanáticos de DeFrancesco, Person y Sparks.


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Shirley Scott • Drag 'Em Out



Review:
And Drag 'Em Out she does – on this, one of Shirley's best albums for Prestige! The set really cooks on side one – which is an extended album-side jam called "Drag Em Out", played by Shirley on organ, with Roy Brooks on drums and Major Holley on bass. This sort of long open track is quite different than Shirley's other recordings, and she really rises to meet the challenge. Side two is more standard stuff – 3 tunes, with titles that include "The Song Is Ended", "Out Of It", and "The Second Time Around".

Artist Biography by Alex Henderson
An admirer of the seminal Jimmy Smith, Shirley Scott has been one of the organ's most appealing representatives since the late '50s. Scott, a very melodic and accessible player, started out on piano and played trumpet in high school before taking up the Hammond B-3 and enjoying national recognition in the late '50s with her superb Prestige dates with tenor sax great Eddie "Lockjaw" Davis. Especially popular was their 1958 hit "In the Kitchen." Her reputation was cemented during the '60s on several superb, soulful organ/soul-jazz dates where she demonstrated an aggressive, highly rhythmic attack blending intricate bebop harmonies with bluesy melodies and a gospel influence, punctuating everything with great use of the bass pedals. Scott married soul-jazz tenor man Stanley Turrentine, with whom she often recorded in the '60s. The Scott/Turrentine union lasted until the early '70s, and their musical collaborations in the '60s were among the finest in the field. Scott wasn't as visible the following decade, when the popularity of organ combos decreased and labels were more interested in fusion and pop-jazz (though she did record some albums for Chess/Cadet and Strata East). But organists regained their popularity in the late '80s, which found her recording for Muse. Though known primarily for her organ playing, Scott is also a superb pianist -- in the 1990s, she played piano exclusively on some trio recordings for Candid, and embraced the instrument consistently in Philly jazz venues in the early part of the decade. At the end of the '90s, Scott's heart was damaged by the diet drug combination, fen-phen, leading to her declining health. In 2000 she was awarded $8 million in a lawsuit against the manufacturers of the drug. On March 10, 2002 she died of heart failure at Presbyterian Hospital in Philadelphia.

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Revisión:
¡Y Drag 'Em Out lo hace, en este, uno de los mejores álbumes de Shirley para Prestige! El set realmente se cocina en el lado uno, que es una mermelada extendida del lado del álbum llamada "Drag Em Out", interpretada por Shirley en el órgano, con Roy Brooks en la batería y Major Holley en el bajo. Este tipo de pista larga y abierta es bastante diferente a las otras grabaciones de Shirley, y ella realmente se levanta para enfrentar el desafío. El lado dos es algo más estándar: 3 canciones, con títulos que incluyen "The Song Is Ended", "Out Of It" y "The Second Time Around".


Biografía del artista por Alex Henderson
Admiradora del seminal Jimmy Smith, Shirley Scott ha sido una de las representantes más atractivas del órgano desde finales de los años cincuenta. Scott, un jugador muy melódico y accesible, comenzó a tocar el piano y tocó la trompeta en la escuela secundaria antes de tomar el Hammond B-3 y disfrutar del reconocimiento nacional a finales de los años 50 con sus magníficas citas de Prestige con el gran saxo Eddie "Lockjaw" Davis. . Especialmente popular fue su éxito de 1958 "En la cocina". Su reputación se consolidó durante la década de los sesenta en varias fechas magníficas y conmovedoras / soul-jazz donde demostró un ataque agresivo y altamente rítmico que mezcla intrincadas armonías de bebop con melodías de blues y una influencia del evangelio, puntuando todo con gran uso de los pedales de bajos. Scott se casó con el tenor del soul-jazz Stanley Turrentine, con quien grabó a menudo en los años 60. La unión Scott / Turrentine duró hasta principios de los años 70, y sus colaboraciones musicales en los años 60 estaban entre las mejores en el campo. Scott no era tan visible en la siguiente década, cuando la popularidad de los combos de órgano disminuyó y las discográficas estaban más interesadas en la fusión y el pop-jazz (aunque sí grabó algunos álbumes para Chess / Cadet y Strata East). Pero los organistas recuperaron su popularidad a finales de los 80, que encontró su grabación para Muse. Aunque es conocido principalmente por su forma de tocar el órgano, Scott también es un excelente pianista: en la década de 1990, tocó el piano exclusivamente en algunas grabaciones de trío para Candid, y abrazó el instrumento de manera consistente en los locales de jazz de Filadelfia a principios de la década. A finales de los años 90, el corazón de Scott fue dañado por la combinación de drogas de la dieta, fen-phen, lo que llevó a su salud en declive. En el 2000 recibió $ 8 millones en una demanda contra los fabricantes de la droga. El 10 de marzo de 2002, murió de insuficiencia cardíaca en el Hospital Presbiteriano de Filadelfia.


 

Soul Toronados • The Complete Recordings


Akron, Ohio based hammond-funk band.
Members:
Bobby Heller
Charles Heller
James 'Boots' Smith

The Heller brothers played drums and organ together in Akron, Ohio since they were kids. Their family home was known to travelling musicians such as Jimmy Smith and Brother Jack McDuff as a place where they could kick back, sample some homemade soul food and maybe grab some sleep. That is if the brothers hadn't managed to persuade them to teach them some musical tricks! So with America's finest soul and jazz musicians as their teachers, the brothers formed The Soul Toronados with two school friends. In 1969, during their teenage years, they took the opportunity to sign a recording contract with a local producer and, one all-night session later, enough music to make three 45s was recorded: chugging bass, scratchy guitar of course a screaming top end organ that's pitched just right! The rare originals have now been collectors items for years, commanding high prices by DJs and collectors around the world.

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Los hermanos Heller tocaron la batería y el órgano juntos en Akron, Ohio, desde que eran niños. Su hogar familiar era conocido por músicos que viajaban como Jimmy Smith y el Hermano Jack McDuff como un lugar donde podían descansar, probar algo de comida casera para el alma y tal vez dormir un poco. ¡Eso es si los hermanos no hubieran logrado convencerlos de que les enseñaran algunos trucos musicales! Así que con los mejores músicos de soul y jazz de Estados Unidos como maestros, los hermanos formaron The Soul Toronados con dos amigos de la escuela. En 1969, durante su adolescencia, aprovecharon la oportunidad para firmar un contrato de grabación con un productor local y, una sesión que duró toda la noche más tarde, se grabó suficiente música para hacer tres años 45: el bajo de la guitarra, la guitarra áspera, por supuesto, un extremo superior de gritos órgano que se lanzó justo a la derecha! Los originales raros ahora han sido artículos de coleccionistas durante años, con altos precios de DJ y coleccionistas de todo el mundo.






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Ron Levy's Wild Kingdom • Jazz A Licious Grooves



Legendary producer/keyboardist Ron Levy again serves up a collection of fat jams featuring special guests! Guests include Freddie Hubbard, Idris Muhammad, Melvin Sparks, Ralph Dorsey, Gray Sargent, Stanley Banks, and more.


Artist Biography by Steve Huey
Organist/pianist Ron Levy has devoted most of his career to keeping the flame of funky, bluesy soul-jazz alive. Born Reuvin Zev ben Yehoshua Ha Levi in 1959 in Cambridge, MA, Levy played clarinet as a child but switched to piano after seeing Ray Charles at age 13. When he encountered the music of Jimmy Smith, Billy Preston, and Booker T. & the MG's, he fell in love with the Hammond B-3 and made the switch. Levy began working the Boston blues club scene as a teenager, and was hired by Albert King in 1971, before even graduating from high school. He spent a year and a half with King, and then joined B.B. King's backing band, where he remained for the next seven years. He also began working with the Rhythm Rockers in 1976, an association that lasted four years, and then became a member of Roomful of Blues from 1983-1987. It was during that time that Levy recorded his first session as a leader, 1985's Ron Levy's Wild Kingdom for the Black Top label. Safari in New Orleans followed in 1988, after which Levy moved to the Bullseye Blues label, where he eventually became an in-house producer (an area where he's garnered seven Grammy nominations). His albums for Bullseye Blues include 1992's B-3 Blues and Grooves and 1996's Zim Zam Zoom: Acid Blues on B-3. 1998's Greaze Is What's Good (recorded for Cannonball) featured an all-star roster of guests, including Freddie Hubbard, Melvin Sparks, David T. Walker, Steve Turre, Idris Muhammad, and Preston Shannon. Since 1988 Levy hasn't released anything under his own name, but continues to tour regularly and collaborate with and produce artists like Jimmy King, Karl Denison and Charles Earland. 

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El legendario productor / teclista Ron Levy nuevamente ofrece una colección de mermeladas de grasa con invitados especiales. Los invitados incluyen a Freddie Hubbard, Idris Muhammad, Melvin Sparks, Ralph Dorsey, Gray Sargent, Stanley Banks y más.


Biografía del artista por Steve Huey
El organista / pianista Ron Levy ha dedicado la mayor parte de su carrera a mantener viva la llama del soul-jazz funky y blues. Nacido como Reuvin Zev ben Yehoshua Ha Levi en 1959 en Cambridge, Massachusetts, Levy tocó el clarinete cuando era niño, pero cambió a piano después de ver a Ray Charles a la edad de 13 años. Cuando conoció la música de Jimmy Smith, Billy Preston y Booker T. MG, se enamoró del Hammond B-3 e hizo el cambio. Levy comenzó a trabajar en la escena del club de blues de Boston cuando era un adolescente, y fue contratado por Albert King en 1971, incluso antes de graduarse de la escuela secundaria. Pasó un año y medio con King, y luego se unió a la banda de apoyo de B. B. King, donde permaneció durante los próximos siete años. También comenzó a trabajar con los Rhythm Rockers en 1976, una asociación que duró cuatro años, y luego se convirtió en miembro de Roomful of Blues desde 1983-1987. Fue durante ese tiempo que Levy grabó su primera sesión como líder, Ron Levy's Wild Kingdom de 1985 para el sello Black Top. Safari en Nueva Orleans lo siguió en 1988, después de lo cual Levy se mudó al sello Bullseye Blues, donde eventualmente se convirtió en productor interno (un área donde obtuvo siete nominaciones a los Grammy). Sus álbumes para Bullseye Blues incluyen B-3 Blues and Grooves de 1992 y Zim Zam Zoom: Acid Blues de 1996 en B-3. Greaze Is What's Good de 1998 (grabado para Cannonball) presentó una lista de estrellas de invitados, entre ellos Freddie Hubbard, Melvin Sparks, David T. Walker, Steve Turre, Idris Muhammad y Preston Shannon. Desde 1988, Levy no ha publicado nada bajo su propio nombre, pero continúa viajando regularmente y colaborando y produciendo artistas como Jimmy King, Karl Denison y Charles Earland.




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lunes, 29 de abril de 2019

Lou McGarity Quintet • Music From Some Like It Hot



Artist Biography by Scott Yanow
A very talented trombone soloist influenced by Jack Teagarden but possessing his own brassier sound, Lou McGarity was a strong asset to many bands and jam sessions. He started out playing violin when he was seven, not switching to trombone until he was 17. McGarity studied at the University of Georgia from 1934-36, gigged locally in the South (including with Kirk DeVore and Nye Mayhew), and toured with Ben Bernie from 1938-40 before hitting the big time with Benny Goodman from 1940-42. McGarity not only played with Benny Goodman's big band but with his smaller groups -- the first trombonist to do so. McGarity, who through the years often teamed up with his friend and fellow trombonist Cutty Cutshall (including with Goodman), worked with Raymond Scott's Orchestra at CBS from 1942-44, spent time in the military and then rejoined Benny Goodman for a time in 1946. Starting in 1947, he worked as a busy studio musician in New York, often appearing nightly with Dixieland-oriented musicians, including the Lawson/Haggart band, and with the many groups of Eddie Condon. He worked with Bob Crosby in the mid-'60s and was a key member of the World's Greatest Jazz Band from 1968-70 before bad health shortened his life. McGarity recorded as a leader for MGM (four selections in 1955), Jubilee in 1959, Argo in 1959 and Fat Cat's Jazz in 1970.

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Biografía del artista por Scott Yanow
Un solista de trombón muy talentoso influenciado por Jack Teagarden pero que posee su propio sonido más fuerte, Lou McGarity fue un gran activo para muchas bandas y sesiones improvisadas. Comenzó a tocar el violín cuando tenía siete años, y no cambió a trombón hasta que tenía 17 años. McGarity estudió en la Universidad de Georgia de 1934-36, se presentó localmente en el sur (incluso con Kirk DeVore y Nye Mayhew), y realizó una gira con Ben Bernie de 1938-40 antes de llegar al gran momento con Benny Goodman de 1940-42. McGarity no solo tocó con la gran banda de Benny Goodman, sino con sus grupos más pequeños, el primer trombonista en hacerlo. McGarity, quien a través de los años a menudo se unió a su amigo y compañero trombonista Cutty Cutshall (incluyendo a Goodman), trabajó con la Orquesta de Raymond Scott en CBS de 1942-44, pasó un tiempo en el ejército y luego se reincorporó a Benny Goodman por un tiempo en 1946. A partir de 1947, trabajó como músico de estudio en Nueva York, a menudo actuando todas las noches con músicos orientados a Dixieland, incluida la banda de Lawson / Haggart, y con los muchos grupos de Eddie Condon. Trabajó con Bob Crosby a mediados de los años 60 y fue un miembro clave de la Banda de Jazz Más Grande del Mundo desde 1968 hasta 1970, antes de que la mala salud acortara su vida. McGarity grabó como líder para MGM (cuatro selecciones en 1955), Jubilee en 1959, Argo en 1959 y Fat Cat's Jazz en 1970.


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Chet Atkins • Chet Atkins Goes To The Movies



Shinichi Kinoshita & Roby Lakatos • SO GU



Shinichi Kinoshita, the leading tsugaru shamisen player among the younger generation, started learning shamisen at the age of 10 from his father who also was an artist. While tsugaru shamisen is a traditional instrument, Shinichi combined shamisen with rock and jazz and made a completely original music. In 1993, he started "Kinoshita Shinichi Group" composed of tsugaru shamisen, percussion, keyboard, electric guitar, and wadaiko (Japanese drum) and made "Tsugaru Shamisen Rock". In November 2001, Shinichi released two successful tsugaru shamisen albums, "Den" and "Kai" from avex io. "Den" features traditional repertoire while "Kai" features what Shinichi calls "tsugaru fusion". In June 2002, released "SOGU", an album made with a collaboration with Hungarian violinist Roby Lakatos and following year, he released another album, "Show" which features traditional tsugaru shamisen. While releasing albums, Shinichi also made nationwide tour as well as performed in different countries which all won high acclaim. In 2002, Shinichi joined Eitetsu Hayashi's (a renowned Japanese wadaiko player) US tour as well as made Central/South America tour in six countries. In 2003, performed at International Istanbul Music Festival and also gave several concerts at England.

" Wikipedia: "
Roby Lakatos, the 'devil’s fiddler', is a gypsy violinist from Hungary. He is renowned for his mix of classical music with Hungarian-gypsy music and jazz themes. Lakatos was born in 1965 into the legendary family of gypsy violinists descended from Janos Bihari, 'King of Gypsy Violinists'. He was introduced to music as a child and at age nine he made his public debut as first violin in a gypsy band. His musicianship was learnt not only with his own family, but also at the Béla Bartók Conservatory of Budapest, where he won the first prize for classical violin in 1984. Between 1986 and 1996, he and his ensemble played at 'Les Ateliers de La Grande Ile' in Brussels. He has collaborated with Vadim Repin and Stéphane Grappelli. It is claimed Lakatos' playing was greatly admired by Sir Yehudi Menuhin, who always made a point of visiting the club in Brussels to hear him. In March 2004, Lakatos appeared to great acclaim with the London Symphony Orchestra in the orchestra’s 'Genius of the Violin' festival alongside Maxim Vengerov."

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Shinichi Kinoshita, el principal jugador de tsugaru shamisen entre la generación más joven, comenzó a aprender shamisen a la edad de 10 años de su padre, que también era artista. Mientras que tsugaru shamisen es un instrumento tradicional, Shinichi combinó shamisen con rock y jazz e hizo una música completamente original. En 1993, comenzó "Kinoshita Shinichi Group" compuesto por tsugaru shamisen, percusión, teclado, guitarra eléctrica y wadaiko (tambor japonés) e hizo "Tsugaru Shamisen Rock". En noviembre de 2001, Shinichi lanzó dos exitosos álbumes de tsugaru shamisen, "Den" y "Kai" de avex io. "Den" presenta el repertorio tradicional, mientras que "Kai" presenta lo que Shinichi llama "fusión tsugaru". En junio de 2002, lanzó "SOGU", un álbum hecho en colaboración con el violinista húngaro Roby Lakatos y, al año siguiente, lanzó otro álbum, "Show", que presenta el tsugaru shamisen tradicional. Mientras lanzaba álbumes, Shinichi también realizó una gira nacional y actuó en diferentes países, todos los cuales fueron aclamados. En 2002, Shinichi se unió a la gira de Eitetsu Hayashi (un renombrado jugador de wadaiko japonés) en Estados Unidos, así como también realizó una gira por Centro / Sudamérica en seis países. En 2003, actuó en el Festival Internacional de Música de Estambul y también dio varios conciertos en Inglaterra.

"Wikipedia:"
Roby Lakatos, el "violinista del diablo", es un violinista gitano de Hungría. Es famoso por su mezcla de música clásica con música gitana húngara y temas de jazz. Lakatos nació en 1965 en la legendaria familia de violinistas gitanos descendientes de Janos Bihari, "Rey de los violinistas gitanos". Se presentó a la música como un niño y a los nueve años hizo su debut público como primer violín en una banda gitana. Su maestría musical se aprendió no solo con su propia familia, sino también en el Conservatorio Béla Bartók de Budapest, donde ganó el primer premio de violín clásico en 1984. Entre 1986 y 1996, él y su conjunto tocaron en 'Les Ateliers de La Grande Ile 'en Bruselas. Ha colaborado con Vadim Repin y Stéphane Grappelli. Se dice que Sir Yehudi Menuhin admiraba mucho el juego de Lakatos, quien siempre se propuso visitar el club de Bruselas para escucharlo. En marzo de 2004, Lakatos apareció con gran éxito junto a la London Symphony Orchestra en el festival 'Genius of the Violin' de la orquesta junto a Maxim Vengerov ".


Jay Hoggard • Overview



Jay Hoggard - Vibraphonist / Composer
          Vibraphonist, Composer Jay Hoggard’s music has touched the hearts and souls of listeners around Planet Earth for  40 years. Jay Hoggard has long ranked with the greatest vibraphone innovators. Jay’s music is positive, spiritual, uplifting, and happy. He masterfully draws on traditional and contemporary musical vocabulary to develop new directions for the vibraphone. Jay seamlessly blends jazz and gospel roots with African marimba rhythms. His performance repertoire represents the three B’s of the jazz tradition (Blues, Bop, Ballads) with original innovations.

          Born in Washington, DC, Jay Hoggard was raised in Mt. Vernon, New York in a religious family.His father was a Bishop in the African Methodist Episcopal Zion denomination. At age 15, Jay began playing the vibraphone. "One night I had a dream that I was playing the vibes. I asked my father to rent me a set and from the first moment, I knew that this was what I was supposed to do." Jay majored in the renown World Music program at Wesleyan University . He toured Europe and played at Carnegie Hall during his freshman year. In his junior year, he traveled to Tanzania to study East African marimba music. Jay graduated from Wesleyan in 1976 and returned to New York City in 1977 to be proclaimed a young lion of the vibraphone.

           Jay Hoggard has recorded 22 CD’s as a leader and over 50 as a collaborator. His newest CD, released in 2016 on the JHVM label, is HARLEM HIEROGLYPHS. This two disc recording features Gary Bartz saxophones, James Weidman piano,organ, Nat Adderley,Jr piano,organ, Belden Bullock bass, and Yoron Israel drums. Noted jazz writer Owen McNally recently declared in his Jazz Corridor column for WNPR.org :

         “ Hoggard has created a triumphant jazz album, a dramatic showcase for his diverse composing skills… While the standards get royal treatment, Hoggard’s originals are the album’s crown jewels. Among these are the celebratory rent party special, "Harlem Jazzbirds Swingin’ and Swayin’"; "Sonic Hieroglyphs," an ode to jazz’s sophisticated sonic semiotics, signs and symbols expressing the sweet and bittersweet mysteries of life, and Disposable Consumption, landscaped with brilliant corners and a mysterious motif of sharp consciousness morphing in and out of an edgy, subconscious dream state… Throughout, there’s the underlying theme of the hieroglyphs of jazz, the music’s uniquely creative, emblematic lexicon, alive with nuance and layers of symbolic meaning. Hoggard’s striking gallery of sonic portraits reflects many inspirations, both artistic and personal, that nourish his imagination…Harlem Hieroglyphs is alive with open-ended potential, perhaps even as the foreshadowing of a historical and culturally-oriented musical theater work graced with evocative narrative pieces resonating with cultural relevance. Or the album could be the gateway to programmatic tonal suites as painterly as the works by such great African-American artists as Jacob Lawrence, a master chronicler of the African-American experience, including his celebrated Migration Series. … Part of what fuels Hoggard’s soaring, imaginative flights are his passion for jazz in all its historic and cultural breadth and depth, and his fascination with the legacy of Harlem’s Golden Age, its rich, vibrant social and cultural life from sacred churches to secular shrines for jazz…Along with a host of aesthetic, intellectual and psychological inspirations resides his deep-seated sense of family, pride in its roots and history. Moved by spirituality, scholarly intensity and uncompromising integrity, the composer/savant is on a mission to use his artistic gifts to spread the good word about the power and the glory of jazz’s hieroglyphs, those myriad, mysterious, sub rosa, miraculously redemptive messages that have left a profoundly expressive, ineffable yet indelible mark on America’s creative consciousness.”      

         Jay Hoggard’s other recordings on the JHVM label, THE RIGHT PLACE, SONGS OF SPIRITUAL LOVE, SWING ‘EM GATES, SOULAR POWER, CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, and SOLO FROM TWO SIDES, give  listeners an opportunity to experience the many sides of this  significant and vital musician. 

         About CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, Jay says "This recording is about the joy, peace, love, and happiness that should traverse the world during the holiday seasons and throughout the whole year. I am a Christian, and this recording is about the reason for the Christmas season: the observance and re-enactment of the circumstances of the birth of Jesus. But this music is also an offering to human beings of all faiths and non- faiths, of the beautiful sounds of which I am blessed to be one of many, many channeling spirits." This trio recording features James Weidman on organ and piano and Bruce Cox on the drums.

          SOLO FROM TWO SIDES is a beautiful program of 13 Jay Hoggard compositions performed by the composer on both vibraphone and marimba, by way of digital overdubbing. SOULAR POWER, released Fall 08, is an exquisite set of eleven Jay Hoggard compositions and one jazz standard. As Hoggard says, “this CD has the feel of a live performance with the benefit of studio quality sound. New tunes are combined with others that have evolved in performance over the years. I am about music that is both aesthetically pleasing for your mind and spirit, and physically healing for your body and soul. The power of soul is a mystical paradigm of consciousness transformation .”

          SOULAR POWER swings with great sonic balance among its instruments and artists. Pianist/ organist James Weidman, bassist Belden Bullock, and drummer Yoron Israel have performed and recorded as an ensemble with Jay for more than fifteen years. Their performances here are of a caliber that can only be delivered by long associated, empathetic collaborators. 

           SWING 'EM GATES, is a tribute to the late vibraphone grand master Lionel Hampton. “Eight of the compositions on this recording are tunes that I played when Lionel Hampton sent me to sub for him with his band in the 1990’s…Once, when Hamp called me to play for him, I asked what tunes he wanted. He replied, ’Just swing ‘em,gates.’ ” That conversation was the inspiration for Jays’ composition of the same name as well as the direction of this musical tribute to Hampton in Hoggard’s musical voice The recording features stellar performances by top New York collaborators with a guest appearance by piano master, Dr. Billy Taylor on three tunes.

          Jay Hoggard has been honored and commissioned as a composer in various contexts. In 2016 he collaborated with choreographer Nicole Stanton and writer Lois Brown on STORIED PLACES, premiered at Wesleyan University.  In 2009, he was commissioned by dance troupe Sankofa Kuumba and the Hartford Symphony Orchestra to write THE OTHER SIDE OF THE OCEAN and LET ME MAKE IT CLEAR. Previously, Jay collaborated with choreographer Cleo Parker Robinson by composing THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE commissioned by Lincoln Center Out of Doors. He was commissioned by the Hartford Festival of Jazz to compose LA TIERRA HERMOSA, dedicated to Tito Puente. He was commissioned by Wesleyan University to compose JOYFUL SWAMP and CROSSING POINT for Max Roach and percussion ensemble, and VIBARIMBALA for symphonic and jazz orchestras.

          As a performer, Jay Hoggard has toured the globe to rave reviews. He has performed in many of the finest venues of music presentation throughout the United States , Africa Europe, South America, the Caribbean, and Asia. Jay has performed in major venues (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) jazz festivals (St. Lucia. JVC, Montreux, Mt.Fuji, Pori, Hartford), colleges, universities, churches, galleries, libraries, and clubs around the globe. Jay has been featured on radio (NPR, Pacifica) and television (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) nationally and internationally. He led a quintet on an extensive tour sponsored by the United States government to North Africa, the Middle East and India. Jay performed in special concert collaborations with vibraphone masters Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente and Bobby Hutcherson. He has recorded and toured with creative artists such as Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen, Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams , Sherry Winston, Ahmed Abdullah, and was a guest artist with the Dizzy Gillespie Big Band. Jay has accompanied singers, instrumentalists, and poets and has performed with gospel, theater, dance, percussion, and orchestral ensembles.

          Jay Hoggard is a tenured Professor of Music at his alma mater, Wesleyan University. For over 25 years, he has been the director of the Wesleyan Jazz Orchestra and has taught and mentored thousands of students.


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Jay Hoggard - Vibrafonista / Compositor
          La música del vibrafonista y compositor Jay Hoggard ha tocado los corazones y las almas de los oyentes de todo el planeta Tierra durante 40 años. Jay Hoggard ha clasificado durante mucho tiempo con los mejores innovadores de vibráfono. La música de Jay es positiva, espiritual, edificante y feliz. Se basa magistralmente en el vocabulario musical tradicional y contemporáneo para desarrollar nuevas direcciones para el vibráfono. Jay combina a la perfección las raíces del jazz y el gospel con los ritmos de la marimba africana. Su repertorio de interpretación representa las tres B de la tradición del jazz (Blues, Bop, Ballads) con innovaciones originales.

          Nacido en Washington, DC, Jay Hoggard se crió en Mt. Vernon, Nueva York, en una familia religiosa. Su padre era un obispo en la denominación metodista africana episcopal Zion. A los 15 años, Jay comenzó a tocar el vibráfono. "Una noche tuve el sueño de tocar la vibra. Le pedí a mi padre que me rentara un juego y, desde el primer momento, supe que esto era lo que debía hacer". Jay se especializó en el renombrado programa de música mundial en la Universidad de Wesleyan. Realizó una gira por Europa y jugó en el Carnegie Hall durante su primer año. En su primer año, viajó a Tanzania para estudiar música de marimba de África Oriental. Jay se graduó de Wesleyan en 1976 y regresó a la ciudad de Nueva York en 1977 para ser proclamado un joven león del vibráfono.

           Jay Hoggard ha grabado 22 CD como líder y más de 50 como colaborador. Su nuevo CD, lanzado en 2016 con el sello JHVM, es HARLEM HIEROGLYPHS. Esta grabación de dos discos incluye los saxofones Gary Bartz, el piano James Weidman, el órgano, Nat Adderley, el piano Jr, el órgano, el bajo de Belden Bullock y la batería de Yoron Israel. El destacado escritor de jazz Owen McNally recientemente declaró en su columna Jazz Corridor para WNPR.org:

         "Hoggard ha creado un álbum de jazz triunfante, un escaparate dramático por sus diversas habilidades de composición ... Mientras que los estándares reciben un tratamiento real, los originales de Hoggard son las joyas de la corona del álbum. Entre ellos se encuentran la fiesta especial de alquiler de celebración, "Harlem Jazzbirds Swingin’ y Swayin ’"; "Sonic Hieroglyphs", una oda a la sofisticada semiótica sónica del jazz, signos y símbolos que expresan los dulces y agridulces misterios de la vida, y el Consumo desechable, adornados con esquinas brillantes y un misterioso motivo de conciencia aguda que se transforma dentro y fuera de un sueño sutil e inconsciente. estado ... A lo largo, está el tema subyacente de los jeroglíficos del jazz, el léxico emblemático y singularmente creativo de la música, vivo con matices y capas de significado simbólico. La impactante galería de retratos sonoros de Hoggard refleja muchas inspiraciones, tanto artísticas como personales, que nutren su imaginación ... Harlem Hieroglyphs está vivo con un potencial ilimitado, tal vez incluso como el presagio de una obra de teatro musical histórica y culturalmente orientada con evocativas piezas narrativas. resonando con relevancia cultural. O el álbum podría ser la puerta de entrada a las suites tonales programáticas tan pictóricamente como las obras de grandes artistas afroamericanos como Jacob Lawrence, un cronista maestro de la experiencia afroamericana, incluida su célebre Serie Migración. … Parte de lo que alimenta los vuelos imaginativos e intensos de Hoggard es su pasión por el jazz en toda su amplitud y profundidad histórica y cultural, y su fascinación por el legado de la Edad de Oro de Harlem, su vida social y cultural rica y vibrante, desde iglesias sagradas hasta santuarios seculares. para el jazz ... Junto con una serie de inspiraciones estéticas, intelectuales y psicológicas reside su profundo sentido de familia, orgullo en sus raíces e historia. Movido por la espiritualidad, la intensidad académica y la integridad intransigente, el compositor / sabio tiene la misión de usar sus dones artísticos para difundir la buena palabra sobre el poder y la gloria de los jeroglíficos del jazz, esos miles, misteriosos, sub rosa, milagrosamente redentor de mensajes que han dejado una huella profundamente expresiva, inefable pero indeleble en la conciencia creativa de Estados Unidos ".

         Las otras grabaciones de Jay Hoggard en la etiqueta JHVM, EL LUGAR CORRECTO, LAS CANCIONES DEL AMOR ESPIRITUAL, LAS PUERTAS SWING 'EM, EL PODER SOULAR, VIBRAS DE NAVIDAD TODO EL AÑO, Y SOLO DESDE DOS LADOS, dan a los oyentes la oportunidad de experimentar los muchos aspectos de esto. Músico significativo y vital.

         Acerca de CHRISTMAS VIBES TODO EL AÑO, Jay dice: "Esta grabación es sobre la alegría, la paz, el amor y la felicidad que deben atravesar el mundo durante las vacaciones y durante todo el año. Soy un cristiano, y esta grabación es sobre la motivo de la temporada navideña: la observancia y recreación de las circunstancias del nacimiento de Jesús. Pero esta música es también una ofrenda a los seres humanos de todas las creencias y no creencias, de los hermosos sonidos de los cuales tengo la bendición de ser Uno de los muchos, muchos espíritus canalizadores ". Este trío de grabación cuenta con James Weidman en el órgano y el piano y Bruce Cox en la batería.

SOLO FROM TWO SIDES es un hermoso programa de 13 composiciones de Jay Hoggard realizadas por el compositor tanto en vibráfono como en marimba, a través de la sobregrabación digital. SOULAR POWER, lanzado en otoño de 08, es un conjunto exquisito de once composiciones de Jay Hoggard y un estándar de jazz. Como dice Hoggard, “este CD tiene la sensación de una presentación en vivo con el beneficio de un sonido de calidad de estudio. Las nuevas melodías se combinan con otras que han evolucionado en rendimiento a lo largo de los años. Me refiero a la música que es estéticamente placentera para tu mente y espíritu, y la curación física de tu cuerpo y alma. El poder del alma es un paradigma místico de la transformación de la conciencia ".

          SOULAR POWER oscila con gran equilibrio sonoro entre sus instrumentos y artistas. El pianista / organista James Weidman, el bajista Belden Bullock y el baterista Yoron Israel han actuado y grabado como un conjunto con Jay durante más de quince años. Sus actuaciones aquí son de un calibre que solo pueden ser proporcionadas por colaboradores empáticos asociados durante mucho tiempo.

           SWING 'EM GATES, es un homenaje al difunto gran vibráfono Lionel Hampton. "Ocho de las composiciones de esta grabación son melodías que toqué cuando Lionel Hampton me envió a un subgrupo para él con su banda en la década de 1990 ... Una vez, cuando Hamp me llamó para tocar para él, le pregunté qué melodías quería. Respondió: 'Sólo hay que batirlos, puertas' ”. Esa conversación fue la inspiración para la composición de los Jays del mismo nombre, así como la dirección de este tributo musical a Hampton en la voz musical de Hoggard. La grabación presenta actuaciones estelares de los mejores de Nueva York. colaboradores con una aparición especial del maestro de piano, Dr. Billy Taylor en tres canciones.

          Jay Hoggard ha sido honrado y comisionado como compositor en varios contextos. En 2016 colaboró ​​con la coreógrafa Nicole Stanton y la escritora Lois Brown en STORIED PLACES, estrenada en Wesleyan University. En 2009, el grupo de danza Sankofa Kuumba y la Orquesta Sinfónica de Hartford le encargaron que escribiera EL OTRO LADO DEL OCÉANO y DEJÉMALOJARLO. Anteriormente, Jay colaboró ​​con el coreógrafo Cleo Parker Robinson al componer THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE, encargado por Lincoln Center Out of Doors. El Hartford Festival of Jazz le encargó que compusiera LA TIERRA HERMOSA, dedicada a Tito Puente. Fue encargado por la Universidad de Wesleyan para componer JOYFUL SWAMP y CROSSING POINT para Max Roach y conjunto de percusión, y VIBARIMBALA para orquestas sinfónicas y de jazz.

          Como actor, Jay Hoggard ha realizado giras por todo el mundo para obtener excelentes críticas. Ha actuado en muchos de los mejores lugares de presentación de música en los Estados Unidos, África, Europa, América del Sur, el Caribe y Asia. Jay ha actuado en los principales lugares (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) festivales de jazz (Santa Lucía. JVC, Montreux, Mt. Fuji, Pori, Hartford), colegios, universidades, iglesias, galerías, bibliotecas y clubes en todo el globo. Jay ha aparecido en radio (NPR, Pacifica) y televisión (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) a nivel nacional e internacional. Lideró un quinteto en una extensa gira patrocinada por el gobierno de los Estados Unidos al norte de África, Medio Oriente e India. Jay actuó en colaboraciones de conciertos especiales con los maestros de vibráfono Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente y Bobby Hutcherson. Ha grabado y realizado giras con artistas creativos como Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen , Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams, Sherry Winston, Ahmed Abdullah, y fue un artista invitado de la Dizzy Gillespie Big Band. Jay ha acompañado a cantantes, instrumentistas y poetas y ha actuado con gospel, teatro, danza, percusión y conjuntos orquestales.

          Jay Hoggard es profesor titular de música en su alma mater, la Universidad de Wesleyan. Durante más de 25 años, ha sido el director de la Orquesta de Jazz de Wesleyan y ha enseñado y asesorado a miles de estudiantes.




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