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sábado, 25 de mayo de 2019

Bill Black's Combo • Mr. Beat



William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black later formed Bill Black's Combo.

Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic guitar in local bars.

During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a member of a musical family. They married in 1946 and returned to Memphis. Black worked at the Firestone plant.

He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass" technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to his son, Black said his goal was always to give his audience "a few moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle 'em for a while."

In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler, they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on steel guitar, and a drummer.

In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There were several personnel changes. While Young was in the army, his position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.

The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December 1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number one on the "black" music charts.[3] It sold over one million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA.[23] A follow-up release, "White Silver Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor, topped the R&B charts for four weeks.

Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40 between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy Jazz album spent a record whole year in the top 100.

The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West, and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar with a pencil.

In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios" (a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis, Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and playing back tracks.[citation needed]

Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others. The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun Studio engineer.

Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the Combo to different regions of the country at the same time, while staying off the road himself, wanting to concentrate on his business, family and his health.

In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.

Black himself had been ill for the past year and a half and unable to travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black himself was not well enough to make the tour.

After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis, Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he believed that his presence would turn it into a media frenzy. He decided instead to visit the family privately after the service to express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."

Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the Year award in 1976.

On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.

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William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965) [1] fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.

Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en guitarra acústica en bares locales.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black trabajó en la planta de Firestone.

Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de "bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que les haga cosquillas por un tiempo".

En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers. Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.

En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold (batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby Emmons lo reemplazó en la gira.

La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en diciembre de 1959.  "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17 de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas musicales "negras". [3] Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA. [23] Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.

Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40 entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy Jazz pasó un año entero en el top 100.

The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba la guitarra con un lápiz.

En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]

Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" ​​y "La banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso ingeniero de Sun Studio.

A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio, su familia y su salud.

En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.

El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos) en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente bien como para hacer la gira.

Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee. Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que necesiten, hágamelo saber y será suyo".

La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año de Billboard en 1976.

El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


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Bill Evans ‎• New Jazz Conceptions



El álbum con el que el excepcional pianista, Bill Evans, debutó como lider para gloria del jazz. Un magnifico regstro que ya entonces llamó poderosamente la atención y que presagiaba hasta donde podría llegar este músico. En "New Jazz Conceptions" está la semilla germinal del piano en trio que Bill Evans desarrolló con genial maestria en los siguientes años.

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Review by Scott Yanow
Bill Evans' debut as a leader found the 27-year-old pianist already sounding much different than the usual Bud Powell-influenced keyboardists of the time. Even in 1956 (more than a year before he joined the Miles Davis Sextet), Evans had his own chord voicings and a lyrical yet swinging style. Three selections here are taken solo (including the original version of his classic "Waltz for Debby"), while the other eight are performed in a trio with bassist Teddy Kotick and drummer Paul Motian (including his future theme "Five," "Speak Low" and "No Cover, No Minimum"). A strong start to a significant career.


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viernes, 24 de mayo de 2019

Laurie Johnson & The London Studio Orchestra • The Avengers & The New Avengers & The Professionals



Laurie Johnson was born in Hampstead, London in 1927, studied at the Royal Gollege of Music and later taught there for a time. In 1945 he joined the Coldstream Guards, serving for four years, subsequently entering the film world in 1956. He has composed scores for more than 35 feature fiíms including Tiger Boy, Hot Millions, The Belstone Fox, The Maids, First Men in the Moon, Hedda and Dr Strangelove. Particularly active in composing scores for televisión, including The Avengers, The New Avengers and The Professionals he has written music and themes for over three hundred TV films and shows.

Laurie Johnson has also experienced considerable success in the theatreand in 1960hisscore for the stage musical Lock Up Your Daughters, with lyrics by Lionel Bart, ran for over four years in London, starring Bernard Miles and Hy Hazel. He also wrote the music for The Four Musketeers which starred Harry Secombe and ran at the Drury Lañe Theatre for almost two years.

His talent also extends to concert music and his Synthesis for combined symphony and jazz orchestra was amongst the year’s ten best records when issued in 1970. He has also written a tone poem for orchestra and narrator, the Conquistadors, a cantata Hiawatha and music for military band.

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Laurie Johnson nació en Hampstead, Londres, en 1927, estudió en el Royal Gollege of Music y luego enseñó allí por un tiempo. En 1945 se unió a la Guardia Coldstream, sirviendo durante cuatro años, y posteriormente ingresó al mundo del cine en 1956. Ha compuesto partituras para más de 35 películas, incluyendo Tiger Boy, Hot Millions, The Belstone Fox, The Maids, First Men in the Moon. , Hedda y el Dr. Strangelove. Particularmente activo en la composición de partituras para televisión, incluyendo The Avengers, The New Avengers y The Professionals, ha escrito música y temas para más de trescientas películas y programas de televisión.

Laurie Johnson también ha experimentado un éxito considerable en la proyección en 1960 del primer momento para el escenario musical Lock Up Your Daughters, con letras de Lionel Bart, durante más de cuatro años en Londres, protagonizada por Bernard Miles y Hy Hazel. También escribió la música para The Four Musketeers, protagonizada por Harry Secombe y que estuvo en el Drury Lañe Theatre durante casi dos años.

Su talento también se extiende a la música de concierto y su Síntesis para orquesta combinada de sinfonía y jazz estuvo entre los diez mejores discos del año cuando se emitió en 1970. También ha escrito un poema de tono para orquesta y narrador, los Conquistadores, una cantata Hiawatha y música para bandas militares.


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Sara Caswell • But Beautiful



2018 Grammy Nominee Sara Caswell “is a brilliant world-class violinist…one of the very best of the present generation of emerging young jazz stars” according to the late David Baker, internationally-renowned jazz educator and former Director of the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra. Rooted in an early exposure to a variety of musical genres, Sara’s technical facility intertwined with her gift for lyricism continue to attract growing attention to her artistry as a jazz soloist, sideman, and teacher.

Recognized as a “Rising Star” in the DownBeat Magazine Critics and Readers Polls every year since 2013, Sara’s two groups (the Sara Caswell Quartet and the Caswell Sisters Quintet) have been heard in venues ranging from Jazz at Lincoln Center’s Dizzy’s Club to university concert halls nationwide. In 2013 Sara and her sister, vocalist Rachel Caswell, released their CD, Alive in the Singing Air featuring jazz pianist Fred Hersch, to rave reviews and its selection by jazz critic Thomas Cunniffe as one of the year’s “Best Vocal CDs” on Jazz History Online. Sara’s two CDs, First Song (Double-Time Records, 2000) and But Beautiful (Arbors Records, 2005), were recognized in several year-end best-of jazz album releases.

Sara regularly performs with mandolinist Joseph Brent’s 9 Horses and has toured extensively with Grammy-winning bassist/vocalist Esperanza Spalding’s Chamber Music Society, clarinetist David Krakauer’s The Big Picture, vocalist Roseanna Vitro’s quintet, violinist Mark O’Connor’s American String Celebration, and violinist Darol Anger’s Four Generations of Jazz Violin. She has performed and/or recorded with such artists as Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, and Bruce Springsteen.  She is a member of the New York Pops Orchestra with whom she has been a featured soloist several times in Carnegie Hall, and was part of the house band for NBC’s weekly variety show “Maya & Marty” starring Maya Rudolph and Martin Short.

Currently on faculty at both the Berklee College of Music and the Manhattan School of Music, Sara’s formidable teaching experience also includes the Mark O’Connor String Camps, the Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, the Indiana University String Academy, and a private studio. She has given numerous jazz string improvisation workshops and master classes and is involved with JEN (Jazz Education Network), MENC (National Association of Music Education), and ASTA (American String Teachers Association).

As an award-winning classical violinist, Sara has soloed with several orchestras, given numerous recitals, and performed as a chamber musician in a variety of settings. She was raised in a musical family and began violin at age 5, moving through the first five Suzuki volumes in just nine months. Subsequent years of private lessons at Indiana University led to her involvement in the classical competition circuit where she won numerous awards and 1st-place prizes. “Sara has always shown a remarkable understanding of different musical styles and an uncommon power of communication. These qualities are making of this young artist an outstanding one,” spoken by the late violin maestro Franco Gulli.

A graduate of Indiana University which she attended under full scholarship as a Wells Scholar, Sara received B.M. Degrees with High Distinction and an Artist Diploma in both Violin Performance and Jazz Studies. In 2006 Sara completed her M.M. Degree in Jazz Violin at the Manhattan School of Music. In addition to several years of study with the legendary Josef Gingold (classical), Stanley Ritchie (baroque), and David Baker (jazz), Sara worked with many of today’s top jazz artists at the Thelonious Monk Institute of Jazz Summer Residency Program and at the Steans Institute for Young Artists at the Ravinia Jazz Festival.

Sara’s artistry and unique sound lead international recording artist/violinist Mark O’Connor to write: “Most good violinists will never experience what Sara creates with her instrument. It is beautifully refined emotion that lifts the spirit…Jazz violin needs a universal ambassador…a player who can pick up where the last generation left off. Sara  is well on her way to extending that tradition to touch new audiences.”

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Sara Caswell, nominada al Grammy 2018 "es una brillante violinista de clase mundial ... una de las mejores estrellas emergentes de jazz jóvenes", según el fallecido David Baker, reconocido internacionalmente como educador de jazz y ex director de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra . Arraigada en una temprana exposición a una variedad de géneros musicales, la facilidad técnica de Sara entrelazada con su don para el lirismo sigue atrayendo cada vez más atención a su arte como solista de jazz, sideman y profesora.

Reconocidos como una “estrella en ascenso” en las encuestas de críticos y lectores de la revista DownBeat cada año desde 2013, los dos grupos de Sara (el cuarteto de Sara Caswell y el quinteto de las hermanas de Caswell) han sido escuchados en lugares que van desde el Jazz en el Dizzy's Club del Lincoln Center hasta un concierto universitario. Salones a nivel nacional. En 2013, Sara y su hermana, la vocalista Rachel Caswell, lanzaron su CD, Alive in the Singing Air con el pianista de jazz Fred Hersch, con excelentes críticas y su selección por el crítico de jazz Thomas Cunniffe como uno de los "Mejores CDs vocales" de la historia del jazz. En línea. Los dos CD de Sara, First Song (Double-Time Records, 2000) y But Beautiful (Arbors Records, 2005), fueron reconocidos en varios de los mejores lanzamientos de álbumes de jazz de fin de año.

Sara se presenta regularmente con los 9 caballos del mandolinista Joseph Brent y ha realizado numerosas giras con la bajista y vocalista ganadora del Grammy, la Sociedad de Música de Cámara Esperanza Spalding, The Big Picture del clarinetista David Krakauer, el quinteto de la vocalista Roseanna Vitro, el violinista Mark O'Connor y el violinista Darol Las cuatro generaciones de violín de jazz de la ira. Ella ha actuado y / o grabado con artistas como Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, y Bruce Springsteen. Es miembro de la Orquesta Pops de Nueva York, con la que ha sido solista destacada varias veces en el Carnegie Hall, y fue parte de la banda de house para el programa de variedades semanal "Maya & Marty" de NBC, protagonizada por Maya Rudolph y Martin Short.

Actualmente formando parte de la facultad de Berklee College of Music y Manhattan School of Music, la formidable experiencia de enseñanza de Sara también incluye los Mark O’Connor String Camps, los Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, la Indiana University String Academy y un estudio privado. Ha impartido numerosos talleres y clases magistrales de improvisación de cuerdas de jazz y está involucrada con JEN (Jazz Education Network), MENC (Asociación Nacional de Educación Musical) y ASTA (American String Teachers Association).

Como violinista clásica galardonada, Sara ha tocado en solitario con varias orquestas, ha dado numerosos recitales y ha actuado como músico de cámara en una variedad de escenarios. Creció en una familia de músicos y comenzó a tocar el violín a los 5 años, pasando por los primeros cinco volúmenes de Suzuki en solo nueve meses. Los años subsiguientes de clases privadas en la Universidad de Indiana la llevaron a participar en el circuito de competencia clásica, donde ganó numerosos premios y premios de 1er lugar. “Sara siempre ha demostrado una notable comprensión de los diferentes estilos musicales y un poder de comunicación poco común. Estas cualidades hacen que este joven artista sea excepcional ", pronunciado por el fallecido maestro de violín Franco Gulli.

Una graduada de la Universidad de Indiana, a la que asistió con una beca completa como becaria de Wells, Sara recibió B.M. Grados con Alta Distinción y un Diploma de Artista en Violin Performance y Jazz Studies. En 2006 Sara completó su M.M. Licenciada en violín de jazz en la Manhattan School of Music. Además de varios años de estudio con el legendario Josef Gingold (clásico), Stanley Ritchie (barroco) y David Baker (jazz), Sara trabajó con muchos de los mejores artistas de jazz de hoy en el Programa de Residencia de Verano Thelonious Monk Institute of Jazz y en El Instituto Steans para Jóvenes Artistas en el Festival de Jazz de Ravinia.

El arte y el sonido único de Sara llevaron al artista y violinista internacional Mark O’Connor a escribir: “La mayoría de los buenos violinistas nunca experimentarán lo que Sara crea con su instrumento. Es una emoción bellamente refinada la que levanta el espíritu ... El violín de jazz necesita un embajador universal ... un jugador que puede continuar donde se detuvo la última generación. Sara está bien encaminada para extender esa tradición a nuevas audiencias ".




Anoushka Shankar • Land Of Gold



Land of Gold is Anoushka Shankars fervent response to the humanitarian trauma of displaced people fleeing conflict and poverty.

The virtuoso sitar player explores an expressive range, conveying an evocative journey infused with a message of enduring hope. With exquisite arrangements blending genres and musical collaborations, Land of Gold is a narrative communicated with conviction and poetic beauty.

Land of Gold originated in the context of the humanitarian plight of refugees. It coincided with the time when I had recently given birth to my second child. I was deeply troubled by the intense contrast between my ability to provide for my baby, and others who desperately wanted to provide the same security for their children but were unable to do so. Anoushka Shankar.

The narrative thread carried throughout the album evokes themes of disconnection, vulnerability and the underlying hope that persists in our darkest experiences. My instrument is the terrain in which I explore the gamut of emotional expression evoking shades of aggression, anger and tenderness, while incorporating elements of classical minimalism, jazz, electronica and Indian classical styles. Anoushka Shankar

Produced by Anoushka and her husband Joe Wright, whose film-making sensibilities helped to shape and add depth to the mood and energy of the album.

Notable electronic producer Matt Robertson (who is a long-term collaborator of Bjork) added cinematic soundscapes and textures, enhancing the initial compositions. Anoushka worked with a core-team of gifted musicians: At its base the album is designed as a trio of Anoushka, the famous Hang Drum player Manu Delago who performs on and co-wrote many of the pieces, and Sanjeev Shankar who was a student of her father Ravi Shankar, playing the Shehnai, a beautiful reed instrument from India.

Top notch female guest artists lend their voices to the album: M.I.A. with the Song, Jump In (Cross the Line), the wonderful singer Alev Lenz on Land of Gold and the actress and activist Vanessa Redgrave on Remain the Sea (reading a poem by Pavana Reddy). Not only do they add different musical styles and voices of different generations but all of them represent strong women known for using their voices for equality and against injustice. The last song Reunion features a girls children choir Girls for Equality.

The music is mainly based on western harmonics, features great electronic programming, string arrangements, hip hop elements, beautiful songwriting and virtuoso sitar performances embedded in exciting contemporary arrangements.

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Land of Gold es la respuesta ferviente de Anoushka Shankar al trauma humanitario de las personas desplazadas que huyen del conflicto y la pobreza.

El virtuoso intérprete de sitar explora una gama expresiva, transmitiendo un viaje evocador infundido de un mensaje de esperanza perdurable. Con exquisitos arreglos que mezclan géneros y colaboraciones musicales, Land of Gold es una narrativa comunicada con convicción y belleza poética.

Land of Gold se originó en el contexto de la difícil situación humanitaria de los refugiados. Coincidió con el momento en que yo había dado a luz recientemente a mi segundo hijo. Estaba profundamente preocupada por el intenso contraste entre mi capacidad para mantener a mi bebé y otras personas que desesperadamente querían proporcionar la misma seguridad a sus hijos pero que no podían hacerlo. Anoushka Shankar.

El hilo narrativo que se lleva a lo largo del álbum evoca temas de desconexión, vulnerabilidad y la esperanza subyacente que persiste en nuestras experiencias más oscuras. Mi instrumento es el terreno en el que exploro la gama de expresiones emocionales que evocan matices de agresividad, ira y ternura, a la vez que incorporo elementos del minimalismo clásico, el jazz, la electrónica y los estilos clásicos indios. Anoushka Shankar

Producida por Anoushka y su esposo Joe Wright, cuyas sensibilidades cinematográficas ayudaron a dar forma y profundidad al estado de ánimo y la energía del álbum.

El notable productor de electrónica Matt Robertson (que es un colaborador a largo plazo de Bjork) añadió paisajes sonoros y texturas cinematográficas, mejorando las composiciones iniciales. Anoushka trabajó con un equipo central de músicos talentosos: En su base el álbum está diseñado como un trío de Anoushka, el famoso músico de Hang Drum Manu Delago que interpreta y co-escribe muchas de las piezas, y Sanjeev Shankar que fue alumno de su padre Ravi Shankar, tocando el Shehnai, un hermoso instrumento de caña de la India.

Las artistas invitadas de primera categoría prestan sus voces al álbum: M.I.A. con la canción Jump In (Cruzar la línea), el maravilloso cantante Alev Lenz en Land of Gold y la actriz y activista Vanessa Redgrave en Remain the Sea (leyendo un poema de Pavana Reddy). No sólo añaden diferentes estilos musicales y voces de diferentes generaciones, sino que todas ellas representan a mujeres fuertes conocidas por utilizar sus voces en pro de la igualdad y contra la injusticia. La última canción Reunion presenta un coro de niñas, Girls for Equality.

La música se basa principalmente en armónicos occidentales, ofrece una gran programación electrónica, arreglos de cuerdas, elementos de hip hop, hermosas composiciones y virtuosas interpretaciones de sitar incrustadas en emocionantes arreglos contemporáneos.




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Hampton Hawes • The Green Leaves of Summer



Pianist Hampton Hawes' first recording after serving five years in prison finds Hawes evolving a bit from a Bud Powell-influenced bop pianist to one familiar with more modern trends in jazz. Reissued on CD, this trio date finds Hawes interacting closely with bassist Monk Montgomery and drummer Steve Ellington (making his recording debut). Hawes had lost nothing of his swinging style while in prison, as can be heard on such numbers as "Vierd Blues," "St. Thomas" and "Secret Love," and he was just starting to hint at moving beyond bop. Recommended.
Scott Yanow, All Music Guide

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La primera grabación del pianista Hampton Hawes, después de cumplir cinco años en prisión, muestra que Hawes evoluciona un poco desde un pianista de influencia de Bud Powell a uno familiarizado con las tendencias más modernas del jazz. Reeditado en CD, este trío cita a Hawes interactuando estrechamente con el bajista Monk Montgomery y el baterista Steve Ellington (haciendo su debut en la grabación). Hawes no había perdido nada de su estilo de swing mientras estaba en prisión, como se puede escuchar en números como "Vierd Blues", "St. Thomas" y "Secret Love", y estaba empezando a insinuar que se iba más allá del bop. Recomendado.
Scott Yanow, toda la guía musical


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Ara Malikian y Fernando Egozcue Quinteto • Con Los Ojos Cerrados



Ara Malikian es uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, original e innovador. Nació en Líbano en el seno de una familia armenia, se inició en el violín a muy temprana edad de la mano de su padre y con 12 años dio su primer concierto. A lo largo de su carrera Malikian ha partido de sus raíces armenias y ha ido asimilando la cultura musical de medio mundo: árabe y judía, gitana y kletzmer, el tango argentino y el flamenco español. También ha obtenido numerosos premios en concursos internacionales.

Por su parte, Fernando Egozkue se ha formado en el Conservatorio Nacional de Argentina y ha sido discípulo de algunos de los grandes maestros de la guitarra como Horacio Ceballos, Luis María Corallini, Guillermo Graetzer y Greg Hopkins.Uno de los referentes del tango y los arreglos musicales del panorama actual.

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In 1998, during one of Ara Malikian’s tours in Spain, destiny made that the virtuoso violinist Malikian met Fernando Egozcue and his captivating music. Since then many things have happened, many shared music, many concerts and a natural understanding which is today the expression of the same feeling, deep and mature.

It has a lot to do with this Moisés P. Sánchez, probably the best jazz pianist in Spain nowadays, who oozes creativity, professionalism and good deeds at every step; Miguel Rodrigáñez, elegant double-bass player who combines a polished classic bow with the presence and rhythmic of folk musics and Martin Bruhn, multifaceted and exquisite percussionist who joins the music with the most natural thing.




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Larry Goldings Trio ‎• Sweet Science



Review by Paula Edelstein
Larry Goldings conceived much of the music on Sweet Science on the Korg CX3 and recorded it on a modified C2 Hammond Organ. The funk, blues, and jazz master performs ten excellent songs with his longtime trio members Peter Bernstein on guitar and Bill Stewart on drums. This fourth CD for the Palmetto label finds the trio stretching the boundaries of the organ trio format. On the title track, "Sweet Science," at the head Goldings states the theme by creating imaginative block chord passages and changes that he inserts between adjacent sections for Stewart's drums and Bernstein's guitar. Bernstein then performs a very melodic guitar solo that can be described as beautifully uncommon with other guitar players of his generation. His great articulation segues into Goldings' awesome organ solo -- one that is complete with harmonic schemes, fresh chord progressions, and the rhythmic formulae that have been known to make up Goldings' prized signature licks. "Solid Jack" epitomizes Goldings' accomplished and imaginative sonic organ mastery. This song creates an attractive synthesis of melodic appeal and compositional ingenuity. The mystical "Chorale" and "Come in and Pray" find the trio at peace with a very special spiritual vibe. These are two beautiful pieces that you can just kick back and meditate to. Overall, the CD is a refreshing dose of straight-ahead jazz, blues, and funk. More varied in both artistic scope and musical technique than his previous effort, Sweet Science surpasses the standards of Goldings' unique compositional instincts heard on As One. A brilliant effort.

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Reseña de Paula Edelstein
Larry Goldings concibió gran parte de la música en Sweet Science en el Korg CX3 y la grabó en un C2 Hammond Organ modificado. El maestro del funk, el blues y el jazz interpreta diez excelentes canciones con sus miembros del trío Peter Bernstein en la guitarra y Bill Stewart en la batería. Este cuarto CD para la etiqueta Palmetto encuentra al trío que se extiende a los límites del formato de órgano trío. En la pista del título, "Sweet Science", Goldings establece el tema al crear pasajes imaginativos de acordes de bloques y cambios que inserta entre las secciones adyacentes para la batería de Stewart y la guitarra de Bernstein. Bernstein luego interpreta un solo de guitarra muy melódico que puede describirse como muy poco común con otros guitarristas de su generación. Su gran articulación continúa en el increíble órgano solo de Goldings, uno que se completa con esquemas armónicos, progresiones de acordes frescas y las fórmulas rítmicas que se han hecho para componer los preciados licks distintivos de Goldings. "Solid Jack" personifica el exitoso e imaginativo dominio del órgano sónico. Esta canción crea una atractiva síntesis de atractivo melódico e ingenio compositivo. El místico "Coral" y "Ven y reza" encuentran al trío en paz con un ambiente espiritual muy especial. Estas son dos hermosas piezas que puedes patear y meditar. En general, el CD es una refrescante dosis de jazz, blues y funk. Más variada tanto en el alcance artístico como en la técnica musical que su esfuerzo anterior, Sweet Science supera los estándares de los instintos compositivos únicos de Goldings que se escuchan en As One. Un esfuerzo brillante.


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Beryl Booker • Chronological Classics 1953-1954



Beryl Booker (1922-1978) nacida en Philadelphia, cantante y prodigiosa pianista que nunca aprendió leer música comienza su carrera profesional dentro del mundo del jazz por 1945 con Slam Stewart, en 1954 forma un trio femenino junto a la baterista Elaine Leighton y la contrabajista Bonnie Wetzel, haciendo con gran exito los circuitos europeos y de Estados Unidos.
Ha participado en grabaciones de grandes del jazz como Billie Holiday, Dinah Washington, Count Basie, Miles Davis y Don Byas.
En los 60 y 70 su actividad es intermitente, tocando eventualmente en clubes.

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Beryl Booker (June 7, 1922 – September 30, 1978) was an American swing pianist of the 1950s.
Born in Philadelphia, she played with Slam Stewart's trio in 1946, and played off and on with him until 1951. She also played accompaniment for Dinah Washington. In 1951 she became part of the newly formed Austin Powell Quintet (consisting of former Cats and the Fiddle members Doris Knighton, Johnny Davis and Stanley Gaines, and also Dottie Smith) which recorded one Decca single entitled "All This Can't Be True" before disbanding. In early 1952, Booker led a quintet which played Birdland, featuring Don Elliot, Chuck Wayne, Clyde Lombardi and Connie Kay. Recordings with Miles Davis sitting in on the group have been preserved. In 1953, she formed her own trio with Bonnie Wetzel and Elaine Leighton. This group toured Europe in 1954 as part of a show entitled "Jazz Club USA", which featured Billie Holiday. After another stint with Dinah Washington in 1959, she slipped into obscurity. In the 1970s she continued to play and record with small groups.




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John Coltrane • Both Directions At Once, The Lost Album



The newly discovered, unreleased album from 1963 featuring the “classic quartet” finds the jazz giant thrillingly caught between shoring up and surging forth.
From April 1962 to September 1965, while under contract to the record label Impulse!, John Coltrane led a more or less consistent working group with the same four musicians. After his death in 1967, this group—Coltrane on tenor and soprano saxophone, McCoy Tyner on piano, Jimmy Garrison on bass, Elvin Jones on drums—became known as Coltrane’s “classic quartet.” The group was powerful, elegant, and scarily deep. It was also a well-proportioned framing device. It made an artist with great ambitions easier to understand.

It is possible to hear conviction and morality in some of the classic quartet’s best-known music—like the devotional A Love Supreme, recorded in late 1964—as clearly as you can hear melody or rhythm. As a consequence, all of it can appear set on one venerable plane. As it moves inexorably from ballads, blues, and folk songs into abstraction, the classic-quartet corpus can seem an index not only for the range of acoustic jazz but for possibly how to live, gathered and contained, as if it were always there. But the corpus is only what we have been given to hear. And then one day a closet door flies open, a stack of tapes fall out, and a dilemma begins.

A fair amount of Coltrane’s music has been released after the fact, but nothing that would seem, from a distance, quite so canonical as Both Directions At Once, which is 90 minutes worth of (mostly) previously unheard recordings made at Rudy Van Gelder’s studio on March 6, 1963—the middle of the classic-quartet period. The Van Gelder studio, in Englewood Cliffs, New Jersey, can be considered part of the framing device. It was where the group did nearly all its studio work. For reasons of acoustics, it had a 39-foot-high, cathedral-like, vaulted wooden ceiling, fabricated by the same Oregon lumber company that made blimp hangars during World War II. Coltrane’s music during that period, possibly encouraged by the cathedral-like room, became blimpier and churchier.

Why have we not heard these tapes before? It’s hard to imagine that they could have been blithely ignored or forgotten. The 2018 answer is that mono audition reels of the session were only recently found in the possession of the family of Coltrane’s first wife, Juanita Naima Coltrane. (Impulse! didn’t have the music; the label’s master tapes may have been lost in a company move from New York to Los Angeles.) The 1963 answer is unknown, and probably more complicated.

Coltrane’s contract with Impulse! called for two records a year. Whether that day’s work in March was to be conceived at the time as a whole album, or most of one, is uncertain. The extent to which you believe the record’s subtitle—The Lost Album—might be the extent to which you are excited by the news of Both Directions. I can’t quite do it, but there are other reasons to be excited.

It may be hard to hear as a coherent album for back then, though it is easy to hear it as one for now, in our current, expanded notion of what an album is. The music does not seem, in its context, to be a full step forward. It’s a little caught between shoring up and surging forth. (The after-the-fact title—alluding to a conversation Coltrane had with Wayne Shorter about the possibility of improvising as if starting a sentence in the middle, moving backward and forward simultaneously—helps turn a possible liability into a strength.) It can give you new respect for the rigor, compression, and balance of some of his other albums from the period. It is at times, as Coltrane’s son Ravi pointed out, surprisingly like a live session in a studio; parts of the music sound geared toward a captive audience. That may be the best thing about it.

Included on the album—which comes either as a single-disc version or a double-disc with alternate takes, both including extensive liner notes by historian Ashley Kahn—is a sunny, bright-tempo melody (the theme from “Vilia,” written by the Hungarian composer Franz Lehár for the operetta The Merry Widow); a downtempo, minor-key, semi-standard (“Nature Boy,” from the book of eden ahbez, the California proto-hippie songwriter); one of Coltrane’s best original lines, in four different takes (“Impressions,” which he’d been working out in concert for several years); a couple of pieces for soprano saxophone which are representative but not stunning (“Untitled Original 11383,” minor-key and modal, and “Untitled Original 11386,” with a pentatonic melody); “One Up, One Down,” a short, wily theme as a pretext for eight minutes of hard-and-fast jamming; and “Slow Blues,” about which more in a minute.

Coltrane was already building albums from disparate sessions, a practice that would soon yield 1963’s Impressions and Live at Birdland, two records that set live and studio tracks side by side. He may have been stockpiling without a clear purpose; he also had to consider what would sell. Since his recording of “My Favorite Things” in 1961—a hit by jazz terms—Coltrane had become recognizable. His subsequent working relationship with Bob Thiele, the head of Impulse!, was based on the notion that he could expand that audience, not shrink it. Six months before the Both Directions session, he’d made a record with Duke Ellington; the day after it, he’d make another with the singer Johnny Hartman. He was entering the popular artist’s paradox of striving to repeat a past success and trying not to run aground on retreads.

The sense of strength and inevitability we associate with Coltrane’s music didn’t just tumble out. It was likely a byproduct of diligence, restlessness, exhausted possibilities, obsession and counter-obsession. He thought about progress. He passed through serial phases of exploring harmonic sequences, modes, and multiple rhythms; when he acknowledged one phase in an interview, he was generally looking for the next. At the height of the classic quartet, he often didn’t have the time or psychic space for study and practice. “I’m always walking around trying to keep my ear open for another ‘Favorite Things’ or something,” he told the writer Ralph Gleason in May, 1961. “I can’t get in the woodshed like I used to. I’m commercial, man.” More: “I didn’t have to worry about it, you know, making a good record, because that wasn’t important. Maybe I should just go back in the woodshed and just forget it.” At the time, a record like Both Directions might have seemed an open admission that he could have used less worry and more woodshed.

What he meant by “another ‘Favorite Things’” might have been a similar act of counterintuition: a sweet, sentimental tune made paranormal, a curiosity that could break out beyond the normal jazz audience and anchor a hit record. If “Vilia” was intended for that role, it isn’t strong enough. “Impressions,” on Both Directions, in its first known studio recording—especially take 3—sounds sublimely focused. But I’m not sure Coltrane plays it here any better than he did sixteen months earlier at the Village Vanguard, the live version he’d choose later in 1963 when finally issuing the tune, on the record of that name. (It’s complicated, I know.)

“Slow Blues” is the one. There is no narrative here, as there sometimes was with Coltrane’s originals; it is not expressly about love or hardship or religious joy. But Coltrane turns himself inside-out. First, he phrases in bare, hesitant strokes, using negative space; then he begins to whip phrases around, repeating them up and down the horn in rapid, shinnying patterns, reaching for inexpressible sounds, getting ugly. (McCoy Tyner’s solo, directly following Coltrane’s, is tidy and elegant, thorough in its own radically contrasting way.) There is the idea of the “new,” and then there is something like this track, which transcends the burden of newness.

I imagine three possible problems someone might have had with putting “Slow Blues” on a record in 1963. One is that, at 11 and a half minutes, it would have taken up a third of the record. Two is that a long blues probably wouldn’t be properly commercial unless there was some sort of story attached to it. And three is that, as was the case with “Impressions,” “Slow Blues” doesn’t explicitly show progress. Hear Coltrane on the long, slow “Vierd Blues” from the Sutherland Hotel in Chicago in 1961. It’s not great sound quality, but it is great in every other way. “Slow Blues” grows from the same root. It’s no “better,” really, but it’s better to have more of it, and better recorded. It is possible to take in Both Directions At Once, some of it middling by Coltrane’s standards and some of it extraordinary by anyone’s, without much thought about sellability or progress. In an ideal case, both qualities are overrated anyway. This is an ideal case.
by Ben Ratliff
June 30 2018

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El álbum recién descubierto, inédito de 1963 con el "cuarteto clásico" encuentra al gigante del jazz sorprendentemente atrapado entre apuntalar y salir adelante.
Desde abril de 1962 hasta septiembre de 1965, mientras estaba bajo contrato con el sello discográfico Impulse, John Coltrane dirigió un grupo de trabajo más o menos consistente con los mismos cuatro músicos. Después de su muerte en 1967, este grupo —Coltrane en el tenor y el saxofón soprano, McCoy Tyner en el piano, Jimmy Garrison en el bajo, Elvin Jones en la batería— se conoció como el "clásico cuarteto" de Coltrane. El grupo era poderoso, elegante y extremadamente profundo. . También era un dispositivo de encuadre bien proporcionado. Hizo un artista con grandes ambiciones más fácil de entender.

Es posible escuchar la convicción y la moralidad en algunas de las músicas más conocidas del cuarteto clásico, como el devocional A Love Supreme, grabado a fines de 1964, tan claramente como se puede escuchar la melodía o el ritmo. Como consecuencia, todo esto puede aparecer en un plano venerable. A medida que se mueve inexorablemente de baladas, blues y canciones populares a la abstracción, el corpus del cuarteto clásico puede parecer un índice no solo para el rango del jazz acústico sino también para cómo vivir, reunirse y contenerse, como si siempre estuviera ahí. Pero el corpus es solo lo que se nos ha dado para escuchar. Y luego, un día, una puerta de un armario se abre de golpe, una pila de cintas se cae y comienza un dilema.

Una buena cantidad de la música de Coltrane ha sido lanzada después del hecho, pero nada que parezca, a la distancia, tan canónico como Both Directions At Once, que equivale a 90 minutos de grabaciones nunca antes escuchadas en el estudio de Rudy Van Gelder. el 6 de marzo de 1963, la mitad del período del cuarteto clásico. El estudio Van Gelder, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, puede considerarse parte del dispositivo de enmarcado. Fue donde el grupo hizo casi todo su trabajo de estudio. Por razones acústicas, tenía un techo de madera abovedado, similar a una catedral, de 39 pies de altura, fabricado por la misma compañía de madera de Oregón que hizo hangares dirigibles durante la Segunda Guerra Mundial. La música de Coltrane durante ese período, posiblemente alentada por una sala con forma de catedral, se volvió más débil y más eclesiástica.

¿Por qué no hemos escuchado estas cintas antes? Es difícil imaginar que podrían haber sido ignorados u olvidados alegremente. La respuesta de 2018 es que los carretes de audición mono de la sesión solo se encontraron recientemente en posesión de la familia de la primera esposa de Coltrane, Juanita Naima Coltrane. (¡Impulse! No tenía la música; es posible que las cintas maestras de la discográfica se hayan perdido en un cambio de compañía de Nueva York a Los Ángeles). La respuesta de 1963 es desconocida, y probablemente más complicada.

¡El contrato de Coltrane con Impulse! pidió dos registros al año. Si el trabajo de ese día en marzo se iba a concebir en el momento como un álbum completo, o la mayoría de uno, es incierto. La medida en que creas en el subtítulo del disco, The Lost Album (Álbum perdido), podría ser la medida en que estés emocionado por las noticias de Both Directions No puedo hacerlo, pero hay otras razones para estar emocionado.

Puede ser difícil escucharlo como un álbum coherente para ese entonces, aunque es fácil escucharlo como uno por ahora, en nuestra noción actual y ampliada de qué es un álbum. La música no parece, en su contexto, ser un paso adelante. Está un poco atrapado entre apuntalar y surgir. (El título posterior al hecho, aludiendo a una conversación que Coltrane tuvo con Wayne Shorter sobre la posibilidad de improvisar como si comenzara una oración en el medio, moviéndose hacia atrás y hacia adelante simultáneamente) ayuda a convertir una posible responsabilidad en una fortaleza. le dará un nuevo respeto por el rigor, la compresión y el equilibrio de algunos de sus otros álbumes de la época. Es a veces, como señaló el hijo de Coltrane, Ravi, sorprendentemente como una sesión en vivo en un estudio; partes de la música suenan dirigidas a un público cautivo. Eso puede ser lo mejor de esto.

Incluido en el álbum, que viene ya sea como una versión de un solo disco o como un disco doble con tomas alternativas, ambas con extensas notas de la historiadora Ashley Kahn, es una melodía brillante y de tempo brillante (el tema de "Vilia", escrito del compositor húngaro Franz Lehár para la opereta The Merry Widow); un tempo descendente, de menor importancia, semi-estándar ("Nature Boy", del libro de Eden Ahbez, el compositor de canciones proto-hippie de California); una de las mejores líneas originales de Coltrane, en cuatro tomas diferentes ("Impresiones", que había estado trabajando en concierto durante varios años); un par de piezas para saxofón soprano representativas pero no deslumbrantes ("Untitled Original 11383", de menor importancia y modal, y "Untitled Original 11386", con una melodía pentatónica); "One Up, One Down", un tema corto y astuto como pretexto para ocho minutos de interferencia rápida y dura; y "Slow Blues", sobre que más en un minuto.

Coltrane ya estaba construyendo álbumes a partir de sesiones dispares, una práctica que pronto produciría las Impresiones de 1963 y Live at Birdland, dos discos que se unieron en vivo y pistas de estudio. Él pudo haber estado almacenando sin un propósito claro; También tenía que considerar qué vendería. Desde su grabación de "Mis cosas favoritas" en 1961, un éxito de los términos del jazz, Coltrane se había vuelto reconocible. Su posterior relación laboral con Bob Thiele, el jefe de Impulse !, se basó en la idea de que podía ampliar esa audiencia, no reducirla. Seis meses antes de la sesión de Both Directions, había hecho un disco con Duke Ellington; Al día siguiente, haría otro con el cantante Johnny Hartman. Estaba entrando en la paradoja del artista popular de esforzarse por repetir un éxito pasado y tratar de no encallar en los recauchutados.

La sensación de fuerza e inevitabilidad que asociamos con la música de Coltrane no se desplomó. Probablemente fue un subproducto de diligencia, inquietud, agotadas posibilidades, obsesión y contra obsesión. Pensó en el progreso. Pasó a través de fases seriales de exploración de secuencias armónicas, modos y ritmos múltiples; cuando reconoció una fase en una entrevista, generalmente buscaba la siguiente. En el apogeo del cuarteto clásico, a menudo no tenía tiempo ni espacio psíquico para estudiar y practicar. "Siempre ando por ahí tratando de mantener mi oído abierto para otras" Cosas favoritas "o algo así", le dijo al escritor Ralph Gleason en mayo de 1961. "No puedo meterme en la leñera como solía hacerlo. Soy comercial, hombre. "Más:" No tenía que preocuparme por eso, ya sabes, hacer un buen registro, porque eso no era importante. Tal vez debería simplemente regresar al cobertizo de madera y olvidarlo ". En ese momento, un registro como Both Directions podría parecer una admisión abierta de que él podría haber usado menos preocupación y más cobertizo de leña.

Lo que quiso decir con "otras" cosas favoritas "" podría haber sido un acto de contraintuición similar: una melodía dulce y sentimental hecha paranormal, una curiosidad que podría ir más allá de la audiencia normal de jazz y anclar un disco exitoso. Si "Vilia" estaba destinado a ese rol, no es lo suficientemente fuerte. "Impresiones", en Both Directions, en su primera grabación de estudio conocida, especialmente en 3, suena con un enfoque sublime. Pero no estoy seguro de que Coltrane juegue aquí mejor que dieciséis meses antes en el Village Vanguard, la versión en vivo que elegiría más tarde en 1963 cuando finalmente emitiera la melodía, en el registro de ese nombre. (Es complicado, lo sé.)

"Slow Blues" es el uno. No hay narrativa aquí, como a veces hubo con los originales de Coltrane; no se trata expresamente de amor, dificultades o alegría religiosa. Pero Coltrane se vuelve del revés. En primer lugar, las frases con movimientos vacíos, vacilantes, con espacio negativo; luego comienza a dar vueltas a las frases, repitiéndolas arriba y abajo de la bocina en patrones rápidos y brillantes, alcanzando sonidos inexpresables, volviéndose feos. (El solo de McCoy Tyner, siguiendo directamente a Coltrane, es ordenado y elegante, completo en su propia manera de contraste radical). Existe la idea de lo "nuevo", y luego hay algo como esta pista, que trasciende la carga de la novedad.

Me imagino tres posibles problemas que alguien podría haber tenido al poner "Slow Blues" en un registro en 1963. Uno es que, a los 11 minutos y medio, habría ocupado un tercio del registro. Dos es que un blues largo probablemente no sería comercialmente correcto a menos que hubiera algún tipo de historia adjunta. Y tres es que, como fue el caso con "Impresiones", "Slow Blues" no muestra explícitamente el progreso. Escuche a Coltrane en el largo y lento "Vierd Blues" del Sutherland Hotel en Chicago en 1961. No es una gran calidad de sonido, pero es excelente en todos los sentidos. "Slow Blues" crece de la misma raíz. No es un "mejor", realmente, pero es mejor tener más de él y estar mejor grabado. Es posible tomar en ambas direcciones a la vez, una parte de la cual se encuentra en medio de los estándares de Coltrane y otra extraordinaria por parte de cualquiera, sin pensar mucho en la posibilidad de aprobación o el progreso. En un caso ideal, ambas cualidades están sobrevaloradas de todos modos. Este es un caso ideal.
by Ben Ratliff
June 30 2018


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The Trashmen ‎• Surfin' Bird



Biography by Cub Koda
A Minneapolis rock & roll band, they evolved from Jim Thaxter & the Travelers, recording one single under that name ("Sally Jo"/"Cyclone"). The group comprises Tony Andreason (lead guitar), Dan Winslow (guitar/ vocals), Bob Reed (bass), and Steve Wahrer (drums/vocals). Unfairly depicted as a novelty act, the Trashmen were in actuality a top-notch rock & roll combo, enormously popular on the teen club circuit, playing primarily surf music to a landlocked Minnesota audience. Drummer Steve Wahrer combined two songs by the Rivingtons ("The Bird's the Word" and "Pa Pa Ooh Mow Mow"), added freakish vocal effects and a pounding rhythm to the mix, and, by early 1964, the group was in the Top Ten nationwide with "Surfin' Bird." Though the group continued to release great follow-up singles and an excellent album, their moment in the sun had come and gone; they disbanded by late 1967/early 1968. They re-formed in the mid-'80s and continued to play locally until Wahrer's death. The Trashmen are revered by '60s collectors as one of the great American teen band combos of all time, their lone hit exemplifying wild, unabashed rock & roll at its most demented, bare-bones-basic, lone-E-chord finest.

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Biografía de Cub Koda.
Banda de rock & roll de Minneapolis, evolucionaron de Jim Thaxter & the Travelers, grabando un single con ese nombre ("Sally Jo" / "Cyclone"). El grupo está compuesto por Tony Andreason (guitarra líder), Dan Winslow (guitarra / voz), Bob Reed (bajo) y Steve Wahrer (batería / voz). Representados injustamente como un acto de novedad, los Trashmen eran en realidad una combinación de rock & roll de primera categoría, enormemente popular en el circuito de clubes de adolescentes, tocando principalmente música de surf para un público sin salida de Minnesota. El baterista Steve Wahrer combinó dos canciones de los Rivingtons ("The Bird's the Word" y "Pa Pa Ooh Mow Mow"), añadió extraños efectos vocales y un ritmo fuerte a la mezcla, y, a principios de 1964, el grupo estaba en el Top Diez a nivel nacional con "Surfin 'Bird". Aunque el grupo continuó lanzando grandes singles de seguimiento y un excelente álbum, su momento en el sol llegó y se fue; se disolvieron a finales de 1967 / principios de 1968. Se volvieron a formar a mediados de los años 80 y continuaron jugando localmente hasta la muerte de Wahrer. Los coleccionistas de los años 60 admiran a Trashmen como uno de los mejores combos de bandas de adolescentes de todos los tiempos, su único éxito ejemplificando el rock and roll salvaje y desenfadado en su versión más simple, básica y acorde de solitario.




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jueves, 23 de mayo de 2019

VA • Saga Jazz, Black California-Central Avenue 1945-1950



Review by Scott Yanow
One of the many excellent double LPs put out by Arista from the Savoy catalog in the mid-'70s, this two-fer contains valuable recordings that originated from Los Angeles during the bop years. Trumpeter Al Killian leads a jam session that also stars altoist Sonny Criss and Wardell Gray on tenor, the jivey guitarist and vocalist Slim Gaillard performs three numbers ("Laguna" is a near-classic) and Roy Porter's big band (with a young trumpeter Art Farmer and Eric Dolphy heard on alto) plays eight songs from 1949, the legendary orchestra's only recordings. In addition there are four vocals by Helen Humes from a live session also featuring the tenor of Dexter Gordon and dates led by tenor Harold Land, altoist Art Pepper and pianist Hampton Hawes. Although containing plenty of classic music, the contents of this two-fer have mostly not been reissued on CD yet.

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Revisión por Scott Yanow
Uno de los muchos excelentes LP dobles publicados por Arista en el catálogo de Savoy a mediados de los 70, este dos fer contiene valiosas grabaciones que se originaron en Los Ángeles durante los años anteriores. El trompetista Al Killian lidera una jam session en la que también actúan el altoista Sonny Criss y Wardell Gray en el tenor, el guitarrista y vocalista delgado Gaillard interpreta tres números ("Laguna" es casi un clásico) y la gran banda de Roy Porter (con un joven trompetista Art Farmer y Eric Dolphy escucharon en alto) tocar ocho canciones de 1949, las únicas grabaciones de la legendaria orquesta. Además, hay cuatro voces de Helen Humes de una sesión en vivo que también presenta al tenor de Dexter Gordon y fechas dirigidas por el tenor Harold Land, el contralista Art Pepper y el pianista Hampton Hawes. Aunque contiene mucha música clásica, el contenido de esta doble ferencia todavía no se ha vuelto a publicar en CD.


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Herbie Mann • Brazil, Bossa Nova & Blues



Biography by Scott Yanow
Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.
Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.
After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc.

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Biografía de Scott Yanow
Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Se hizo muy popular en la década de 1960, pero en la década de los 70 se sumergió tanto en el pop como en varios tipos de músicas del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisar creativamente como lo atestiguan sus últimas grabaciones.
Herbie Mann comenzó a tocar el clarinete cuando tenía nueve años, pero pronto también tocaba flauta y tenor. Después de servir en el Ejército, estuvo con Mat Mathews 'Quintet (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Durante 1954-1958, Mann se dedicó principalmente a jugar bop, a veces colaborando con jugadores como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Se dobló con un tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz en los años 50 que grabaron en el clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta no acompañada.
Después de pasar el tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Sexteto Afro-Jazz, en 1959, un grupo que utiliza varios percusionistas, vibraciones (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin 'Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular durante la era, Mann exploró la bossa nova (incluso grabando en Brasil en 1962), incorporó música de muchas culturas (más las melodías pop actuales) en su repertorio, y tuvo entre sus dirigentes a músicos jóvenes tan importantes como Willie Bobo. Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972, su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann había sido productor en Embroyo (una subsidiaria de Atlantic) durante tres años y frecuentemente estaba extendiendo su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la discoteca. Después de dejar Atlantic a finales de los años 70, Mann tuvo su propio sello por un tiempo y gradualmente volvió al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin, y en los años 90 fundó el sello Kokopelli, en el cual, antes de separarse en 1996, tenía libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A través de los años, grabó como líder para Belén, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, lo más importante, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, luego de una prolongada batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue 2004, lanzado póstumamente Beyond Brooklyn para Telarc.



Nina Simone • Sings The Blues



Review by Thom Jurek
Nina Simone Sings the Blues, issued in 1967, was her RCA label debut, and was a brave departure from the material she had been recording for Phillips. Indeed, her final album for that label, High Priestess of Soul, featured the singer, pianist, and songwriter fronting a virtual orchestra. Here, Simone is backed by a pair of guitarists (Eric Gale and Rudy Stevenson), bassist (Bob Bushnell), drummer (Bernard "Pretty" Purdie), organist (Ernie Hayes), and harmonica player who doubled on saxophone (Buddy Lucas). Simone handled the piano chores. The song selection is key here. Because for all intents and purposes this is perhaps the rawest record Simone ever cut. It opens with the sultry, nocturnal, slow-burning original "Do I Move You," which doesn't beg the question but demands an answer: "Do I move you?/Are you willin'?/Do I groove you?/Is it thrillin'?/Do I soothe you?/Tell the truth now?/Do I move you?/Are you loose now?/The answer better be yeah...It pleases me...." As the guitarists slip and slide around her husky vocal, a harmonica wails in the space between, and Simone's piano is the authority, hard and purposely slow. The other tune in that vein, "In the Dark," is equally tense and unnerving; the band sounds as if it's literally sitting around as she plays and sings. There are a number of Simone signature tunes on this set, including "I Want a Little Sugar in My Bowl," "Backlash Blues," and her singular, hallmark, definitive reading of "My Man's Gone Now" from Porgy and Bess. Other notable tracks are the raucous, sexual roadhouse blues of "Buck," written by Simone's then husband Andy Stroud, and the woolly gospel blues of "Real Real," with the Hammond B-3 soaring around her vocal. The cover of Buddy Johnson's "Since I Fell for You" literally drips with ache and want. Simone also reprised her earlier performance of "House of the Rising Sun" (released on a 1962 Colpix live platter called At the Village Gate). It has more authority in this setting as a barrelhouse blues; it's fast, loud, proud, and wailing with harmonica and B-3 leading the charge. The original set closes with the slow yet sassy "Blues for Mama," ending with the same sexy strut the album began with, giving it the feel of a Möbius strip. Nina Simone Sings the Blues is a hallmark recording that endures; it deserves to be called a classic.
https://www.allmusic.com/album/nina-simone-sings-the-blues-mw0000768895

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Revisión por Thom Jurek
Nina Simone Sings the Blues, emitida en 1967, fue su debut en el sello RCA y fue una valiente salida del material que había estado grabando para Phillips. De hecho, su último álbum para ese sello, High Priestess of Soul, presentó al cantante, pianista y compositor al frente de una orquesta virtual. Aquí, Simone está respaldada por un par de guitarristas (Eric Gale y Rudy Stevenson), el bajista (Bob Bushnell), el baterista (Bernard "Pretty" Purdie), el organista (Ernie Hayes) y el jugador de armónica que se duplicó con el saxofón (Buddy Lucas) . Simone se encargó de las tareas del piano. La selección de la canción es clave aquí. Porque a todos los efectos, este es quizás el récord más grande que Simone haya recortado. Se abre con el original sensual, nocturno, de combustión lenta, "Do I Move You", que no plantea la pregunta, sino que exige una respuesta: "¿Te muevo? / ¿Lo harás? / ¿Te acosaré? / ¿Es emocionante? / ¿Te tranquilizo? / Digo la verdad ahora / ¿Te conmuevo? / ¿Estás suelto ahora? / La respuesta es mejor que sí ... Me agrada ... "A medida que los guitarristas se deslizan y deslizarse alrededor de su voz ronca, una armónica se lamenta en el espacio, y el piano de Simone es la autoridad, dura y deliberadamente lenta. La otra melodía en ese sentido, "In the Dark", es igualmente tensa y desconcertante; La banda suena como si estuviera literalmente sentada mientras ella toca y canta. Hay una serie de melodías de la firma Simone en este set, entre ellas "I Want a Little Sugar in My Bowl", "Backlash Blues", y su lectura singular, distintiva y definitiva de "My Man's Gone Now" de Porgy and Bess. Otras pistas notables son los ruidosos y sexuales blues de "Buck", escritos por el entonces esposo de Simone, Andy Stroud, y los azules evangélicos de "Real Real", con el Hammond B-3 volando alrededor de su voz. La portada de Buddy Johnson "Since I Fell for You" literalmente gotea de dolor y deseo. Simone también repitió su anterior interpretación de "House of the Rising Sun" (lanzada en un plato en vivo de Colpix en 1962 llamado At the Village Gate). Tiene más autoridad en este escenario como un barril de azules; es rápido, ruidoso, orgulloso y gime con armónica y B-3 liderando la carga. El set original se cierra con el lento pero atrevido "Blues for Mama", que termina con el mismo toque sexy con el que comenzó el álbum, lo que le da la sensación de una tira de Möbius. Nina Simone Sings the Blues es una grabación distintiva que perdura; merece ser llamado un clásico.
https://www.allmusic.com/album/nina-simone-sings-the-blues-mw0000768895


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