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domingo, 21 de julio de 2019

Rhoda Scott + Kenny Clarke • Jazz In Paris



Review by Steve Leggett
Originally recorded in Paris at a pair of two-day sessions in 1977 and then released as a BarClay Records LP that same year, this fine duo set features the sturdy soul-jazz organ of Rhoda Scott paired with Kenny Clarke on drums, and together they create a remarkably full sound. It is worth noting that two of the best numbers here are Scott originals, "Bitter Street," which opens the album, and the funky "Toe Jam."

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Reseña de Steve Leggett
Originalmente grabado en París en un par de sesiones de dos días en 1977 y luego lanzado como un LP de BarClay Records ese mismo año, este fino dúo cuenta con el robusto órgano de soul-jazz de Rhoda Scott emparejado con Kenny Clarke en la batería, y juntos crean un sonido notablemente completo. Cabe destacar que dos de los mejores números son los originales de Scott, "Bitter Street", que abre el álbum, y el funky "Toe Jam".





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Elsie Bianchi Trio • At Chateau Fleur De Lis



Recently unearthed tapes from the estate of Elsie Bianchi, recorded 1968 at Chateau Fleur De Lis in Atlanta/ Georgia. Unknown repertoire of her Swiss trio, with Elsie and Siro Bianchi performing on instruments they otherwise never recorded with: hammond organ, tenor saxophone and flute - including Now`s the Time', Pennies From Heaven', Alice In Wonderland', Swingin` Shepherd Blues' and even a French sung version of Take Five'.
https://www.deejay.de/Elsie_Bianchi_Trio_At_Chateau_Fleur_De_Lis_SONOL102_Vinyl__283188


Elsie Bianchi Brunner née Elsie Brunner
She was born November 5th, 1930 in Zurich, Switzerland and died on July 17, 2016 in the USA.

Awarded as a pianist on the first "Amateur Jazz Festival" Zurich in 1953, Elsie Brunner also impressed the audience there on accordion. Her brothers played trumpet, saxophone and other instruments in the musical family, but above all, collected all American jazz records they could find. As early as 1946 Elsie and her siblings were invited to an international accordion competition in Paris, where they won first prizes. In those early days there were also jam sessions in Zurich, from which Elsie should constitute her first own formation.

On bass and Clarinet was Siro Bianchi, whom she later married and with whom she moved to the United States in 1958 - first as music professionals, then as farm owners. Today Elsie and Siro Bianchi-Brunner live in Royston, Georgia. For the first time in 1958 the two traveled to the U.S. and had engagements in Palm Springs and Sun Valley from spring to autumn, along with an American drummer. They were also working together with other American jazz musicians now: Elsa and Siro played with Bob Cooper and his Allstar Ensemble at a session in Hermosa Beach and were good friends of Hampton Hawes, Pete Jolly and Curtis Counce.

From August 1959 to March 1962 they returned to Switzerland and played in Basel (mostly at the Atlantis) as well as in a hotel in Les Diablerets. In April 1962 Elsa and Siro went back to the States. Until 1968 the band toured the U.S. and also played some concerts in Canada. In between, they were always active in Switzerland, especially at the Atlantis/ Basel or in the well-known Swiss winter resorts. During her time in the U.S. Elsa and Siro played with American drummers, while back home they were accompanied by Swiss drummers. In those days Hans Georg Brunner-Schwer of the SABA/ MPS Records label from Villingen heard the band at the Atlantis Club in Basel and provided them with a spontaneous music production, this time accompanied by drummer Charly Antolini. The album entitled "Elsie Bianchi Trio - The Sweetest Sound" was recorded and released in 1965.

Until 1968 the trio played in Houston, Fort Worth and Fort Walton. For two years they were accompanied by the drummer Kenny Schmidt from Basel. Sometimes Siro also played flute or tenor saxophone. In winter 1968, they received an engagement at the Grand Hotel in Gstaad. Then they decided to stop the travelling. Already in the summer of 1967 Elsa and Siro bought a house in Atlanta, Georgia and settled there in spring 1968. From this year, Elsie`s nephew Peter Brunner was sitting at the drums. In 1968 they received a permanent commitment there and played this club for ten long years.

In 1977, Elsie and Siro participated in the "K-Swiss Sportshoe Factory" Atlanta, whose California headquarters were managed by Elsie`s two brothers. The trio worked at the Fleur De Lis until the tennis shoe factory was built. Then they withdrew from the music business. In 1987 K-Swiss was sold. They bought a first ranch in Marysville, Georgia. In 1995, they found their dream farm in Royston, where they live till today.
https://www.discogs.com/artist/557878-Elsie-Bianchi

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Recientemente desenterradas cintas de la finca de Elsie Bianchi, grabadas en 1968 en Chateau Fleur De Lis en Atlanta/ Georgia. Repertorio desconocido de su trío suizo, con Elsie y Siro Bianchi tocando con instrumentos con los que de otra manera nunca habrían grabado: órgano de Hammond, saxofón tenor y flauta - incluyendo Now`s the Time', Pennies From Heaven', Alice In Wonderland', Swingin` Shepherd Blues' e incluso una versión francesa cantada de Take Five'.
https://www.deejay.de/Elsie_Bianchi_Trio_At_Chateau_Fleur_De_Lis_SONOL102_Vinyl__283188


Elsie Bianchi Brunner de soltera Elsie Brunner
Nació el 5 de noviembre de 1930 en Zurich, Suiza y murió el 17 de julio de 2016 en los Estados Unidos.

Premiada como pianista en el primer "Amateur Jazz Festival" de Zúrich en 1953, Elsie Brunner también impresionó al público con el acordeón. Sus hermanos tocaban trompeta, saxofón y otros instrumentos de la familia musical, pero sobre todo, coleccionaban todos los discos de jazz americanos que podían encontrar. Ya en 1946 Elsie y sus hermanos fueron invitados a un concurso internacional de acordeón en París, donde ganaron primeros premios. En aquellos primeros días también hubo jam sessions en Zurich, a partir de las cuales Elsie debería constituir su primera formación propia.

En el bajo y el clarinete estaba Siro Bianchi, con quien se casó más tarde y con quien se mudó a los Estados Unidos en 1958, primero como profesional de la música y luego como dueña de una granja. Hoy en día Elsie y Siro Bianchi-Brunner viven en Royston, Georgia. Por primera vez en 1958 los dos viajaron a los Estados Unidos y tuvieron compromisos en Palm Springs y Sun Valley desde la primavera hasta el otoño, junto con un baterista estadounidense. También estaban trabajando ahora junto con otros músicos de jazz estadounidenses: Elsa y Siro tocaron con Bob Cooper y su Allstar Ensemble en una sesión en Hermosa Beach y fueron buenos amigos de Hampton Hawes, Pete Jolly y Curtis Counce.

De agosto de 1959 a marzo de 1962 regresaron a Suiza y tocaron en Basilea (principalmente en el Atlantis), así como en un hotel de Les Diablerets. En abril de 1962 Elsa y Siro regresaron a los Estados Unidos. Hasta 1968 la banda realizó una gira por los Estados Unidos y también dio algunos conciertos en Canadá. Mientras tanto, siempre estuvieron activos en Suiza, especialmente en el Atlantis/Basilea o en las conocidas estaciones invernales suizas. Durante su estancia en los EE.UU. Elsa y Siro tocaron con bateristas estadounidenses, mientras que en su país los acompañaron bateristas suizos. En aquellos días Hans Georg Brunner-Schwer del sello SABA/MPS Records de Villingen escuchó a la banda en el Atlantis Club de Basilea y les proporcionó una producción musical espontánea, esta vez acompañada por el baterista Charly Antolini. El álbum titulado "Elsie Bianchi Trio - The Sweetest Sound" fue grabado y lanzado en 1965.

Hasta 1968 el trío tocó en Houston, Fort Worth y Fort Walton. Durante dos años estuvieron acompañados por el baterista Kenny Schmidt de Basilea. A veces Siro también tocaba la flauta o el saxofón tenor. En el invierno de 1968, recibieron un compromiso en el Grand Hotel de Gstaad. Entonces decidieron dejar de viajar. Ya en el verano de 1967 Elsa y Siro compraron una casa en Atlanta, Georgia y se establecieron allí en la primavera de 1968. A partir de este año, el sobrino de Elsie, Peter Brunner, estaba sentado en la batería. En 1968 recibieron un compromiso permanente y jugaron en este club durante diez largos años.

En 1977, Elsie y Siro participaron en la "K-Swiss Sportshoe Factory" de Atlanta, cuyas oficinas centrales en California estaban dirigidas por los dos hermanos de Elsie. El trío trabajó en la Fleur De Lis hasta que se construyó la fábrica de zapatillas de tenis. Luego se retiraron del negocio de la música. En 1987 se vendió K-Swiss. Compraron un primer rancho en Marysville, Georgia. En 1995, encontraron la granja de sus sueños en Royston, donde viven hasta hoy.
https://www.discogs.com/artist/557878-Elsie-Bianchi


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Pete Candoli • More Peter Gunn



It would seem that Pete Candoli has been biding his time in the wings all these years. While Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, etc. have long enjoyed broad public recognition; Pete has finally attained the level of popular acceptance that the quality of his talents as a jazz trumpeter deserves.

Within the Music World Pete Candoli is regarded as one of the most precise and eloquent interpreters of jazz. He and his trumpet playing brother Conte have what amounts to a cult following among aficionados.

A trumpet player of major importance, Pete's association with top bands reads like a “Who's Who” of jazz. He has been featured with Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc... in fact, he has played with over 27 of the top named bands.

Although Pete Candoli is best known for the jazz trumpet, his musical background and experience is as varied as it can be. He is equally expert with classical music and pop. He has conducted music seminars and concerts at some  universities and colleges when he is not playing a jazz festival, concert, or nightclub somewhere. To date he has worked over (5000) record dates.

He has composed and arranged music and conducted for Judy Garland, Ella Fitzgerald, and Peggy Lee among others. Having played first trumpet for Igor Stravinsky’s “Ebony Concerto” written for the Woody Herman Orchestra. Pete has received much acclaim for his versatility as a solo trumpeter.

Pete Candoli has won awards as outstanding trumpet player from Downbeat and Metronome Magazines, the 20 most prestigious publications in the music business. Pete also won the Esquire Magazine and the Look Magazine Awards as one of the  all-time outstanding jazz trumpet players. The  were Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie and Bobby Hackert, there is more. Pete and his brother Conte won The International Jazz Hall of Fame award in 1997, and was honored with The Big Band award in 2003.

Pete began playing lead and jazz for Sonny Dunham’s Orchestra in 1941, followed by a long string of other name bands including Woody Herman’s famed “First Herd.” Pete settled into the studio scene in the 50’s after tenures with Herman, Tex Beneke, Jerry Gray and Stan Kenton among others. He and Conte also co-led a band (1957-62). As a preeminent lead trumpeter, Pete played for the Orchestras of Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, as well as Frank Sinatra.

Pete’s exuberant premier lead work and dashing high note specialty is fueled with gratifying surprises always. His sharp, peppered trumpet recalls the brilliance of Louis Armstrong and Roy Eldridge bulking peaks and climaxes. As for jazz, “I’m radical! I never play the same jazz thing twice!” asserts Pete. “I’m like a chameleon and I play what I feel, although I may favor some patterns. Also, I’m a little staccato... on edge of my fiery type of playing.” In summary both bothers define jazz force at it’s best.
https://musicians.allaboutjazz.com/petecandoli

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Parece que Pete Candoli ha estado esperando su momento entre bastidores todos estos años. Aunque Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, etc. han gozado durante mucho tiempo de un amplio reconocimiento público, Pete ha alcanzado finalmente el nivel de aceptación popular que la calidad de sus talentos como trompetista de jazz merece.

Dentro del mundo de la música, Pete Candoli está considerado como uno de los intérpretes más precisos y elocuentes del jazz. Él y su hermano Conte, que toca la trompeta, tienen lo que equivale a un culto entre los aficionados.

Trompetista de gran importancia, la asociación de Pete con las mejores bandas se lee como un "Who's Who" del jazz. Ha participado con Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc.... de hecho, ha tocado con más de 27 de las mejores bandas.

Aunque Pete Candoli es mejor conocido por la trompeta de jazz, su formación musical y experiencia es tan variada como puede ser. Es igualmente experto en música clásica y pop. Ha dirigido seminarios de música y conciertos en algunas universidades y colegios cuando no está tocando en un festival de jazz, concierto o club nocturno en algún lugar. Hasta la fecha ha trabajado más de (5000) fechas de registro.

Ha compuesto y arreglado música y dirigido para Judy Garland, Ella Fitzgerald y Peggy Lee entre otros. Habiendo tocado la primera trompeta para el "Ebony Concerto" de Igor Stravinsky, escrito para la Woody Herman Orchestra. Pete ha recibido muchos elogios por su versatilidad como trompetista solista.

Pete Candoli ha ganado premios como trompetista sobresaliente de Downbeat y Metronome Magazines, las 20 publicaciones más prestigiosas en el negocio de la música. Pete también ganó el Esquire Magazine y el Look Magazine Awards como uno de los trompetistas de jazz más destacados de todos los tiempos. Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie y Bobby Hackert, hay más. Pete y su hermano Conte ganaron el premio del Salón Internacional de la Fama del Jazz en 1997, y fueron honrados con el premio The Big Band en 2003.

Pete comenzó a tocar como líder y jazz para la Orquesta de Sonny Dunham en 1941, seguido por una larga serie de otras bandas con nombre, incluyendo la famosa "First Herd" de Woody Herman. Pete se instaló en la escena del estudio en los años 50 después de trabajar con Herman, Tex Beneke, Jerry Gray y Stan Kenton, entre otros. Él y Conte también co-lideraron una banda (1957-62). Como trompetista principal preeminente, Pete tocó para las orquestas de Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, así como Frank Sinatra.

El exuberante trabajo de Pete como líder y su elegante especialidad de notas altas siempre está lleno de gratificantes sorpresas. Su trompeta puntiaguda y sazonada recuerda la brillantez de Louis Armstrong y Roy Eldridge, que abarrotaban los picos y los clímaxes. En cuanto al jazz, "¡Soy radical! Nunca toco el mismo jazz dos veces", afirma Pete. "Soy como un camaleón y toco lo que siento, aunque puedo favorecer algunos patrones. Además, soy un poco staccato.... al borde de mi fogoso tipo de tocar." En resumen, ambas cosas definen la fuerza del jazz en el mejor de los casos.
https://musicians.allaboutjazz.com/petecandoli




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VA • Rockin' The Spirit



Review by Scott Yanow
After attending an annual boogie-woogie concert organized by Mark Braun (Mr. B.), Monty Alexander headed a recording project that paid tribute to both boogie-woogie and spirituals. Five pianists participated, performing two numbers apiece, with four of the players (all but Alexander) playing a pair of duets. Alexander, Eric Reed, and Johnny O'Neal are better known nationally than Bob Seeley and Mark Braun, but all five pianists fare well, stretching beyond boogie-woogie and spirituals to include a few swing standards and even a bluish duet on Benny Golson's "Whisper Not." Recommended to boogie-woogie fans and the curious.
Five exceptional pianists join forces for an unforgettable evening of stomping boogie-woogie and soulful gospel music. As heard in these performances, both boogie-woogie and gospel are intricately linked. Both can light up a room, warm the heart, and stir emotions like nothing else.


Reviews
Five phenomenal pianists show how close boogie-woogie is to gospel music, united as they are by a common directness and passion. Anyone who saw the movie Ray will remember the scene where Ray Charles and Art Tatum play a piano duet and come to the same conclusion. Johnny O'Neal played Tatum, and boogie is his speciality. In his hands, and in those of contemporary masters Bob Seeley and Mark Braun, the venerable idiom comes ferociously to life. It's hard to believe that one pair of hands can create such power and drive. - The Observer (UK)

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Reseña de Scott Yanow
Después de asistir a un concierto anual de boogie-woogie organizado por Mark Braun (Sr. B.), Monty Alexander dirigió un proyecto de grabación que rindió homenaje tanto al boogie-woogie como a los espirituales. Participaron cinco pianistas, interpretando dos números cada uno, con cuatro de los músicos (todos menos Alejandro) tocando un par de dúos. Alexander, Eric Reed y Johnny O'Neal son más conocidos a nivel nacional que Bob Seeley y Mark Braun, pero a los cinco pianistas les va bien, ya que van más allá del boogie-woogie y los rituales e incluyen algunos estándares de swing e incluso un dúo azulado en "Whisper Not" de Benny Golson. Recomendado para los aficionados al boogie-woogie y los curiosos.
Cinco pianistas excepcionales unen sus fuerzas para disfrutar de una velada inolvidable de boogie-woogie y música gospel conmovedora. Como se ha escuchado en estas actuaciones, tanto el boogie-boogie como el gospel están íntimamente ligados. Ambos pueden iluminar una habitación, calentar el corazón y despertar emociones como ninguna otra cosa.


Reseñas
Cinco pianistas fenomenales muestran lo cerca que está el boogie-woogie de la música gospel, unidos como están por una franqueza y una pasión comunes. Cualquiera que haya visto la película Ray recordará la escena en la que Ray Charles y Art Tatum tocan un dúo de piano y llegan a la misma conclusión. Johnny O'Neal tocaba Tatum, y el boogie es su especialidad. En sus manos, y en las de los maestros contemporáneos Bob Seeley y Mark Braun, el venerable lenguaje cobra vida de forma feroz. Es difícil de creer que un par de manos puedan crear tal potencia y conducción. - El observador (Reino Unido)


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The Ventures • Theme From Shaft



 Artist Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.

The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.

The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.

Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.

One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.

Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.

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Biografía del artista por John Bush
No es el primer pero definitivamente el combo instrumental de rock más popular, los Ventures marcaron varios éxitos durante los años 60 -- más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" -- pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo los éxitos del día y organizando LPs temáticamente ligados. Casi 40 álbumes de Ventures registrados, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en Estados Unidos prácticamente desapareció en la década de 1970, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas a lo largo de los años setenta y ochenta, influyendo en la música pop japonesa de la época más de lo que habían hecho con la música americana durante los años sesenta.

Los orígenes de los Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington llamado los Impactos. Alrededor de 1959, los obreros de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, tocando en el estado de Washington e Idaho con varias secciones rítmicas como apoyo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de ser rechazada por la filial Dolton de Liberty Records, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Ellos lanzaron un sencillo vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.

Los Ventures entraron en el estudio en 1959 con la idea de un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Publicado en Blue Horizon en 1960, el sencillo "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de haber sido transmitido como noticia en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llegó llamando y licenciando el sencillo para su distribución nacional; para el verano de 1960, ya era el número dos en las listas de éxitos, detrás de sólo "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, que no es de extrañar, titulado después de su exitoso sencillo.

Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", llegaron al Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto empezaron a sacar provecho de lo que se convirtió en una marca registrada: el lanzamiento de LPs que contenían canciones muy poco estructuradas en torno a un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. Los Ventures pusieron su sello indeleble en cada estilo de la música de los'60 que cubrieron, y cubrieron muchos: twist, country, pop, música de espías, psicodélica, pantano, garaje, temas de televisión. (En los años 70, la banda pasó al funk, la discoteca, el reggae, el soft rock y la música latina.) La alineación de los Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards se hizo cargo de la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.

Uno de los pocos LPs no arreglados en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull, de 1963, incluía una portada del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica Tornadoes y producida por Joe Meek. Aunque su portada de "Telstar" ni siquiera figuraba en la lista de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", llegó al número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los años 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular durante ese tiempo, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales en la industria de la música para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema televisivo "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontraron con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar álbumes específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias estadounidenses en la música pop japonesa de todos los tiempos.

Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos por un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. (Taylor también regresó, en 1979.) A principios de los'80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, podía presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda para siempre en 1984 (reemplazado de nuevo por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo - Mel Taylor murió a mitad de una gira japonesa en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el co-fundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018 - sin embargo, las encarnaciones más recientes de los Ventures continuaron llenando las salas de conciertos en todo el mundo.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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Charlie Musselwhite • Stone Blues



 Artist Biography by Dan Forte
Harmonica wizard Norton Buffalo can recollect a leaner time when his record collection had been whittled down to only the bare essentials: The Paul Butterfield Blues Band and Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's South Side Band. Butterfield and Musselwhite will probably be forever linked as the two most interesting, and arguably the most important, products of the "white blues movement" of the mid- to late '60s -- not only because they were near the forefront chronologically, but because they both stand out as being especially faithful to the style. Each certainly earned the respect of his legendary mentors. No less than the late Big Joe Williams said, "Charlie Musselwhite is one of the greatest living harp players of country blues. He is right up there with Sonny Boy Williamson, and he's been my harp player ever since Sonny Boy got killed." Musselwhite in particular, from the very beginning of his recording career in the early '60s, established himself as a true lineage member of an earlier generation of Delta bluesmen who made the trek to Chicago to further their careers, creating a new form of blues in the process. Musselwhite is the winner of seven Grammy awards, 27 Blues Music Awards, and is a Blues Hall of Fame inductee.

It's interesting that Williams specifies "country" blues, because, even though he made his mark leading electric bands in Chicago and San Francisco, Musselwhite began playing blues with people he'd read about in Samuel Charters' Country Blues -- Memphis greats like Furry Lewis, Will Shade, and Gus Cannon. It was these rural roots that set him apart from Butterfield, and decades later Musselwhite began incorporating his first instrument, guitar.

Musselwhite was born in Kosciusko, Mississippi in 1944, and his family moved north to Memphis, where he went to high school. He migrated to Chicago in search of the near-mythical $3.00-an-hour job (the same lure that set innumerable youngsters on the same route), and became a familiar face at blues haunts like Pepper's, Turner's, and Theresa's, sitting in with and sometimes playing alongside harmonica lords such as Little Walter, Shakey Horton, Good Rockin' Charles, Carey Bell, Big John Wrencher, and even Sonny Boy Williamson. Before recording his first album, Musselwhite appeared on LPs by Tracy Nelson and John Hammond and duetted (as Memphis Charlie) with Shakey Horton on Vanguard's Chicago/The Blues/Today series.

When his aforementioned debut LP became a standard on San Francisco's underground radio, Musselwhite played the Fillmore Auditorium and never returned to the Windy City. Leading bands that featured greats like guitarists Harvey Mandel, Freddie Roulette, Luther Tucker, Louis Myers, Robben Ford, Fenton Robinson, and Junior Watson, Musselwhite played steadily in Bay Area bars and mounted somewhat low-profile national tours. It wasn't until the late '80s, when he conquered a career-long drinking problem, that Musselwhite began touring worldwide to rave notices. He became busier than ever and continued releasing records to critical acclaim.

His two releases on Virgin, Rough News in 1997 and Continental Drifter in 2000, found Musselwhite mixing elements of jazz, gospel, Tex-Mex, and acoustic Delta blues. After signing with Telarc Blues in 2002, he continued exploring his musical roots by releasing One Night in America. The disc exposed Musselwhite's interest in country music with a cover version of the Johnny Cash classic "Big River," and featured guest appearances by Kelly Willis and Marty Stuart. Sanctuary, released in 2004, was Musselwhite's first record for Real World. After extensive touring globally, he returned to the studio for its follow-up, the back-to-basics Delta Hardware, recorded in Mississippi. The set was hard-edged and raw blues and featured one live track, the hip-shaking "Clarksdale Boogie," recorded in front of a small but enthusiastic audience at Red's Juke Joint in that very town. Musselwhite returned to Alligator in 2009 and got down to business and cut The Well in Chicago, an all-original program that featured a guest duet appearance from Mavis Staples on the track "Sad Beautiful World." The song references the murder of his 93-year-old mother during a burglary in her home.

Musselwhite met guitarist and songwriter Ben Harper, a lifelong fan, during a tour playing harmonica for John Lee Hooker; Harper's band opened those gigs. The pair got on exceptionally well -- the elder bluesman knew Harper's work. Hooker felt strongly that the two men should work together and brought them into the studio to record "Burnin' Hell" with him. The two became friends as their paths periodically crossed on the road. Ultimately, they collaborated on 2013's Get Up!; the album won the following year's Grammy for Best Blues Album. That same year, Musselwhite and his own band released the raw, kinetic Juke Joint Chapel, a collection of five originals and seven covers that many critics argued should have won the Grammy. Musselwhite followed it with the live I Ain't Lyin' in 2015. Given the success of their first collaborative effort and an ever-deepening friendship, the pair teamed again for 2018's No Mercy in This Land for Anti. Produced by Harper, its ten tracks recount both men's personal stories. The title track single appeared in January of 2018, followed by second single "The Bottle Wins Again" and the full-length in March.

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 Biografía del artista por Dan Forte
El mago de la armónica Norton Buffalo puede recordar una época en la que su colección de discos se había reducido a lo esencial: La Paul Butterfield Blues Band y retrocede! Aquí viene Charley Musselwhite's South Side Band. Butterfield y Musselwhite probablemente estarán siempre ligados como los dos productos más interesantes, y posiblemente los más importantes, del "movimiento del blues blanco" de mediados a finales de los años 60, no sólo porque estaban cerca de la vanguardia cronológicamente, sino porque ambos destacan por ser especialmente fieles al estilo. Cada uno se ganó el respeto de sus legendarios mentores. Nada menos que el difunto Gran Joe Williams dijo: "Charlie Musselwhite es uno de los mejores arpistas vivos del country blues. Está ahí arriba con Sonny Boy Williamson, y ha sido mi arpista desde que mataron a Sonny Boy". Musselwhite en particular, desde el comienzo de su carrera discográfica a principios de los años 60, se estableció como un verdadero miembro del linaje de una generación anterior de bluesmen del Delta que hizo el viaje a Chicago para avanzar en sus carreras, creando una nueva forma de blues en el proceso. Musselwhite es el ganador de siete premios Grammy, 27 premios Blues Music Awards, y es un miembro del Salón de la Fama del Blues.

Es interesante que Williams especifique el blues "country", porque, a pesar de haber dejado su huella en las principales bandas eléctricas de Chicago y San Francisco, Musselwhite comenzó a tocar blues con gente de la que había leído en Samuel Charters' Country Blues -- grandes de Memphis como Furry Lewis, Will Shade, y Gus Cannon. Fueron estas raíces rurales las que lo diferenciaron de Butterfield, y décadas más tarde Musselwhite comenzó a incorporar su primer instrumento, la guitarra.

Musselwhite nació en Kosciusko, Mississippi, en 1944, y su familia se mudó al norte, a Memphis, donde fue a la escuela secundaria. Migró a Chicago en busca del casi mítico trabajo de $3.00 la hora (el mismo señuelo que puso a innumerables jóvenes en la misma ruta), y se convirtió en una cara familiar en los sitios de blues como Pepper's, Turner's y Theresa's, sentados y a veces tocando junto a señores de la armónica como Little Walter, Shakey Horton, Good Rockin' Charles, Carey Bell, Big John Wrencher, e incluso Sonny Boy Williamson. Antes de grabar su primer álbum, Musselwhite apareció en LPs de Tracy Nelson y John Hammond y a dúo (como Memphis Charlie) con Shakey Horton en la serie Chicago/The Blues/Today de Vanguard.

Cuando el mencionado LP de debut se convirtió en un estándar en la radio subterránea de San Francisco, Musselwhite tocó en el Fillmore Auditorium y nunca regresó a la Ciudad de los Vientos. Bandas líderes que presentaron a grandes figuras como los guitarristas Harvey Mandel, Freddie Roulette, Luther Tucker, Louis Myers, Robben Ford, Fenton Robinson y Junior Watson, Musselwhite tocaron constantemente en los bares del área de la bahía y montaron giras nacionales de bajo perfil. No fue hasta finales de los años 80, cuando conquistó un problema con la bebida, que Musselwhite comenzó a viajar por todo el mundo para llamar la atención. Se puso más ocupado que nunca y continuó publicando discos que fueron aclamados por la crítica.

Sus dos lanzamientos en Virgin, Rough News en 1997 y Continental Drifter en 2000, encontraron Musselwhite mezclando elementos de jazz, gospel, Tex-Mex y blues acústico Delta. Después de firmar con Telarc Blues en 2002, continuó explorando sus raíces musicales con el lanzamiento de One Night in America. El disco expuso el interés de Musselwhite por la música country con una versión cover del clásico de Johnny Cash "Big River", y contó con la participación de Kelly Willis y Marty Stuart como invitados. Sanctuary, lanzado en 2004, fue el primer disco de Musselwhite para Real World. Después de una extensa gira por todo el mundo, regresó al estudio para su seguimiento, el regreso a los fundamentos de Delta Hardware, grabado en Mississippi. El set era hardedged y blues crudo y contenía un tema en vivo, el "Clarksdale Boogie", grabado frente a una pequeña pero entusiasta audiencia en Red's Juke Joint en esa misma ciudad. Musselwhite regresó a Alligator en 2009 y se puso manos a la obra y cortó The Well in Chicago, un programa totalmente original que incluía una aparición a dúo de Mavis Staples en el tema "Sad Beautiful World". La canción hace referencia al asesinato de su madre de 93 años durante un robo en su casa.

Musselwhite conoció al guitarrista y compositor Ben Harper, un fanático de toda la vida, durante una gira tocando la armónica para John Lee Hooker; la banda de Harper abrió esos conciertos. La pareja se llevaba excepcionalmente bien, el bluesista mayor conocía el trabajo de Harper. Hooker estaba convencido de que los dos hombres debían trabajar juntos y los trajo al estudio para grabar "Burnin' Hell" con él. Los dos se hicieron amigos cuando sus caminos se cruzaban periódicamente en el camino. Finalmente, colaboraron en Get Up! de 2013; el álbum ganó el Grammy al año siguiente por Mejor Álbum de Blues. Ese mismo año, Musselwhite y su propia banda lanzaron la cruda y cinética Juke Joint Chapel, una colección de cinco originales y siete versiones que muchos críticos argumentaban que deberían haber ganado el Grammy. Musselwhite lo siguió con el Live I Ain't Lyin' en 2015. Dado el éxito de su primer esfuerzo de colaboración y una amistad cada vez más profunda, la pareja se unió de nuevo para el 2018's No Mercy in This Land for Anti. Producida por Harper, sus diez temas relatan las historias personales de ambos hombres. El single con el título de la canción apareció en enero de 2018, seguido por el segundo sencillo "La botella gana de nuevo" y el largometraje en marzo.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


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VA • Thunderbolt!

sábado, 20 de julio de 2019

J.J. Johnson • J.J.'s Broadway



Review of Scott Yanow
This is one of the more obscure J.J. Johnson LPs. On six of the ten songs, the great trombonist is joined by four others, while the remaining four tracks (the main reasons to search for this album) feature him in a quartet with pianist Hank Jones, bassist Richard Davis and drummer Walter Perkins. Johnson's writing on the larger group pieces lifts the material, which is all taken from Broadway shows, while his playing on the quartet tracks is up to his usual level. Some of the songs are now forgotten, but "My Favorite Things," "Make Someone Happy" and "Put on a Happy Face" are exceptions. This album has some good music, but it will be very difficult to find.


Review of C. Andrew Hovan
One of the key trombone innovators of the be-bop era, J.J. Johnson's recordings as a leader while small in number have been relatively hard to track down over the years. While his early Blue Note sides are easily obtainable, his later work for Verve and RCA has been much less widely disseminated. One of his finest works of the '60s,  J.J.'s Broadway had been long overdue for reissue and it ranks as one of the better albums of show tunes done up in a jazz style thanks to Johnson's smart arrangements. While the quartet tracks offer Johnson full range to blow at will, it's the arrangements for trombone choir (Urbie Green, Lou McGarity, Tommy Mitchell, and Paul Faulise) that come off the strongest with some of Johnson's best writing in the offing. While not as well known as John Coltrane's iconic version, Johnson's take on "My Favorite Things" joins the ranks of inspired jazz fare based on the tune's workable structure.

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Reseña de Scott Yanow
Este es uno de los LPs más oscuros de J.J. Johnson. En seis de las diez canciones, el gran trombonista está acompañado por otras cuatro, mientras que las cuatro canciones restantes (las principales razones para buscar este álbum) lo presentan en un cuarteto con el pianista Hank Jones, el bajista Richard Davis y el baterista Walter Perkins. La escritura de Johnson en las piezas más grandes del grupo eleva el material, que es tomado de los espectáculos de Broadway, mientras que su interpretación en los temas del cuarteto está a su nivel habitual. Algunas de las canciones ya están olvidadas, pero "My Favorite Things", "Make Someone Happy" y "Put on a Happy Face" son excepciones. Este álbum tiene buena música, pero será muy difícil de encontrar.


Reseña de C. Andrew Hovan
Uno de los principales innovadores del trombón de la era del be-bop, las grabaciones de J.J. Johnson como líder, mientras que las de un número pequeño han sido relativamente difíciles de rastrear a lo largo de los años. Si bien sus primeras versiones de Blue Note son fáciles de obtener, su trabajo posterior para Verve y RCA ha tenido una difusión mucho menor. Uno de sus mejores trabajos de los años 60, J.J.'s Broadway se había retrasado mucho en su reedición y es uno de los mejores álbumes de melodías para espectáculos con un estilo jazzístico gracias a los elegantes arreglos de Johnson. Mientras que los temas del cuarteto ofrecen a Johnson un rango completo para tocar a voluntad, son los arreglos para el coro de trombones (Urbie Green, Lou McGarity, Tommy Mitchell, y Paul Faulise) los que salen más fuertes con algunos de los mejores escritos de Johnson en perspectiva. Aunque no es tan conocida como la versión icónica de John Coltrane, la versión de Johnson de "My Favorite Things" se une a las filas del jazz inspirado en la estructura de la melodía.


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Ingfried Hoffmann • Hammond Bond



Review by Christian Genzel
Essentially, Hammond Bond is a re-release of the 1966 album From Twen with Love by German organist Ingfried Hoffmann, who was a member of Klaus Doldinger's band in the '60s. The new title (which is given the tagline "Ingfried Hoffmann plays jazz for secret agents" on the CD cover) emphasizes the fact that the original album was released to benefit from the first James Bond craze, but it makes the album appear to be more of a novelty record than it really is: From Twen with Love (the original title references the second James Bond movie, of course, and the Philips Twen label where it was first published) is an organ jazz album very much in the vein of the soul-jazz recordings popular during this time, and apart from the inclusion of covers of the three Bond title songs that existed back then -- "Thunderball," "Goldfinger," and "From Russia with Love" -- and the fact that several tracks reference the superspy in their titles ("Yeah, Dr. No," "007 Bond Street"), the album isn't as gimmick-driven as its reissue title implies. Granted, several tracks have a strong beat influence and aren't too far away from what Riz Ortolani, Piero Piccioni, and other Italian musicians were composing for dozens of European crime movies (and, yes, Bond rip-offs) -- "Phantom's Walk" would easily fit on a compilation from the Beat at Cinecitta or Easy Tempo series -- but Hoffmann's bright, slightly psychedelic organ and Volker Kriegel's guitar get a lot of space for a number of inspired solos. Most of the tracks are originals by Hoffmann, and he has a knack for writing good hooks (he would later score movies himself), and more often than not, you could imagine Lou Donaldson dropping by to add some saxophone to the music. The Bond covers are fun, and it's interesting to hear those bombastic arrangements played this breezily. Unfortunately, the reissue messes up the original sequencing of the album, and it adds four tracks from different sessions: three from Hoffmann's 1963 album Hammond Tales (recorded with a different group which includes drummer Klaus Weiss), and one from Peter Thomas' 1966 soundtrack Playgirl. Still, the new track order works well, and the fact that the added tracks have little to do with the original album concept doesn't detract from the fun. Hammond Bond isn't groundbreaking or essential in any regard, but it's a solid organ jazz album that's enjoyable even after the novelty factor has long worn off.


Ingfried Hoffmann (born January 30, 1935) is a German jazz organist, pianist, trumpeter, arranger and composer. He has released several commercial recordings on a variety of labels, including Columbia Records, Philips Records, Polydor Records, and Verve Records. He has also composed music for several German television films and programs, including most of the music for the German version of Sesame Street and Robbi, Tobbi und das Fliewatüüt.

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Reseña de Christian Genzel
Esencialmente, Hammond Bond es una reedición del álbum de 1966 From Twen with Love del organista alemán Ingfried Hoffmann, quien fue miembro de la banda de Klaus Doldinger en los años 60. El nuevo título (que lleva el lema "Ingfried Hoffmann toca jazz para agentes secretos" en la portada del CD) enfatiza el hecho de que el álbum original fue lanzado para beneficiarse de la primera locura de James Bond, pero hace que el álbum parezca ser más novedoso de lo que realmente es: From Twen with Love (el título original hace referencia a la segunda película de James Bond, por supuesto, y al sello Philips Twen donde se publicó por primera vez) es un álbum de jazz para órgano muy similar a las grabaciones de soul-jazz populares durante este tiempo, y aparte de la inclusión de las versiones de las tres canciones de título de Bond que existían en ese entonces - "Thunderball", "Goldfinger" y "From Russia with Love" - y el hecho de que varios temas hacen referencia a la superespionaje en sus títulos ("Yeah, Dr. No", "007 Bond Street"), el álbum no está tan orientado a los trucos como implica su título de reedición. Es cierto que varios temas tienen una fuerte influencia beat y no están muy lejos de lo que Riz Ortolani, Piero Piccioni y otros músicos italianos estaban componiendo para docenas de películas policíacas europeas (y, sí, Bond rip-offs) -- "Phantom's Walk" encajaría fácilmente en una compilación de las series Beat at Cinecitta o Easy Tempo -- pero el brillante y ligeramente psicodélico órgano de Hoffmann y la guitarra de Volker Kriegel tienen mucho espacio para un número de solos inspirados. La mayoría de los temas son originales de Hoffmann, y tiene un don para escribir buenos ganchos (más tarde se dedicaría a componer películas), y la mayoría de las veces, se puede imaginar a Lou Donaldson viniendo a añadir un poco de saxofón a la música. Las portadas de Bond son divertidas, y es interesante escuchar esos arreglos pomposos que se tocan de forma tan alegre. Desafortunadamente, la reedición estropea la secuencia original del álbum, y añade cuatro temas de diferentes sesiones: tres del álbum de Hoffmann de 1963 Hammond Tales (grabado con un grupo diferente que incluye al baterista Klaus Weiss), y uno de la banda sonora de Peter Thomas de 1966, Playgirl. Aún así, el nuevo orden de las pistas funciona bien, y el hecho de que las pistas añadidas tengan poco que ver con el concepto original del álbum no quita diversión. Hammond Bond no es innovador ni esencial en ningún aspecto, pero es un sólido álbum de jazz para órgano que es agradable incluso después de que el factor novedad haya desaparecido hace tiempo.


Ingfried Hoffmann (nacido el 30 de enero de 1935) es un organista de jazz, pianista, trompetista, arreglista y compositor alemán. Ha publicado varias grabaciones comerciales en una variedad de sellos discográficos, incluyendo Columbia Records, Philips Records, Polydor Records y Verve Records. También ha compuesto música para varias películas y programas de la televisión alemana, incluyendo la mayoría de la música para la versión alemana de Plaza Sésamo y Robbi, Tobbi und das Fliewatüüt.







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The Cesnola Collection of Cypriot Terracottas • MET



The Cesnola Collection of antiquities was assembled on Cyprus in the 1860s and 1870s by Luigi Palma di Cesnola, who sold it to The Metropolitan Museum of Art in 1872. Cesnola subsequently served as the institution’s first director. Numbering around 6,000 objects, the collection documents the artistic traditions and creativity of the island from prehistoric through Roman times.

The publication focuses on terracottas: 424 pieces that date from about 2000 B.C. to the 2nd century A.D. Each object is accompanied by a catalogue entry with description, bibliography, and illustration. There are also fifteen commentaries and a glossary, chronology, and maps that introduce the colorful world of ancient life and mythology to an interested public while providing an invaluable tool to students and archaeologists.


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Herb Hardesty & His Band • The Domino, Effect Wing and Federal Recordings 1958-61



Review by Richie Unterberger
Just the first paragraph of the liner notes to this CD is enough to make you wonder why Herb Hardesty isn't in the Rock & Roll Hall of Fame in the sideman category, as he played saxophone on numerous Fats Domino classics including "I'm Walkin'," "Blue Monday," and "The Fat Man" (as well as Lloyd Price's "Lawdy Miss Clawdy"). He also did some recordings on his own, with this anthology collecting 20 tracks he cut between 1958 and 1961. The first dozen have never been heard before this compilation, as they were recorded in 1958 (with a lineup including fellow New Orleans sax legend Alvin "Red" Tyler) for an album for Mercury's Wing subsidiary that never came out; the others appeared on obscure singles between 1959 and 1962 (though the final one, "Just a Little Bit of Everything," is an alternate take, as the master tape for the original 45 is lost). All are instrumental, with the exception of a couple songs featuring vocals by Walter "Papoose" Nelson.
Although Hardesty was undeniably a first-rate talent -- one listen to the sax on any of the aforementioned hits by other artists will confirm that -- these recordings are ordinary R&B/rock instrumentals, sometimes with a pronounced Latin feel. They'd be OK for background listening or warm-up dancing in a club, but they really don't have much going for them as interesting compositions (all were written or co-written by Hardesty, though he sometimes gave the credit to his son Michael). As generic music capturing the atmosphere of the time, they do fill the bill, whether it's the smoky sax on the ballad "Soft Lights," or the walking beat on more uptempo party numbers like "Feelin' Good." "Bouncing Ball" in particular echoes the arrangements on Fats Domino hits like "I'm Walkin'," though things usually tend toward a slightly jazzier, less rock-oriented mood. The thorough liner notes give a good account of Hardesty's career as a whole, not just the period covered by the material on this collection.



If you grew up listening to R&B and rock’n’roll during the 1950s, you could not have avoided hearing Herb Hardesty. If you own just one of countless Imperial Fats Domino 45s or 78s, you will own at least two examples of Herb’s craft, as he blew tenor saxophone solos on just about every track Fats cut on Imperial from his first session in 1949 to his last in 1962. Herb’s unique sax signature also appeared on a vast amount of other New Orleans productions throughout the 1950s and early 60s. He also toured with Fats’ road band for four decades, appearing all over the world.

It’s hardly surprising that Herb’s own recording career as a bandleader amounts to no more than the 20 tracks that make up ‘The Domino Effect’, a well-deserved salute to this giant of New Orleans music that, happily, he is still around to enjoy.

While he was on the road with Fats, Herb got noticed and signed as a solo act by the manager of Mercury Records group the Diamonds. Using his in at Mercury, Nat Goodman negotiated a deal for Herb and the other members of the Domino band to cut an album of mostly rockin’ instrumentals for the label’s Wing subsidiary at Cosimo Matassa’s New Orleans studio. For reasons that nobody can remember now, the album was never released – an oversight that Ace is more than happy to rectify 54 years later. Although the tracks are obviously sax-centric, there’s plenty of room for the other members of Herb’s outfit to be heard – it sounds like a Fats Domino album without vocals, which is exactly what it is.

The balance of the tracks here were either sold to or cut for King Records’ Syd Nathan and released on the Federal label over a period of a couple of years. Pretty much all of the same musicians participated in the sessions; although the sound is more 60s, there’s plenty for fans of later-period New Orleans R&B to enjoy. The overall listening experience is well summed up by the closing track, ‘Just A Little Bit Of Everything’, which is what Herb Hardesty and his band serve up throughout.

The great music is supplemented by a book full of gorgeous pictures from Herb’s own collection and testimonials from many of the great musicians he has worked with in his 60-plus years in music, from Dr John to Allen Toussaint to Herb’s most regular and loyal employer Dave Bartholomew. Herb is delighted with and fully supportive of our CD. We’re sure those who continually ask us for more music from the Crescent City will be too. - By Tony Rounce -

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Reseña de Richie Unterberger
Sólo el primer párrafo de las notas de este CD es suficiente para que te preguntes por qué Herb Hardesty no está en el Salón de la Fama del Rock & Roll en la categoría de sideman, ya que tocó el saxofón en numerosos clásicos de Fats Domino, incluyendo "I'm Walkin', "Blue Monday" y "The Fat Man" (así como "Lawdy Miss Clawdy" de Lloyd Price). También realizó algunas grabaciones por su cuenta, con esta antología recopilando 20 temas que grabó entre 1958 y 1961. La primera docena nunca ha sido escuchada antes de esta compilación, ya que fueron grabadas en 1958 (con una alineación que incluía a la leyenda del saxo de Nueva Orleans Alvin "Red" Tyler) para un álbum para la subsidiaria de Mercury's Wing que nunca salió; las otras aparecieron en sencillos oscuros entre 1959 y 1962 (aunque la última, "Just a Little Bit of Everything", es una versión alternativa, ya que la cinta maestra de los 45 originales se perdió). Todos son instrumentales, con la excepción de un par de canciones con voz de Walter "Papoose" Nelson.

Aunque es innegable que Hardesty fue un talento de primera clase -- escuchar el saxofón en cualquiera de los éxitos mencionados por otros artistas confirmará que -- estas grabaciones son instrumentales ordinarios de R&B/rock, a veces con un pronunciado toque latino. Estarían bien para escuchar de fondo o bailar en un club, pero en realidad no tienen mucho para ellos como composiciones interesantes (todas fueron escritas o co-escritas por Hardesty, aunque a veces le dio el crédito a su hijo Michael). Como música genérica que captura la atmósfera de la época, ellos llenan la cuenta, ya sea el saxofón humeante en la balada "Soft Lights", o el ritmo de las fiestas más animadas como "Feelin' Good". "Bouncing Ball" en particular se hace eco de los arreglos de los éxitos de Fats Domino como "I'm Walkin'", aunque las cosas suelen tender a un estado de ánimo un poco más jazzier, menos orientado al rock. Los exhaustivos apuntes sobre la carrera de Hardesty en su conjunto, y no sólo sobre el período cubierto por el material de esta colección, son un buen ejemplo de ello.



Si usted creció escuchando R&B y rock'n'roll durante la década de 1950, no podría haber evitado escuchar a Herb Hardesty. Si usted posee sólo uno de los incontables Fats Domino 45s o 78s de Imperial Fats, tendrá al menos dos ejemplos del arte de Herb, ya que sopló solos de saxofón tenor en casi todos los cortes de Fats en Imperial desde su primera sesión en 1949 hasta su última en 1962. La firma única del saxo de Herb también apareció en una gran cantidad de otras producciones de Nueva Orleans a lo largo de los años 50 y principios de los 60. También estuvo de gira con la banda de Fats durante cuatro décadas, apareciendo por todo el mundo.


No es de extrañar que la carrera discográfica de Herb como director de orquesta no supere los 20 temas que componen'The Domino Effect', un merecido saludo a este gigante de la música de Nueva Orleans que, felizmente, sigue disfrutando.

Mientras estaba de gira con Fats, Herb se dio a conocer y fue firmado como solista por el manager del grupo Mercury Records, The Diamonds. Usando su presencia en Mercury, Nat Goodman negoció un acuerdo para que Herb y los otros miembros de la banda Domino grabaran un álbum de instrumentos de rock para la subsidiaria Wing del sello en el estudio de Cosimo Matassa en Nueva Orleans. Por razones que nadie recuerda ahora, el álbum nunca fue lanzado - un descuido que Ace está más que feliz de rectificar 54 años después. Aunque los temas son obviamente centrados en el saxo, hay mucho espacio para que los otros miembros del equipo de Herb sean escuchados - suena como un álbum de Fats Domino sin voz, que es exactamente lo que es.

El resto de las canciones fueron vendidas o cortadas para Syd Nathan de King Records y publicadas en el sello Federal durante un par de años. Casi todos los mismos músicos participaron en las sesiones; aunque el sonido es de más de 60 años, hay mucho para que los fanáticos del R&B de Nueva Orleáns de períodos posteriores lo disfruten. La experiencia auditiva general está bien resumida en el tema final,'Just A Little Bit Of Everything', que es lo que Herb Hardesty y su banda ofrecen en todo momento.

La gran música se complementa con un libro lleno de magníficas imágenes de la colección de Herb y testimonios de muchos de los grandes músicos con los que ha trabajado en sus más de 60 años en la música, desde el Dr. John hasta Allen Toussaint, pasando por el empleador más regular y leal de Herb, Dave Bartholomew. Herb está encantado con nuestro CD y lo apoya plenamente. Estamos seguros de que aquellos que continuamente nos piden más música de la Ciudad de la Media Luna también lo estarán. - Por Tony Rounce -


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Bo Diddley, Little Walter & Muddy Waters • Super Blues

Christian Tamburr • Voyage



Christian Tamburr is a multi-instrumentalist, accomplished on the piano and trapset as well as world and orchestral percussion. However, his true talent is exhibited on his instrument of choice, the vibraphone. Confirmed in May of 2001 when in their annual poll of collegiate musicians, Downbeat Magazine awarded him "Outstanding Solo Jazz Performance". Christian is currently the leader of the critically acclaimed Christian Tamburr Quartet, a four-piece acoustic jazz group. After a year and a half of touring around the world, Christian just returned home from working as Musical Director and Pianist for Latin Vocal Legend Julio Iglesias. Starting in January of 2010, Christian will work as Musical Director and Bandleader for a brand new Cirque du Soleil Production.

Christian first started performing jazz at the age of 14. Now 28, he has since had the opportunity to work with many jazz legends including, Ira Sullivan, Kenny Barron, Clark Terry, James Moody, Benny Green, Bucky Pizarelli, Kevin Mahogany, Nicolas Payton, Art Van Damm, Slide Hampton, Bob Mintzer, Milt Hilton, Dick Hyman, Bob Haggart, Mark Murphy, Eric Marienthal, Marcus Printup, and Bunky Green to name a few. Christian has performed as a guest artist with Dave Brubeck, as a solo percussionist with Michael Feinstein, and opened for Harry Connick, Jr. In the summer of 2006 Christian Tamburr and Regent Cruise Lines produced a Baltic Jazz Cruise. For five weeks Christian’s septet toured and performed throughout Scandinavia including performances at Street Life, the prestigious jazz club in downtown St. Petersburg Russia. Over the past four years Christian and his quaret have performed at the Kennedy Center in Washington DC, Lincoln Center in New York City,The Atlanta Jazz Festival, Atlanta Jazz Festival, the Harrington PA Jazz Festival, the New Jersey Jazz Festival, the Cocoa Beach Jazz Festival and the Ravinia Jazz in June residency. In 2008 the group traveled to Japan for a 3-week tour performing on festivals and clubs around the country. In December of 2005 Christian and bassist Elisa Pruett were hired to play for NBA legend Micheal Jordan in Charlotte, NC. In 2002 as a member of the Noel Friedline Quintet, Christian was hired to perform for Julia Roberts at her highly publicized, surprise birthday party in New York City. In winter of 2006, Christian’s first album “ Move” was released as a part of a Starbucks Gift Set, available around the country. In February of 2007, Christian joined Latin vocal star Julio Iglesias performing as his featured pianist and shares as musical director. Although rooted in jazz, Christian’s ability to be diverse in the music industry has allowed him to be successful in multiple genres of performance and recording. The world tour has included stops throughout the US, Mexico, Argentina, Paraguay, The Dominican Republic, Portugal, Sweden, Latvia, Lithuania, France, Spain, and Monaco, South Africa just to name a few. Christian works as a producer, arranger, and writer for many groups of all styles around the country. Famed magicians Penn and Teller hired Christian to write and teach them music for their stag

e show in Las Vegas. Off the stage, Christian also works as a clinician, teaching high school and college students all around the country. Clinics vary from working with jazz big bands, small groups, and improvisation, to percussion technique for mallets in the concert or marching idiom. Christian is endorsed by Receptor Muse, Promark sticks and mallets, and plays exclusively Musser vibraphones.

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Christian Tamburr es un multi-instrumentista, realizado tanto en el piano y la trampilla como en la percusión mundial y orquestal. Sin embargo, su verdadero talento se exhibe en su instrumento preferido, el vibráfono. Confirmado en mayo de 2001 cuando en su encuesta anual de músicos universitarios, la revista Downbeat Magazine le otorgó el premio "Outstanding Solo Jazz Performance". Christian es actualmente el líder del aclamado Christian Tamburr Quartet, un grupo de cuatro músicos de jazz acústico. Después de un año y medio de giras alrededor del mundo, Christian acaba de regresar de trabajar como Director Musical y Pianista para Latin Vocal Legend Julio Iglesias. A partir de enero de 2010, Christian trabajará como director musical y director de orquesta para una nueva producción del Cirque du Soleil.


Christian comenzó a tocar jazz a la edad de 14 años. A sus 28 años, desde entonces ha tenido la oportunidad de trabajar con muchas leyendas del jazz, incluyendo a Ira Sullivan, Kenny Barron, Clark Terry, James Moody, Benny Green, Bucky Pizarelli, Kevin Mahogany, Nicolas Payton, Art Van Damm, Slide Hampton, Bob Mintzer, Milt Hilton, Dick Hyman, Bob Haggart, Mark Murphy, Eric Marienthal, Marcus Printup, y Bunky Green, por nombrar algunos. Christian ha actuado como artista invitado con Dave Brubeck, como percusionista solista con Michael Feinstein, y abrió para Harry Connick, Jr. En el verano de 2006 Christian Tamburr y Regent Cruise Lines produjeron un Crucero de Jazz Báltico. Durante cinco semanas, el septeto de Christian realizó una gira y actuó por toda Escandinavia, incluyendo actuaciones en Street Life, el prestigioso club de jazz del centro de San Petersburgo, Rusia. Durante los últimos cuatro años, Christian y su cuarteto han actuado en el Kennedy Center de Washington DC, el Lincoln Center de Nueva York, el Atlanta Jazz Festival, el Atlanta Jazz Festival, el Harrington PA Jazz Festival, el New Jersey Jazz Festival, el Cocoa Beach Jazz Festival y el Ravinia Jazz en la residencia de junio. En 2008 el grupo viajó a Japón para una gira de tres semanas actuando en festivales y clubes de todo el país. En diciembre de 2005 Christian y la bajista Elisa Pruett fueron contratados para tocar para la leyenda de la NBA Micheal Jordan en Charlotte, NC. En 2002, como miembro del Noel Friedline Quintet, Christian fue contratada para actuar para Julia Roberts en su fiesta de cumpleaños sorpresa y muy publicitada en la ciudad de Nueva York. En el invierno de 2006, el primer álbum de Christian, " Move ", fue lanzado como parte de un Starbucks Gift Set, disponible en todo el país. En febrero de 2007, Christian se unió a la estrella vocal latina Julio Iglesias como su pianista principal y comparte como director musical. Aunque arraigado en el jazz, la habilidad de Christian para ser diverso en la industria de la música le ha permitido tener éxito en múltiples géneros de interpretación y grabación. La gira mundial ha incluido paradas en los Estados Unidos, México, Argentina, Paraguay, República Dominicana, Portugal, Suecia, Letonia, Lituania, Francia, España y Mónaco, Sudáfrica, entre otros. Christian trabaja como productor, arreglista y escritor para muchos grupos de todos los estilos en todo el país. Los famosos magos Penn y Teller contrataron a Christian para escribir y enseñarles música para su espectáculo en Las Vegas. Fuera del escenario, Christian también trabaja como clínico, enseñando a estudiantes de secundaria y universitarios en todo el país. Las clínicas varían desde trabajar con grandes bandas de jazz, pequeños grupos e improvisación, hasta técnicas de percusión para mazas en el concierto o en el idioma de marcha. Christian está avalado por Receptor Muse, Promark palos y mazos, y toca exclusivamente vibráfonos de Musser.




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Al Caiola • Latin Fever



 Biography by Stephen Thomas Erlewine
Guitarist Al Caiola initially made his reputation as a session musician, playing on records made by Percy Faith and Andre Kostelanetz, among others. Caiola was the conductor and arranger for United Artists Records in the late '40s and early '50s. After leaving UA, he signed with RCA, where he released a number of singles in the '50s. In the early '60s, he went back to United Artists, which is where he scored his first hit with the theme to the film The Magnificent Seven. The single peaked at 35 in early 1961 and it was quickly followed by the theme to the television series Bonanza, which climbed to number 19. For the rest of the '60s, Caiola released a number of easy listening instrumental albums and also hosted a television show, which was only aired for a short while. Caiola continued to record throughout subsequent decades; he died in Allendale, New Jersey in 2016 at the age of 96.

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
El guitarrista Al Caiola inicialmente hizo su reputación como músico de sesión, tocando en discos hechos por Percy Faith y Andre Kostelanetz, entre otros. Caiola fue la directora y arreglista de United Artists Records a finales de los años 40 y principios de los 50. Después de dejar UA, firmó con RCA, donde lanzó una serie de singles en los años 50. A principios de los años 60, regresó a United Artists, que es donde anotó su primer éxito con el tema de la película The Magnificent Seven. El single alcanzó su punto máximo en 35 a principios de 1961 y fue seguido rápidamente por el tema de la serie de televisión Bonanza, que llegó al número 19. Durante el resto de los años 60, Caiola lanzó una serie de álbumes instrumentales fáciles de escuchar y también presentó una televisión. Espectáculo, que solo se emitió por un corto tiempo. Caiola continuó grabando a lo largo de décadas posteriores; murió en Allendale, Nueva Jersey en 2016 a la edad de 96 años.


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viernes, 19 de julio de 2019

Monty Alexander • Calypso Blues The Music of Nat King Cole



Review by Michael G. Nastos
Monty Alexander follows up his tribute to Tony Bennett with an homage to another classic jazz singer, Nat King Cole. Also recorded in New York City at St. Peter's Episcopal Church with the same trio of Chicagoans Lorin Cohen on bass and drummer George Fludas, the veteran pianist seems more in his element with this artist's repertoire that sharply defined his personal sound and thinking about populist jazz. Though all of the tunes selected are not so closely linked to Cole's hit parade songbook, the way Alexander plays them with subtlety and depth certainly reflects what made Cole the king in the late '50s and early '60s. Though a competent singer, Alexander does not attempt vocalizing them, and that's all right. What he does is lovingly construct these melodies and extrapolate on them later -- the best way of honoring these great American popular songs. Though "Straighten Up and Fly Right" is not credited as it is in Ira Gitler's liner notes, it's a distinct part of and extant in the theme of the bluesy, two-fisted, and breezy "Can't See for Looking." "Ramblin' Rose" is not at all typical in a bouncy, cowpoke swing, and "Send for Me" has Alexander staggering the chord phrases as if he's juggling them, with double stops and bouncy stride or boogie-woogie inferences. Most typically Nat is the straight-ahead take of "Almost Like Being in Love," the short and sweet "Fascination," and the steamrolling "Sweet Georgia Brown," a tune Cole loved to tear it up on, showcasing Alexander at his best. The most unusual selections go into ethnic overtones, as "Hajji Baba" is Arabic in nature with its mystical exoticism and the storybook, childlike version of "Never Let Me Go" refers to Alexander's Caribbean roots, mixing a bossa nova and reggae feel into a light, cool whip. The CD is bookended with versions of the title track, where Alexander wields the melodica playfully, again in spicier Latin frames. With the immaculate sound and performance by this fine trio -- not to mention that they didn't exactly play Cole's songbook rote or by the numbers -- it's hard to fault the effort, heart, and soul behind this concept album that should delight many jazz listeners.



Artist Biography by Matt Collar
Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.

In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.

In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.

The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.

In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.

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Reseña de Michael G. Nastos
Monty Alexander sigue su homenaje a Tony Bennett con un homenaje a otro cantante de jazz clásico, Nat King Cole. También grabado en la ciudad de Nueva York en la Iglesia Episcopal de San Pedro con el mismo trío de los Chicagoitas Lorin Cohen en el bajo y el baterista George Fludas, el veterano pianista parece más en su elemento con el repertorio de este artista que definió claramente su sonido personal y su pensamiento sobre el jazz populista. Aunque todas las melodías seleccionadas no están tan estrechamente relacionadas con el exitoso cancionero de Cole, la forma en que Alexander las toca con sutileza y profundidad refleja ciertamente lo que hizo de Cole el rey a finales de los años 50 y principios de los 60. Aunque es un cantante competente, Alexander no intenta vocalizarlos, y eso está bien. Lo que hace es construir amorosamente estas melodías y luego extrapolarlas, la mejor manera de honrar estas grandes canciones populares estadounidenses. Aunque "Straighten Up and Fly Right" no está acreditado como lo está en las notas de Ira Gitler, es una parte distinta y existente en el tema del blues, los dos puños y la brisa "Can't See for Looking". "Ramblin' Rose" no es para nada típico en un swing de vaquero y vaquero, y "Send for Me" tiene a Alexander tambaleando las frases de acordes como si las estuviera haciendo malabares, con dobles paradas y zancadas de rebote o inferencias de boogie-boogie. Lo más típico de Nat es la toma directa de "Casi como estar enamorado", la corta y dulce "Fascinación", y la arrolladora "Sweet Georgia Brown", una melodía que a Cole le encantaba desgarrar, mostrando a Alexander en su mejor momento. Las selecciones más inusuales tienen matices étnicos, ya que "Hajji Baba" es de naturaleza árabe con su exotismo místico y el libro de cuentos, una versión infantil de "Never Let Me Go" (Nunca me dejes ir) se refiere a las raíces caribeñas de Alexander, mezclando una bossa nova y una sensación de reggae en un látigo ligero y fresco. El CD está terminado con las versiones del tema del título, donde Alexander maneja la melódica de manera juguetona, de nuevo en marcos latinos más picantes. Con el inmaculado sonido y la interpretación de este buen trío -por no mencionar que no tocaron exactamente la rutina del libro de canciones de Cole o los números- es difícil culpar al esfuerzo, corazón y alma detrás de este álbum conceptual que debería deleitar a muchos oyentes de jazz.



Biografía del artista por Matt Collar
El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.

En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".

En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.

Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.

En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center. 


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